Si fuiste un niño durante los años 80 seguro que 'La historia interminable' era una de tus películas fetiche. El protagonista, un niño que sufría acoso escolar, se refugia en un libro que encuentra en un desván y encuentra a los personajes del reino de fantasía que está a punto de desaparecer... Ese niño era Barret Oliver y ahora es un reputado fotógrafo.

Durante demasiado tiempo muchos han dicho que el cine de los 80 no era bueno, tan solo era comercial. Pero todos recordamos constantemente a Indiana Jones, a nuestros queridos Goonnies, a los gremlish, el coche de 'Regreso al futuro', a 'Karate Kid'... son películas que vuelven a estar de moda. Y seguro que muchos nos hemos visto tentados a volver a ver 'La historia interminable'. Resulta que el protagonista es Barret Oliver, y ahora es un prestigioso fotógrafo.

Es verdad que la película ha envejecido mal. Los efectos especiales ya no resultan tan llamativos. Y que en este caso, el libro es también infinitamente mejor. Pero todos soñamos con las aventuras de Bastian. Y todos queríamos ser sus amigos... Ese niño de cara angelical resulta que ahora es un hombre con barba y pelos alocados, que se ha especializado en diversas técnicas fotográficas preindustriales del siglo XIX.

Después de participar en 'La historia interminable' protagonizó 'Frankenweenie' el corto de Tim Burton para Disney y en las dos partes de 'Cocoon', la historia de los abuelos que inició Ron Howard. Su vida dio muchas vueltas y terminó en la iglesia de la Cienciología, donde están tantos actores de Hollywood... Se retiró del cine y empezó su relación con la fotografía.

Barret Oliver y la fotografía

Según podemos leer en una entrevista que le hicieron en Photoculture está especializado en los primeros procesos fotográficos de la historia, en la época en la que la industria todavía no producía en cadena productos fotográficos y el autor tenía que buscar los productos en droguerías para crear sus propias fórmulas magistrales.

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Cuando el mundo digital irrumpió como un elefante en una cacharrería el material químico empezó a desaparecer y él decidió investigar y continuar el camino que habían marcado los padres de la fotografía con químicos que, combinados adecuadamente, respondían a la luz del sol.

Olvidamos que las fotografías también son objetos, y que la forma en que haces algo, los materiales y las técnicas, a menudo influyen en su significado

Como se convirtió en uno de los pocos que conocían y dominaban esta técnica, decidió crear una empresa en la que ejerce como profesor de fotografía y asesora a todos aquellos profesionales que quieran aprender los procesos nobles para darle un aire distinto a su trabajo.

Diversos proyectos de su página

Domina el colidión que permitía tiempos de exposición mucho más cortos que el daguerrotipo y que permitía imprimir en cualquier superficie. También la albúmina, el papel al carbón y todos aquellos procesos que permitan unas texturas y un acabado impensable para la tecnología digital.

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Su empresa, The f0 Project, recupera todos estos procesos porque todavía son capaces de ofrecer muchas cosas a los fotógrafos que buscan algo más, que quieren volver al mundo de la fantasía, donde todo es posible (perdón por la referencia rebuscada).

El trabajo de Marcus Hofstaetter es uno del que siempre hay algo que hablar. En el pasado hemos visto cosas como su restauración de un lente Petzval de hace 160 años, un vídeo macro de cómo se comporta el colodión húmedo e, incluso, un proceso de cómo realizar fotografías macro en placa fotográfica. En esta ocasión, el fotógrafo austriaco nos muestra cómo pasar el tiempo durante el aislamiento en estos días de coronavirus.

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Este fotógrafo muestra cómo restauró y utilizó una enorme óptica Petzval de 500 mm F4.5 de 160 años de antigüedad

En su reciente trabajo, Hofstaetter quiso llevar la temática del Covid-19 a su fotografía ya que encuentra una relación con el proceso de colodión húmedo. Hay que evitar inhalar y tener contacto con los químicos del proceso fotográfico, al igual que hay que cuidarse y evitar inhalar y tener contacto con el virus respiratorio. Así que, como podéis ver en el vídeo de arriba, el fotógrafo creó un peluche del virus para realizar una corta animación en placas fotográficas.

