Cuando la fotografía es nuestro principal medio de supervivencia, el trabajo puede convertirse en una carga que de alguna manera nos aleja de aquello que despertó la pasión por el arte en un principio. Sin embargo, la pasión por la fotografía es necesaria para seguir creciendo como creadores y manteniendo una mirada única en este arte. Aquí os dejamos algunos consejos que tal vez os puedan llevar a encontrar un balance entre trabajo y pasión duradero.

La pausa fotográfica

Al llevar varios años trabajando en la fotografía, muchas veces parece que el trabajo se encierra en una rutina y nuestra mirada se empieza a cegar. Por eso, es importante realizar pausas cada tanto a modo de descansar la mente y renovar la mirada.

En este descanso, podéis tomar un respiro y simplemente dedicar la mente a otras actividades. Algo de deporte, videojuegos o simplemente echarse en el suelo a ver el cielo o el techo de la casa. De esta manera, la dispersión de la mente aligera la carga que la rutina fotográfica genera sobre ella.

Quedarse quietos en la naturaleza

Esta oclusión ocurre porque nos quedamos rondando una sola mirada y caemos en una automatización de nuestro flujo. Para evitar estas recaídas es bueno darse días en la semana para pausas; diversificar acciones y experimentar nuevos elementos.

Tener dos miradas

¿Mi trabajo es hacer fotografías de producto todo el tiempo? ¿Solo me la paso en eventos y estoy cansado de la gente? Entonces, ¿por qué no tener una rama fotográfica como un hobby aparte?

Diversificar la mirada ayuda a despejar la rutina y los flujos. Es una buena forma de experimentar con estilos y de obtener nueva inspiración en la rutina del trabajo. Así mismo, nos ayuda a seguir desarrollando nuestra técnica mientras seguimos haciendo fotografías por pasión.

En especial, lo mejor de explorar múltiples caminos en la fotografía es que nos permite ver el mundo desde otras perspectivas. Esto usualmente trae ideas a la mesa de trabajo y permite una conceptualización más profunda al realizar trabajos de nuestra especialidad.

Que la pasión vuelva a germinar.

Tener un objetivo claro

Por el contrario, hay fotógrafos que apuntan a todo lado, lo que genera un ritmo inconsistente en el trabajo. Además de que esto suele dar pie para que nuestros clientes no nos paguen mucho, el cambio de requerimientos y energía que se debe poner en un evento no es el mismo que se debe poner en un producto o el mismo que se pone en la fotografía de arquitectura.

Cada estilo y cada trabajo merece una energía y una dedicación. Y es necesario especializarse en un nicho para poder desarrollarlo y ser esos fotógrafos que los clientes de ese campo quieren tener a su lado. desarrollando una técnica y una energía especial para ello.

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¿Vale la pena lo que hacemos como fotógrafos?: Retomando el camino cuando caemos en negación

A veces el hastío y el cansancio vienen de hacer muchas cosas a la vez. Y esto hace que la mente se nuble mucho más rápido.

Ahora, ¿qué hacéis vosotros cuando necesitáis darle un respiro a la fotografía?

¿Quieres mejorar tus fotografías? Ya sea por una causa u otra, y a pesar de que creas saber todo lo necesario para que tus fotos sean más que correctas, es posible que te encuentres algo desanimado al ver tus fotografías y no encuentres el porqué. Por eso, vamos a repasar una serie de cosas de las que no se suele hablar y que pueden ayudarte a llevar tu práctica fotográfica a un nivel superior.

Antes de empezar aclaremos que este artículo no está dirigido a fotógrafos novatos sino, como ya hemos sugerido en la introducción, a usuarios con cierta experiencia, que ya dominan los secretos de la técnica y composición fotográfica. Si no es el caso, te recomendamos este artículo sobre errores de principiante

1. La casualidad no es tan casual

Según la RAE, la "serendipia" es el "hallazgo valioso que se produce de manera accidental o casual". Pues bien, eso pocas veces ocurre en fotografía; de hecho, una de las habilidades más importantes, pero también difícil de asimilar, es saber quedarnos quietos y esperar a que llegue la foto.

Suele ser mucho mejor buscar una ubicación interesante y esperar a que llegue ese "momento perfecto" que estar deambulando en busca de la foto, lo que normalmente sólo hará que perdamos el tiempo sin resultado. Piensa que encontrarte en el lugar exacto y en el momento adecuado, mirando en la dirección correcta y con la cámara preparada y lista es algo poco probable.

Los fotógrafos de vida salvaje son unos maestros en esto; se esconden en un hide, cerca de una madriguera o un nido de pájaros, y esperan pacientemente a que aparezcan los animales. Deambular por el bosque sólo serviría para asustarles y hacer que se escondan. Aunque esto se puede aplicar a otros géneros fotográficos, por ejemplo la fotografía callejera. Para esta disciplina es un buen consejo buscar un sitio atractivo, mézclarse con el entorno y esperar a que suceda algo o que pase por allí algún sujeto interesante.

