Si tienes un dron ya sabrás que la ley tiene bastantes limitaciones sobre dónde y cómo se pueden utilizar. Por eso, es posible que te hayas encontrado con que no puedes utilizarlo en una determinada zona donde te gustaría grabar secuencias para un vídeo con tu dispositivo aéreo. Pero tranquilo porque todo tiene solución. Aquí te mostramos un interesante vídeo con otras ideas que permiten conseguir prácticamente lo mismo. Sólo hace falta algunos accesorios y mucha creatividad:

Como habéis visto las posibilidades son muchas y de lo más imaginativas, y vienen de la mano de una cineasta llamada Karen X que, desde luego, tiene mucha imaginación. Desde una pértiga a una cometa, pasando por una especie de tirolina improvisada y una simple caña de pescar. Estos simples elementos y una cámara 360 de pequeñas dimensiones como la Insta360 ONE X2 le sirven para conseguir unas tomas espectaculares en un entorno, el Golden Gate de San Francisco, donde hay bastantes limitaciones.

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Los vídeos más divertidos sobre fotografía para echar unas risas con nuestra afición favorita

Es cierto que la calidad no es la mejor (encima en formato vertical), pero como sugerencia de lo que se puede hacer echándole imaginación a la cosa el vídeo no tiene precio. Lo cierto es que Karen está especializada en la realización de películas de bajo presupuesto como demuestra en su perfil de Instagram donde hay una montón de buenas ideas para quien quiera hacer películas y tenga poco presupuesto, o bien quiera apostar ante todo por la creatividad.

Vía | Fstoppers

La conocimos a raíz de la concesión del premio Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2018 por su serie ‘Naranja de sangre’, pero esta joven fotógrafa mexicana tiene ya varios premios y una interesante trayectoria gracias a un trabajo muy personal e imaginativo.

Y es que los proyectos de Liza Ambrossio mezclan distintos formatos y todo tipo de fuentes para crear un universo personal único que se nutre de pinturas crípticas, performance, archivos macabros, intervenciones, vídeos, psicología, sueños y pesadillas lúcidas, brujería, ciencia ficción… Sin duda se trata de una artista muy especial con un rico mundo interior tal y como quedó claro en la entrevista que mantuvimos con ella y que transcribimos a continuación.

La artista Liza Ambrossio

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Liza Ambrossio vencedora del Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2018 con su proyecto ‘Naranja de Sangre’

Gracias por charlar con nosotros Liza. Como suele ser habitual, comenzamos preguntándote por tu trayectoria ¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafa?

Una verdad cliché es que un artista no se hace, nace. Para mí, no hay mayor mentira que la sobreeducación del arte; Es castrar lo que es natural o lo que no lo es. Lo mismo sucede con los deportistas de alto rendimiento, los talentos de la ópera y los aspirantes a santos. Yo ya era artista desde que tengo memoria y estoy aprendiendo a vivir con la libertad que me es innata y en defensa de mi obra. Me dedico a esto porque es lo único que sé hacer y es a lo que quiero dedicar mi vida.

De muy niña estudié pintura clásica, pero no me considero una pintora con letras mayúsculas. Después pasé un par de años esculpiendo personajes imaginarios en masa de maíz, plastilina y cosas por el estilo. Pronto mi madre descubrió que escribía muy bien, pero no le gustaba lo que escribía porque ya entonces era radical y me gustaba basar mis personajes en la gente cercana a mí –como hacen la mayoría de los escritores-; mis facultades me ganaron varios pases a terapia. Así que escribir estuvo bien, pero en secreto.

Tiempo después, cuando tenía 16 años, me desperté, tomé un poco de dinero de un cajón y me fui a una tienda en el centro histórico de la Ciudad de México. Le pedí al vendedor que me diera lo mejor que pudiera comprar con lo que tenía. No sabía cuánto costaba nada.

