Hemos podido hacer un análisis de la nueva Leica Q2 Monochrom, una de las cámaras más extrañas y deseables que hemos tenido en nuestras manos (poco tiempo, todo hay que decirlo). ¿Tiene sentido un sensor monocromático de 47 MP? Es una cámara con un diseño sencillo y nada llamativo que rompe con lo establecido y promete hacer sentir la esencia de la fotografía ¿O eso dependía del fotógrafo?

Leica es una de las marcas más exclusivas del mundo. Con ella no llevas solo una cámara, tienes en las manos una forma de entender la fotografía. Leica forma parte de la leyenda. Muchos de los grandes fotógrafos del siglo XX trabajaban con esta marca y sus éxitos parece que estaban condicionados a la herramienta. Lo sabemos, no es lógico pero con Leica todo es posible. O al menos eso nos gusta creer.

Leica Q2 Monochrom

La nueva Leica Q2 Monochrom no es una Leica M. No es una heredera directa de las cámaras que han utilizado los grandes nombres de la fotografía documental. Pero es una pura delicia fotográfica sentirla entre las manos. El tacto, el diseño, todo... trasmite unas sensaciones de las que es imposible escapar y ser objetivo al 100%. Igual un joven autor puede escapar de la tradición pero los que llevamos tiempo en la fotografía nos cuesta escapar de los cantos de sirena de esta marca.

Una cámara de apariencia sencilla

Es un modelo realmente interesante ¿pero es bueno? ¿Vale lo que cuesta? En este breve análisis intentaremos responder a todas las preguntas y no quedarnos paralizados ante el peso de la marca en la historia. Leica puede considerarse como pionera, la que cambió todo en los lejanos años veinte del SXX.

Características principales

La Leica Q2 Monochrom es una variante de la Leica Q2 que presentaron en 2019. Una cámara premium, orientada al mundo del reportaje. Estamos ante una compacta con un objetivo fijo Leica Summilux 28 mm f/1.7 y con la particularidad de contar con un sensor monocromático. Un sensor que no ve el color, solo la intensidad de la luz. Carece de una matriz Bayer.

Detalle de la Leica Q2 Monochrom

Por lo demás, es una cámara más. Puede que a muchos nos recuerde a la Sony RX1. Pero es mucho más sencilla. Incluso por su aspecto podría no parecer una cámara excesivamente cara. Algunos podrían decir que es fea pero muchos nos postramos ante la sencillez perfecta del cuerpo.

Diseño y ergonomía

Creo que no hay nada más sencillo en el mercado, salvo que sea una Leica. En una época en la que proliferan las cámaras que parecen ordenadores, no es encontramos con un modelo sobrio, con los controles justos para que el fotógrafo solo tenga que preocuparse de hacer una buena foto.

Pocas licencias en el diseño

No es una máquina ligera en absoluto. Pesa más de 700g y se siente firme como una roca en las manos. Todo está en su sitio sin tener que hacer malabarismos con las manos. Esta diseñada para gente con manos grandes. Y el tacto es único. Tienes la sensación de llevar algo encima que durará más que cualquier otro modelo del mercado.

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No tiene una empuñadura ergonómica que tanto pedimos para otras marcas que se han basado en Leica. El peso y la distribución de las masas la convierten en un objeto que se te pega a las manos. Es difícil de explicar pero esa es la sensación.

El objetivo sobresale en el conjunto

El cuerpo y el objetivo están sellados contra el polvo y la humedad. La idea es ofrecer un cuerpo para sacarlo todos los días y responder automáticamente en cualquier situación, por dura que sea desde el punto de vista climático. No es para dejar en la vitrina para que los invitados la vean cuando los invitas a cenar a casa. Pero por el precio que tiene debe costar llevarla siempre encima sin una sensación de desasosiego...