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Estas son las razones de un fotógrafo de paisaje para cambiarse a una cámara sin espejo o quedarse con su reflex

2. La planificación es clave

Planificar bien una toma es una forma de aumentar las posibilidades de obtener la fotografía que buscamos. Un buen ejemplo son esas tomas de la luna o el sol saliendo o poniéndose por detrás de un lugar interesante que difícilmente son fruto de la casualidad y sí de un arduo trabajo de planificación.

Un buen ejemplo es la foto 'The Omega Sun' que os enseñamos el año pasado y que requirió una perfecta planificación por parte de Toni Sendra que incluía la sincronización con el capitán del barco que aparece en la foto.

'The Omega Sun' de Toni Sendra

Puede que ésto ya sea un nivel muy alto, pero (aunque parezca una tontería) para capturar una puesta o salida del sol hay que por dónde va a aparecer (u ocultarse) el Astro Rey; y para hacer cualquier tipo de fotografía al aire libre es importante tener en cuenta el tiempo que va a hacer en el sitio. Incluso para hacer un retrato al aire libre deberíamos tener en cuenta con antelación con qué fondo lo queremos y si en el momento que tenemos previsto realizarlo tenemos el sol a contraluz o a favor nuestro.

Por eso, quizá nuestras fotos no estén siendo lo esperado porque nos hemos olvidado de la importancia de planificar lo que queremos hacer y tener en cuenta cosas como de dónde va a provenir la luz, si va a haber viento, si en el escenario hay elementos que distraigan, etc.

3. Trata de anticiparte al momento

El gran Henri Cartier-Bresson lo denominó el “momento decisivo” y aunque seríamos muy presuntuosos si quisiéramos compararnos al maestro, hay que intentar anticiparnos al instante en que va a suceder algo que merece la pena inmortalizar.

Foto de Rachel Kramer

Esto se consigue se crea mediante una combinación de planificación y espontaneidad, además de tratar de conocer al sujeto en cuestión y su posible actitud. Por ejemplo, los fotógrafos de vida silvestre estudian el comportamiento de las criaturas que quieren fotografiar para saber qué pueden hacer en un momento dado. Con los humanos la cosa es más complicada pero, por ejemplo, sabemos que un niño puede tener una reacciones mucho más nerviosas que un anciano, y eso hay que tenerlo en cuenta.

4. Estudia y mejora tus habilidades

Una vez has realizado las tomas previstas, puede ser útil dejarlas "madurar" unos días antes de revisarlas. Eso nos permitirá una mayor objetividad sobre lo obtenido para realizar una mejor análisis. Será el momento de preguntarnos qué es lo que nos gusta de las fotos obtenidas y qué es lo que no. Qué es lo que no salió tan bien como esperábamos y si deberíamos haber elegido otros valores de exposición.

También es momento de cuestionarnos si la composición está a la altura, si elegimos el sitio y la luz correcta, si el tema era lo suficientemente convincente o si estábamos lo suficientemente cerca.

Se trata de intentar saber qué hicimos mal pero también qué hicimos bien. En base a esto podemos intentar repetir las tomas, mejorando lo que consideremos, y repitiendo lo que funcionó; y también podemos repetirlo con un sujeto y en una situación distinta. Así hasta que lo perfeccionemos.

5. Libérate de lo innecesario

A veces el proceso de tener que preparar todo el equipo para una salida es algo que puede desanimarnos a hacerla; en estos casos nada como preparar un equipo justo y salir simplemente a disfrutar. Basta con coger una cámara equipada con un objetivo sencillo, asegurarnos de que la batería está cargada y que hay sitio en las tarjetas de memoria. Con eso ya podemos salir y empezar a hacer fotos sin más.

Igualmente, en el momento de hacer las tomas podemos dejar la cámara en modo automático (total o parcialmente) para concentrarnos sólo en hacer la foto. Nada de estar pensando en distracciones o en tener que pensar demasiado la configuración que vamos a usar.

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No malgastes tu dinero por querer tener algunas especificaciones “engañosas” de esa cámara

6. Guarda la cámara

Sería lo anterior llevado al extremo: guardar la cámara y olvidarnos de pensar como fotógrafos. O, mejor dicho, mirar el mundo con todo el interés y asombro que pueden llegar a despertar sus maravillas para, más adelante, ser capaces de resgitrarlas con nuestra cámara. Y es que es evidente que a veces los fotógrafos nos obesionamos con capturarlo todo y nos olvidamos de ver las cosas con nuestros propios ojos.

Si esto se junta con algo de hastio en nuestra práctica fotográfica un buen consejo puede ser dejar de hacer fotos por una temporada. Dedicarnos a observar y disfrutar el mundo y no distraernos con la cámara. Eso no significa que si, tras una atenta observación, vemos algo que nos gustaría inmortalizar no podamos ir después a por la cámara y hacer la foto.

