Madrid es una de las ciudades más fotogénicas del mundo. La luz que tiene ya enamoró a los grandes pintores de la corte, entre ellos Velázquez. Hay que buscar la historia de los fotógrafos en su mapa, pero una de las historias más curiosas es el origen de la calle dedicada a Alfonso en pleno centro de la ciudad.

En Madrid hay una calle que se llama Escalinata del Fotógrafo Alfonso. Está en la margen izquierda de la calle Segovia, bajando por la calle Sacramento, al final de la calle Mayor. Desde esta escalinata podemos contemplar una vista única del famoso viaducto de Segovia, un lugar tristemente conocido por la historia de los suicidas.

Casi soy un gato por los cuatro costados. Y desconocía la existencia de esta calle (por favor, visitarla solo de día) hasta que me la descubrió la autora del blog Viajando tranquilamente por Madrid y su Comunidad. No me podía creer que existiera una calle dedicada a uno de los 'Alfonso', una de las familias fotográficas más importantes de principios del siglo XX.

Durante mucho tiempo he estado buscando por qué dedicaron esta calle a Alfonso Sánchez Portela, el hijo de Alfonso Sánchez García, el que inició la saga. Cuando vemos las fotografías firmadas por Alfonso, tenemos que saber que comprende a los dos y a todo su equipo.

Las vistas desde la famosa calle

Fue un fotógrafo importante en los tiempos de la república, pero su posicionamiento político provocó que no pudiera trabajar libremente durante los años de la dictadura. Estaba siempre al lado de los políticos y los intelectuales y al final de sus días tuvo que centrarse más en el mundo del retrato. De hecho encontramos una placa en el lugar donde estuvo el estudio, en plena Gran Vía.

Y no podemos olvidar que fue el secretario de la Unión de Informadores Gráficos de Prensa, una asociación creada en 1934 por los fotógrafos para defender sus derechos, entre los que destacaba la necesidad de reconocer al autor de las imágenes y reconocer su procedencia.

El origen de la calle dedicada a Alfonso Sánchez Portela

Según he visto en las crónicas, decidieron darle el nombre del fotógrafo a esta escalinata en 1991, cuando era alcalde de Madrid Álvarez del Manzano. Cuando me contaron la historia creía firmemente que era por una de las fotografías más bonitas que existen del viaducto.

¿Desde dónde tomó la fotografía? Google Maps

Mi gran error era que esa fotografía de la que hablo era del gran Catalá Roca, otro de los grandes del siglo XX. Así que no entendía el motivo. Ahí no estaba su estudio, ni su casa, pero nació en el barrio.

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Así que tocaba buscar el motivo. No puede ser que un fotógrafo reciba ese honor, en ese lugar, sin motivo alguno. Hasta que por fin di con un texto donde explican todo. Está firmado por Alejandro Riera Guignet, Doctor en Filología Hispánica y Juan Miguel Sánchez Vigil.

La famosa fotografía de Catalá Roca del viaducto

En dicho texto nos cuentan la relación entre el periodista Emilio Carrere y los fotógrafos Alfonso Sánchez García y Alfonso Sánchez Portela. Emilio Carrere era un escritor de los años 30 que firmaba una serie de artículos bajo el seudónimo El Barbero Lamparilla en el periódico 'La libertad'.

Y para el artículo 'El Madrid que desaparece. Elegía por el Viaducto' solicitó al primogénito de los Alfonso una fotografía del viaducto. Eligió un punto de vista alto, con un aire apocalíptico. Y el texto que lo acompañaba era el siguiente:

El viaducto se desvencija. (…) Los suicidas ya no le dan importancia. Lo han substituido por los túneles del “Metro“, donde hallan un final obscuro de topos. Ha dejado de ser el gran balcón sobre la Eternidad.

Leemos en las crónicas que el viaducto original de 1874 (de madera y hierro) se derribó en 1932 porque ya no aguantaba el tráfico rodado. Y el nuevo se inauguró en 1934.

