Hace un tiempo vimos algunos consejos para iluminar objetos opacos y resaltar sus propiedades. En esta ocasión, os hablaremos de las propiedades y los retos de iluminar objetos reflectantes y algunos consejos de cómo afrontar este tipo de objetos para conseguir iluminarlos de la forma que queramos.

Viendo el reflejo

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Cómo iluminar los objetos no reflectivos en nuestras fotografías

Al igual que como hicimos con los objetos opacos, lo primero que haremos es analizar las dificultades y nuestros objetivos a la hora de iluminar los objetos reflectantes. Para ello nos vamos a basar en los siguientes tres factores:

• Uno ve lo que ellos reflejan: Aunque un objeto reflectante puede tener textura y tonos, la principal característica es que lo primero que vemos en ellos es lo que vemos lo que los rodea. Ahí es donde caemos en fotografías donde el fotógrafo y el equipo se ve, o cuando obtenemos elementos que no notamos y dañan algo esencial del producto a capturar. Por eso, el principal reto es encontrar cómo evitar reflejos indeseados. Lo que logramos moviendo el objeto hasta que esté fuera del ángulo de reflexión o angulando el sujeto hasta que aquello que no deseamos desaparezca.

• La fuente de luz matiza el brillo: Teniendo esto en cuenta, lo segundo que podemos notar sobre los objetos reflectantes es que las fuentes de luz son lo que matizan, generan volumen y crean los brillos sobre la imagen. Si queremos una superficie pareja, debemos buscar que la fuente cubra todo el área de lo reflejado, lo que hace que idealmente la fuente o el área de lo que refleja sea mucho más grande. Este es uno de los retos, ya que algunas veces eso implica que necesitamos iluminar las caras de nuestro sujeto de manera que interfiera en la fotografía, por lo que toca considerar mucho los procesos de postproducción.

• La forma del sujeto afecta la forma del brillo: Basado en lo anterior, las caras de nuestro sujeto afectarán cómo reflejan la imagen. Una cara convexa, con la curva hacia afuera, vista a una distancia parecerá como una imagen de ojo de pez, mientras que entre más cerca esté lo que refleja a la cara la cubrirá mejor. Por el otro lado, una cara cóncava, curva hacia adentro, a una distancia podemos ver una imagen ampliada y difusa; y un objeto muy cercano puede lucir algo lejano y pequeño. Esta proyección de imagen dependerá de lo curvo que sea la cara.

Flujo en práctica

La mejor forma de acostumbrarnos a los retos y empezar a dominarlos es practicando. Así que podemos realizar algunas pruebas caseras para ello. Abajo podemos ver un ejemplo de un flujo de trabajo.

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Cómo crear y qué tener en cuenta al hacer accesorios fotográficos tipo 'hazlo tu mismo'

Lo primero que podemos pensar es en cómo iluminar el fondo y qué relación tendrá con el objeto. En este caso, un fondo muy iluminado nos ayuda con el contorno del objeto, además que nos ayuda a complementar el producto “protagonista”.

Para cada uno de los laterales de los productos, usamos una pantalla grande.

Como podéis ver, por la estructura de los productos, los brillos no quedan parejos. Si quisiéramos que esas caras quedaran totalmente parejas, tocaría trabajar cada producto por aparte. Para ciertos productos, una hoja o un cartón pintado de blanco puede ser suficiente cuando son productos pequeños.

Una luz similar puede ser utilizada para buscar brillos sobre el producto frontal.

Abajo podéis ver un montaje rápido de aquellas tomas. Este tipo de imagen puede ser una base del producto para ser modificada para agregar etiquetas o ir ajustando para el color deseado por la marca.

Practicar en casa nos puede ayudar a conseguir nuevas ideas y nuevas habilidades. Así que, para aprovechar el tiempo, podemos intentar experimentar con algunos objetos en casa. Esperamos que estos consejos os sean de utilidad. ¡Hasta la próxima!

