Durante los últimos años la profesión fotográfica ha ido engendrando pequeños huecos que otros profesionales deben cubrir, especialmente cuando atomizamos y especificamos nuestro trabajo. Entre estas nuevas profesiones se encuentra el retocador fotográfico, una persona que entiende y se encarga del procesado y el retoque de nuestras imágenes para que queden perfectas. Hoy analizamos esta figura y explicamos el por qué un fotógrafo profesional nunca debería retocar sus fotografías.

Qué es el procesado y retoque fotográfico

El proceso de postproducción de cualquier producción audiovisual requiere de un ordenador. Un vídeo necesita montarse y etalonarse, mientras que una fotografía necesita procesarse y retocarse. El principal problema que encontramos es la limitación de conocimientos, ya que es posible que no conozcamos al 100% el funcionamiento interno de Photoshop para exprimir la mayor cantidad de información de nuestro RAW. Por esto, la figura del retocador profesional ha ido en auge durante los últimos años y se han establecido como indispensables para gestionar la ametrallada producción del mercado profesional.

Las funciones del retocador fotográfico consisten en realizar los procesos de corrección de color, limpieza de pieles y ropa y aplicación de dodge&burn para corregir y unificar pieles y tejidos. En última instancia, el fotógrafo es el que elige si licuar o deja licuar al retocador que contrata, ya que es un proceso muy delicado que muchos fotógrafos prefieren reservarse para sí mismos. Ejemplos de ello son profesionales como Omar Josef al que entrevistamos para el blog.

En cualquier caso, retocar es una actividad de la que se están empezando a encargar retocadores independientes y pequeños estudios porque se está empezando a desdoblar como una profesión independiente del fotógrafo. Para entender este fenómeno podríamos pensar en la fotografía química: si realizábamos fotografías y mandábamos el carrete a revelar a un estudio adecuado, ¿por qué no podemos hacer lo mismo con las imágenes digitales?

El dilema del fotógrafo. Producción o abaratamiento

Obviamente, el retocador es un profesional al que hay que pagar su trabajo, un aspecto que es motivo de repulsión inmediata para muchos fotógrafos. Sin embargo, retocando perdemos valiosas horas de planificiación para nuestra próxima sesión, por lo que delegar el retoque a profesionales adecuados nos acabará ahorrando numerosas horas de estrés y plazos de entrega agobiantes.

Aquí el dilema está servido. Hay quien no produce fotografías suficientes como para delegar el retoque o quien no tiene un nivel de cobros como para contratar los servicios de un estudio, pero en caso de que odiemos retocar o sí que tengamos un volumen de trabajo con el que no podamos lidiar como deberíamos la contratación de un estudio podría ser una solución muy interesante.

¿Cómo saber si deberías interesarte por contratar este servicio? En primer lugar, los primeros interesados serán fotógrafos de moda o sociales con un alto volumen de producción que necesiten concentrarse en la gestión de la producción fotográfica y tengan un tiempo muy escaso para retocar. Sin embargo, cualquier fotógrafo que sienta el retoque como una actividad abrumadora podría contar con estos servicios.

Lo que es inevitable es que la fotografía digital es capaz de producir nuevos puestos de trabajo en la industria fotográfica para personas especializadas que quieran aprender de forma profunda un sistema de trabajo tan complejo y completo como puede ser Camera Raw, Capture One o Photoshop.

En XatakaFoto | El retoque en fotografía de moda: ¿va más allá de lo razonable o no debe estar sujeto a restricciones?

Foto de portada | Zarihs

Una de las cosas buenas que tienen páginas como 500px y similares es que se pueden ver auténticas "fotazas" en los primeros puestos de sus clasificaciones. Aunque muchas de las que ocupan los primeros lugares, no todas, están ahí por tener una luz especial, fantástica, casi irreal, fruto de un procesado digital. Y el problema llega cuando gente que empieza en la fotografía (o que ya lleva algún tiempo en esto de la fotografía) piensa que esa luz tan maravillosa existe, se proponen perseguirla y después de un tiempo se dan cuenta de que no es algo real, con la consiguiente frustración.

Para intentar probar esto, Diego Garín Martín, visionario de Olympus, propuso en un foro el siguiente experimento. Realizó una foto y la trató digitalmente añadiendo una luz especial que no existía en el momento en que sacó la imagen. Estas son las dos imágenes, la original y la retocada:

Y luego subió a 500px la imagen, con el insinuador título "Luz ¿Celestial?". Como había vaticinado, la puntuación de la fotografía en la página subió como la espuma llegando a colarse entre las 10 primeras del ranking general (no sólo en su categoría). Evidentemente, la fotografía por sí sola es muy buena, pero el autor cree que tal como estaba la imagen no hubiese llegado a esas cotas sin crear esa luz que no estaba en el momento de realizar la toma. Además, una cosa es resaltar algo que ya estaba en la imagen a través del procesado, y otra crearlo de la nada (o casi).

Con todo esto no se pretende demonizar el retoque digital, si no expresar, como ya se ha indicado al principio de la entrada, que puede haber gente que al ver estar fotos intente hacer algo parecido y se empeñe en buscar esa luz que no existe naturalmente y se sienta desencantada al cabo de un tiempo y abandone la fotografía.

Fotos | Diego Garín Martín

Durante la próxima edición asiática de SIGGRAPH, el conocido ciclo de conferencias especializado en gráficos por ordenador, que tendrá lugar a principios de diciembre en Shenzhen (China), NVIDIA dará a conocer una nueva tecnología de procesado de fotografías que propone redefinir completamente la forma en que nuestras cámaras manipulan la información generada por el sensor de imagen a partir de la luz capturada por los fotodiodos.