El artículo se publica en 1933, así que la fotografía retrata el original y debía formar parte del archivo de la familia. Estamos viendo el viaducto original desvencijado sin las grandes arcadas.

La fotografía de Alfonso que ilustra los artículos citados

Esa fotografía bastó para darle el nombre de la calle a Alfonso, un fotógrafo que con solo 19 años fotografió la locura de la guerra tras el desastre de Annual, que habréis leído en los libros de historia.

Es una pena que, a un fotógrafo de la talla de Alfonso, se le reconozca con una calle por una de sus fotografías más oscuras y siniestras.

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La imagen más bonita del viaducto es de Catalá Roca, y quizás ese honor debería ser para él. O quizás sea un acierto porque los fotógrafos están para documentar la realidad y no hay nada tan duro como reconocer un lugar en el que tanta gente decidió terminar con su vida.

La han calificado la nevada del siglo porque ni los más viejos del lugar recuerdan un hecho semejante. La nieve ha cubierto por completo la capital española y, aunque haya esto haya traído muchos problemas (que arrastraremos bastante tiempo), ha dejado estampas inauditas que quedarán para la historia. Y, claro, ante esto muchos han salido a las calles a retratar la insólita visión de las calles madrileñas cubiertas por la nevada que nos dejó Filomena.

Esquiadores por el centro de Madrid.

Uno de ellos es el fotógrafo (y diseñador gráfico) especializado en foto urbana Juanma Jmse, a quien os presentamos hace tiempo y quien en plena cuarentena por coronavirus nos demostró su amor por Madrid, su ciudad. Ahora, Juanma nos ha hecho llegar estas increíbles fotos de algunas de las zonas más céntricas de la capital que reflejan parte de lo que se vivió.

Algunas de estas fotos las ha compartido en su cuenta de Instagram donde describe la situación de una manera muy certera: "sigo sin creerme lo que está pasando, pero no puedo parar de salir con la cámara y recorrer la ciudad". Y es que, como él mismo dice, "hay momentos que creo que jamás volveré a repetir. Gran parte de mi trabajo personal gira entorno a Madrid y nunca imaginé retratarla así".

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Seguro que muchos de vosotros opináis lo mismo (sobre todo los madrileños), así que simplemente os dejamos con algunas fotos más de Juanma que documentan este hecho histórico que, más allá de la pandemia, marcará el recién estrenado 2021. Ah y, por supuesto, le damos las gracias por compartirlas con nosotros y os recordamos que nuestro buzón

está abierto 24/7 para recibir propuestas y/o sugerencias.

Juanma Jmse | Instagram | Página web

Fotografías de Juanma Jmse reproducidas con permiso del autor para este artículo

Los suburbios de la capital de España allá por 1975 es lo que recoge ‘Donde la ciudad termina’, un proyecto de Enrique Sáenz de San Pedro que justo por aquellas fechas regresó a España (tras pasar once años en Londres) y se encontró con una ciudad que crecía a marchas forzadas, y que se puede ver hasta mediados de octubre en el espacio expositivo de CentroCentro.

Enrique Sáenz de San Pedro (1942, Vitoria-Gasteiz) fue un emigrado español a Inglaterra, donde se hizo fotógrafo y trabajó con revistas como Studio International y Amateur Photography. Once años después, en 1975, volvió a España y se instaló en Madrid y montó un estudio dedicado a la la fotografía antigua y a las reproducciones de obras de arte para organismos oficiales. Sin embargo, estas no eran las unicas fotografías que le interesaban así que dedicó parte de su tiempo a recorrer la periferia de Madrid para explorar zonas hoy día irreconocibles y congelarlas gracias a su cámara.

En las fotos de ‘Donde la ciudad termina’ predominan lugares desangelados, medio desiertos, “encrucijadas en las que campo y ciudad convivían en esa peculiar transición hacia el futuro”, con barrios enteros ampliándose muchas veces sin orden ni concierto a causa de la masiva emigración de gente venida desde Extremadura y Andalucía que se produjo en aquellos años en la ciudad.