El proceso de animación fue de tan solo siete capturas, las suficientes para crear un bucle de movimiento de un segundo. En el vídeo se puede ver mucho del proceso de preparación de las placas y la puesta en escena.

El fotógrafo recuerda a sus seguidores que se protejan y estén seguros en casa. Este tipo de actividades resultan muy útil para ello. Así que ya conocéis un nuevo plan en caso de querer pasar el rato mientras el aislamiento en casa.

El proceso de colodión húmedo es de paciencia, experimentación y técnica. Aunque es un proceso fotográfico que parece desaparecer entre la evolución tecnológica y la resignificación de la fotografía por los medios virtuales, estas fotografías siguen impactando el corazón de muchos, pues todavía no se puede emular la sensación de ver una foto de placa. Por eso, éste curioso vídeo de Markus Hofstaetter nos acerca muy cerca del proceso de la fotografía de placa, mostrándonos cómo interactúan las sales y los cristales sobre la placa fotográfica en tomas macro.

La idea de este vídeo surgió cuando Markus notó que varios de sus seguidores preguntaban lo que ocurría durante los distintos procesos, como la fijación; o a través de preguntas técnicas como "¿Qué ocurre cuando el ferrotipo se seca?". Así que el fotógrafo decidió grabar un video de gran acercamiento mostrando la forma en que todos los químicos interactúan y reaccionan en los distintos procesos. En el vídeo de arriba podéis ver todo el camino desde aplicar el colodión, sensibilizar la placa, disparar la fotografía, revelar, fijar y un extra de lo que ocurre cuando se deja un ferrotipo mucho tiempo antes de ser expuesto.

Si solo queréis vivir la experiencia ASRM de cada parte del proceso, Markus ha subido a su canal otro video 4K con solo las tomas de acercamiento de lo que ocurre en los distintos procesos. Abajo podéis verlo.

Para grabar el proceso, Hofstaetter utilizó unas cápsulas de cristal diseñadas para poder grabar los químicos. Para grabar los químicos en acercamiento, Markus utilizó un objetivo Laowa 25mm F2.8 2.5-5x Ultra Macro en una Canon 5D MK IV. La cámara que grababa estaba montada sobre una zapata de acercamiento modificada para encontrar el foco exacto; pues en este tipo de acercamiento solo se cuenta con décimas de milímetros.

En ocasiones pasadas os hemos mostrado más del trabajo de Markus. Si queréis conocer más información sobre cómo realiza fotografía de placa y sus experimentos, podéis visitar su blog.

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Imágenes | Cortesía de Markus Hofstaetter (Web, Twitter, Instagram)

El colodión húmedo es uno de los procesos fotográficos más antiguos que aún es posible emplear para realizar proyectos personales a pesar de su alto coste. Con el revival de la fotografía química también ha renacido el interés por otras técnicas como el colodión creando por el camino una nutrida comunidad de fotógrafos en Instagram interesados en explorar las posibilidades de esta curiosa técnica.

El colodión húmedo, en Instagram

La fotografía es una técnica maravillosa. Con el avance tecnológico la hemos hecho más democrática que nunca y ahora todo el mundo puede realizar fotografías y compartirlas con todo el mundo. Como toda acción tiene una reacción igual y otra opuesta, hay algunos fotógrafos que se han decidido por diferenciarse personal o profesionalmente empleando la fotografía química, y en el caso que nos ocupa hoy, han decidido recuperar una de las técnicas más antiguas que conocemos, que es el colodión húmedo.