Igualmente, si hay alguna toma o técnica fotográfica que se nos resiste, puede ser una buena medida tomarnos un descanso y tratar de retomarlo al cabo de un tiempo. ¿No os parece?

La evolución de la tecnología es algo inevitable. A medida que vamos desarrollando los sistemas de captura, encontramos que el poder de captura se está centrando más en los procesos computacionales. Esto enoja a muchos amantes de la fotografía que tienen los procesos más puros del arte en sus corazones, lo que los lleva a demeritar esta evolución.

Sin embargo, como hemos mencionado antes, aceptar la evolución tecnológica como los procesos de IA o el desarrollo de sistemas fotográficos compactos es algo que debemos afrontar si no nos queremos quedar atrás en la historia. La fotografía móvil es parte de ese proceso y si queremos aceptarla y comenzar a explorar, debemos eliminar las siguientes tres frases de nuestra vida.

“Los móviles no son cámaras de verdad”

Acá es donde se centra la principal controversia con los móviles: ¿son o no una cámara?

No es su función inicial, sin embargo los smartphones cuentan con un objetivo de focal y apertura fija, un sistema interno de composición óptica, un plano focal en forma de sensor. El procesador computa la información capturada y esa luz que estimuló los fotodiodos se transforman en una imagen. Ese es el principio de la fotografía y, si bien hay procesos computacionales que no son propios de la tradición, el resultado es una imagen construida a partir de la luz.

El arte fotográfico se realiza a partir de lo que logramos hacer con nuestros sistemas. No importa si la imagen se hizo con un sensor de formato medio o con uno de fragmento de pulgada. Si la composición, el contraste y los elementos son trabajados de manera correcta, el resultado va a ser una pieza única. Esto se demuestra año tras año con los ganadores de concursos como los Mobile Photo Awards y los iPhone Photography Awards.

Todo se reduce en cómo utilizo a mi favor lo poco que puedo ajustar en mi móvil.

“No se compara la calidad”

La calidad o incluso la idea de disparar en RAW es un cuento viejo que se pone más viejo con la rápida evolución tecnológica. Los sistemas de IA son cada vez más complejos y completos, la capacidad de hacer capturas por arriba de los 50MP permite hacer reducciones para obtener nitidez y hacer recortes sustanciales. La mayoría de móviles de gama media para arriba ya tienen integrado una captura RAW DNG (y hace poco os contamos por qué deberíamos hacer fotos con esa opción activada).

A eso le debemos sumar que los software de edición son cada vez más potentes para eliminar algunos defectos como aberraciones y ruido. Así mismo hay software para ampliar las imágenes y mejorar la información a partir de análisis por IA como las soluciones de Topaz. Incluso los software de los móviles ya tienen herramientas de optimización, que permiten imágenes que cumplen con estándares de muy buena calidad.

La calidad de un smartphone se limita a impresiones de gran formato. Aunque, probablemente, eso cambiará con el avance tan acelerado que hay actualmente.

“Uno no debería hacer fotos con smartphones”

¿Por qué no? Esta noción de que el móvil no está hecho para capturar fotos y que debemos dejar de experimentar con una herramienta por no costar miles de euros o tener objetivos intercambiables es nuestro principal límite. Si no podemos liberarnos de los diales, los objetivos grandes y la marca de cámara que nos atrapó cuando arrancamos en este mundo; nuestra visión se va a ver sesgada.

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Por qué es aún más importante disparar en RAW con nuestros móviles

Es importante experimentar con la imagen. Entender procesos. Al usar móviles nos enfrentamos a retos de color, rango dinámico y limitación de funciones que nos hacen aprender más. Si, se pueden aprender cosas de Tik Tok y se pueden hacer excelentes imágenes con un móvil.

Aceptemos la tecnología y el progreso y dominemos sus herramientas para encontrar nuevas miradas en nuestro arte.

El balance de los elementos en nuestras escenas es de suma importancia para una imagen agradable. Sin embargo, algunas veces nos centramos en cuánto más podemos meter, lo que satura nuestra composición. Por eso, a veces es necesario pensar en términos de qué eliminar.

Comenzando desde ceros

Tradicionalmente, los fotógrafos aprendemos un desglose de la composición de sujeto, fondo y complementos contextuales. Se nos dice que conseguir una imagen de esas características (y ubicando los elementos bajo alguna retícula de composición) nos da una imagen completa que cuenta una historia. Bajo este principio, muchos de nosotros nos quedamos en una búsqueda de la imagen que suple todas esas características.

Sin embargo, este estilo de búsqueda nos mantiene en la búsqueda de una lista de mercado donde vamos tachando mentalmente cada uno de esos elementos. Y, en otras ocasiones, hasta nos hace desear más y más información, pues nos permitirá contar una imagen mucho más detallada.