A los 14 años fui parte de un colectivo de activistas por la comunidad LGBTI. Salíamos a hacer performances y a desfilar con vestidos de papel. A los 15-16 años me fui de casa y empecé a vivir a lo loco gracias a las becas de estudio en el extranjero (Estados Unidos, Islandia y España) y fue en ese momento donde comenzó la conexión con muchos de los artistas más importantes de Latinoamérica y agentes del arte en Europa, lo que autentificaría mi potencial para hacer vídeo, continuar escribiendo y fotografiando. Lo demás es una mezcla de caídas y saltos al vuelo. Pero, es así como me integré al mundo de los espejos.

Sin duda tus imágenes se salen de lo convencional ¿Cómo definirías tu trabajo? ¿En qué género lo encuadrarías?

Yo no encuadro mi trabajo, no hay nada más lejano a mi forma de entender el mundo que la pretensión de una estructura. Dejo que el trabajo mande en mi vida y se construya a sí mismo.

Tu fotografía mezcla muchas cosas ¿cómo es el proceso para llegar a unir cosas tan diferentes como las que aparecen en tus imágenes? ¿Todo surge espontáneamente de tu imaginación o es fruto de un largo proceso de elaboración?

Todos los procesos detonan algo hacia adentro o hacia afuera y mi trabajo sale de dentro, de las entrañas, y después se abre a la interpretación.

¿Qué importancia tiene la religión en tu trabajo? ¿Y la psicología?

Todo el arte posee algo de religioso, pero no me refiero a la religión de libros, sino al mecanismo espiritual y filosófico que todos contenemos para intentar acercarnos a lo divino y a lo demoniaco. Mi trabajo no se puede alejar de esa tensión porque soy un ser muy actual y que se deja invadir por símbolos de todo tipo: Psicológicos, políticos, personales... Y a la vez soy muy negada al proselitismo y a relacionarme con el pensamiento de las religiones, sin nunca abandonar las búsquedas de cómo se conforma o se destruye el pensamiento y las acciones que le continúan.

¿Es cierto que en tus comienzos hiciste fotografía de sucesos? ¿Tuvo mucha influencia posterior en tu obra?

Sí, “nota roja”, que es un tipo de fotografía mexicana que no posee traducción a la prensa de otros países. Se trata de acechar la guerra, la tortura, la destrucción y el auto exterminio sin aparente sentido. Con el tiempo lo he interpretado como un síntoma del pensamiento y la sociedad mexicana siempre en erupción. Cuando estás viviendo cada madrugada la muerte de alguien que no conoces te deja de importar quién fue esa persona y te vuelves, como dijo Emile Zola en ‘La obra’, la sombra de lo nauseabundo.

Algo bien sabido es que los mexicanos tenemos fascinación con la muerte, la sensualidad y la violencia, es algo epigenético, lo llevamos en la sangre, desde los pueblos indígenas hasta en la forma de alimentarnos, el narcotráfico o la forma de abordar la vida.

Hacer este tipo de trabajo me dio permiso de observar mis más angustiosas pesadillas y sueños sin prejuicios. Aunque en ese mismo momento me sucedían muchas historias: Acababa de suicidarse mi mejor amigo de aquellos años, un fotoperiodista que me había adoptado como una hermana pequeña. No sé si había llegado a los 18 años, pero el dolor estaba posado en mí porque de una noche a otra me había quedado sin él, sin donde vivir y además, me habían ofrecido pasearme por las madrugadas viendo muertos en las colonias más pobres y violentas de la ciudad. Todo un lujo al que no me pude resistir porque por alguna razón necesitaba ver lo terrible, porque no sentía nada y a ratos se me caía el mundo. Hasta que un día me cansé de la muerte o ella se cansó de mí y decidí irme a viajar porque las venas sangrantes de mi país habían intentado ahogar mi propio dolor.

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“Nunca pensé que mi foto iba a ganar”, Ronaldo Schemidt, vencedor del World Press Photo 2018

¿Qué es lo que pretendes con tus fotos? ¿Tratas de provocar al espectador, hacerle pensar o simplemente es una forma de expresarte?

Rendir una ofrenda al arte con mi propia alma, pensamiento y vida.

Además de fotografía utilizas muchos otros medios ¿Te consideras fotógrafa o simplemente artista visual? ¿Crees que la fotografía tiene más capacidad de llegar a la gente combinándola con otro tipo de medios?