“Lo que me interesaba era recorrer aquel Madrid trazado en torno a las líneas del Metropolitano […] Descubrí que hasta los lugares excavados eran ocupados por los madrileños de todas las generaciones con enorme naturalidad […] Que cada cual vea lo que quiera, pero lo que yo vi fue un Madrid en construcción bajo la atenta mirada de sus gentes.”

Aquel proyecto nunca lo terminó por razones de trabajo, pero aún así le dedicó mucho tiempo, el suficiente como para recopilar una amplia colección de imágenes que ahora se han recuperado y se pueden contemplar hasta el 15 de octubre de forma gratuita en el Palacio de Cibeles. La muestra, por cierto, pertenece al ciclo denominado ‘Lanzadera’ que, comisariado por Iñaki Domingo, está pensado para dar visibilidad y difusión al trabajo de fotógrafos españoles que nunca antes han expuesto de forma individual en una institución pública.

Más información | Centrocentro

En Xataka Foto | Todos los premios Descubrimientos PHE entre 1998 y 2016 en una misma exposición en Madrid

Todas las fotografías ©Enrique S. de San Pedro. De la serie 'Donde La Ciudad Termina'

La escuela de fotografía madrileña Blank Paper cumple 10 años, y para celebrarlo, además de una fiesta por todo lo alto en la Sala Caracol y una exposición de la fotógrafa Maria Rojas, ofrecen nada menos que 3 becas para fotógrafos con más de 700 horas formativas valoradas en 10.000 euros. Te explicamos en qué consisten y como puedes optar a ellas.

Blank Paper es una escuela que nació con la idea de poner el foco de atención en nuevas formas de desarrollar la fotografía, alejándose de ciertas ideas fotográficas clásicas y adentrándose (y muchas veces liderando) la que podríamos denominar la nueva praxis fotográfica. Es importante que tengamos en cuenta su filosofía a la hora de optar por una de las becas que ofrecen.

Teniendo claro el marco creativo en el que se mueve la escuela, estas son las becas a las que podemos optar:

9ª Beca Desarrollo de proyectos

Es la beca más longeva de Blank Paper que ha sido concedida a fotógrafos como Laura Carrascosa o Iñigo Aragón y su meta es ofrecer a cada alumno las respuestas a las necesidades creativas y profesionales que conlleva realizar un proyecto fotográfico hasta su difusión.

1ª Beca Fotolibro

Primera edición de esta nueva beca en la que el ganador de la misma participará en un laboratorio de experimentación e investigación desde el punto de vista de la edición y la creación. La persona becada obtendrá soluciones a las necesidades creativas y profesionales que conlleva un proyecto editorial y lo materializará en una maqueta de fotolibro.

1ª Beca Creación de Proyectos Expositivos

Esta beca, que también se estrena este año, permitirá al ganador adquirir conocimientos y soluciones respecto a las necesidades creativas y profesionales que conlleva un proyecto y su diseño expositivo.

Para participar en las distintas becas, deberemos rellenar una ficha de inscripción así como entregar una biografía, un enlace a nuestra web personal, carta de motivación así como un resumen del proyecto que queramos desarrollar en la beca a la que optemos y distinto material gráfico que nos detallan en cada beca. Toda la información está disponible su página web. Tenéis de tiempo para presentaros hasta el 6 de Mayo.

Página oficial | Becas Blank Paper

Decir que el barrio de Malasaña se ha convertido en el laboratorio de pruebas de la gentrificación en Madrid no es ninguna novedad, con todo lo que ello implica: subida del precio de alquileres, cierre de muchos establecimientos históricos y en resumidas cuentas, un cambio sustancial del tejido social del barrio. Sin embargo, algunos espacios sobreviven, como El Palentino, lugar que conserva personalidad castiza del siglo pasado y del que no para de crecer su fama.

No es de extrañar por tanto que fotógrafos y cineastas se hayan fijado en él. Os enseñamos algunos trabajos.

Por la ineludible cualidad de congelar el tiempo y servir como memoria que tienen las cámaras de vídeo y fotografía, los cineastas y fotógrafos somos muy dados a intentar retratar aquello que se fue, o si no, aquello que sobrevive con el aroma de otro tiempo. Y el bar El Palentino es sin duda un espacio que se hace muy goloso.