El caso es que el colodión no ha vuelto para volver a los museos o las galerías de arte, sino que ha vuelto a una plataforma como Instagram para llegar a la mayor cantidad de gente posible. Mezclar estos dos conceptos es un auténtico choque de trenes: una técnica fotográfica de copia única se comparte en una plataforma cuyo fin es compartir las fotografías en ceros y unos.

Los profesionales del colodión

La comunidad de colodionistas en Instagram es amplia y de muy buena calidad. Hablando del talento nacional, en España ya encontramos a profesionales que trabajan este soporte como Señor Archer con quien ya hablamos y que cuenta con una estupenda galería en Instagram de retratos.

Entre otros profesionales internacionales, encontramos a Giles Clement, un fotógrafo estadounidense que en lugar de quedarse en el estudio, ha decidido sacar su cámara de placas a la calle y se dedica a viajar con este equipo por el mundo para realizar fotografías.

Otro fotógrafo con una nutrida e interesante galería llena de colodiones es Andreas Reh, un fotógrafo alemán que en este caso se dedica a la construcción de sus proyectos personales en este soporte. Sin duda una de las galerías más interesantes que podemos ver y que merece la pena seguir.

Por último hablamos de Scott Basile, la persona que está detrás de Black Art Tintype y que lleva ya casi dos años subiendo colodiones a su galería de Instagram. Creo que es la cuenta más veterana a la que sigo que sube este tipo de fotografías.

Entre el regreso del carrete y del colodión también encontramos un resurgimiento de la fotografía instantánea, especialmente con las impresoras 3D que permiten adaptar cámaras a este tipo de técnicas. Y tú, ¿te has aventurado a recuperar la fotografía química de forma personal y/o personales?

Imagen de portada | Tom Hart

Sundance es el centro neurálgico de lo moderno cuando hablamos de la vanguardia audiovisual. Por ese festival de cine pasan los corto y largometrajes más extraños que hayas podido ver en tu vida. Cuando a Victoria Will le preguntaron si se encargaría de realizar las fotografías que inmortalizarían a las estrellas en su paso por el festival, se aventuró a realizarlas con ferrotipos en lugar de con una sofisticada y versátil cámara digital.

Los ferrotipos son fotografías realizadas mediante la técnica del colodión húmedo, una técnica empleada hasta ser sustituida por el gelatino-bromuro. El gelatino-bromuro se empleó sobre papel y más tarde plástico, constituyendo lo que conocemos como el clásico carrete negativo.

Esta técnica ofrece un resultado estético muy interesante ya que el colodión húmedo capta la luz visible y además ofrece una ligera sensibilización a las ondas ultravioleta, lo que hace que los retratos tengan un aspecto dramático y desgastado.

En relación al soporte, el ferrotipo se realiza sobre una placa de hierro sensibilizado, por lo que son fotografías únicas de las que no pueden sacarse duplicados. Este hecho hace que ahora mismo no, pero dentro de unos años estas sencillas fotografías tengan un valor incalculable por su exclusividad.

Fuente | BoredPanda

Sitio Oficial | Victoria Will

Si ya nos parece descabellado abrir un estudio fotográfico actualmente, mucho más si ese estudio está basado en el trabajo con técnicas de hace dos siglos. O quizá no sea tanto una locura si tenemos en cuenta el revival que está experimentando la fotografía analógica. Por ello, cuando nos enteramos que existía un local en Barcelona que ofrecía servicios fotográficos que miraban directamente a las técnicas más antiguas de la historia de la fotografía, nuestro interés por conocer más detalles nos llevó a querer hablar con Alberto, el alma máter de Señor Archer.

Y de ahí surgió esta entrevista donde nos cuenta cómo se metió en el proyecto, donde nos habla de su flujo de trabajo, su trato con los clientes, las técnicas que utiliza así como otros aspectos que nos llevan a empatizar con él por ese amor profundo a los químicos, al colodión húmedo y a sentir la fotografía en su concepto más primigenio, aquel que nos permite tocar y sentir los matices que nos regalan las placas fotográficas. Os dejo disfrutando de sus palabras.