Diseño sobrio

Destaca por la sobriedad absoluta. En la parte superior solo tres mandos. La rueda con los tiempos de obturación, el botón de disparo y la rueda configurable. En el frontal, a la izquierda de la pantalla, tres botones para ver la foto, entrar en las funciones y al Menú. Y el pequeño joystick a la derecha para controlar las distintas opciones... Nada más, salvo dos pequeños botones al lado del visor. Y el recuerdo constante del grabado Leica Camera Wetzlar Germany.

El lugar donde se fabrica

En la parte inferior tenemos la ranura para la única tarjeta SD, un motivo de queja para la mayoría de los fotógrafos, incluso de los que no lo veíamos necesario hasta que hemos sufrido la pérdida accidental de los datos. No es la mejor posición pero no queda más remedio para no romper el molde y la filosofía del diseño.

Tarjeta y batería

La batería está integrada en el cuerpo y sale en dos pasos. Da más seguridad pero no deja de ser un pequeño engorro cuando vas con prisas, sobre todo si dura tan poco (en comparación con otros modelos del mercado). Alcanza más de los disparos prometidos pero puede ser verdad que los fotógrafos Leica no necesitan más de los 350 disparos con una sola carga.

La trampilla para la tarjeta SD y para la batería

El visor y la pantalla son los mismos que los del modelo Q2. El visor es OLED y destierra por completo a los visores ópticos (y por supuesto nos permite ver en blanco y negro). Y la pantalla LCD fija alcanza las 3" y está fija en el cuerpo. Si no te dedicas al mundo del vídeo pensamos que es la opción más lógica para conseguir un cuerpo solido.

La calidad de imagen de una cámara con un sensor monocromático

No podemos olvidar, esta es su característica más llamativa, que la Q2 Monochrom tiene un sensor monocromático. No es la primera ni la última de la firma.

Iso 200 1/100 f5

En 2012 presentaron la primera M Monochrome con un sensor CCD de 18 MP. Luego apareció en 2015 la M Monochrome con un sensor CMOS de 24 MP. Cinco años después la M10 Monochrom y ahora este nuevo modelo. ¿Cuál es el sentido -y la necesidad dirán muchos- de un sensor que solo ve la intensidad de la luz?

Iso 200 1/200 f8

Pues simple y llanamente conseguir la mayor calidad posible de imagen sacrificando el color. Como bien dice el maestro Valentin Sama en un artículo de su blog:

Los archivos generados por las Monochrom no se derivan de capturas realizadas mediante un sensor a color de pauta Bayer al uso "pasados a blanco y negro", sino que son producidos por un sensor desprovisto de los filtros de color de dicha pauta, pero en el cada uno de sus píxeles sí que es sensible a las distintas longitudes de onda del espectro visible. En los sensores de pauta Bayer (arriba) a la hora de "reconstruir" la imagen a partir de esa información tan parcial para cada punto de la misma, es preciso realizar una interpolación, con la consecuencia inevitable de colores falseados y sobre todo, menor nitidez y fidelidad en la reproducción de las luminancias de la escena.

Iso 3200 1/50 f8

Esto es lo más importante y lo que le permite conseguir una calidad más que notable, superior incluso al modelo Q2 original. Todo lo que vemos es real. No hay interpretación del color y la información nos llega practicamente pura, casi sin modificación cuando abrimos el archivo DNG.

Iso 6400 1/8 f8

Este sensor es más estrecho, por lo que puede recoger más luz que cualquiera de la competencia, con mayor calidad incluso para los objetivos angulares. Además el procesador no tiene que hacer un trabajo extra a la hora de interpretar colores falsos.

Iso 200 1/320 f1,7

Su sensibilidad nominal es 200 ISO, casi un paso más bajo que el anterior sensor monocromo de la M10, lo que debería ser considerado como una proeza. Según podemos leer el ISO nativo de la Leica M 10 Monochrom es de 320 ISO.