Alex de la Iglesia se encuentra ahora mismo inmerso en su nueva película, El Bar, y que supone un nuevo capítulo en su particular revisión de los espacios que rezuman carácter puramente español. Tras los problemas de vecinos de La Comunidad y las tensiones de nuestras casposillas galas de año nuevo en Mi Gran Noche, El Bar sirve de homenaje a uno de los principales espacios en los que los españoles desarrollamos nuestras vidas. Y para ello, se ha recreado en un bar abiertamente inspirado El Palentino a través de un estudio con todo lujo de detalles.

El fotógrafo de Nophoto, Jonás Bel, también ha sido encandilado por los asiduos a El Palentino, sus cafés en vaso de cerveza y su inconfundible aire a bares de nuestra infancia. Lo estuvo visitando asiduamente durante el 2005 y como resultado, produjo el siguiente fotolibro que podéis adquirir en Phree.

Vía | Notodo y Nophoto

El pasado fin de semana se celebró en Madrid Fiebre Photobook Festival, el primer festival dedicado a los fotolibros de nuestro país. Entrevistamos a Olmo González, uno de los organizadores del Festival, para conocer de primera mano cómo se desarrolló el evento y descubrir que pese haber terminado el Festival, aún quedan eventos por desarrollarse y exposiciones por visitar. No deberías perdértelos si quieres estar al día en el panorama fotográfico nacional.

Esta es la tercera edición del festival Fiebre Photobook Festival. Podrías explicarnos qué es un fotolibro y la importancia que tiene la existencia un Festival como Fiebre para el desarrollo de estas obras fotográficas.

Es la tercera edición de Fiebre, aunque es la primera vez que lo llamamos Festival, hasta ahora era una feria y no tenía exposiciones ni premio de maquetas y, aunque ya teníamos en mente hacerlo a lo grande, aún nos faltaba un poco de esfuerzo para conseguirlo. En el fondo es una gran excusa para ver muchos libros interesantes y poner cara a muchas personas que publican y compran libros. Que de este encuentro anual salgan más libros o más personas interesadas en ellos es nuestra intención.

Un fotolibro es un trabajo fotográfico publicado en soporte libro donde el diseño del mismo está adaptado al trabajo, desde el formato, al tipo de papel, pasando por la secuenciación, tipografías, etc. La mejor manera de comprobar que un libro de fotografías no es un fotolibro es viendo si hay una intención clara de adaptar el contenedor al contenido, si las fotos parecen encajadas de cualquier manera. Si el papel, el diseño en general se han utilizado bajo un estándar y no adaptadas al trabajo, no es un fotolibro.

¿Está creciendo el Festival con cada edición en una mayor participación de fotógrafos interesados en el fotolibro?

El Festival crece porque cada año se nos queda pequeña la edición anterior. Este año también ha sido así, aunque es verdad que el salto ha sido bastante grande. De un encuentro en la Escuela Blank Paper de unas horas, pasamos a todo un día el año siguiente. Este año han sido cuatro días seguidos, cinco si contamos el evento OFF Fiebre alternativo al Festival en IvoryPress, o varios meses si contamos la duración de las exposiciones en CentroCentro Cibeles y Blank Paper.

Tanto las inauguraciones, las convocatorias o la feria y sus actividades han tenido bastante participación, aún estamos cuantificando todo esto y es pronto para daros cifras concretas, pero siendo muchas más actividades respecto al año pasado, que todas se hayan llenado ya es algo para celebrar.

¿A qué se debe este interés cada vez mayor en el fotolibro?

Ha habido una explosión de creatividad asociada al libro porque de pocos años a esta parte mucha gente hemos descubierto las posibilidades técnicas y creativas del soporte libro, hemos conocido imprentas con posibilidades enormes a tiradas reducidas, muchas personas del sector se han especializado en fotolibros y muchísimos fotógrafos y fotógrafas han pasado de pensar en exposiciones a pensar en libros.