La iluminación es la base de nuestra profesión. Por ello, hay que aprender a entender las propiedades de las fuentes de iluminación y de aquello que iluminamos. Por eso, traemos en esta ocasión algunos consejos para aprender a iluminar objetos no reflectivos.

Lo que llega y se va

En el pasado hemos hablado sobre algunos consejos de iluminación y hemos presentado algunas herramientas para aprender cómo entender y controlar la exposición. En otra ocasión hablaremos sobre las distintas propiedades de las fuentes, pero por el momento nos enfocaremos en la relación de la luz respecto a los objetos que fotografiamos.

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El triángulo de exposición explicado gráficamente

Si bien la iluminación es todo un mundo, se puede decir que básicamente tiene tres elementos claves que se relacionan con el sujeto a fotografiar:

• Volumen: Que se encuentra usualmente ligado a la dirección de la luz.
• Contraste: Que se encuentra usualmente ligado a la proporción de luz entre distintas fuentes. Además del color que incide.
• Relación con el fondo: La relación del objeto y el fondo.

En el caso de los objetos que no reflejan luz, el primer elemento que podemos trabajar es su relación entre fondo y objeto para mejorar su mayor impacto. Para ello, tenemos dos valores principales: Tono y luminosidad.

En la imagen de arriba podéis ver ambos elementos ejemplificados. A nivel de luminancia la diferencia es más obvia cuando colocamos la imagen en escala de grises. A nivel de tono, el cambio de blanco a otro color es más notorio. Generar contraste ayuda a centrar la atención sobre el objeto.

Con la imagen podemos ver también otra propiedad, la transparencia. Entraremos a fondo en cómo iluminar transparencias en el futuro, pero por ahora podéis ver que un fondo texturado influiría sobre el exterior del sujeto. Estos elementos hay que tenerlos en cuenta a la hora de componer las fotografías.

Si el fondo es muy claro, tratar de que el sujeto quede alrededor de un par de por debajo de éste. Si el fondo es oscuro, tratar de que el sujeto quede alrededor de un par de pasos por arriba. Pero, si la luminancia es similar entre objetos, tal vez lo mejor sea contrastar por tono, por ejemplo, cálidos y fríos o contrastes de colores complementarios. El contraste es esencial trabajarlo para generar impacto.

A la hora de trabajar el volumen de un objeto opaco, lo principal es determinar la dirección de nuestra fuente principal. Los objetos opacos suelen resaltar más al ser iluminados de manera lateral, pues se exalta la textura, mientras que de frente usualmente se aplana la textura. Por ejemplo, en la imagen de abajo podéis ver un sombrero iluminado de frente.

Como podéis ver, a pesar de tener un acento de luz sobre la franja, el objeto queda muy plano y su falta de separación respecto al fondo hace que sea una imagen un tanto aburrida. Abajo podéis ver otra imagen del mismo sombrero.

Usualmente, así el contraste de luz o tono entre objeto y fondo no sean muy altos, una simple variación en la dirección de la luz puede hacer que el objeto se vea más interesante. Es importante experimentar con el ángulo que ayude a destacar el mejor volumen del objeto.

Finalmente, tenemos el contraste del objeto. A nivel comercial, muchas veces un contraste muy alto o una imagen muy plana no serán del agrado del cliente. Hay que buscar un balance entre las fuentes para darle intención a la foto, mantener detalle sobre la textura y el color y mantener la atención sobre el objeto.

Para ello, lo ideal es trabajar en función a las relaciones anteriormente mencionadas. Primero trabajar el fondo y el sujeto, creando una base en la iluminación y en cómo va a resaltar el objeto en su primer impacto. Luego trabajamos el volumen del objeto. Y, finalmente buscamos los acentos sobre la imagen, abajo podemos ver un ejemplo.

En la imagen de arriba hay dos acentos: el golpe de luz más directo sobre la derecha de la franja naranja y un golpe de luz para ayudar a resaltar la textura de peluchin en el pompón del sombrero.

Esperamos estos consejos les ayuden a entender la importancia de la relación de elementos en las imágenes a fotografiar. En la siguiente ocasión, hablaremos sobre iluminación a objetos semi-reflectivos.