XF: Para romper el hielo y conocerte un poquito más, ¿cuáles son tus primeros recuerdos con la fotografía analógica?

Señor Archer: Soy hijo de fotógrafo, así que la fotografía (y obviamente la analógica, por generación) ha estado presente en mi vida desde muy pronto. La luz de seguridad y los olores de los químicos de procesado probablemente sean de mis primeros recuerdos afianzados en la memoria. Aunque no me volví a acercar en serio a la fotografía hasta muchos años más tarde, el primer día que volví a pisar un laboratorio fue como si no hubiera pasado el tiempo. En cuanto a mis primeras experiencias como practicante ya nos iríamos a la adolescencia, donde por una parte empecé a tirar y revelar mis primeros rollos bajo la tutela de Jorge Alonso Molina a la vez que asistía a mi padre en algunos reportajes. Aunque hace años que no toco una Hassel, ahora mismo podría montarla y cargarla en 10 segundos con los ojos vendados, como los marines con el M16, jaja.

¿Te dedicabas comercialmente a la fotografía antes de abrir este estudio?

Sí, aunque pasé unos años alejado de la fotografía ni siquiera como hobby, acabé volviendo al redil ya en los años posteriores a que el digital hubiera pasado como el caballo de Atila y puesto patas arriba este mundo. Empecé fotografiando lo que tenía más cerca en ese momento, que era la escena musical en Asturias, y me fui introduciendo más en el mundo editorial. En 2011 nos vinimos a Barcelona y empecé a trabajar regularmente para algunas publicaciones, un ritmo muy intenso de trabajo que por una parte me permitió pulirme como profesional y por otra me planteó algunos momentos de duda existencial en la manera de enfrentarme a mi propia fotografía que me fueron acercando paulatinamente a este tipo de técnicas alternativas, o que son alternativas ahora cuando alguna vez fueron la norma.

Efectivamente fueron la norma, ¿qué te hizo entonces apostar por un estudio basado en las antiguas prácticas fotográficas?

Enajenación mental transitoria, creo que es el término técnico. La verdad es que a pesar de que lo digital/móvil lo domine todo y que la fotografía química esté arrinconada y sea percibida como refugio de puristas y nostálgicos, o un juguete en manos de modernas postadolescentes, o precisamente por todo esto, creo que es necesario que existan sitios físicos que acerquen este tipo de prácticas a quien se quiera acercar a ellas, gente cuyo número por cierto crece exponencialmente día a día, así como el de los que practicamos estas técnicas de manera comercial. Cuando empecé a juguetear mentalmente con la posibilidad de iniciar una aventura así, los estudios que se dedicaban comercialmente al colodión se podían contar con una mano y te sobraban dedos, estaba Michael Shindler en San Francisco como ejemplo de que se podía, no mucho más. Pero según iba avanzando en el proyecto y volvía a investigar un poco, la cifra iba creciendo, muy lentamente al principio pero sin tregua. Ahora mismo ese número sobrepasa generosamente el medio centenar, que es algo realmente lisérgico teniendo en cuenta los tiempos que corren.

Imaginamos que la reacción de tus allegados no se hizo esperar, cómo fue recibida tu propuesta, también a nivel de público. Y a nivel financiero (si se puede contar)

Pues con mucho apoyo y entusiasmo por parte de los más cercanos, y quizás algunas dudas, totalmente lógicas cuando uno se embarca en una chifladura de este calibre. Llevamos muy poco tiempo para poder hacer un análisis definitivo de la situación, pero el interés que está generando a nivel de público, medios… es de momento muy satisfactorio, y sigue una clara trayectoria ascendente. En unos meses, o un año, te podría dar una respuesta más fundada, aunque a día de hoy los resultados realmente son ilusionantes.