Y este movimiento se retroalimenta con cada nuevo libro, con cada nuevo curso dedicado a la edición de libros, con cada premio que, de pronto, comienza a incluir la publicación de un libro en sus bases, etc.

¿Crees que el fotolibro es una herramienta más adecuada para presentar proyectos fotográficos que una exposición más clásica?

Todos los soportes tienen sus ventajas y sus inconvenientes. En el caso de las exposiciones, el coste de producción y diseño se dispara en comparación con una maqueta o un libro de tirada reducida. Además, un libro se puede enviar a cualquier parte del mundo.

Ya ocurría con los catálogos de las exposiciones, la diferencia es que ahora el libro se toma más en serio y se trabaja de manera específica como soporte personalizado en función del trabajo, algo que ya ocurría con la exposición en la mayoría de los casos. Aunque hay exposiciones de fotografía muy potentes e interesantes, no dejan de tener un alcance limitado al público que acude a ella.

También es verdad que el público que acude a una gran exposición puede ser mucho mayor que el que pueda ver un buen fotolibro, el público del libro puede ser de cualquier parte del mundo, y seguramente sea un público altamente especializado, que para dar a conocer nuestro trabajo es toda una ventaja.

Habéis planteado tres exposiciones en Centro Centro Cibeles de Madrid que finalizarán el 17 de abril de 2016, incluyendo distintas actividades. Nos puedes comentar en qué consisten las exposiciones y las actividades.

Son tres acercamientos a la edición fotográfica. La primera, Dummy Award, son las maquetas finalistas del premio del Festival patrocinado por Artes Gráficas Palermo, imprenta de referencia en el sector del libro de fotografía. Esta parte muestra maquetas, que no son otra cosa que bocetos de libros aún sin publicar, y viene muy bien para ver 15 trabajos más o menos desarrollados, ver errores y aciertos en su diseño y secuencia, entender que un libro publicado no aparece de la nada y que hay un trabajo detrás muy duro.

La segunda parte, El Proceso, intenta trasladar la experiencia asociada a 5 libros de gran repercusión internacional. Estas dos partes las ha comisariado el equipo del Festival.

La tercera parte, Do It With Others (DIWO) ha sido comisariada por Juan Pablo Huércanos y es una muestra de más de 200 piezas entre publicaciones, posters, fotografías, vídeos, desplegables, etc. de más de 80 artistas que utilizan la autopublicación como forma de dar a conocer su trabajo. Es una muestra del momento de enorme riqueza creativa que estamos viviendo.

Dentro de las actividades programadas, habrá un taller y encuentros en torno al libro . Si nos seguís en redes sociales os contaremos en qué consistirán más adelante.

¿Cuáles han sido para tí los grandes momentos vividos en el Festival?

El momento más feliz para mí han sido las inauguraciones de la planta cuarta de CentroCentro Cibeles, que estaba repleta de gente mirando publicaciones y hablando de ellas el jueves día 10 de diciembre. Fue el colofón a meses de intenso trabajo con el equipo de diseño de Tres Tipos Gráficos y Mapout, de diseño arquitectónico,* V15* en el montaje y CentroCentro Cibeles, que han trabajado muy duro también en la producción y apostaron por una exposición muy complicada y diferente a todo lo que habían tenido hasta ahora.

Agradecer al comisario de DIWO, Juan Pablo Huércanos por su implicación durante la semana de montaje, a los artistas de todas las exposiciones sin cuyos excelentes trabajos no tendríamos nada, y a mis compañeros de Fiebre y Blank Paper, que después de trabajar tan duro seguimos tan unidos como al principio, lo cual no es fácil, en medio de tanto estrés y agotamiento.

¿Tendremos nueva edición del Festival para el año que viene?

Por supuesto, ya estamos trabajando en ella y no es una frase hecha. Hay mucha gente contenta con la edición 2015 y ya está mostrando interés en la de 2016.

Además de ser organizador de Fiebre, eres miembro activo de la Escuela de Fotografía Blank Paper y acabas de publicar el fotolibro CONTROL ¿En qué consiste este proyecto?