Diría que soy una artista promiscua que por el momento se ve fascinada por la rapidez de la fotografía, pero no posee facultades de permanencia en un medio. Actualmente trabajo en la producción de mi primera novela. La combinación de medios es, por así decirlo, el destino de mi lenguaje, pero no creo que sea la ruta correcta de la imagen, solo es una coincidencia.

Háblanos de tu último proyecto ‘Naranja de Sangre’… ¿En qué te inspiraste? ¿qué pretendías contar en él?

Es la proyección de una naranja que sangra (traducción literal de ‘Orange Sanguine’ en francés). Dos colores son los pigmentos base de mi proyecto: El naranjado, el color de la juventud, la alegría, el punto más álgido del fuego, la tierra, y la diversión. Y el rojo, el color de la violencia, ira, rapidez, fuerza, sangre, poder, pasión y amor. A ellos les adhiero un tercer color complementario, el amarillo: Locura, luz y guía en el caos.

Toda la gama explota dentro de una sección de mi mente que permanece en la oscuridad, y que a su vez rebela una antiquísima simbología encriptada. Las naranjas significan en muchos pueblos de la tradición indígena americana, y otros credos al sur de Europa e incluso Asía, traición, violencia, sangre, sol o muerte. En las ofrendas mexicanas de día de muertos el tono anaranjado controla todo. Es el símbolo del astro mayor. Como lo es también el color amarillo. Las sombras que se proyectan en todo mi trabajo están relacionadas con el factor tiempo y este fruto; Significan a su vez el sol negro que es el principio del amanecer y que se convertirá en la estrella de la mañana latente de mutar al color naranja. La estrella de la mañana es también uno de los nombres de los dioses del inframundo y del dios de la guerra, quien es capaz de dotar al mundo de un nuevo orden después de la destrucción.

‘Naranja de sangre’ es un retrato contemporáneo del caos que se expresa convulsivamente en torno al cambio, la maldad y lo maldito, la enfermedad mental, la soledad, la epigenética, el ritualismo, el desarraigo, la libertad y el destino. Traza una narrativa usando la fuerza del instinto y la supervivencia emocional en el marco de un mundo cuyas leyes de vida están igualmente marcadas por el amor y la violencia. Un mundo donde lo sentido y lo vivido a veces se fusiona de manera mágica o trágica.

En este circuito mi relación con el terror responde a una necesidad muy primitiva, porque me permite desarrollar universos en los que surgen personajes extraños que pueden asumir una personalidad sobrenatural para enfrentar diferentes fases del infierno solo a través de la demencia.

Este proyecto es un drama agudo, rítmico y desgarrador que busca devorar al espectador a través de la asociación tradicional de mi origen mexicano: Rituales de muerte, sacrificio, sangre y actos de brujería, ejecutados en los rincones teóricamente más alejados a mi cultura: Islandia, Suecia, Suiza, Dinamarca, Holanda, etc. El sentido de desarraigo y la necesidad de conectar con lo más profundo de los orígenes de la humanidad pierden el pudor y se dejan encontrar en mi mirada.

En una de las cartas de Hernán Cortés (el conquistador español) a la reina de España Isabel la Católica a la llegada de éste a la ciudad imperial de Tenotchitlan (hoy Ciudad de México) se describe a los pobladores originarios como seres del inframundo:

“Cuando sorprendido por la blancura y la dimensión de la pirámide del sol contrastada por un denso color rojo en las escaleras. Se aterroriza al ver recostarse en la punta de la pirámide al ultimo ganador del juego de pelota, un sacerdote azteca le clava un cuchillo de obsidiana en el esternón, en ese instante le saca el corazón mientras aun grita de dolor,-ahora se ha convertido en comida para los dioses- el sacerdote se lo devora aún palpitando y deja que la sangre del moribundo pinte las escaleras de la pirámide de rojo.”

Al igual que en esta escena de la historia de la humanidad mi libro sangra: Lo animal y lo vegetal, lo espiritual y lo carnal adquieren la misma dimensión. Y la historia cambia de ruta cuando los arquetipos de europeo se vuelven extravagantes en mi iconografía.