Qué tipo de clientes se acercan al estudio y qué tipo de trabajos hacéis, me refiero a si la gente pide también trabajos comerciales como retratos para comuniones, etc. Si los hacéis o si estáis sólo focalizados en algo más conceptual.

Pues siempre suelo contar que sí teníamos un cliente tipo en la cabeza, quizá nacido de nuestros propios prejuicios, cuando comenzamos esta andadura, esa imagen se vino abajo rápidamente y desde el principio, y recibimos clientes de todos los tipos, edades, y que proceden de muchos lugares, físicos, sociales y hasta filosóficos, muy diversos. En cuanto al tipo de trabajos que producimos, los podemos encuadrar (nunca mejor dicho) en el retrato dentro de una concepción amplia del término, desde la gente que está de paso y quiere un recuerdo significativo, parejas que se lo regalan a sí mismos, hasta pequeños editoriales de moda, retratos institucionales para algún organismo, artistas locales… el otro día nos pidieron presupuesto para hacer un retrato familiar transatlántico, con el cliente físicamente en el estudio y su madre desde Argentina a través de Skype en una tablet, una genialidad.

Cuál suele ser el flujo de trabajo, material de entrega de las fotografías, tiempo de entrega, si es inmediata, todo lo que nos puedas contar.

La parte técnica suele ser, por motivos obvios, siempre la misma: emulsión, sensibilización, carga, exposición, revelado, así que intento aprovechar los pocos minutos que el proceso me deja pasar con el cliente para intentar asomarme un poco a la persona con la que estoy tratando, y tratar de reflejar de alguna manera lo que veo en el retrato posterior. También me parece primordial involucrarles en el proceso, metiéndolos conmigo en el laboratorio y explicándoles exhaustivamente qué factores entran en juego para conseguir un retrato como los que han visto y que les han empujado a venir al estudio. Esa parte más pedagógica me resulta también muy gratificante, y a los visitantes les fascina el curso acelerado y ese poder atisbar cómo era la fotografía en su infancia, un tipo de fotografía con el que no tienen ningún contacto en absoluto en sus vidas diarias. Suelo citarlos para recoger las placas al cabo de un par de días, dándole tiempo al barniz que les aplicamos una vez secas para que fragüe correctamente, y además de la placa física se llevan también su correspondiente digitalización optimizada para diferentes plataformas. La técnica es del XIX, pero negar que vivimos en pleno XXI sería de una ceguera absoluta, y gran parte de nuestros próximos clientes son contactos en redes de los anteriores atraídos por los resultados estéticos, la experiencia o la curiosidad.

¿Tomaste algún referente tipo Nadar para este estudio? Ya de paso, ¿quiénes son tus referentes fotográficos?

El modelo de Nadar quizá no es fácilmente trasplantable a estos tiempos. Lo que sí hice cuando ya me estaba planteando muy en serio iniciar este proyecto fue hablar directamente con algunos (todos los que pude encontrar) de los que habían dado el paso antes que nosotros. Me interesaba conocer sus flujos de trabajo, cómo se enfrentaban a algunos de los muchos retos que plantea el trabajo diario con este tipo de proceso… para anticiparme a los problemas que me encontraría aquí y adaptar sus consejos a nuestra realidad, y realmente fue un proceso muy productivo.

En cuanto a los referentes, uno va cogiendo de donde surge, no necesariamente sólo de la fotografía, pero estrictamente dentro de las dos dimensiones siempre me han atraído intensamente los retratistas, tengo una incapacidad casi física para que una foto me mueva si no tiene una persona dentro. En ese sentido quizá no soy muy arriesgado en mis influencias pero me he educado escudriñando el corpus de trabajo de Karsh, Penn, Weston, Newman Beaton, Sander… y sigue siendo el tipo de fotografía que tengo en mente, sobre todo en mi trabajo de estudio, cuando soy yo el que enfoca, más allá de los condicionantes externos que hacen algo único de cada toma.

Qué equipo utilizáis y si os planteáis o si hacéis trabajos en exteriores con lo que ello supone a nivel de logística.