Soy parte de la plantilla de la Escuela Blank Paper. Soy alumno, profesor, trabajo en la comunicación y en la gestión cultural. Creo que me quedan pocas cosas que hacer en Blank Paper, hasta he pasado la fregona en más de una exposición con vino por el suelo. Pero lo mejor está por llegar, es un lugar lleno de ideas y creatividad, no sé a qué me dedicaría si no trabajara en la escuela. Seguramente me aburriría.

CONTROL es un libro publicado gracias a un premio recibido en SCAN Tarragona, en los visionados de Full Contact, y lo otorga una imprenta de Barcelona, Folio Club. Ellos se han hecho cargo de la producción, es decir, impresión, encuadernación y parte del diseño del libro. Yo me he hecho cargo de la otra parte del diseño, contratando a Eloi Gimeno, uno de los mejores diseñadores del mundo en esto de los fotolibros, y a Víctor Garrido en la preimpresión, uno de los mejores preimpresores de fotolibros que existen. Sin estos dos profesionales creo sinceramente que no habría podido publicar el libro, no solo por el resultado de enorme calidad sino porque en el proceso he sido padre y no he tenido tiempo ni energía para todo a la vez.

El proyecto en sí es una investigación visual sobre la fotografía como herramienta de opresión social y de cómo desarmarla para transformarla en una máquina liberadora. La imagen nos rodea, nos domina y nos controla, a veces creo que es la peor de las herramientas desarrolladas por la humanidad debido a su capacidad de manipulación inconsciente.

Con este trabajo he tratado de encontrar una manera de seguir haciendo fotografías sin que mi conciencia estalle en pedazos, y también he tratado de explicar el proceso de cómo he llegado a este punto. Todo está explicado en el libro si nos concedemos el tiempo de experimentarlo. De otra manera solo tendremos un efecto superficial que jamás nos cambiará ni hará reflexionar, y para eso ya están las redes sociales como Instagram, donde he publicado muchas imágenes del trabajo.

Sitio oficial del festival | Fiebre

Más información sobre CONTROL | Página de Olmo González

El libro de las cabezas. Autorretrato en el tiempo (trabajo en proceso) Cortesía / courtesy Colección de Arte Contemporáneo Fundación "la Caixa" © Esther Ferrer. VEGAP. Madrid, 2011

Desde que os informamos que se había puesto en marcha Photo España 2011, desde Xatakafoto, estamos recorriendo parte de las exposiciones que conforman este gran evento anual que se produce en Madrid como todos los años, al que este año como os comentamos se han incorporado sedes como Alcala de Henares, Cuenca o Lisboa. Y bueno por tanto queremos acercaros parte de algunas de estas exposiciones que estamos recorriendo, para no solo enseñaros una pequeña muestra, sino también animaros a que con esto os entre mas la curiosidad si cabe, y vayais a verlas.

Una de las primeras exposiciones que hemos recorrido ha sido "Cara al tiempo". Una exposicion colectiva, perteneciente a la sección Oficial de Photo España, y que se encuentra enclavada en el Jardín Botánico. En ella se exponen obras de cinco autores: Esther Ferrer, Péter Forgács, Pere Formiguera, Kan Xuan y Lucas Samaras.

Parte de la serie de Esther Ferrer - Autorretrato en el tiempo

"Cara al tiempo" podríamos catalogarla como una de las exposiciones más arraigadas a la idea de retrato fotográfico que muchos podemos tener, y es sin lugar a dudas la reflexión sobre el paso del tiempo en el ser humano. Todos intentamos congelar ese momento, o instante que gracias a la fotografía podría decirse que perdurara para siempre, y con el cual poder recordar, comparar, reflexionar etc... Pues bien, esta exposición trata esencialmente de eso. Todos sus autores, nos dan una muestra de estas sensaciones, en las obras que aqui exponen.