Todos mis proyectos están vinculados y direccionados por un rictus relacionado con la figura de la hechicera como un ser capaz de emerger del inframundo, inteligente, arriesgado, mágico y todo poderoso. Todo hombre o ser vivo se inclina, desarma o muere.

Háblanos de tus referentes...

H.P. Lovecraft, Alejandro Jodorowsky, F.W. Murnau, Roman Polanski, David Cronenberg, Luis Buñuel, William Burroughs, Emmanuel Lubezky y Goya. Son quizás una suerte de ritual de exorcismo. Pero creo que lo que más ha marcado mi obra es mi creencia en que la realidad está sobrevalorada y la fantasía subestimada, en mi resolución lo más rico que existe en la vida es la fabulación y el poder de imaginar.

Por eso, mi fotografía está cargada de gestos performáticos y cinematográficos, al mismo tiempo alusivos al archivo pictórico y del documental. Consecuentemente mi trabajo se ha convertido en un ejercicio de libertad siniestra llevada hasta sus más extrañas consecuencias, que posee una fuerte relación con el azar y el instinto tratando de usar todas las herramientas narrativas para crear alguna emoción dentro de la imperfección.

Es una afrenta al terror y la deshumanización porque creo que la pasión humana es en sí misma un acto de desafío. Disfruto el jugar a fallar y vivir, mezclando diversas técnicas (imágenes de archivo, intervención pictórica, maquillaje, collage, fotografía analógica y digital…). Los textos que acompañan mi trabajo los inspiro basados en crudos instantes de desapego extremo. Entre la locura y la completa claridad (flashbacks).

¿Crees que tus fotografías se entienden mejor en México o en Europa?

Creo que mis fotografías poseen un contenido universal y que pueden interpretarse con la misma pasión en el continente europeo, americano o donde sea. Aunque si de lo que estamos hablando son de guetos de poder, para mí es más fácil darle movimiento en Europa a mi trabajo que en México. Por varias motivaciones: Los criterios visuales son más abiertos aquí que en Latinoamérica, apegada al documentalismo clásico, la dirección de dos o tres personajes para todo Latinoamérica y el conceptualismo old style. De Europa me gusta que existen muchísimos personajes que destacan en el mundo del arte y también que hay una educación visual más consciente a este lado del charco que del otro lado, aunque Europa es como Latinoamérica en otro sentido; La capacidad de visión de los agentes del mundo del arte se modifica de acuerdo al país, no es lo mismo hacer desde España, que desde Noruega o Francia.

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“Queremos que el creador, que pone precio a su trabajo, reciba una remuneración justa y digna”, Íñigo Lerma, fundador de Kilfi

De todos los premios conseguidos ¿cuál es el que te ha ayudado más en tu carrera?

Entre profesionales de la fotografía, el premio Voies Off de los encuentros de fotografía de Arles, Francia es de lo más elitista y me ha gestado un respeto que antes no tenían mis proyectos. Pero el premio Nuevo Talento FNAC ha potenciado mis proyectos de una forma más social, pues se puede acercar cualquier persona al proyecto sin temor de ser considerado fuera del circuito del arte, tener tus imágenes en una tienda, dar una charla y que igual el paseante del día, que un estudiante de fotografía, un profe o el director de un festival se te acerque en el mismo sitio es todo un lujo que me ha generado seguidores de todos los medios. Próximamente me encontraré en Fnac San Agustín (Valencia) del 29 de enero al 17 de marzo. En la feria Just Mad en Madrid del 18 al 26 de febrero y en Mecanic-Barcelona el día 22 de febrero.

¿Qué importancia tiene el equipo en tu trabajo? ¿Qué cámara y objetivos utilizas?

La misma importancia que tiene la marca de mi lápiz en la cartera. Uso lo que tengo al momento, ahora tengo una Sony A7 III porque me la regaló un generoso fotógrafo en Houston, Texas. Pero igual fotografío con los bichos menos sofisticados.

¿Eres de los que llevan siempre una cámara consigo a todas partes?

Para nada, la cámara es un lastre y un arma de detonación. Cuesta cargar con ella, pensar, sentir y entender...