Ahora mismo estamos usando una mezcla variopinta de equipo moderno (al menos para los standards de este tipo de fotografía) y de época, con cámaras y objetivos que van desde el 1870 hasta hace unos años, cosas que han ido cayendo en nuestras manos y nos han atraído por su impronta estética y/o su fiabilidad. Tampoco nos llega ahora mismo la logística ni la cartera para formatos absurdos de placa o lentes de coleccionista, nos gusta la idea de explorar los límites de lo que uno tiene en cada momento.

En cuanto al tema de portabilizar el estudio y hacer trabajo de campo, es quizá la progresión a corto plazo que tiene más sentido ahora mismo, así que sí, está entre nuestros planes más inmediatos, sobre todo ahora que empieza el buen tiempo y Barcelona vuelve a vivir en la calle. Evidentemente supone un desafío añadido a un proceso que ya de por sí es exigente y caprichoso, pero si nos atrajeran las cosas por su comodidad no estaríamos dedicando tanto esfuerzo a esta discipina.

¿Expectativas o proyectos futuros?

Aún estamos en pañales como quien dice, así que nos queda prácticamente todo por hacer. Sacar el show a la calle es uno de los proyectos más inmediatos, como te acabo de comentar. Desarrollar más nuestra vertiente pedagógica a través de talleres, demos… el objetivo es que realmente el estudio se pueda convertir en un refugio dentro de Barcelona para una forma de entender la fotografía diametralmente opuesta a la que nos impone el relato tecnológico de nuestros días.

Ya como reflexión final, ¿qué te aporta la fotografía analógica frente a la digital?

Por una parte, la noción de que cada fotografía cuenta: el deshacerse del lujo/vicio de hacer 600 exposiciones por si acaso, la exigencia de concentración máxima en cada paso del proceso y el que si no estás en lo que tienes que estar, el propio proceso te lo hace pagar y no hay software que te lo venga a arreglar después. Lo bueno de todo esto es que todos estos conceptos son perfectamente aplicables cuando uno dispara en digital, y de hecho mi experiencia fotoquímica revierte muy positivamente en mi trabajo digital y viceversa. Además, la satisfacción de un trabajo bien hecho se eleva exponencialmente cuando tu mano no sólo ha compuesto el cuadro, iluminado y disparado, si no que ha cocinado los químicos, emulsionado el medio, revelado y fijado a ojo… el grado de implicación, de intimidad con tu trabajo, es mucho mayor. Y la recompensa para mí es irremplazable.

Cómo habéis podido observar, no sólo podemos llevarnos una fotografía, sino que además Señor Archer nos regala toda una experiencia en esa máquina del tiempo que es su establecimiento en el barrio del Raval de Barcelona. Desde Xataka Foto le agradecemos enormemente que nos haya concedido parte de su tiempo para atendernos y le deseamos muchísima suerte en esta andadura tan bonita y tan gratificante. No olvidéis visitar su web.

Más información Señor Archer

Lo reconozco, hay veces que me cuesta salir de casa con el equipo fotográfico a cuestas, por ello, cuando descubro proyectos como el que hoy os presento, mi admiración hacia el fotógrafo se hace aún mayor. Luo Dan, no es que cargue con su cámara como lo haríamos todos, sino que ha convertido su minivan en un estudio móvil.

Necesitó convertirla porque su fotografía se basa en el antiguo proceso de colodión húmedo. Sobre esta técnica ya nos habló Rodrigo a propósito de las imágenes tomadas durante la guerra civil norteamericana. Algo que se remonta a los primeros pasos de esta disciplina, cuando el cuarto oscuro viajaba allí donde estaba el fotógrafo.