© Pere Formiguera, VEGAP. Madrid, 2011

Esther Ferrer y Lucas Samaras, nos muestran un trabajo basado en el paso de los años, a través de autorretratos, en los cuales podemos observar esa gran detención del tiempo de cada instante, para compararla con las posteriores. Un caso parecido es el de la obra de Pere Formiguera, reflejando los distintos ángulos en la fotografía, retratando a sus padres; al igual que el paso del tiempo, durante las etapas de un embarazo.

Pero debo decir que el trabajo que más me impresiono de todos fue sin duda el de Kuan Xuan, que mediante videoinstalaciones, nos enseña imágenes con inmovilidades temporales (muy aconsejable y difícil de explicar), con retratos de estatuas de Buda.

¡O todo! / , 2005 Pieza realizada con el apoyo del FBKB, Holanda / Artwork made possible with support of the FBKB, Netherlands © Kan Xuan

Para el final debo dejar la obra de Péter Forgács; sin duda una delicia visual, un único trabajo representa a este autor en esta exposición, pero es muy posible que sea la obra con la que salgas en la cabeza; y es que su trabajo se centra en la unión de varios retratos del famoso pintor Rembrandt, en el que podemos ver una mutación entre retrato y retrato, en el que la transición será una transformación mas que impactante del pintor.

Una exposición pequeña, en cuanto a la instalación y en cuanto a obras; pero que puedo decir que gustara muchísimo a todos aquellos que os guste guardar en vuestra cajita de recuerdos esas fotos, para enseñárselas a vuestros nietos diciendo "Y este de aquí era..." El precio de la entrada, es el mismo que el de la entrada al Jardín, y bueno por el precio de una cosa podéis ver las dos, así que; podéis disfrutar de un bonito paseo por el Jardín Botánico a la vez que veis la exposición.

Desde Xatakafoto os la recomendamos enormemente y os seguiremos informando de las demás exposiciones interesantes de PHE, a las que vayamos asistiendo para compartirlas con vosotros.

Sitio Oficial | Photo España

Más de una vez hemos entrado en el mundo de las fotografías de miles de millones de pixels. A principios de año, por ejemplo, os contábamos cómo unos locos de las panorámicas hicieron una impresionante composición de Dubai con un total de casi 45 gigapixels. Como en España no queremos quedarnos cortos, se han presentado casi simultáneamente dos proyectos que no se quedan atrás.

El primero, en Madrid, destaca por cantidad y calidad de datos: si bien la mayor de las panorámicas tiene 16 gigapixels (generados a partir de 700 fotografías), que tampoco es moco de pavo, su web nos ofrece un total de seis vistas distintas de la ciudad, desde tres localidades distintas. En Torrespaña se tomó la primera, en verano, en el edificio de BBVA de la Castellana fueron tres, para cubrir un ángulo mayor, y finalmente en el Hospital Gómez Ulla se crearon sendas imágenes, antes y después del ocaso.

Tal y como nos cuentan en el blog de La Información (los promotores del proyecto), toda esta cantidad de información se ha enriquecido con una gran cantidad de datos, utilizando el contenido multimedia del que ya disponían, junto con otros creados ex-profeso para el momento, y un cierto componente social al integrarlo todo con Twitter y Facebook. Sumándolo todo, tenemos un documento muy interesante sobre la Madrid actual, que trasciende lo que puede mostrarnos una simple fotografía.

Si esto os ha parecido “grande”, el proyecto Sevillano entra en la categoría de “enorme”: nada menos que 111 gigapixels (9.750 fotografías) ocupa la panorámica de la capital hispalense, que han tomado los fotógrafos José Manuel Domínguez y Pablo Pompa, en un proyecto faraónico que les ha llevado seis meses, incluyendo una larga espera en los meses centrales del año debido a las deformaciones que creaba en la imagen el caluroso verano de la ciudad andaluza.

Si no nos salen mal las cuentas, y tal y como ellos mismos indican en su nota de prensa, se ha establecido un nuevo record mundial para la fotografía más grande del mundo, bastante lejos de los 70 gigapixels con que se coronó hace unos meses Budapest.