Prueba ISO

Desgraciadamente, no hemos podido hacer todas las pruebas que nos hubiera gustado, con todo tipo de luces y en muchas situaciones. Pero la respuesta nos ha dejado fuera de lugar, al menos hasta 12800 ISO el resultado es perfecta. Es verdad que podemos trabajar con el ISO forzado 100 pero lo dejaría para situaciones muy comprometidas (aunque la mayoría no vamos a notar las diferencias de rango salvo en situaciones concretas).

Iso 6400 1/13 f8

Y desde luego no subiría nunca a más de 25000 ISO, salvo cuando lo necesitemos por motivos ajenos a nosotros. 100.000 ISO no deja de ser un mero reclamo publicitario, aunque estéticamente no es desagradable. Y algo tendrá que ver la extrema nitidez del objetivo fijo, uno de los pilares de esta cámara.

Recorte al 100%

No hemos hablado del sistema de enfoque. Con una cámara de 47 MP, de formato completo y con un objetivo tan luminoso el enfoque es fundamental. Y no podemos decir que esta cámara tenga el AF más rápido y más eficaz del mercado. Por lo que hemos visto en las especificaciones es por contraste. Y si disparas por la noche lo notarás...

Iso 6400 1/10 f8

Esta cámara tiene todo para trabajar con enfoque manual para conseguir la máxima calidad y rapidez en situaciones comprometidas. No es que el enfoque automático sea malo pero por la noche le cuesta responder si no encuentras una zona con el suficiente contraste. Igual con otra configuración se podrá mejorar la respuesta pero para sentir la esencia de Leica puede que lo más inteligente sea pasar rápidamente a enfoque manual cuando la noche acecha.

El formato DNG contra el jpeg sin tratar

Por supuesto deberíamos disparar siempre en formato DNG, pero el formato JPEG da una calidad bastante aceptable. No tenemos los 14 bits del archivo crudo pero el revelado interno hace justicia con la información que tiene a su disposición.

Leica Q2 Monochrom: la opinión de Xataka Foto

Es una cámara muy cara. Es algo que no se puede esconder ni negar. Es una cámara que solo permite disparar en blanco y negro. Muchos dirán incluso que es una cámara con un objetivo fijo... Se podría llegar a decir que es muy limitada. Pero nada más lejos de la realidad.

Iso 1000 1/50 f1,7

Tiene un sensor que superará al de la Leica Q2 -muy bien valorado en Dx0- y un objetivo que vale lo que cuesta. Son los dos pilares de la cámara. Y sinceramente, justifican su precio. Pero hay otras cosas que nos pueden hacer dudar a la hora de inclinarnos por ella, en el remoto caso de que nuestro bolsillo nos deje darnos el capricho.

El sistema de enfoque automático está lejos de los mejores... Es verdad que enfocar manualmente es una delicia pero pocos usarios estarían dispuestos. Otro problema es la duración de la batería. No hemos podido estar con ella mucho tiempo pero hemos visto cómo bajaba el nivel de energía rápidamente.

Iso 6400 1/13 f8

Pero es una Leica. Es la marca que inventó la fotografía moderna. No es justificable desde luego desde un punto de vista práctico. Pero hay veces que pensamos con el corazón y acertamos. Está tan bien hecha, tan bien construida con su cuerpo de magnesio... Tiene tantos detalles como ese cuerpo totalmente negro sin toque alguno de color ni siquiera en la grafía que notas que tienes en las manos un objeto especial, un objeto de colección que en las manos adecuadas hace maravillas.

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Es una experiencia distinta que pocos apreciarán al 100%. Debe ser como conducir un Hispano Suiza. Sabes que no es la última tecnología pero reconoces que todo es perfecto y tiene un sentido en el conjunto. Es una cámara para quien se la puede permitir y sabe disfrutar de los placeres de la vida. Con ella serás el mismo fotógrafo pero tendrás la sensación de poder hacer algo grande. Es un clásico que siempre hará volver la cabeza.

La cámara ha sido cedida para el análisis por parte de Leica Camera AG. Puedes consultar nuestra política de relaciones con empresas.