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Cinco razones por las que reivindicar el formato cuadrado en fotografía

Una de las principales dificultades al tener nuestra firma fotográfica es el manejo del tiempo. En ésta dimensión tiene que caber nuestro proceso de captura, flujo de trabajo de las imágenes, el mercadeo y nuestra vida personal. Un mal manejo del tiempo resultará en pérdida de calidad en el trabajo, en nuestra cotidianidad o en nosotros mismos. Por eso, traemos algunos consejos para manejar mejor nuestro tiempo en el mundo profesional de la fotografía.

Tick Tock

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Mejorando nuestro negocio fotográfico tratando nuestras redes como redes y nuestra web como un portfolio digital

Antes de arrancar en el mundo profesional podemos encontrarnos con la sensación de que sobra tiempo para hacer de todo. Nuestras exigencias no son tan altas y nuestro volumen de trabajo no es suficiente como para no sacrificar una que otra noche. Sin embargo, el crecimiento de nuestra firma viene con más requerimientos.

A medida que nuestro trabajo comienza a crecer, el tiempo es cada vez más limitado, con el primer cambio notorio siendo el gestionar un calendario de trabajo.** En estos usualmente configuramos todas las fechas en las que tendremos capturas, y reuniones, pero omitimos mucho de las actividades en las que ocupamos nuestra vida**.

Sin embargo, antes de que eso ocurra, es importante tener en cuenta los siguientes aspectos para balancear nuestra vida y trabajo.

• Establecer horarios: así no tengamos una oficina y trabajemos desde casa (en especial cuando trabajamos desde casa) es importante establecer horarios de trabajo y vida. No establecer un horario cae en que llegamos a extremos laborales. O procrastinamos mucho o dedicamos demasiado tiempo en el trabajo. Ambos casos son improductivos y terminan siendo obstáculos en nuestro crecimiento. Está bien si uno que otro día descansamos más o nos extendemos en el esfuerzo. Pero la mentalidad de un horario establecido permite enfocar la mente y hacer más productivo nuestro trabajo.

• Separar las fechas importantes: Parte de nuestra vida incluye interactuar con otras personas, en especial nuestra familia, amigos y seres importantes. Es por eso que debemos dedicarles un tiempo. Separar fechas importantes como cumpleaños, o separar días para reunirse con ellos es una forma de mantener las relaciones, tomar pausas del trabajo y variar la rutina de vez en cuando.

• Establecer tiempos de flujos de trabajo coherentes al volumen: A medida que la cantidad de clientes aumenta, la cantidad de tomas, ediciones y retoques también. Si bien al comienzo el trabajo parece sencillo y nos permitirá entregar todo a tiempo, un volumen elevado puede bloquearnos, disminuir la calidad de las imágenes y hacernos quedar mal frente a los clientes. Establecer cuánto volumen podemos manejar manteniendo nuestro top de calidad nos permitirá establecer tiempos coherentes con el cliente, nos permitirá optimizar el trabajo y nos ayudará a saber cuándo necesitaremos manos extras para cumplir con las entregas y la calidad.

• El calendario es tu mejor amigo: Sea que seamos más tradicionales y usemos un planeador o que sean más digitales y quieran ir a una app o servicio electrónico, el mejor sistema de establecer tiempos es dejarlos anotados. Para ello, podemos usar herramientas gratuitas como el calendario de google, creando tarjetas con todas aquellas actividades que son importantes como reuniones, eventos, entregas y días libres. Entre más específicos seamos y al darles prioridad (por ejemplo en colores) podremos manejar mejor el tiempo del día a día.

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Cuatro errores que cometemos al iniciar nuestro negocio fotográfico (y cómo salir de ellos)

Esperamos que estos consejos os sean de utilidad. ¿Qué otras herramientas utilizáis para manejar el tiempo?

Acabo de leer una entrada en un blog donde el autor hace una pequeña reflexión sobre uno de los cambios que ha producido en nosotros la fotografía digital. Y la verdad es que no puedo estar más en desacuerdo con las afirmaciones que se hacen en este texto.