Viendo el detallado cómo se hizo de la panorámica podemos hacernos una idea de los problemas que pueden surgir para realizar un trabajo como éste: desde la búsqueda de la ubicación (que finalmente fue la Torre Schindler, creada para la Expo’92 en la Isla de la Cartuja), hasta la lucha contra el viento, los cambios de luz, o los detalles “menos técnicos” (el ascensor estaba estropeado, y había que subir a pie dieciseis plantas).

La imagen final se tomó durante cuatro días, con un sistema semiautomático que se paraba cuando soplaba un mínimo viento (incluso a 1/400”, la más leve brisa podía estropear la imagen), y que requería monitorización constante y un realineado manual entre cada secuencia de fotos. También, se repetían a mano las imágenes con coches o personas en movimiento, para facilitar la alineación de las tomas.

En ambos casos se usó la conocida Canon 5D Mark II, con una variada gama de objetivos en el caso madrieño (Canon 400 f/2.8 IS USM, Tamron 70-300 y Canon 300 f/2.8 IS USM), y con otro Canon 400 f/2.8 para el caso sevillano, esta vez con duplicador, dando una focal total de 800mm.

Para el movimiento de la cámara, en Madrid se utilizó un motor Gigapan, especializado para este tipo de capturas. En Sevilla optaron por hacer un sistema a medida, que tuvieron que adaptar en las sucesivas pruebas, por un lado para permitir controlar remotamente la cámara desde una ubicación más cómoda, y por otro para aumentar la estabilidad frente al viento.

Quizá el hecho de usar una focal más larga, y por tanto un tamaño mayor de la imagen resultante, explique la mayor cantidad de complicaciones que se encontraron en este segundo proyecto.

En los dos casos el software utilizado fue Autopano Giga, que ha demostrado ser perfecto para este tipo de composiciones. También, se ha cuidado especialmente la intimidad en ambos proyectos, ocultando los rostros y matrículas que han sido detectados.

En resumen, no sólo os recomendamos pasar horas y horas escudriñando cada imagen, descubriendo detalle tras detalle, sino que también deberíais mirar a fondo toda la información técnica que proporcionan los equipos de trabajo: puede que os sorprenda encontrar consejos que podréis aplicar a vuestras panorámicas caseras, o incluso a cualquier tipo de toma que implique focales muy largas y sistemas de estabilización.

Desde aquí queremos dar la enhorabuena al equipo de trabajo que ha hecho posible estas dos maravillas, y animamos a nuestros lectores a intentar seguir con esta sana competencia. ¿Alguien ha dicho 150 gigapixels?

Webs oficiales | Madrid Panorama | Sevilla 111 Gigapíxeles
Vía | La información | El RJ45

Para conmemorar el centenario de la emblemática Gran Vía madrileña, el colectivo Blank Paper está organizando este evento fotográfico. Se trata de reunir al mayor número de personas posible que, armadas con sus cámaras, serán puestas en fila y cada una hará una fotografía de la Gran Vía. Luego todas esas fotografías se unirán para hacer la panorámica más grande del mundo de la Gran Vía, o por lo menos intentarlo. El proceso y el resultado será emitido por TVE 2.

La cita es este próximo sábado 6 de febrero a las 11:30 horas en la plaza de Callao. Las previsiones del tiempo son buenas y parece que no hará mucho frío, así que puede ser otra forma divertida de pasar la mañana del sábado.

Más información | Blank Paper

Foto de Fotomaf.

Una de los lugares de Madrid en los que se pueden tener unas vistas espectaculares, es la azotea del Círculo de Bellas Artes.

Se podrá acceder los Sábados y Domingos con un horario un poco caluroso (11-14 y de 16:30-20), mientras que de lunes a viernes se podrá acceder de 18:30 a 22h, un horario perfecto para conseguir fotos en la hora azul.

Sólo estará abierto entre los días del 20 y 30 de Julio.

Se deberá pagar una entrada de 2 euros en adultos y de 1 euro en niños. Y dará acceso a la azotea, así como también a varias salas de exposiciones, cafetería y un 10% de descuento en los artículos del Círculo.

Vía | Exposiciones en Madrid