El año pasado ya os mostramos las fotos de la que fue primera edición de este nuevo concurso organizado por la plataforma LensCulture. Y este año repiten certamen con el objetivo de premiar de nuevo a las mejores fotografías en blanco y negro del año. Os mostramos los vencedores de los premios LensCulture Black & White Awards 2019.

Por segundo año consecutivo, desde LensCulture hicieron un llamamiento a su comunidad global con el objetivo de “encontrar fotógrafos talentosos y artistas visuales que elijan trabajar en blanco y negro”. La respuesta, siempre según la organización, fue de nuevo sorprendente: “Es muy emocionante ver tanto apetito y pasión por la fotografía monocroma en todo el mundo, de fotógrafos que trabajan en tantos géneros diferentes”.

'Epiphany' de Artem Tulchynskyi. Finalista en los LensCulture Black & White Photography Awards 2019

Así, como la vez anterior, hasta 39 fotógrafos fueron destacados entre ganadores de las categorías Individual y Series, juror picks y finalistas, aunque en esta ocasión fueron 23 sus nacionalidades (el pasado año eran 21). Todos ellos provenientes (claro está) de los cinco continentes y “demostrando el poder visceral de la fotografía en blanco y negro para captar nuestros sentidos y emociones”.

En Xataka Foto

Estos son los nuevos talentos escogidos en el certamen 2019 LensCulture Emerging Talent Awards

Todos los elegidos, como en la pasada edición, estarán integrando parte de una muestra que se abrirá en Nueva York la próxima primavera (este año coincidiendo además con la nueva feria fotográfica Paris Photo New York que se llevará a cabo en ambas ciudades durante 2020). Desgraciadamente no habrá ningún español entre todos ellos, aunque los premiados merecen la pena por lo que, como siempre, os recomendamos una visita a la web para ver todas las imágenes elegidas.

Ganadores de la categoría Series

Primer premio: ‘appa and other animals’ de Madhavan Palanisamy (India):

Segundo premio: ‘Shape of Pain’ de Aarón González González (México):

Tercer premio: ‘Extradition’ de Kwun Hei Lee (Hong Kong):

Ganadores de la categoría Individual

Primer premio: ‘Alabama Hills’ de Catherine Lemblé (Bélgica):

Segundo premio: ‘Rising from the Ashes of War’ de Enayat Asadi (Irán):

Tercer premio: ‘Washing Day’ de Sylvia Konior (Bélgica):

Juror´s Picks

Serie ‘Myth of a woman’ de Agnieszka Sosnowska (Islandia):

‘Trapped in Greece’ de Angelos Tzortzinis (Grecia):

Serie ‘Actors Rule The World’ de Bebe Blanco Agterberg (Holanda):

Serie ‘Multiple Images of a Complex Nature’ de Chaddy Dean Smith (EE.UU):

Serie ‘Purgatorio’ de Ignacio Iturrioz (Uruguay/Alemania):

‘Hope’ de Kylie Giggins (Australia):

‘Coexistence’ de Md Enamul Kabir (Bangladesh):

‘France to Senegal by Land and Sea’ de Yann Lenzen (Canadá):

Más información | LensCulture Black & White Awards 2019

Foto de portada | De la serie ‘appa and other animals’ de Madhavan Palanisamy. Ganador LensCulture Black & White Photography Awards 2019 en Categoría Series

Sin duda el blanco y negro tiene algo especial, un encanto que seguramente viene derivado de su mayor cercanía al ámbito de lo abstracto lo que potencia su lado artístico y atrae a todos los verdaderos amantes de la fotografía. En la práctica, son muchos los que convierten algunas de sus imágenes al formato monocromo, pero no tantos lo que disparan directamente con película de blanco y negro o tratan de simularlo directamente en formato digital. Para estos últimos ahí van unos consejos prácticos para mejorar sus resultados.