En este post se afirma que los fotógrafos digitales nos hemos vuelto perezosos. Básicamente porqué lo económico que nos resulta disparar y por la expansión de las tarjetas digitales de alta capacidad de almacenamiento.

Estas variables hacen que acostumbremos a disparar repetidamente la misma escena esperando que haya suerte y alguna de ellas sea una buena foto.

Quizás yo no sea la persona más indicada para oponerme a semejante argumento, ya que mi afición a la fotografía nació con la tecnología digital y no he experimentado con la analógica. Pero sí que puedo hablar según mi método de trabajo y a partir de allí argumentar porqué tal afirmación es errónea.

En primer lugar, partiremos que los que estamos mínimamente interesados en fotografiar por el simple placer de hacerlo y lograr fotos que nos resulten estéticamente atractivas, y que además dispongamos del equipo necesario, disparamos en RAW (o estamos a expensas de aprender a manejar estos archivos y utilizarlos). Esto comporta unas necesidades de espacio considerables. Con lo que creo que no solemos tender a desperdiciar en exceso el espacio en nuestros discos duros.

Si realmente estamos mínimamente interesados en esto de la fotografía, en nuestros largos ratos delante de nuestros ordenadores clasificando, seleccionando y procesando fotografías, dudo que estemos dispuestos a pagar con tiempo nuestro exceso de disparo encontrando tres o cuatro fotos de cada elemento fotografiado.

Todavía hay más. Realmente, cuando estamos buscando una buena fotografía, ¿utilizamos como recurso el azar? Yo siempre tengo puesto como modo de disparo la ráfaga. Pero no porqué espere que por suerte divina una de las fotos sea buena, sinó para minimizar el riesgo de que el momento elegido sea el peor y maximizar la probabilidad de que éste sea el más apropiado. Y especialmente porqué suelo hacer retratos. Y esto no es lo mismo que disparar a discreción esperando que nos toque la lotería.

Los medios digitales nos han permitido explorar campos a los que quizás no nos hubiéramos atrevido antes, ya que tenían unos costes de dinero y tiempo mayores. Y eso se traduce en más fotos, más fotos intrascendentes, más fotos para tirar a la basura, pero no porqué los que intentamos darle sentido a las fotos que hacemos nos hayamos vuelto perezosos. Que disparemos con más facilidad y alegría no significa que pensemos menos en el resultado, ¿no?

La gente que dispara por disparar (lo que me parece muy respetable), persigue objetivos distintos. Y si no los persiguen, seguramente siguen métodos equivocados.

Resumiendo, la fotografía digital no nos ha vuelto perezosos, la fotografía digital ha conseguido que los perezosos se acerquen a ella.

Vía | Still alive Fotografía | Jennifer+

Hay algo que la verdad es que siempre me ha extrañado un poco desde que soy aficionado a esto de la fotografía (concretamente la digital).

Como podréis ver, es algo personal, que algunos y algunas de vosotros compartiréis y otros no, de manera que si alguien quiere expresarse abiertamente en contra en los comentarios, que no dude en hacerlo, por favor.

Siempre me he preguntado porqué hoy en día, en la era digital, en la era de internet, con la facilidad que nos da la tecnología para compartir (dar y recibir), con el auge de modelos de negocio que van más allá de vender un producto y necesitar guardar la fórmula secreta porqué si no caería en la ruina (¿alguién ha dicho software libre?), todavía hay gente que guarda celosamente en secreto sus métodos de trabajo con la fotografía digital.

Este fenómeno tiene mucho de relación con el procesado en los ordenadores de las fotografías tomadas con las cámaras digitales. Existe un ámplio abanico de posibilidades que nos ofrecen los programas de edición, con infinitas combinaciones de ajustes que hacen que virtualmente no existan límites a la hora de darle un aspecto nuevo a una fotografía.