¿Cuál tu próximo proyecto?

La construcción de mi novela ‘Promesas crueles’ y el desarrollo de mi serie ‘Agua de fuego-Leche de tigre’, un viaje entre el pasado y la modernidad del derecho al auto exterminio, donde relato el suicidio de mi padre y mi relación con el oscuro destino de los hombres en varias cotas de mi vida.

Pues muchas gracias Liza, felicidades por el premio, mucha suerte con tus proyectos, y esperamos que a pesar de que experimentes con otras artes no dejes nunca de lado el mundo de la fotografía.

Liza Ambrossio | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Liza Ambrossio reproducidas con permiso del autor para este artículo

Los videoclips podrían ser considerados en el terreno audiovisual como el campo de batalla donde se experimenta con todo tipo de avances en cámaras, ópticas y gadgets. Cómo no solo de fotografía vive el fotógrafo, te traemos 6 videoclips para que tus retinas se den un "buen viaje".

Si se habla de videoclips y fotógrafos, Roger Ballen y el trabajo que hizo para Die Antwoord es lo primero que viene a la mente. El increíble vídeo que dirigió donde su esencia fotográfica se puede rastrear en cada plano fue uno de los responsables del increíble éxito que vive actualmente esta pareja musical que ha sabido vender como nadie su música en cada nuevo vídeo que publican.

Con tan solo un año, Bitch Better Have My Money de Rhianna se ha convertido en todo un clásico. Mucho ojo a el tratamiento del color en los diferentes planos, con una presencia (que no saturación) digna de admirar.

Paul Thomas Anderson nos da una lección de cómo usar la cámara de la forma más sencilla posible, sin abusar de travellings ni efectismos y dando gran presencia a planos que rozan el amateurismo con un tratamiento de color muy suave que sabe dar presencia a lo único que importa: la luz. El resultado es un temazo de Radiohead que gana enteros con este vídeo.

Tame Impala nos ofrecen en The Less I Know The Better narrativa, edición, fotografía e imaginación, mucha imaginación, en un videoclip que condensa lo mejor de Pink Floyd, los Beatles más lisérgicos y el Danny Boyle de la era Trainspotting. Y facturado por la empresa catalana Canada.

Trent Reznor y su banda Nine Inch Nails condensan en 4 minutos gran cantidad de referentes estéticos del mundo de David Lynch (con quien ya colaboraba el cantante americano) en el vídeo Starsuckers INC. Una edición de vértigo y un tratamiento de color con verdes y rojos de una profundidad apabullantes crearon un universo estético digno de elogiar.

Nic Goffey y Dominic Hawley son los responsables de videoclips para bandas como Oasis o David Bowie así como creadores de varios spots publicitarios. El trabajo que hicieron en este vídeo para The Smashing Pumpkins donde se combinan diez escenarios con diferentes luces y degradados de color en un solo plano secuencia es todo un prodigio, sobre todo si tenemos en cuenta que se realizó durante la década de los 90.

Y ahora queremos saber tu opinión. ¿Qué videoclip nos recomendarías?

"Surfeando" un poco por la red de redes siempre acabas encontrando algún que otro truco fotográfico que cuanto menos resulta muy interesante. Los habrá más útiles, los habrá que no tanto y los hay (como este) que pueden dar juego a conseguir fotos caleidoscópicas y te permite experimentar. Seguro que todos tenemos cerca de nuestra casa alguna tienda de "todo a 1 euro" donde podemos encontrar todo tipo de utensilios, desde figuritas hasta menaje del hogar. Se trata de encontrar pequeños espejos, todos iguales que nos permitan crear una pequeña caja de espejos, necesitaremos cinco como mínimo o incluso seis mejor.

Con un poco de cinta de carrocero, o aislante, tenemos que crear una pequeña caja con la superficie reflectante de los espejos hacia adentro. Una vez montada nuestra caja casera ahora es tiempo de experimentar... Introducir velas, utilizar flash, introducir figuras... Todo vale, el límite solo lo pone tu imaginación.

Los resultados pueden llegar a ser de lo más variopinto, y tras el salto os dejo imágenes de diferentes resultados.