El objetivo de FlexISP, que es como se llama este nuevo «paradigma de procesado», es incrementar drásticamente la calidad de imagen modificando la forma en que la información es procesada en el interior de la cámara. Según NVIDIA, su tecnología ofrece un incremento de la calidad de imagen muy notable tanto en modelos que utilizan filtros con matriz Bayer como con diseños que no recurren a este patrón de filtrado, por lo que parece realmente flexible.

Los responsables del diseño de FlexISP han confirmado que su propósito es eliminar los errores acumulativos que tienen lugar cuando se utiliza la estrategia de procesado tradicional. Según ellos, esta filosofía provoca que la información capturada por el sensor se degrade al ir atravesando etapas de procesado sucesivas. Sobre el papel, y sin entrar en detalles farragosos, su propuesta pinta bien. Ahora nos falta comprobar si realmente cumple lo que promete, y si los fabricantes de cámaras están dispuestos a comprar esta innovación a NVIDIA. Quizás después de SIGGRAPH salgamos de dudas. Mientras tanto, para abrir boca, os dejo un vídeo que desvela muchos más detalles de FlexISP.

Más información | NVIDIA
En Xataka Foto | Canon ha patentado una tecnología que se encargará de elegir JPEG o RAW por nosotros

Como ya sabréis Lightroom 4 acaba de presentarse con interesantes novedades que serán revisadas por numerosos expertos durante las próximas fechas, no te pierdes el análisis de mañana. Sin embargo, una de las cuestiones que cambiará en algunos casos también son los presets si lo que queremos aprovechar las novedades de esta versión 4. Por eso, algunos sitios han comenzado ya a aplicar modificaciones a sus presets y nos ofrecen versiones actualizadas. Sobre todo para aquellos que sois adictos a los presets de Lightroom ya llegan algunos presets gratuitos para Lightroom 4.

Hace tiempo ya os comentamos algunas webs que se dedican de forma especializada a ofrecer presets tanto gratuitos como de pago. Pero también a través del propio sitio web de Adobe podemos encontrar bastantes presets o preajustes o ajustes predefinidos para Lightroom, aún no hay, a fecha de hoy, pero seguro que en breve habrá. Aunque de momento hay poca cosa hemos encontrado algunos presets interesantes y gratuitos ya para la nueva versión de Lightroom 4.

En Presetsheaven

Desde este clásico de los sitios dedicados para presets no han tardado en ofrecernos una colección de 7 presets gratuitos con estilo vintage que puedes descargar desde aquí.

También con un toque de “ensueño” (dream) encontramos estos más presets que podéis descargar también de presetsheaven en el siguiente enlace.

En el blog de Nichole

En Blanco y Negro con un toque envejecido nos llega un preset para blanco y negro que no está nada mal. Para fotos con bastante luz. Para descargarlo podéis hacer clic aquí.

En Michelle Bondy

Este es un preset para fotografías con cierta tendencia a la sobreexposición (de ahí la fuente de luz de frente del ejemplo), que le da un toque en tonos pasteles a la fotografía. Podéis descargarlo aquí.

En Dicas Lightroom

En este blog encontramos un par de presets interesantes. Un preset interesante manipulando los colores y con un cierto aire de proceso cruzado. Podéis descargarlo aquí. Y otro para blanco y negro, que podéis descargar aquí.

Grupo Facebook de adobelightroompresets.net

Pues sí, accediendo al grupo de Facebook AdobeLightroomPresets.net, pulsamos el botón “me gusta” y luego accedemos al siguiente enlace (corresponde al banner que pone “download our freebies”) donde ya podremos descargar otro conjunto de presets gratuitos.

En resumen

Tened en cuenta que al ser bastante recientes pudiera haber algún problema en los presets, por lo que os recomiendo que de encontrarlos chequéis la página del autor. Los presets son, solamente eso, ajustes predefenidos. Primero, no valen para todas las fotos, mira los ejemplos desde donde parten. Segundo, decide tú y reajusta los parámetros según tu propio saber. Un preset es un buen punto de partida en lightroom para aplicar un estilo o efecto similar a un conjunto de fotos pero los detalles los ponéis vosotros, recordad.

¿Sabes de más presets gratuitos para el nuevo Lightroom 4? Cuéntanoslos.

En Xataka Foto:

• Adobe Lightroom 4: Ya es oficial

• Adictos a los presets de Lightroom: diez sitios para descargar

Veíamos hace unas semanas el procesado básico que teníamos que aplicar a nuestras fotografías para venderlas a través de las agencias. Éste era un procesado suave, por decirlo de algún modo, "poco creativo", que consiste básicamente en aplicar una serie de ajustes para corregir algunos defectos de la toma y acercar la fotografía a los estándares de las agencias.

Como sabemos, las agencias de fotografía distribuyen el contenido de sus colaboradores a un público muy amplio, por lo que están interesadas en fotografías que puedan servir al máximo número de compradores, por ese motivo algunos tipos de procesados no son admitidos en las agencias.

Según cómo procesemos nuestra imagen, puede que nuestra fotografía sea directamente rechazada para la venta, por lo que es importante conocer lo que no debemos hacerle a una fotografía si queremos que sea admitida para la venta a través de agencias.

Filtros creativos

Podemos decir que prácticamente la utlización de cualquier filtro de Photoshop nos asegurará el rechazo de nuestra fotografía. No quiere decir que no podamos usar ningún filtro, existen excepciones, como por ejemplo la utilización de la corrección de lente, reducción de ruido o añadir una máscara de enfoque, en las que no modificamos sustancialmente la apariencia de la imagen sino que simplemente aplicamos ligeras correcciones.

Al hablar de que no suelen aceptarse fotografías a las que se le han aplicado filtros, me refiero a filtros artísticos, distorsiones y filtros de este tipo, que para añadir un punto de creatividad en fotografía artística pueden ser muy útiles, pero no en fotografías para las agencias.

En caso de querer aplicar alguno de estos filtros para conseguir un efecto determinado, suele ser conveniente que lo especifiquemos en la descripción de la fotografía o en una nota al inspector.