Como decimos, vamos a dejar aparte el proceso que implica disparar en color y luego pasar nuestras fotos en color a blanco y negro, que es algo de lo que hemos hablado largo y tendido, para hablar de tomarlas directamente en monocromo. En este ámbito, ciertamente la forma más pura de conseguirlo sigue siendo disparar directamente con película química en blanco y negro, pero lejos de los que pudiera parecer con el advenimiento de lo digital no ha decaído la fotografía en blanco y negro en este ámbito.

Foto de Luis Miguel Castro

De hecho, es una ventaja que muchas cámaras incorporen un modo o filtro monocromo que nos ayuda a previsualizar el resultado de las tomas; Incluso algunas como las Fujifilm Serie X (el último modelo que hemos analizado es la X-T20), ofrecen modos de simulación que tratan de reproducir las típicas películas de blanco y negro de la casa. Se trata de modelos que cuentan con visor electrónico en el que, activando esta posibilidad, se nos muestra la escena directamente sin color, facilitando así lo que quizá sea más complicado en este tipo de fotografía.

Ver en blanco y negro

Y es que, sin duda, hacer fotos directamente en blanco y negro es un ejercicio de abstracción complicado cuando lo que vemos a través de nuestros ojos está en un perfecto “technicolor”. Como sabéis, muchos colores al ser convertidos a blanco y negro son imposibles de apreciar. ¿Por qué se produce esto? Sencillamente porque el ojo humano sólo es capaz de distinguir, aproximadamente, un máximo de quinientos tonos de gris (aunque hay quien sólo puede ver unos 50, depende de la persona), mientras que los tonos de color que podemos percibir son casi ilimitados.

Los colores básicos convertidos directamente a blanco y negro.

Por eso al convertir el color a blanco y negro muchos tonos son idénticos. Para entenderlo de una forma sencilla, podemos imaginarnos un vagón de tren en el que sólo hay 50 asientos y donde debemos colocar a 200 viajeros. La única manera de que entraran todos sería sentar a cuatro personas en cada asiento, suponiendo que fuera posible. Son demasiados pasajeros para sentarse cada uno por separado con lo que no queda más remedio que “comprimirlos”. Y eso sería similar a lo que ocurre con los colores convertidos a blanco y negro.

Por si fuera poco, hay tonos que al convertirse en blanco y negro son casi idénticos cuando en color son muy diferentes, dificultando aún más el asunto. Un buen ejemplo son el rojo y el verde, que convertidos a monocromo son muy similares. Como veis abajo, convertir a blanco y negro una fotografía de un campo de amapolas puede dar un resultado francamente desastroso.

Un campo de amapolas convertido a blanco y negro. Foto original de Wikimedia

Así que mirar en blanco y negro es algo complicado pero que, como todo, se aprende practicando. Además, para lograr mejores resultados también podemos echar mano de algunos recursos muy interesantes como los filtros de colores que nos ayudan a diferenciar los colores en el entorno monocromático.

Usando filtros de colores

Hace años, cuando la fotografía sólo era química, era muy habitual utilizar filtros de colores para conseguir mejores resultados en blanco y negro. Según la teoría aditiva del color (es decir, la que habla de luz y no de pigmento) o modelo RGB, un filtro de un color determinado deja pasar la radiación correspondiente a ese tono y, dependiendo de la intensidad del filtro, bloquea al resto, especialmente al que es su color complementario.

Filtros de colores. Foto de Wikipedia

Así, utilizando filtros de determinados colores podemos bloquear la radiación correspondiente a ciertos tonos y de esta manera diferenciar unos colores y otros en blanco y negro. Un buen ejemplo es el filtro amarillo, un clásico entre los fotógrafos monocromáticos que permite oscurecer los cielos azules (el amarillo es complementario del azul), resaltar las nubes y, de paso, hacer que resulten más brillantes otros colores de la escena como el verde, rojo y naranja.