Vía | Digital Composing

Y parece que la imaginación no se termina en esto de la fotografía (y agradecidos de ello estamos). Mientras empezamos la temporada de lanzamientos de las nuevas camaras fotográficas, parece que hay gente, que también se ha lanzado a juguetear, para sacar a relucir sus propios y distinguidos diseños.

Hay quien dijo una vez, “Es como McGiver, le das un chicle y te hace un helicóptero”, pues la verdad, es que hoy podemos introducir en ese selecto club de creadores de productos inesperados, con piezas inesperadas a Cary Norton. La verdad, que crear una cámara oscura hoy en día es ya bastante sencillo, pero la verdad jamás pensé, que alguien consiguiera algo como esto, a base de piececitas de Lego, dándole incluso la dificultad de acoplar un chasis de película con un cristal como visor, y una lente. Este invento, que ha bautizado como Legotron

Muchas veces las cosas más brillantes, se consiguen con lo menos esperado. No es un diseño muy bonito, hay que reconocerlo, pero a ¿quién no le gustaria ser retratado con una camara hecha a base de piezas de Lego?

Fotografía tomada con el Legotron

Os dejo con la página web de Cary, en donde podréis ver el proceso de creación de la cámara, la cual ,por cierto, abandonó durante un tiempo pensando que era una estupidez.

Yo sinceramente, cada vez me veo con más ganas de hacer algo así. Ahora, sólo me falta encontrar algo original para poder entrar en ese tan selecto club del “McGiver fotográfico”, que cada vez aumenta más y más.

Via | DIY Photography

Foto | Hélène Havard

Hoy os quiero descubrir un nuevo fotógrafo, que en este caso viene del país del glamour y del romanticismo: Francia. Su nombre es Hélène Havard y con sus fotografías nos quiere mostrar mucho más de lo que a simple vista podemos ver.

Hélène Havard es toda una experta en la fotografía fija, especialmente en escenarios de películas, por ejemplo en la parte en la que el director da el visto bueno a la toma, cuando el productor está controlando para que nada estropee la secuencia o mientras los actores están haciendo su papel.

Foto | Hélène Havard

Otra de sus especialidades es la captura de imágenes de calles y la manipulación de las fotografías, dónde gracias a su imaginación es capaz de transportarnos a un nuevo mundo.

Desde luego, con una Nikon D700, Photoshop y una tableta Wacom, Hélèn se esfuerza por transmitir en sus fotografías sentimientos, un poco de sentido y mensajes. Creo que una frase que podría resumir a esta francesa es sin duda, que en la variedad de sus temáticas fotográficas está el gusto y ninguna de ellas tiene desperdicio.

Web oficial | Hélèlene Havard

El post que viene a continuación es fruto de la sensación personal que tengo entorno al mundo que rodea al fenómeno de la lomografía, además de ser una opinión personal e intransferible.

Después de este disclaimer, empecemos a despotricar (tranquilos, solo un poco).

A raíz de esta entrada en el interesante blog de Juan Luis Polo, me he decidido a escribir lo que pienso sobre la lomografía. Ya os hemos hablado de lo que es la lomografía aquí, en XatakaFoto, por lo que no me entretendré en explicarlo, parto de que ya sabéis de qué se trata. Lo que sí pienso hacer es remarcar las que creo que son sus dos características visuales más llamativas:

• Viñeteado bastante destacado.
• Alta saturación de los colores.

Nada criticable en estos aspectos. Es lo que hay con las fotos lomo y hay que asumirlo. Estas características, per se, no son negativas. Lo serían siempre consideradas desde la globalidad de la fotografía.

Pero el fenómeno lomo va más allá de hacer fotografías con cámaras defectuosas que producen ciertos resultados. Existe una lomolifestyle. Sí, con sus "reglas" y decálogos. Si no me crees, aquí tienes las 10 LomoReglas (nos detendremos con calma en una de ellas más adelante) e incluso un bonito y largo decálogo de 95 puntos de Gerald Matt, un miembro de la Sociedad Lomográfica, que presentó en el WorldLomoWall de Londres durante el año pasado. Puedes leerlo en el blog a-z fotográfico y os lo recomiendo encarecidamente. Ha logrado mantener una sonrisa en mi cara durante un buen rato. Y que nadie se lo tome demasiado a pecho, es irónico y autoparódico (o almenos eso es lo que me ha parecido a mi). También lo utilizaremos posteriormente.