Grandes recortes

No suele haber ningún problema en aplicar ligeros recortes para enderezar fotografías, incluso para eliminar parte de la imagen que no nos interesa y que era imposible evitar en el encuadre durante la toma.

El problema está en aplicar grandes recortes que nos dejen con menos del sesenta o setenta porciento de la imagen original. Parece que mientras se mantengan las proporciones, las agencias no deberían ni darse cuenta de que hemos recortado una imagen, pero enviar un lote con todas las fotografías con veinte megapíxeles, salvo una con doce hará que los inspectores se fijen en el modelo de cámara con que fue tomada y si es la misma que el resto de las imágenes seguro que la rechazan por haber sufrido un gran recorte.

Conversión a escala de grises

Las fotografías en blanco y negro suelen tener poca salida en las agencias de fotografía. Algunas agencias incluso no las admiten por muy bien tratado que esté el blanco y negro. Si una persona necesita una fotografía en blanco y negro, puede comprar la foto en color y convertirla después en blanco y negro como más le guste.

Suponiendo que enviaremos nuestra fotografía a una agencias que admita blanco y negro, lo que no debemos hacer es convertirla a escala de grises directamente o simplemente bajar la saturación a cero. Además de obtener blancos y negros muy pobres en tonos, perdemos toda la información de color.

Si además de transformarla en blanco y negro con alguno de estos procesos, le añadimos un elemento a color, nos aseguramos un rechazo. Podemos convertir una fotografía a blanco y negro, incluso haciéndolo selectivo dejando algunas zonas de la foto en color, pero para ello siempre será mejor utilizar capas de ajuste, canales o el método que más nos guste siempre y cuando nos ofrezca buenos resultados.

Falseados o malos procesados

En la fotografía de agencias está permitido cualquier tipo de montaje fotográfico siempre y cuando sea creíble. No vale fotografiar a dos personas sobre fondo blanco para luego situarlas sobre un precioso fondo si la iluminación de cada una de las personas y el fondo son totalmente distintas.

Igualmente tampoco será válida la eliminación de un logotipo o el desenfoque de una marca comercial para que no pueda leerse si, por ejemplo, quedan rastros del tampón de clonar o el desenfoque aparece en mitad de una superficie perfectamente enfocada.

En el especial vende más en microstock, hablábamos de que se vendían muy bien las fotografías de elementos sobre fondo blanco. Si no hemos conseguido un fondo totalmente blanco en el momento de la toma, podemos realizar los ajustes para perfectionar ese blanco, pero de nuevo no serán válidos silueteados en los que se note el postprocesado.

Obviamente tampoco serán aceptadas fotografías a las que se le añadan marcos, firmas, marcas de agua o cualquier tipo de elemento de este tipo que las haga inutilizables para los compradores.

Conclusión

Algunos tipos de procesados pueden ser admitidos aunque limiten mucho el potencial comercial de una fotografía. Como suele decirse, si se hace bien, el procesado puede ser aceptable incluso positivo para una fotografía.

No quiere decir que una fotografía con muchas horas de procesado, filtros creativos, montajes, etc. no pueda ser una gran fotografía, sino que simplemente no encaja en el mercado de las agencias.Debemos tener en cuenta que las fotografías para agencias siguen unos estándares que intentan satisfacer al mayor número de compradores, por lo que es lógico que ciertos tipos de procesados no puedan ser admitidos.

Sabiendo qué es lo que no tenemos que hacerle a una fotografía para que guste en las agencias y evitando este tipo de procesados, nos ahorraremos el disgusto de trabajar mucho durante una sesión y en la edición de las fotografías para que finalmente sean rechazadas por un mal procesado.

Fotografías | José Barceló En Xataka Foto | Agencias de fotografía

Hubo un tiempo en el que estaba de moda quejarse de intrusismo laboral y de que los puestos de informáticos estaban ocupados por matemáticos. Pues bien, debe ser que los matemáticos se quedaron sin sus ordenadores y ahora se han propuesto poner patas arriba la fotografía, calculadora en mano. Bromas aparte, si hace una semana os hablábamos de un algoritmo capaz de juzgar la calidad de una fotografía hoy lo hacemos de otro que pretende adivinar cuánto retoque digital tiene una imagen.

Por supuesto, la infamia del dedo acusador vuelve a apuntar a Photoshop, porque como todo el mundo sabe no existe otro software con el que tratar digitalmente una fotografía (nótese la ironía). El tema y la ignorancia desde la que se trata el mismo ya empiezan a cansar un poco. A pesar de que revivimos la historia cada cierto tiempo, cual Bill Murray en Atrapado en el Tiempo, no somos capaces de poner fin, definitivamente, a este atropello a la inteligencia.

Hace dos años que pudisteis leer aquí sobre una corriente surgida en Estados Unidos que pretendía dar la espalda al uso de Photoshop, corriente que visto lo visto no triunfó. Menos tiempo hace de aquella noticia en que se se deslizaba la posibilidad de que otra vez Estados Unidos, el país de las libertades, legislara en contra del uso del software de la polémica. Absurdo entre lo absurdo.

Lo último es el diseño de un método matemático capaz de cuantificar el procesado digital de una imagen, es decir, un software podría analizar una imagen y decirnos en una escala del 1 al 10 el nivel de tratamiento de la misma. ¿Para qué?, para nada. Todos sabemos que no se publica una fotografía sin que haya pasado previamente por las manos de un retocador, es algo aceptado. ¿Para qué necesitamos saber cuánto hay de maquillaje real y cuánto de virtual?

La excusa oficial es que los retoques extremos desembocan en la idealización de las figuras públicas. Muchas personas querrán tener el mismo cuerpo o la misma cara que esa otra persona retocada que aparece en ésta o aquella portada de revista y que la imposibilidad física de alcanzarlo les conducirá, posiblemente, a trastornos, por ejemplo, de tipo alimenticio. La solución, para algunos lumbreras, es matar moscas a cañonazos y prohibir, que resulta lo más fácil.