Si queremos conseguir el mismo efecto pero aún más dramático podemos utilizar un filtro naranja, que hará que el cielo azul se vuelva más oscuro y que los colores cálidos de la escena se vean aún más brillantes. Rizando el rizo, un filtro rojo lo acentúa aún más, aunque el efecto es quizá exagerado porque hará que lo que esté en rojo se convierta en blanco y que los tonos verdes de la escena aparezcan muy oscuros.

Un ejemplo de paisaje realizado usando un filtro rojo. Foto de Charles Knowles

Si por el contrario utilizamos un filtro verde obtendremos el caso opuesto al anterior: el rojo se volverá oscuro y el verde será más brillante. Este filtro no es muy utilizado por su escaso efecto, pero puede ser interesante en determinadas escenas.

Por último, tampoco se usa mucho el filtro azul, otro filtro poco común pero que es el único que permite aclarar los tonos azules de la escena. Su efecto oscurece los colores cálidos hasta el punto de que el rojo se vuelve negro, y puede servir para separar elementos en una escena donde, al convertirse a blanco y negro, los colores están muy mezclados. Además, también vale para aumentar la niebla y la bruma, lo que ayuda a enfatizar un paisaje con este tipo de elementos.

Por tanto, gracias a los filtros podemos manipular el color de una escena para separar tonos que en color son diferentes y en blanco y negro se solapan, pero aún así hay otros elementos cruciales que debemos considerar a la hora de hacer fotos en blanco y negro, y uno fundamental es el contraste.

La importancia del contraste y la iluminación

Foto de Marc Brüneke

Dependiendo de qué es lo que quieras reflejar, el contraste es un elemento que va a jugar un papel crucial para el impacto de una imagen. Ante la ausencia de colores que permitan definir el estado de ánimo de nuestra fotografía, el tipo de luz que reflejemos es seguramente el elemento más importante para crear ambiente. Así, mientras la luz directa del sol puede resultar un auténtica pesadilla para los fotógrafos en color, no es así para los monocromáticos.

Sobre todo si, por ejemplo, te gusta la fotografía de calle, donde este tipo de iluminación suele ser ideal ya que permite crear fuertes contrastes que se suelen utilizar como elemento compositivo. Por el contrario, si prefieres imágenes con menos contraste, por ejemplo para realizar retratos, los días nublados o brumosos son los ideales porque ofrecen una atmósfera mucho más suave, con la luz uniformemente distribuida.

El soporte es importante

Foto de Douglas Arruda

A la hora de decidirte por utilizar un tipo de contraste más o menos fuerte es importante tener en cuenta el tipo de soporte que utilices, en el caso de que dispares con película química. Y es que el tipo de soporte utilizado es un elemento crucial ya que no todas las películas de blanco y negro reaccionan de la misma forma. Por supuesto, no existe una película mejor que otra, simplemente es una cuestión de gustos y de la intención final del fotografía en cuestión.

Además, si eres de los que se ha animado a revelar en casa, los elementos que uses en este proceso también influirán en el contraste final de la imagen. La combinación de película y productos químicos que utilices en el revelado darán un resultado concreto que variará en cuanto cambies uno de los factores, y las posibilidades son infinitas.

Si por el contrario trabajas en digital y utilizas un modo de simulación de blanco y negro, seguramente tu cámara te permitirá elegir entre distintas opciones que ofrezcan mayor o menor contraste, ya sea simulando un tipo de película concreta (como el caso citado de las Fuji) o simplemente variando estos valores en el menú del dispositivo.

Otros factores a considerar

Maria Artigas

Además de la conversión del color y del contraste de la imagen, hay otros elementos en los que podemos apoyarnos a la hora de hacer fotografía en blanco y negro para resaltar la imagen. El volumen y la forma son dos muy importantes, y permiten mostrar detalles que seguramente pasarían inadvertidos en una fotografía a color. Por eso, además de tratar de abstraernos del color, también es muy útil buscar formas y volúmenes que aporten interés a la foto.

Lo mismo pasa con las texturas y los patrones, elementos que se encuentran en la naturaleza y que muchas veces ganan protagonismo con la fotografía monocromática. Y es que a veces el cromatismo nos impide fijarnos en detalles como los patrones de repetición de determinados elementos o las interesantes texturas de ciertos objetos.