Pero las imágenes que capturamos no siempre tienen como propósito contar grandes historias. A veces solo necesitamos transmitir el momento: una característica llamativa, una sensación de calma, un color o una curiosidad. Y el acercamiento narrativo de escuela fotográfica empieza a ser cada vez menos efectivo para estos propósitos.

Y, para poder combatir esto es necesario un acercamiento que viene desde la perspectiva opuesta.

¿Cuánto puedo quitar para compartir la sensación en mi?

El acercamiento de la mínima información se basa en centrarse en características más que en elementos. Los componentes de la imagen aparecen al encontrar estas características. Lo que resulta en una imagen llamativa.

Podemos buscar la armonía a través de los patrones naturales. Y, en ese caso, la repetición y la textura se vuelven las guías de lo que sentimos al capturar una fotografía. En otros casos el enfoque será en un tono o en una característica que resalte al sujeto sobre los demás componentes de la imagen.

Como mencionamos en una entrada dedicada al trabajo de Hiroshi Sugimoto, los pensamientos y sentimientos detrás de la imagen son poderosos cuando los buscamos con coherencia. En su trabajo, el detener el tiempo o encapsularlo a través de la imagen es solo posible a través de capturar estos elementos desde sus características y contrastar el cómo en la fotografía se pierden.

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El mar, el tiempo y una pequeña obsesión creada por Hiroshi Sugimoto

Más que mirar dónde y cuántos elementos están en la imagen, podemos ver las características de la misma y empezar a ver qué ocurre cuando se cambia el sentido de lo que se dice con uno u otro al entender las características que lo componen. La búsqueda de quitar en vez de agregar nos puede ayudar a entender qué es lo mínimo que necesitamos mostrar para hablar a través de nuestras imágenes.

El desarrollo de un fotógrafo está lleno de retos, de errores y mucho por aprender. Es un camino que no tiene fin y que al ir creciendo nos pone cargas que nos hacen dudar sobre si elegimos bien este estilo de vida. Pero, mientras sepamos guiar nuestros sentimientos y emociones en la fotografía, podremos crecer sin perder la fe en ella.

¿Disfruto o trabajo?

En un artículo escrito por Zac Henderson para Fstoppers, el fotógrafo argumenta el caso de “Si amas la fotografía no te vuelvas profesional”. En la pieza, analiza lo que ocurre y se nos impone a medida que nuestro negocio fotográfico crece.

En un principio entramos a la fotografía porque disfrutamos observar el mundo, experimentar y ver cómo capturar nuestra mirada en un recuadro. Mientras tenemos las posibilidad de enfocarnos en ello, hacemos trabajos que nos ayudan a conseguir nuevo equipo, pero nos enfocamos principalmente en hacer las imágenes que nos gustan, con nuestra visión y nuestras reglas.

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¿Qué fue lo que encendió nuestra llama de pasión por la fotografía?

Luego, cuando ya nos toca enfrentar la vida, tenemos que cambiar la mentalidad de hacer las cosas que nos gustan a hacer las cosas que necesitamos para sobrevivir. Tenemos que enfocar nuestra firma fotográfica, tenemos que conseguir clientes, tenemos que aprender a cobrar, facturar, impuestos, servicios, alquileres, gastos, más gastos y más gastos.

En su artículo, Henderson lo pone en perspectiva que por cada día que hacemos fotografías, más de 10 se utilizan en otras cosas como conseguir clientes, facturar, hacer mercadeo, etc… Las responsabilidades de hacer nuestro trabajo fotográfico rentable muchas veces chocan con nuestra independencia y visión creativa. Los clientes muchas veces nos contratan porque creen que nuestra mirada es la que mejor va para su producto, pero a la vez nos piden cosas que se alejan de lo que creemos que estaría mejor; pero el que paga tiene la razón y la última palabra.

En el desarrollo de nuestra carrera hemos sentido frustración cuando las cosas salen mal, nos desmotivamos y nos enfrentamos a diferencias creativas. Aceptar eso es difícil para muchos; en especial cuando la ilusión de vivir creando imágenes desaparece. La presión que tenemos al buscar vivir de esto es alta.

Sin embargo, los sentimientos, buenos o malos, nos permiten avanzar, nos permiten darle identidad a nuestras imágenes y transmitir mensajes. Es ahí donde el enfoque emocional nos permite potenciar nuestro arte.

Disfrutando y proyectando

Nuestras imágenes están cargadas de cómo nos sentimos y de cómo observamos. Si no estamos de buen humor, se siente en la imagen a través de los errores, de decisiones de estilo mal tomadas y de imágenes que se sienten de afán. Si estamos de buen humor, usualmente dedicamos más tiempo y nuestra visión se agudiza, queremos seguir llevando ese humor para arriba. Estos elementos influyen mucho más en la vida profesional.

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Retándose a fotografíar cuando no hay motivación para hacerlo

Pero el bien y el mal son complementarios. De la energía negativa puede salir un buen trabajo si lo canalizamos. De la energía positiva pueden salir cosas malas si no sabemos parar y analizar objetivamente lo que capturamos.