La fotografía de Luo Dan nos transporta a esas imágenes de antaño, no sólo porque la técnica utilizada sigue los pasos del colodión húmedo, sino debido a que los retratados siguen la tradición vistiendo sus mejores galas lejos de la China moderna, para según el propio autor, llegar un punto más elevado de espiritualidad. Al mismo tiempo, utiliza este método porque así entra en consonancia con los aldeanos representados y sus herramientas de cultivo artesanal.

He recorrido un largo camino, vi un montón de cosas, y me di cuenta de que a pesar de las diferencias entre unos y otros, al final son realmente parecidos. Y así me detuve descubriendo un lugar que no ha cambiado y traté de averiguar por qué aquello tenía el poder de detenerse a tiempo.

"Simple song", que así se llama este trabajo y el cual podéis ver en su página web, nos ofrece la magia de la intemporalidad pero a la vez nos sitúa en otro tiempo, y es que podrían haber sido tomadas hace más de un siglo. Su aspecto añejo, su impecable resolución con juegos de desenfoque en los fondos dando prioridad a los retratados, todo ello hace que estemos ante fotografías de extrema belleza.

En realidad lo que hace Luo Dan no es algo nuevo en los tiempos que corren, os recuerdo el proyecto "Silver & Light" que ya nos enseñó Miguel Ángel, pero sí nos aporta un sentido más coherente puesto que su discurso nos entronca con personajes actuales que siguen manteniendo las tradiciones de la antigua China desde un punto clásico de ejecución fotográfica.

Os recomiendo ver el vídeo donde Luo Dan nos describe este trabajo para así comprender mucho mejor aquello que quiere plasmar con sus retratos. Cómo se documentó viendo fotografías de finales del siglo XIX, cómo convivió con los aldeanos, cómo pensó expresarse a sí mismo a través de ellos y cómo perdió la fe en los métodos fotográficos actuales hasta encontrar un proceso que le conectase directamente con lo que quería transmitir. Espero os guste, sin más os dejo disfrutando de sus fotografías.

Fotógrafo | Luo Dan

En la fotografía siempre hay hechos que suelen marcar un antes y un después. Uno de los acontecimientos históricos que tan de moda están estos meses gracias al cine, y a una película en particular (Lincoln), es la guerra civil norteamericana o guerra de secesión; la cual no sólo significo un antes y un después dentro de la historia general y americana, sino también un nuevo avance en el sector fotográfico.

La guerra de secesión norteamericana, o guerra civil, entre los federados y confederados, fue el primer conflicto bélico en el que se realizaron tomas por primera vez que no escondían el horror de lo sucedido. Las escenas de muerte, pillaje, destrucción y prisioneros famélicos se tradujeron en una auténtica conmoción para quienes pudieron contemplarlas, porque les alejó del ideal romántico de lo que se pensaba que era una guerra.

Los fotógrafos en esta época, tanto de forma individual como contratados, fueron los encargados de fotografiar el día a día de una guerra, en la que se fotografiaba todo, desde los campos de batalla hasta los campamentos y personas que envolvían a todo lo acontecido en el conflicto.

Procedimiento fotográfico

• Colodión húmedo: Fue el procedimiento para fotografiar más utilizado. Requería entre 5 y 20 segundos de exposición, razón por la cual no existen fotografías de actos de batalla “en curso”, que, de haberse realizado, no mostrarían más que borrones. De ilustrar este tipo de escenas se encargarían dibujantes y grabadores, que podían a estar incluso más envueltos en una batalla que los propios fotógrafos.

  

  Fotografía de Timothy O'Sullivan

  El fotógrafo y su ayudante llegaban a la localización, y éste último era, el encargado de realizar la mezcla de productos químicos. Una vez que éstos habían tenido tiempo de emulsionar, la placa vitrificada que registraría la imagen era sumergida en el líquido resultante de la mezcla, dentro de un cuarto oscuro. Posteriormente, la placa era colocada dentro una funda deslizable, que la protegía de la luz, y, de inmediato, colocada dentro de la cámara, que ya había enfocado y encuadrado la imagen que se iba a fotografiar. Rápidamente, el fotógrafo retiraba la funda para que la placa quedase impresionada con la imagen, destapaba el objetivo de la cámara y volvía a deslizar la funda de nuevo en torno a la placa, para extraerla de la cámara. Así pues, se trataba, literalmente, de un trabajo “a ojo”, en el que el tiempo en el que la placa estuviese sumergida en los productos químicos y el tiempo que permaneciese expuesta a la imagen en la cámara resultarían determinantes en el resultado final.