¿Por qué no apostar por una cuidada educación y formación personal que nos lleve a discernir entre un rostro real y otro retocado sin caer en la trampa de quererlo para nosotros? Porque es más sencillo, rápido y barato prohibir. Pero ojo, este despropósito sólo sería el principio porque abierta la veda… ¿No engaña también el maquillaje? ¿No falsean la realidad los tacones, las fajas o determinados sujetadores? ¿Nos atreveríamos a oír cantar a capela a la mayoría de los cantantes que más música venden?

Llegará el día en que tengamos que dejarnos, para siempre, de tonterías y decidir entre dejar que los profesionales elijan con libertad, rindiendo cuentas ante el sentido común, entre todas las herramientas de que dispongan o prohibirlo absolutamente todo. Yo apuesto por lo primero, ¿y tú?

Foto | David Blackwell

En el capítulo anterior hemos visto las bases para tener claro el concepto de rango dinámico. Aclaremos antes de empezar algunas cosas más. En español se suelen asociar los siguientes términos rango dinámico o de luminancia con tasa de contraste. Esto ocurre porque en inglés el “dynamic range” a veces también es llamado “ratio contrast”. Lo que ocurre es que tasa de contraste es un término que solemos asociar con los monitores y esto nos puede confundir un poco. Seguro que esto también lo habéis visto en la zona de tv en algún gran almacén.

En este segundo capítulo trataremos de fijar estos conceptos así como el resto de los que nos quedan para que tengamos todas las armas para que a la hora de tocar los controles del editor HDR/Tone Mapping los toquemos con criterio. Ahí en cuanto a la edición pura y dura de los HDR no me voy a meter hoy ya que es una de mis asignaturas pendientes desde hace tiempo. Aun así os daremos algún consejo para aprovechar esta técnica.

Haceros hincapié en que el rango dinámico no es un concepto exclusivamente fotográfico. O más bien, no es exclusivo de la fotografía. Si en el capítulo anterior dábamos una definición algo más sencilla en su términos hoy damos la más exacta. El rango dinámico es un concepto físico que resulta de aplicación a cualquier señal que varíe en función de una determinada variable independiente. Se encarga de medir la relación existente entre los valores máximo y mínimo que la amplitud de dicha señal adquiere para todo el conjunto de posibles valores de la variable de la que depende. Dicho así resulta un poco más complicado para aquellos que no vengáis por ciencias. Bueno a mí también me queda un poco lejos la física, todo hay que decirlo.

Unidades

Bien, espero que hayáis desayunado fuerte porque vamos a hacer unas cuentas. No os asustéis son sencillitas. La luz, al igual que las ondas de radio, los rayos X o los gamma es una forma de energía. Si la energía se mide en Julios (J) en el Sistema Internacional, para qué necesitamos nuevas unidades. La razón es más simple de lo que parece. No toda la luz emitida por una fuente llega al ojo y produce sensación luminosa, ni toda la energía que consume, por ejemplo, una bombilla se convierte en luz, de hecho si la tocas probablemente te quemes ¿cierto?. Todo esto se ha de evaluar de alguna manera y para ello definiremos nuevas magnitudes: el flujo luminoso, la intensidad luminosa, la iluminancia, la luminancia, el rendimiento o eficiencia luminosa y la cantidad de luz.

A nosotros nos interesa la luminancia hoy así que nos quedamos con ella. Luminancia: La luz que llega al ojo y que a fin de cuentas es la que vemos. De esto trata la luminancia.

Se llama luminancia a la relación entre la intensidad luminosa y la superficie aparente vista por el ojo en una dirección determinada. Su símbolo es L y su unidad es la cd/m2 , donde cd = candela. También es posible encontrar otras unidades como el stilb (1 sb = 1 cd/cm2) o el nit (1 nt = 1 cd/m2). A los que os gusten los smartphones, tal vez os suene el nit. Una unidad que se ha hecho popular en los últimos meses gracias a la llegada del LG Optimus Black, como ya nos contaban nuestros compañeros de Xatakamovil en enero.

• Si tenemos una Escena en dla cual la luminancia máxima es de 8000 cd/m2 y la mínima es de 0,5 cd/m2, el rango dinámico de esa escena es de 16.000 (el resultado de dividir 8000/0,5).

• Si tenemos un Sensor que puede capturar una luminancia máxima de 40.000 cd/m2 y una luminancia mínima de 0,5 cd/m2, el rango dinámico de este sensor es de 80.000 (es decir: 80.000 / 0,5).

• Si un Monitor produce una luminancia máxima de 1000 cd / m2 y una mínima de 0,10 cd / m2, su rango dinámico (usualmente llamado tasa de contraste o, simplemente, contraste) es de 10000 (es decir: 1000 / 0,10).

Escalas de medida

El rango dinámico es un número. Por tanto, lo podemos representar como tal, por ejemplo tengamos un rango dinámico de 4000. Lo más normal es representarlo en forma de relación como 4000:1 o también 1:4000. También otra escala es la basada en el decibelio aunque algo menos usada.

Una última escala utilizada es el logaritmo en base 2 del rango dinámico; por ejemplo: Si el rango dinámico es 4000, su logaritmo en base 2 es de casi 12 (2^12=4096) esta escala es en bits o en pasos de diafragma (stops)—. El rango dinámico expresado en esta escala es el número de veces que debemos reducir a la mitad el valor máximo para alcanzar el mínimo. Así si dividimos consecutivamente 4000 por 2 lo haremos 11 veces y “casi” otra por muy poco. Perdonadme la aberración matemática. Creo que se entiende bien. Para hacerlo más universal se expresa en pasos EV (o exponencial en base 2).