Una vez hemos nombrado los aspectos técnicos de la lomografía por un lado y hemos referenciado la filosofía de la lomolifestyle, necesito cambiar un poco de tema para enlazarlo más tarde con el mundo lomo: ¿Qué es lo que me gusta en una fotografía?

El tema puede dar para un libro entero, pero aquí vamos al grano. Cuando me hago esa pregunta, yo respondo que lo que me gusta en una foto es que me despierte una sensación. Asco, belleza, paz, soledad, tristeza y un interminable etcétera. Y ¿cómo se logra despertar una sensación? Pues me atrevo a responder que utilizando las siguientes herramientas:

• La técnica.
• Captar el momento adecuado.
• El significado que tiene aquello fotografiado.
• La belleza de los elementos fotografiados (entiéndase belleza como la particularidad de las formas, algo que llama la atención. Yo soy algo feo y a veces salgo bien en las fotos...).

Volvamos a hacer un giro hacia la lomografía. En un principio, con ésta, sólo podemos tener problemas en el primero de los cuatro puntos anteriores. Podríamos hacer buenas fotos (perdón, mejor dicho, fotos que puedan despertarme una sensación y por lo tanto gustarme) con el resto de herramientas disponibles. Pero esto es una verdad a medias, ya que para lograr utilizar bien las tres últimas herramientas hay que tener alguna noción técnica (donde colocar el sujeto, enfocarlo, exponerlo adecuadamente, etc, o almenos tener alguna idea del resultado final para poder romper estas mismas reglas), si no, la fotografía se convierte en algo aleatorio, fruto de la casualidad. Aún así, supongamos que no es necesario el conocimiento técnico. Existe un problema con la filosofia de la lomografía. Concretamente con la regla número seis del movimiento lomográfico, la única a mi modesto entender, que chirría (y mucho). Y es que dice así:

No pienses. (...) Directamente disparas, Don't think, diviértete y déjate sorprender de todas las oportunidades que te ofrece.

¿Divertido? Seguramente. ¿Interesante para los espectadores de estas fotos? Responde tú mismo. No pensar, algo, lo mínimo, convierte la fotografía en un resultado probabilístico no en un proceso.

Y por si no fuera poco, en el decálogo que hemos citado anteriormente, hay dos punto realmente interesantes que rezan lo siguiente (en el apartado analógico vs. digital):

4. Recela de los fotógrafos digitales: su falta de imaginación es contagiosa.

9. Evita asociarte con fotógrafos digitales. Son la mala suerte personificada. Carecen de imaginación y de pasión.

Repito que se debe leer en clave de humor, que no se enfade nadie, pero si hay algo que me cansa de la lomolifestyle es esta pretensión de que se trata de una corriente altamente imaginativa. Disparar sin ton ni son, a expensas de que la suerte produzca un resultado interesante, me parece una carencia patológica de imaginación. Llevar la cámara a todos los rincones y disparar a cosas poco usuales es muy original, pero disparar por disparar es tontería.

Me gustaría destacar, por si lo parece en lo anteriormente escrito, que el uso de la técnica en la fotografía tampoco es un fin, sinó un medio. Romper las reglas también puede producir un resultado magnífico. Ignorar los tres tercios, centrar horizontes, subexponer, sobreexponer, buscar trepidaciones... Pero hacerlo con un objetivo, con un plan, aunque el resultado no sea el esperado o planeado.

Aún así, las buenas fotos hechas con una lomo me gustan. Quizás me acabe comprando alguna. Pero os aseguro que, antes de hacer una foto, pensaré (luego existo).

Os sugiero que hagáis una búsqueda de fotografías interesantes y atractivas hechas con una lomo en, por ejemplo, el grupo de flickr lomo Spain. Hay unas cuantas, de verdad.

Fotografía | Flickr de capitan-patata