Ahí es donde la práctica comienza. En esos momentos que nos sentimos mal, enojados o desmotivados, podemos buscar cómo darle valores a nuestra imagen que reflejen y guíen esos sentimientos. Pueden ser imágenes más oscuras, más fuertes, con colores que guíen esos sentimientos. Por el contrario los buenos sentimientos los podemos guiar a sensaciones más positivas sobre los elementos de la imagen, con más dinamismo en la composición.

Ese entrenamiento para llevar las emociones a la captura no solo nos ayuda a resistir ante las frustraciones y los retos de vivir de nuestra profesión, pueden ser clave para que en un trabajo comercial podamos expresar de mejor manera lo que nuestro cliente busca. Es una guía bajo la cual podemos dar más de nosotros a nuestras imágenes, así estas estén condicionadas bajo los parámetros del cliente.

El sentir la imagen es lo que nos hace artistas. Transmitir los sentimientos para crear piezas más llamativas y cautivantes es una guía que nos permite ir adelante. Así que a enfrentarnos con valor a los retos y, antes de que nos agobien, guiémoslos a través de la imagen.

Durante estas épocas de encierro, una de las constantes de muchos de nosotros es el bloqueo creativo. La costumbre de estar activos se ha roto y, a pesar de ejercicios y alternativas para combatirlos, seguimos en un agujero negro de cómo motivarnos dentro de esta jaula de concreto. Pero no os preocupeis, este estado es normal y podemos salir de él con paciencia y estrategia.

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Parar, respirar, observar, obturar: una pausa necesaria para mejorar nuestras capturas fotográficas

El vacío de motivación

La creatividad es una herramienta que en varias ocasiones es difícil de controlar. Cuando el switch está prendido somos capaces de planear y producir en grandes cantidades. Pero, cuando se baja, esas ideas simplemente son sombras en nuestra mente.

Sin duda alguna, a más de uno, este encierro lo tiene con el switch abajo. Tal vez el practicar estilos diferentes no ha sido tan motivante o esa falta de motivación no nos esté dejando hacer uno de esos talleres en línea. Pero eso está bien, no es necesario que estemos produciendo el 100% del tiempo.

Así como en nuestra profesión, debemos tratar de balancear las luces y las sombras en nuestra mente para obtener una nueva imagen. Y para ello debemos encontrar un camino que permita llevar la luz a la oscuridad de la desmotivación.

Encendiendo velas

Este camino de iluminación comienza con aceptar que estamos desmotivados, que no podemos hacer nada por el momento. Muchas veces la frustración de sentirnos desmotivados solo empeora las cosas, ya que tratamos de hacer por hacer, para no sentirnos algo inútiles. Sin embargo, esa presión sólo termina en más desmotivación.

Tras la aceptación, lo primero que podemos hacer es aprovechar este tiempo de pausa para reorganizar nuestra mente. Para ello, el mejor ejercicio es el de la observación. Dedicar un tiempo a observar cómo pasa el día, los elementos alrededor de nuestra casa o incluso dedicarnos a observar curiosidades por la web.

Entre esos ejercicios, al despejar nuestra mente, otro elemento que podemos tomar es el revisitar nuestro trabajo. La motivación arranca por entender nuestros caminos. Para ello, el recorrer nuestro archivo es una forma de mostrarnos que hemos avanzado. Acá también podemos ver nuestras metas y analizar cómo ha evolucionado nuestro estilo para llegar a ello.

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¿Llegó el bajón de inseguridades de fin de año? Analizando nuestro trabajo veremos el crecimiento fotográfico

Tras este camino podemos empezar a abordar una reactivación de nuestra creatividad. Para ello la inspiración y las referencias son una gran herramienta de motivación. Si no nos fluyen las ideas, practicar con referencias puede reactivar la chispa de producir fotografías y crear piezas.

Finalmente está el volvernos a retar a fotografiar, a explorar nuestro estilo a través de editar nuestras imágenes, de capturar tomas en casa o experimentar con iluminaciones o elementos caseros.

Estos son procesos que pueden durar varios días en tomar vuelo, pero que nos ayudarán a retomar la pasión fotográfica y salir del bloqueo del encierro. Es importante que aprovechemos a resetear la mente con esta pausa creativa y darle el tiempo que se merece para volver.

La fotografía es un constante ejercicio de observar, de entender el momento y de capturar el instante. Esto requiere que nuestros sentidos se despierten y reaccionen al momento justo para obtener una toma única. Sin embargo, algunas veces es necesario parar, respirar, observar y luego sí obturar.