Las cámaras reflex digitales pueden capturar hasta 10 pasos decíamos, como norma general, algunas superando ese techo. También veíamos en el capítulo anterior que la Nikon D7000 y la Pentax K5 se situaban en la cima con unos 14 pasos. Prueba de la capacidad de estos monstruos del rango dinamico lo podéis ver en la siguiente imagen que tomé el otro día:

Fotografía de Alfonso Domínguez Lavín

Como podéis observar, el RAW sin edición el árbol aparece totalmente oscuro, añadiendo tan solo luz de relleno de forma progresiva empiezan a aparecer detalles. Además la imagen disparada a ISO 100, a pesar del revelado, mantiene un nivel de ruido bajísimo en las sombras. Realmente es increíble.

A vueltas con el problema

Si la escena en cuestión tiene más de esos pasos, entonces tenemos un problema. Tendremos luces quemadas o sombras empastadas. ¿Os va sonando la cosa y comprendiendo el motivo de porqué ocurre eso? Pensemos en una escena de una habitación en medio penumbra con una ventana por la que entra la luz del sol. Ese tipo de escena suele superar los 12 EV (pasos) de rango dinámico casi con seguridad. Con lo cual no puedo “exponer bien” en una sola toma. De ahí el utilizar varias tomas con diferencias de varios pasos para obtener el rango dinámico completo.

De esta forma cuando tienes una escena en la cual existen zonas muy oscuras y zonas muy luminosas, una cámara con un sensor con buen rango dinámico conseguirá detalle en las dos zonas extremas.

Normalmente esto lo solemos hacer con la opción de bracketing u horquillado de nuestra cámara. Ahí configuramos -1,0,+1 pasos o -2,0,+2 pasos u otra configuración. Si no dispones de dicha opción puedes hacerlo manualmente variando la velocidad de obturación para obtener las 3 tomas. También puedes hacer 5, 7 o 9 tomas. Las que necesites. También solo 1. Entonces podremos realizar lo que se llama pseudo-hdr. En un barco, por ejemplo, a lo mejor no puedes realizar varias debido al movimiento pero si puedes hacer 1. Entonces, como decía, podemos realizar lo que se denomina un pseudo-HDR (consiguiendo menor “rango dinámico”, claro está) a partir de una sola toma pero también lograr imágenes como la que nos muestra Vicent de los Ángeles bajo estas líneas. En este caso, al ser una única toma, si nos fijamos en las zonas oscuras vemos la aparición de ruido, más aún por usar ISO 800, según nos comenta el propio Vicent:

Fotografía de Vicent de los Ángeles

Fotografía ganadora del concurso de Google Earth en la categoría de “Viajes”

Puesta en acción: Back to the Basics

Como material imprescidible en este tipo de tomas contamos con nuestras queridas cámaras más por lo menos un trípode. Es posible realizar HDR sin el trípode y luego alinear las tomas en el programa que sea, pero si alguna de las tomas requiere una velocidad de obturación lenta nuestro pulso será nuestro peor enemigo, logrando, seguramente, que algunas de las imágenes tenga trepidación.

Dos ayudas más: cable disparador y levantar el espejo. El cable disparador nos minimizará la trepidación, si no lo tienes siempre puedes usar el temporizador de la cámara. También puedes utilizar la opción de disparar la toma con el espejo ya levantado, opción que muchas réflex ofrecen. Aunque estos consejos son más propios de la fotografía de paisaje en general que para realizar tomas hdr son perfectamente aplicables. No perdamos los buenos hábitos.

Y, sin perder los buenos hábitos, ¿cuándo es mejor realizar tomas para hdr? La respuesta es clara: Al amanecer o al atardecer. En esos momentos de baja luz difusa, con una gama tonal muy rica, es donde realmente aprovecharemos el potencial de esta técnica. En cuanto a fotografía paisajística se refiere.

© Copyright by Erroba – Erlend Robaye

El alcance del rango dinámico ya era un problema con las películas. Normalmente, para conseguirlo, había que sobreexponer para sacar el máximo detalle en las sombras y subexponer para no quemar las luces. Es el proceso contrario al forzado. En los sensores digitales el problema viene a ser el similar. No olvidemos que aparte del sensor tenemos el revelado (puedes seguir nuestro curso “Aprendiendo con Adobe Camera RAW“, y jugando con esos dos extremos obtenemos las siguientes ventajas por si no lo tenías claro aún:

• La primera es que sobrexponiendo, obtenemos buen detalle en las sombras y además se reduce el ruido en ellas.

• La segunda es que podemos subexponer y luego en el RAW, al editar, subir la luz de relleno y la recuperación para que las luces no se quemen.

El ejemplo básico para realizar una toma hdr es realizar al menos 3 disparos. Ya comentaremos más sobre ello ya que, a la hora de procesar, tenemos muchas opciones. En el siguiente capítulo nos adentraremos ya en el controvertido y apasionante mundo de la edición hdr. Para ir abriendo boca, os mostramos algunos vídeos ilustrativos de esta técnica de los programas más comunes para ello.

• Photomatix Pro, el programa más extendido de las soluciones comerciales hasta el momento.

• Topaz Adjust, con sus defensores y detractores, ya que ofrece un estilo bastante agresivo en muchos de sus presets.

• HDR Effex Pro, Nik Software ha tardado en llegar pero ha llegado. Eso sí los resultados a lograr en cuanto a creatividad son muy buenos.

Con esto finalizamos la segunda parte. En la tercera parte empezaremos a abordar la edición digital en si misma con alguno de estos programas, analizando cuáles pueden ser los fallos y aciertos a la hora de realizar la edición, así como combinar esta edición con ACR o con Photoshop. Pero será dentro de unos días, intentaré realizar algunas fotos en las vacaciones y las procesaremos.