Al eliminar la información de color es más sencillo fijarse en estos otros elementos que ganan enteros y pueden convertirse en el leit motiv que haga de una imagen que quizá sería anodina en color se convierta en una buena fotografía.

Foto de Dani Vázquez

En Xataka Foto | Cómo utilizar un filtro polarizador en fotografía de paisaje

Foto de portada | Kevin Dooley

El color o la ausencia del mismo puede influir notablemente en la construcción de la imagen. Actualmente, las pocas fotografías en blanco y negro no son óptimas para esta técnica y están convertidas con poco control, por eso hoy veremos cuales son los mejores tipos de fotografías a convertir en blanco y negro y cómo realizar esta conversión.

La predominancia de la fotografía en color

Desde principios del siglo XX, cuando los Lumiére perfeccionaron las placas ortocromáticas y con la popularización del color en 1935 con la Kodachrome, el color se popularizó hasta niveles estratosféricos entre aficionados y profesionales.

La película monocroma se siguió usando, claro, pero con mucha menos frecuencia porque el hecho de poder trabajar con el color como un nuevo elemento creativo era la tendencia y un recurso que pocos estaban dispuestos a desaprovechar.

Posteriormente, todas las películas comerciales mejoraron en acutancia y reproducción del color hasta los 2000, cuando las cámaras digitales se democratizaron, dejando los trabajos monocromos en una situación marginal, reservada a los que aún trabajaban con película y confiaban más en los productos con los que habían trabajado prácticamente toda la vida que en las cámaras digitales que aún carecían de definición y suponían una brutal inversión con las que trabajar.

Fotografía de Giuseppe Milo

La fotografía monocroma en la actualidad

Toda esta cadena de acontecimientos hace que nos situemos en la actualidad, en una situación en la que las cámaras reflex APS-C se han democratizado y la fotografía se ha convertido en una profesión de altísimo nivel a la que pocos pueden acceder porque hoy por hoy 'todo el mundo es fotógrafo'.

Esta brutal democratización, que no sigue una línea de aprendizaje y se basa en el ensayo y error con una cámara digital, provoca que no se tengan los suficientes conocimientos técnicos sobre la técnica fotográfica. En el tema que nos ocupa, algunos de los que actualmente se consideran fotógrafos profesionales y prácticamente todos los amateurs, no saben qué tipo de fotografías pasar a blanco y negro ni de los procedimientos adecuados para conseguir un buen contraste.

La textura y el detalle

Para mí, la fotografía monocroma forma parte de la abstracción. Abstraer significa recortar lo que distrae para centrarnos en lo más relevante. En el caso de la pintura, abstraerse se centra en alejarse de la figuración para acercarse a la abstracción, ganando en expresividad.

Fotografía de Joe Jukes

Con la fotografía nos es difícil huir de la figuración porque es un medio representativo y no tanto expresivo, pero tenemos a nuestra disposición elementos que podemos modificar como el encuadre, la composición y el color.

La técnica monocroma hace un mayor hincapié en las figuras y la textura, maximizando la percepción del detalle en nuestra imagen. A través de la falta de color, nuestra mente se concentra mucho más en el detalle y la forma que estamos fotografiando. Es por esto que se suele decir que quien sabe fotografiar en blanco y negro tiene mucho ganado, porque eso quiere decir que controla la composición de las formas en sus trabajos, a pesar de que aún le falte por dominar otro de los elementos importantes en la fotografía como es el color.

Los retratos son un buen ejemplo, ya que normalmente en un primer plano o un primerísimo primer plano tenemos muchísima información en los labios, ojos y piel que con un buen procesado en blanco y negro quedará genial. Cuando hablamos de forma, por otra parte, un buen ejemplo serían las siluetas o la fotografía arquitectónica, un tipo de fotografías en los que la forma es la que ofrece la mayor cantidad de información.