El rio en movimiento

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¿Llegó el bajón de inseguridades de fin de año? Analizando nuestro trabajo veremos el crecimiento fotográfico

Uno de los principales problemas en la era digital es su inmediatez. Queremos capturar el instante, editarlo en nuestro móvil y subirlo lo más rápido a nuestras redes porque sí. Esa inmediatez acelera nuestra visión, nos pide que pasemos rápidamente las localizaciones que visitamos y que los sujetos dentro de ellas sean un relleno más.

Este ritmo de trabajo acelerado nos mantiene buscando toma tras toma. Entre 100 de ellas encontramos una o dos que nos gustan lo suficiente, pero que no nos satisface del todo. Vemos las fotografías y pensamos que hubiéramos quitado aquello, o esperado hasta que la luz o movido para capturar este ángulo.

Pero por estar en la carrera de capturar imágenes, nos olvidamos de parar a tomar una fotografía.

La piedra bajo el agua

Es aquí donde tenemos que parar, encontrar momentos de respirar y aprovechar al máximo el espacio donde nos ponemos para capturar. Lo más importante de una fotografía es la visión que hay detrás de ella. De poder sentir que quien capturó una imagen tuvo un momento de curiosidad por la escena que lo lleva a capturarla.

Esta curiosidad se transmite cuando cuidamos lo que capturamos, cuando la imagen es capaz de mantener el sentimiento y transmitir la misma curiosidad al espectador.

Para lograrlo, tan solo basta parar, respirar, observar y luego sí obturar. Solo un ejercicio de contar hasta cinco antes de disparar puede ayudar a cambiar todo el enfoque de la imagen, a centrar la atención sobre un sujeto o entender que hay que esperar a que la escena llegue a sus condiciones perfectas antes de fotografiar la escena.

Esa momentánea o larga espera nos permite ajustar la toma para que un solo click sea 100% satisfactorio.

Si bien hay situaciones en las que la inmediatez manda (como en la fotorreportería, los deportes o la naturaleza), cada oportunidad que tengamos de parar y observar el espacio y sus elementos será una oportunidad de afinar nuestras imágenes. Cada oportunidad que tengamos de trabajar nuestras imágenes posteriores a la captura será una forma de sacar su máximo potencial.

Así que, paciencia, tomate el tiempo de tomar tu toma.

Se acerca el fin de año. A veces parece que no hemos avanzado mucho, nos sentimos estancados en un punto estético que no queremos. Parece que el tiempo y el esfuerzo invertido en nuestro arte no fue efectivo. Sin embargo, no es así. Respiremos y miremos hacia atrás para ver cómo progresó nuestro trabajo fotográfico en el año.

El crecimiento progresivo

En el pasado hemos hablado sobre qué podemos realizar para mejorar nuestro estilo y acciones que podemos hacer para motivarnos a hacer más imágenes y seguir creciendo en nuestro camino artístico. La fotografía impone muchos retos y la exploración no siempre es una pendiente lisa.

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Como enfrentarse al miedo a hacer para mejorar nuestro estilo fotográfico

En épocas de fin de año es usual que nos preocupemos más, que no notemos el progreso porque nuestra mente está enfocada en el poco tiempo que queda para acabar el año. Y, cual entrega a cliente de última hora, ataca el estrés de que no terminamos, ni avanzamos y que no hay recompensas inmediatas. Sentimos que todo lo que hacemos es para nada.

Pero podemos hacer balances, ver esos progresos. Podemos enfocarnos en mirar qué hicimos mes a mes y comparar la primera imagen del año contra la última y ver cómo evolucionó nuestro estilo. Entender qué técnicas aprendimos, qué estilos de color aplicamos o creamos y cómo enfocamos nuestro trabajo para conseguir arrancar en el mundo profesional o incluso conseguir más clientes para nuestra firma.

Y no está mal si hay caídas, no está mal si no nos gustan nuestros cambios. Nuestra búsqueda de la perfección debe seguir adelante. Cada elemento que analicemos sobre nuestro trabajo nos ayuda a entender hacia dónde evolucionar, hacia dónde enfocar los esfuerzos para este año que viene.

Si me siento conforme con los estilos de mi trabajo, entonces tal vez mi enfoque debe ser el de mejorar mi negocio fotográfico. ¿No me gusta cómo están quedando mis fotografías de producto? El enfoque debe ser el de aprender nuevas técnicas de iluminación y edición fotográfica.

Este periodo debe ser de análisis y de establecer metas.

Forjando un futuro

Como hemos mencionado antes, el principal objetivo que debemos tener cada año, cada mes y cada día es no crear excusas y arrancar a hacer fotografías. La única forma en que mejoraremos es haciendo, analizando lo que hacemos y mejorando los elementos que queremos perfeccionar.

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Pensar en fotografías y no en excusas para ir adelante en nuestro camino fotográfico

Estos días en los que sentimos que el progreso no existe, debemos enfocarlo en encontrar temáticas para nuestras series, planeando nuestras estrategias de obtención de clientes, entrenando nuestras habilidades para perfeccionar cada imagen. Nuestros objetivos deben ser para crecer.