En Xatakafoto:

• HDR: ¿Sinónimo de éxito o de fracaso? (I)

Fotografía de portada | Vicent de los Ángeles

Referencias | Aristóteles
Más información | Photomatix Pro | Topaz Adjust | HDR Efex Pro

Empezaremos esta primera parte diciendo que hace ya tiempo que venimos hablando de esta técnica que, basada en realizar varias exposiciones de una escena, permite exprimir al máximo el rango dinámico de una escena permitiendo resultados asombrosos, a veces, y horrorosos, otras. Hay gente que se enorgullece de hacer HDR y otros lo contrario (etiquetando con “hdr” o “no hdr” según corresponda). Como bien decía ya Aristóteles, el filósofo griego, refiriéndose a la virtud moral como una “disposición voluntaria adquirida (hábito) dirigida por la razón y que consiste en el término medio entre dos vicios”. Frase que simplificada, convertimos en: “En el punto medio está la virtud”. Aunque no nos refiramos a la virtud moral, creo que nos queda claro el concepto.

Siguiendo en clase de filosofía (¡qué tiempos!) la virtud consiste en saber dar con el término medio entre dos extremos, extremos que por ser tales son vicios. Aristóteles distingue así entre el “término medio de la cosa” y el “término medio para nosotros”; el término medio es siempre de algo que posee magnitud, y es término medio en relación a la cosa cuando se la examina desde un punto de vista puramente matemático. En cambio, para establecer lo que es mucho o poco en asuntos relativos al bien de las personas es preciso atender a las circunstancias, al sujeto que realiza la acción, sus necesidades y posibilidades, y para ello introduce Aristóteles la idea del término medio respecto a nosotros: en la moralidad el término medio se predica de las pasiones, los sentimientos y las acciones.

Entonces qué tiene que ver el bueno de Aristóteles en este embrollo, me diréis. La red está salpicada de ejemplos extremos de HDR que resultan espantosos estéticamente por su procesado pero que son apreciados por la gente en general así como otros que estéticamente son muy buenos y también son igualmente apreciados. Entonces ¿son buenos ambos? No lo sé. No soy crítico de arte ni lo pienso ser. Cada uno tiene su opinión.

Un buen HDR en su justa medida puede dar unos resultados magníficos. Ofreciendo un simil publicitario: “HDR, yo controlo” o “HDR con moderación al volante del XXX”, sustituyendo XXX por Photomatix, Topaz Adjust o el más reciente HDR Effex, por citar algunos. En mi opinión el principal problema de esos HDR inadecuados reside en la falta de conocimiento de la técnica en sí misma, ya que otros ofrecen resultados espectaculares. Luego a cada cual le guste más o menos tonemapping, contraste local o demás pero sabiendo lo que se tiene entre manos.

Rango Dinámico capturado por la Cámara

Por eso repasemos algunos de los conceptos fundamentales necesarios para entender esta técnica. El primero de ellos es entender el concepto de Rango Dinámico. Si HDR significa High Dynamic Range o Alto Rango Dinámico, conocer qué es el rango dinámico es fundamental.

Si nuestras “supercámaras” pudieran capturar “todo” el rango dinámico existente en una sola toma las técnicas de tratamiento y edición de HDR no serían necesarias tan necesarias simplificando el proceso. Desafortunadamente el rango dinámico capturado por nuestras cámaras es mucho menor que el existente en la mayoría de las escenas que fotografiamos.

¿Cómo definimos, pues, el rango dinámico de una cámara? El rango dinámico, por decirlo en términos sencillos y comprensibles, es una medida entre las zonas más brillantes (o luces altas) hasta las más oscuras (o sombras) que tengan detalle justo por encima del umbral del ruido. La clave de esta medición reside en medir desde las luces altas que no son un blanco puro hasta las sombras con detalle.

© Copyright by Erroba – Erlend Robaye

Las cámaras réflex de hoy en día suelen capturar hasta 7 pasos, llegando algunas a 10 pasos aunque algunas pocas comienzan a superar esa barrera. El contraste está íntimamente relacionado con el rango dinámico. Así el contraste podremos definirlo como la relación entre la intensidad lumínica del punto más claro y el punto más oscuro de una imagen.

Se mide mediante la forma XXX:1, donde XXX indica el número de veces que el punto más luminoso es más luminoso (valga la redundancia) respecto al más oscuro. Es decir, en una pantalla con contraste 100.000:1, decimos que el punto más blanco tiene 100.000 veces más luminosidad que el punto más oscuro. A pesar de todo, en función del tipo de filtro que tenga nuestra pantalla, la luz ambiental puede perjudicar seriamente al nivel de contraste, llegando a reducirse en algunos casos hasta la mitad, sobre todo en imágenes donde predominan los negros.

Recordemos también lo siguiente:

• Las diapos lograban entre 6 y 7 pasos.

• El negativo de película entre 10 y 12.

• La recuperación de luces en los editores RAW puede dar hasta 1 paso extra.

Casi cada día encontramos nuevos modelos réflex y mejores que el anterior, pero no debemos esperar milagros. También existen cámaras especializadas en el mercado para capturar escenas en Alto Rango dinámico como fue en su día la Fuji S5 (ya discontinuada), que tenía un sensor dual que permitía capturar escenas con un rango dinámico extra de 2 pasos o cámaras como la Nikon D7000 o la Pentax K5 con sensor cuasi perfecto y que se han situado como las reinas del rango dinámico en estos momentos.

¿Pero cómo funciona el ojo humano?

A todo esto no nos olvidamos de uno de los factores más importantes: el ojo humano. El ojo humano sigue una vía distinta a cómo captan la luz nuestras cámaras. Sabemos que nuestros ojos se adaptan a las escenas según la cantidad de luz que reciben. La pupila se dilata cuando hay falta de luz y se contrae cuando hay exceso de luz. Este proceso, que no es instantáneo, requiere un cierto tiempo para que nuestros ojos se acomoden a la intensidad de la luz. Se calcula que el rango dinámico del ojo humano está alrededor de 10 pasos sin que las pupilas se “adapten” y que como máximo puede alcanzar los 24 pasos. Aunque esto es como todo, depende de cada uno, unos ven mejor y otros vemos peor.