  Obviamente, el poder realizar fotografías nítidas en las que salieran personas era una tarea ardua y difícil; ya que no era menos trabajoso conseguir que las personas se quedaran quietas durante ese tiempo, como el conseguir realizar el trabajo de exposición fotográfica y la preparación antes descrita.

• Ferrotipo: Un procedimiento muy similar al colodión húmedo, salvo que sólo generaba un original sin posibilidad de copia. Era realizado en una plancha de hierro.

• Ambrotipo: Exactamente igual que el ferrotipo, pero en una placa de vidrio generando un original sin posibilidad de copia.

Tipos de fotografía

A pesar de lo antes dicho, la temática de la fotografía en esta guerra fue muy diversa. Uno de estos estilos era la carte de visite, retrato realizado por el procedimiento del colodión húmedo.

Los fotógrafos utilizaban una cámara de cuatro lentes para obtener cuatro negativos de las cartes de visite en una placa de vidrio. Cada negativo generaba una plancha que se montaba sobre un papel grueso del mismo tamaño, tal como hoy se hace con las tarjetas de visita.

A parte de este tipo de retratos y de los retratos de los combatientes en los campamentos y lugares en los que se desarrollaba la guerra, también existían todo tipo de temáticas, desde escenas del campo de batalla, ciudades, etc... que solían estar realizadas en ferrotipos.

Por último hubo estilos muy particulares de fotografías que definían a algunos de los fotógrafos de la época.

Algunos fotógrafos de la época

Matthew B. Brady: Muchos llaman a este hombre de descendencia irlandesa como el padre del fotoperiodismo. Fue el primero de los fotógrafos más relevantes en llevar el laboratorio a "cuestas", y consiguió reunir a un grupo de fotógrafos para retratar las barbaridades del conflicto.

Algunos de los retratos más famosos de la guerra son de él, incluido el que años más tarde su usaría en el billete de 5 dólares de Abraham Lincoln.

Alexander y James Gardner: Ambos invitados por Brady para retratar el conflicto. El primero de ellos acabó trabajando para el Servicio Secreto y fue el fotógrafo favorito de Abraham Lincoln.

Timothy O´Sullivan: Otro de los empleado de Brady, que tras la guerra trabajó para el Servicio Geográfico Nacional.

George S. Cook: Uno de los pocos fotógrafos del sur del que aún se conserva material. Acabada la guerra abrió un estudio fotográfico en Carolina del Sur.

Toma de Cook

Estos son algunos de los muchos fotógrafos que reflejaron el conflicto de la guerra civil Norteamérica.

Un resumen de lo acontecido

No hay duda que, las fotografías a las que estamos habituados hoy a ver en todos los medios sobre conflictos bélicos podría decirse que nacieron en estas fechas. Anteriormente, la gran mayoría de las imágenes con muertos y demás barbaridades eran censuradas. Pero claro todo esto que podía ser visto para mostrar al pueblo todo lo acontecido, también podía ser manipulado, y es por eso que hay muchas tomas que se desconoce si pudieron ser tan reales como se ven en las imágenes, sobre todo si tenemos en cuenta que muchos fotógrafos eran contratados por ambos bandos.

Retrato a John Wilkes Booth asesino de Abraham Lincoln realizado por Alexander Gadner

Fue un conflicto que marcó un antes y un después en la fotografía, pues consiguió usarla como un método de poder incalculable, desde forma propagandística hasta para desmitificar al enemigo.