Está bien sentir que no avanzamos, es un signo de querer más de nosotros, de querer más de nuestro trabajo. Sin embargo, no utilicemos eso como una excusa para rendirse y quedarnos quietos… que la sensación de estanque sea la motivación de salir de un pozo de arena movediza a seguir creando imágenes más impresionantes.

El miedo es uno de los principales elementos que no nos permite avanzar como fotógrafos. Debido a él, nuestra práctica se atrasa, nuestros objetivos pierden valor y la calidad de nuestro trabajo no llega a su máximo potencial. Para evitar quedarnos atrás, debemos luchar contra el miedo de hacer fotografía. Así que aquí os traemos algunos consejos para enfrentarse a este problema.

Identificando las caídas

El miedo a hacer, usualmente, es un sentimiento que llega de manera desapercibida. Imaginamos nuestros proyectos o ideas para una toma, imaginamos un viaje, un contacto, una estrategia… pero el tiempo pasa y esas ideas mueren entre peros o hasta ques que retrasan el hacer y lo llevan al olvido.

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Retándose a fotografíar cuando no hay motivación para hacerlo

Lo que ocurre en estos casos es que queremos justificar nuestro miedo con una razón lógica para no enfrentarnos a la toma. La excusa más usual siendo nuestra capacidad económica, la cual muchas veces puede ser solucionada planeando la producción de manera meticulosa. El tiempo, el clima, la necesidad de otros son otras de las razones más populares. La razón menos común pero existente es la de no sentir motivación para ello.

Esta última es una de las más cercanas a la realidad, pero ¿de dónde viene esa falta de motivación? El miedo.

Hay un factor al que ningún fotógrafo se quiere exponer: El fracaso. Este es el miedo que nos detiene en su mayoría. Muchas veces esa falta de motivación se debe a fracasar y, antes de enfrentarse a ello, lo que hacemos es evitar el hacerlo del todo.

Para poder enfrentarse a esta falta de motivación el primer paso es identificar qué es lo que nos da miedo en nuestro proceso. Esto puede ser el nivel de planificación, pensar que se requieren elementos especiales o simplemente pensar que no estamos al nivel para hacer la toma de la manera que nos imaginamos.

Enfrentando los retos

Enfrentarse al fracaso es obligatorio si queremos avanzar en nuestra profesión. Nos enfrentamos a ello en cada momento de nuestro camino fotográfico. Al aprender estamos en constante enfrentamiento contra la estética, la composición y el concepto. Elementos que solo pulimos fallando, entendiendo y puliendo en el camino. Luego, en nuestra carrera profesional, los miedos son aún más fuertes cuando tenemos que enfrentarnos a nuestros clientes.

Pero es ahí donde debemos enfocar nuestra motivación. Fracasamos para poder aprender y mejorar. Fracasamos porque si no lo hacemos nos quedaremos estancados en todas nuestras ideas dentro de una profesión que vive cambiando, que vive evolucionando.

Al ir exponiendo nuestro trabajo a ello, no solo encontramos los elementos de mayor valor en nuestras imágenes; también encontramos nuevas formas de superar las complicaciones. También encontramos el gusto de enfrentarnos a retos cada vez más complicados, que pueden ser desde exponernos a un público pequeño a concursar en competencias de fotografía o incluso planear nuestro primer libro fotográfico.

Exponerse y enfrentar el miedo es un proceso de acciones, que mejoren nuestro flujo. Como si fuera un deporte, al principio puede que nos de flojera y que no lo hagamos de manera consciente, pero hacerlo con constancia y tratando de superarnos cada día más encontraremos que evolucionamos de manera acelerada y cada día se hace más fácil.

Los ejercicios de valor

Algunos de los ejercicios que podemos realizar para entrenar nuestro estilo fotográfico y eliminar el miedo de hacer fotografías es:

• Hacer ejercicios de estilos fotográficos: Explorar estilos que no pertenecen al nuestro nos pone en la posición de investigar, enfrentarnos a los límites técnicos o estilísticos, aprender habilidades y expandir nuestra visión sobre la fotografía. Es uno de los retos más sencillos de realizar, pues podemos elegir estilos y referentes que nos llamen la atención, haciendo más llamativa la experimentación.

• Planear una sesión semanal: Hacer es crecer y mejorar. Entre más fotografías hagamos de manera consciente y planeada, más aprenderemos a identificar los elementos de nuestro estilo. Si queremos disminuir el miedo a no hacer las fotos de manera completa, podemos hacer listados de los elementos que necesitamos y retarnos a conseguirlos y producir la sesión en tiempo record. Esto nos ayudará a aprender organización, a reducir nuestro miedo a no estar preparados para las tomas, mejorar nuestra recursividad y volvernos ágil en la producción fotográfica.

• Planear series continuamente: Este sería el siguiente nivel del punto de arriba. Para complementarlo, incluso puede ser una excusa ideal para comenzar a participar en concursos fotográficos. Enfrentar el miedo a exponer nuestro trabajo.