Rango dinámico de salida

En todas las fases del proceso digital, la salida, del tipo que sea, normalmente muestra diferencias en el rango dinámico como bien nos demuestra nuestro amigo Guillermo Luijk en su artículo sobre Rango Dinámico del monitor y el papel, apuntándonos como valores típicos:

Rango dinámico de dispositivos típicos.

Además tanto en los monitores como en el papel, se ven afectados por la luz ambiente. Responsable ésta muchas veces la pérdida de rango dinámico.

¿Entonces qué sentido tiene capturar una imagen de alto rango dinámico llegando a poder tener hasta 12 pasos si después nos vemos limitados por el formato de salida sea el monitor o el papel de impresión fotográfico? La respuesta a esto se encuentra en la compresión del rango dinámico. Para comprimirlo basta aplicar una curva, pero perderíamos contraste, teniendo una imagen más plana. Tal vez así no te suene, pero te sonará Tone Mapping ¿verdad?. Las técnicas de Tone Mapping vienen a dar respuesta a este problema. Ahí surgen multitud de programas como Photomatix PRO, Topaz Adjust o el más reciente HDR Effex.

Para mí el reto está ahí. En saber aplicar “correctamente” dichas técnicas. Una vez conocidas y aplicadas correctamentes pueden ser el punto de partida perfecto para dominar el proceso artístico-creativo. Finalizando la reflexión apuntaros este truco/experimento: que no todas las tomas con distintas exposiciones tienen que realizarse en el mismo momento para aprovechar el rango dinámico, un atardecer, un amanecer y una nocturna en el mismo lugar dan mucho juego como vemos en esta toma de nuestro amigo David Goitia y su “hdr temporal”, como él lo ha llamado.

Fotografía de David Goitia en nuestro grupo de flickr

En Xatakafoto:

• HDR: ¿Sinónimo de éxito o de fracaso? (Ii)

Fotografía de portada | Vicent de los Ángeles

Referencias | Aristóteles
Más información | Photomatix Pro | Topaz Adjust | HDR Efex Pro

Hay veces que uno hace determinados procesos de manera automática y sin plantearse demasiado por qué, pensando que todo el mundo actúa de manera similar. Algo similar me ocurrió cuando subí mi último lote de fotos, y muchos de mis contactos se interesaron por el procesado que había estado aplicando, y que pensaba que era bastante más común.

La idea general es hacer por separado un tratamiento en blanco y negro (para la luminosidad), y otro completo (para el color), y fusionarlos. Como decía, es tan simple que seguramente todos lo hayamos hecho alguna vez casi sin proponérnoslo, pero siempre es bueno recordarlo y darle un poco de forma.

En general, utilizo este tratamiento para darle a las imágenes un toque más suave y agradable, permitiéndome ciertos excesos con el tratamiendo de la luminosidad, ya que reaplicarles el color original las vuelve a acercar a la realidad.

Ya que vamos a hacer dos revelados independientes de una misma imagen, aconsejo trabajar siempre con objetos inteligentes de Photoshop, tal y como hemos visto en el curso de revelado con Adobe Camera RAW. El concepto es, en cualquier caso, fácilmente aplicable a cualquier otra herramienta.

La capa que utilizaremos como base, tal y como veis arriba, será un revelado más o menos estándar, cuidando tanto la exposición (curvas, ajuste de luces, etc.) como el color (básicamente, el balanceo de blancos). No es necesario cuidar mucho el detalle, ya que podemos hacer modificaciones en cada uno de los dos procesados más adelante.

Una vez hechos estos ajustes básicos, la duplicamos creando un nuevo objeto inteligente (de esta manera podemos seguir modificando parámetros sin perder nada de calidad), y pasamos a blanco y negro la capa inferior.

En mi caso, suelo hacer este paso desde el propio revelador, probando uno a uno cada uno de los colores para sacarle el máximo partido, aclarando los más oscuros y oscureciendo los que tienen más iluminación. Esto puede crear halos en los puntos donde se unen dos tonos distintos, pero se puede solucionar con un poco de maña y mezclando distintos revelados a base de capas.

Una vez que estemos contentos con el blanco y negro, simplemente tenemos que cambiar el modo de fusión de la capa superior a color, y ya tendremos un resultado que en muchos de los casos será definitivo.

Como indicaba anteriormente, en este punto podemos seguir haciendo ajustes en el revelado de cualquiera de las dos capas, ya que al trabajar con objetos inteligentes seguimos manteniendo esta capacidad. También, muchas veces será interesante bajar la opacidad del revelado en color, para acentuar la suavidad en el resulado definitivo.

Todo este proceso puede durar perfectamente menos de cinco minutos para conseguir un primer resultado rápido y efectista, y es bastante adecuado para paisajes o imágenes con un toque atemporal, como la utilizada como ejemplo. Incluso podemos aplicar un pequeño desenfoque gausiano a la capa de color para limar uniones y acentuar este efecto.

Nada nos impide, en cualquier caso, hacer un blanco y negro contrastado y rabioso, o utilizar una capa de color saturada e irreal, con resultados radicalmente distintos.

Continuando en esta línea, podemos utilizar modos de fusión distintos, según el tipo de fotografía con la que trabajemos. Por ejemplo, los retratos se prestan bastante mucho a ello:

Una vez realizados los mismos pasos (revelado en blanco y negro en la capa inferior, y en color en la superior), el modo de fusión de luz suave nos ofrecerá imágenes mucho más dramáticas y poderosas, realzando las líneas de expresión y los detalles de la piel del retratado.