Pues bien, ya sea por suerte o por un buen saber hacer, mucha gente procesa las fotografías obteniendo resultados muy destacables. Es entonces cuando, como si de la mismísima cocacola se tratara, que guardan en secreto el proceso que les ha llevado allí.

Esto es algo que no entiendo por varios motivos. El primero de ellos es que supongo que la motivación que lleva a no compartir el método normalmente será ser capaz de explotar el modus operandi en beneficio propio y con exclusividad. Especialmente destacado en algunos fotógrafos que adquieren cierto nivel de reconocimiento, pongamos por ejemplo, en flickr. Pues señoras y señores, lamento tener que decirles que, si han llegado a tener cierto reconocimiento a través de internet seguramente será por algo más que lo que hagan con el photoshop y que probablemente será por la misma fotografía. Si alguien utiliza sus secretos pueden pasar dos cosas: o que no obtengan fotos tan espectaculares como las suyas (porqué no saben tomar fotos tan buenas) o que sean mejores (porqué saben tomar fotos increíbles y mejores que las suyas y el procesado las ha ensalzado).

Llegados a este punto alguien pensará en que todo esto es muy bonito para los fotógrafos aficionados pero no para los que se dedican profesionalmente a ello... Pues yo les digo que se equivocan por completo. Podemos volver al punto anterior y resaltar que lo que realmente marca la diferencia es la foto, no el procesado, que este último es muy importante, pero que sin el cimiento de la buena foto no va a ningún lado. Si yo quiero unas fotografías al estilo Marta Potoczek, ¿a quien intentaré contratar? ¿A alguien que ha comprado su set de acciones para photoshop? ¿O a ella misma? Nótese la ironía de utilizar a esta excelente fotógrafa como ejemplo de lo que postulo.

Además pienso que compartir el método puede tener unos beneficios enormes: notoriedad, renombre, posibilidad de enseñar profesionalmente a utilizarlo... Vamos, los mismos beneficios que se persiguen al pasarse al lado oscuro de los secretos.

¡Pero esperad! Todavía tengo otra prueba mejor para sustentar mi opinión. Tiene nombre y apellidos: José María Mellado. Autor de quizás el libro más importante de edición de fotografía digital en castellano, Fotografía Digital de Alta Calidad, cuyo método compartido es ámpliamente utilizado por muchos aficionados (y supongo que profesionales). Pues resulta que este señor se ha ganado la vida justamente compartiendo sus conocimientos. Sí no lo hubiera hecho, quizás muy poca gente conocería su obra. El hecho de compartir su howto ha sido su mejor publicidad. Y la gran mayoría de personas que lo utilizan obtienen fotos que están almenos un paso por detrás de las de Mellado. No te pierdas la entrevista que publicó Mauro de Fotomaf.com hace unos días con el señor Mellado, donde se le pregunta por este tipo de cuestiones. No tiene desperdicio.

Hace unos meses, me puse en contacto con una emergente estrella flickera. El procesado de sus fotografías era espectacular, pero en realidad no hacía más que darle un plus a unas fotos que en sí mismas ya eran buenas. Le sugerí hacer algún tipo de post especial en el que pudiéramos hablar sobre su flujo de trabajo, para comprobar como trabajaba alguien tan creativo y compartirlo con vosotros y vosotras. Pero en ningún momento le di a entender que quería un tutorial sobre su método de trabajo. Mi sorpresa fue mayúscula cuando me contestó que no le interesaba explicar como conseguía sus fotos pero sí que le interesaba aparecer en XatakaFoto (supongo que para promocionar su obra). Resultado: ¿vosotros habéis leído el post que salió de todo ésto? ¿No? Pues yo tampoco, porqué nunca se escribió.

No me gustaría acabar esta entrada sin señalar que a pesar de mostrarme crítico con la opción del secretismo, es como mínimo tan respetable como la de compartir nuestro método de trabajo, con lo que quiero dejar claro que es una opinión puramente personal y además, no tiene porqué ser representativa de la del resto de compañeros de este mismo blog.

Fotografía | 'why yes I love him, but keep it secret!' de TheAlieness GiselaGiardino²³