Un mal ejemplo de la aplicación del monocromo sería pasar a blanco y negro un retrato tomado durante la golden hour. El atardecer, luces de neón y en general cualquier fuente de luz que sea característico por su color no debería ser pasado a blanco y negro porque lo característico no es la luz, sino el color de la luz. Por eso también es estúpido querer hacer un paisaje en blanco y negro, porque el punto de atención principal que es el color del paisaje se destroza si lo pasamos a blanco y negro.

Fotografía de Giuseppe Milo

Métodos de conversión al blanco y negro

Aunque nuestro compañero Juan Carlos ya nos habló sobre los mejores métodos para convertir nuestras fotos a blanco y negro, personalmente a mí me gusta pasar la fotografía a blanco y negro con un mapa de degradado de negro a blanco y posteriormente ajustar el contraste con curvas y los tonos de gris con Corrección Selectiva.

Así, si necesito que los tonos de gris de la piel de mi modelo sean más claros, solo tengo que darle mayor luminancia al rojo, sin afectar a los ojos, que podrían ser azules o verdes.

Fotografía de Steve Wilson

En conclusión y recopilando todo lo dicho, no todas las fotografías valen para ser visualizadas en blanco y negro ni todos los métodos de conversión al blanco y negro son los óptimos. Para que el blanco y negro de nuestras fotografías tenga una calidad realmente buena, debemos emplear fotografías con detalle y texturas donde la forma sea la protagonista. Por otra parte, aquellas fotos de paisajes o lugares coloridos, será mejor dejarlas tal cual y editarlas para sacar partido al color que ya nos ofrecen.

Fotografía de portada | Giuseppe Milo

Stephen Quinto, de 17 años , disfrazado como ‘Night Crawler‘ y disfrutando junto a cientos de fans de los comics en la convención anual ‘four day comic’ en San Diego. 19 de Julio de 2003.

REUTERS/Mike Blake

La fotografía monocromática tiene un encanto especial. Ya sea por la plasticidad estética que nos ofrece una fotografía de tonos similares o simplemente por la fuerza que nos proporciona a la imagen.

Además cada color lleva implícito una serie de sensaciones que en ocasiones puede facilitarnos transmitir una idea que teníamos en mente.

La galería que os traemos hoy pretende precisamente esto, ayudarnos a ver como una fotografía, por simple que sea puede llenarse de fuerza cuando le damos el denominador común del color. No os la perdáis:

Un niño chino corre a través del campo en la provincia central China de Anhui, en Jinzhai. 13 de Julio de 2004.

REUTERS/Wilson Chu

Un windsurfista salta en el atardecer de la playa Blaauwberg en Cape Town`s. 23 de Febrero de 2004.

REUTERS/Mike Hutchings

Un soldado estadounidense corre tras lanzar una granada de humo durante una patrulla contra soldados iraquís en Baquba. 25 de Junio de 2007.

REUTERS/Goran Tomasevic

Coches cubiertos de nieve en el aparacmiento de un concesionario de importación en emmering, al oeste de Munich. 12 de Diciembre de 2008.

REUTERS/Michaela Rehle

Una pareja al contraluz en frente del Tower Bridge durnate un día de niebla en Londres. 23 de Diciembre de 2007.

REUTERS/Luke MacGregor

Aficionados cubiertos de pulpa de tomate durante la tomatina en Buñol. 31 de Agosto de 2005.

REUTERS/Albert Gea

Gente bailando durante una fiesta rave en el sambódromo de Sao Paulo durante el festival Skolbeat. 24 de Abril de 2004.

REUTERS/Paulo Whitaker

Podeís ver el resto de la galería en la web de reuters.

Por último recordad que podéis compartir con nosotros vuestras imágenes monocromáticas en el hilo del grupo de Flickr que abrimos en su día para ello.

En Xataka Foto | Imágenes monocromáticas que te inspirarán
Vía | Backfocus | Reuters