En este caso los colores estarán de por sí algo más apagados, así que posiblemente no nos sea necesario bajarle la opacidad a la capa para lograr resultados con una atmósfera similar a la anterior.

En resumen, hemos visto cómo a veces puede ser interesante aislar partes esenciales de la imagen (luminosidad y color) para tratarlas por separado, evitando usar presets prediseñados y controlando mejor el proceso.

Esta misma idea se puede aplicar de muchas maneras, editando por ejemplo cada canal de manera individual, o separando los revelados con máscaras de capa. Sólo tenéis que encontrar el que os proporcione un balance entre potencia y simplicidad que os resulte más cómodos.

Fotos | Javier Prieto

Una fotografía basada en lo que se llama Alto Contraste es aquella en que expresa un gran diferencia entre las luces y las sombras. Cuando nos encontramos con un objeto de la realidad muy contrastado, es decir que existen una gran diferencia entre las luces y las sombras, lo que hace una exposición automática es reducir el valor de la parte iluminada y la parte oscurecida. Con ello se obtiene una fotografía media entre luces y sombras que conlleva una falta de detalle. Pero esto no es lo que buscamos, buscamos fotografías de alto contraste para inspirarte.

De todas maneras, el nivel de Alto Contraste es un gusto personal. Las apreciaciones, muy comunes en este tipo de fotografías, sobre si está expuesto o sobre expuesto, deben quedar solamente en eso. A veces nos quedamos únicamente en esos detalles pero al espectador común que disfruta de la imagen no le suele preocupar eso. Si funciona visualmente, funciona.

Fotografía de Aitor jorge Pascua en nuestro grupo flickr

Por ejemplo, en los retratos, una técnica muy utilizada a lo largo del tiempo, ha sido la de usar un fondo blanco. Si vestimos al modelo con ropas ligeramente oscuras facilitaremos la posibilidad de obtener un alto contraste entre el modelo y el fondo blanco. En cambio si el modelo viste ropa clara, esta posibilidad desparecerá y obtener un alto contraste resulta mucho más complicado. En estos casos una medición ponderada al centro funciona muy bien. También en los casos de fotografías de conciertos encontramos estos contrastes muy fuertes, en este caso una medición puntual sobre el artista funcionará bastante bien.

Fotografía de Aitor Lopez de Audikana en nuestro grupo flickr

También podrían entrar en esta categoría de Alto Contraste los llamados retratos en Clave Baja, donde utilizando como norma general un fondo negro, iluminamos parte del sujeto, obteniendo así un gran volumen en los contornos del modelo como ya nos contó en su día nuestro compañero Jesús León en su artículo sobre fotografías de Clave Baja, aunque también podemos utilizar objetos de color predominantemente claro frente a un fondo negro.

Fotografía de KORGAN en nuestro grupo flickr

Fotografía de Luis Hernández en nuestro grupo flickr

En resumen, tradicionalmente con Alto Contraste, como indica su nombre, nos referimos a una imagen en la cual vamos a encontrar Negros muy profundos y los Blancos muy iluminados pero esto no quiere decir que el alto contraste se encuentre solo en fotografías de ByN, sino también en las de color. . Aunque los más puristas dirán que si es un blanco y negro, es un blanco y negro. Que no es muchos tonos medios y poco blanco y negro. Quizás se pierdan detalle en las sombras, y en las altas luces, pero se gana muchísima fuerza en la imagen. Personalmente, mi concepto de alto contraste es algo más amplio. No pasa porque los negros pierdan todo el detalle y las iluminaciones estén totalmente sobre expuestas, me gusta el detalle y para ello no podemos prescindir absolutamente del todo de los tonos medios, tanto para blanco y negro como para color, en mi opinión. También veremos como, en determinados casos el uso acertado del HDR puede ayudar a ofrecer fotografías de alto contraste.

Fotografía de Alex Jiménenez en nuestro grupo de flickr

Veamos algunos ejemplos más de imágenes de Alto Contraste y cómo pueden servirnos de inspiración, teniendo en cuenta que hemos escogido las siguientes imágenes por su alto grado de contraste.

Fotografía de José Singla en nuestro grupo flickr

Fotografía de domimb en nuestro grupo flickr

No podíamos olvidar la fotografía en color y para ello hemos dejado hueco a esta imagen de Arnau23 que se apoya en técnicas de iluminación, algo que no podemos olvidar en cuanto obtener imágenes muy contrastadas como las que vimos hace unas semanas en la entrevista a Joel Grimes.

Fotografía de Arnau 23 en nuestro grupo de flickr

En último lugar he elegido esta fotografía de Malegrya porque además de tener un alto contraste lo tiene también en sentido metafórico por lo chocante entre la chica y los monjes, un pequeño guiño al doble sentido del contraste.

Fotografía de Malegrya en nuestro grupo flickr

Finalmente, unos pequeños consejos en cuanto al procesado de imágenes de Alto Contraste en Blanco y Negro. Para realizar estos pasos en Camera RAW y conseguir una foto en Blanco y Negro de Alto Contraste podemos guiarnos por los siguientes valores, siempre y cuando trabajemos sobre una imagen que esté bien expuesta:

Y hace unos días os ponía como ejemplo esta otra imagen en el artículo sobre selección por canales consiguiendo un alto contraste:

Fotografía de Alfonso Domínguez Lavín

Básicamente si no ponemos la saturación a 0, obtendremos una imagen muy contrastada pero en color, aunque aquí probablemente tendremos que variar alguno de los parámetros que hemos tocado anteriormente. Otra posibilidad en Blanco y Negro que tenemos es usar el plugin Nik Silver Efex del que hablábamos hace unos días. Espero que este artículo os haya animado a realizar fotografías de Alto Contraste y que nos mostréis los resultados.

Fotografía de Portada | Santiago Díaz