• Ingresar a foros: En ellos exponemos nuestro trabajo, lo que nos enseña a ser más abiertos de mostrar nuestra visión. Al hacerlo, podemos discutir sobre técnica, concepto, narrativa y encontrar nuevas formas de complementar nuestro trabajo o mejorar nuestros flujos de trabajo. Podemos encontrar ideas, podemos aprender formas de optimizar nuestra producción. Enseñamos a través de nuestra experiencia y aprendemos de la experiencia de nuestros colegas. Aprendemos por compartir mientras perdemos el miedo a hacerlo.

Esto es todo por esta ocasión, esperamos estos consejos sean de utilidad para enfrentarse a los miedos y realizar trabajos magníficos. ¡Hasta la próxima!

La fotografía es un arte muy grato que nos permite observar el mundo de muchas maneras. Sin embargo, hay ocasiones en las cuales esa mirada está saturada, algo en nuestro interior no cuadra o simplemente hay un elemento que nos hace perder momentáneamente nuestra pasión de capturar imágenes. Muchas veces estamos desmotivados y hay que retarnos a superar ese estado por el bien de nuestro ser.

La caída

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Las pausas también son buenas para reafirmar nuestra pasión por la fotografía

Los artistas somos personas que tienen una afinidad con los sentimientos muy grandes. Es por eso que al desmotivarse comenzamos a sentir frustración con nuestro trabajo y eventualmente a dejarlo caer en calidad, entrando en un irritante ciclo de sentirse mal y empeorar nuestra calidad por ello. En el pasado os hemos contado como las pausas ayudan a este proceso e incluso algunos métodos como ver nuestro pasado para ver nuestra evolución.

Pero en ocasiones, esas pausas no pueden serlo. Algunas veces tenemos que trabajar en nuestras peores condiciones, porque un cliente ya nos tiene separados en una fecha para un cubrimiento o estamos en la recta de entrega de un trabajo fotográfico comisionado. En estas ocasiones tenemos que sacar de nosotros para entregar el mejor resultado a nuestros clientes y que nuestra firma no se sienta afectada por nuestras caídas emocionales.

A la cima

Somos dueños de nuestro propio destino. Solo nosotros tenemos la herramienta para superar los obstáculos que nos llegan. Por eso traeomos estos consejos que nos ayudan a recuperar a enontrar esa herramienta de motivación:

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Pensar en fotografías y no en excusas para ir adelante en nuestro camino fotográfico

• Establecer un proceso: Uno de los primeros elementos que perdemos al desmotivarse es la habilidad de saber cómo cumplir nuestras tareas o inclusive actuar a intentar hacerlas. PErdemos el método de trabajo y hay que volver a concretarlo en algo físico que podamos controlar y establecer. Usualmente un listado, un mapa de flujo o unos cuantos párrafos explicando lo que queremos hacer son suficientes para poder actuar de manera rápida.

• Metas claras y cortas: Relacionado con el paso de arriba, estos procesos deben ser claros con micro-metas que nos permitan sentir el avance. No podemos pasar de mirar el set a descargar las fotografías en un paso. Debemos tener esos pequeños escalones de manera general pero detallada. Algo estilo: 1- Configurar la iluminación. 2- Hacer correcciones. 3- Pruebas de tomas 4- Hacer correcciones…. Son pasos más generales, pero donde uno siempre puede ver que se avanza. ¿Es un cubrimiento? Entonces podemos crear metas de número de fotos en X situación o localización. Además de tener claro cuales son los momentos más importantes del evento a cubrir.

• Comer algo que nos haga liberar dopamina: La comida es un gran aliado en nuestro proceso de motivación, ya que pequeñas porciones constantes pueden ayudarnos a obtener la energía necesaria para retomar nuestra concentración y felicidad en el trabajo. En mi caso, el chocolate es el alimento más efectivo. Sin embargo hay una gran variedad de alimentos que pueden generar estos incrementos de dopamina como lo son los frutos rojos, la zanahoria, las barras de cereal y algunos tipos de frutos secos.

• Actuar con constancia: Muchas veces lo que nos desmotiva es una onda que nos afecta mucho,luego nada y luego de vuelta. Esto puede generar que en nuestro ritmo de trabajo aparezca una inconsistencia en nuestra forma de trabajar. Esto lleva a errores por la disparidad de los procesos. Por eso hay que mantener la constancia en todo el proceso. Debemos promediar nuestra eficiencia alrededor de un tiempo corto y ver cuál es nuestro mejor ritmo para ser constantes y sacar adelante nuestro trabajo.

Somos dueños de nosotros mismos. Siempre podemos salir adelante mientras enfoquemos nuestra meta a dar más cada día. La motivación que perdemos hoy será repuesta con picos más altos en un futuro. Así que adelante, que nuestra profesión es de persistencia.