The Bézier Game es un juego ideal para aquellos que aún no sepan cómo manejar la pluma con precisión y rapidez. A través de una serie de trazos a conseguir, siluetearemos figuras geométricas simples y complejas con las que aprenderemos a conseguir trazos curvos, rectos o a generar vértices adecuados que después podemos aplicar en nuestras imágenes.

La pluma es una de las herramientas más potentes, precisas y versátiles que podemos aprender en Photoshop. Gracias a ella somos capaces de dibujar trazos simples, crear estelas o siluetear de la forma más precisa posible la cara de una modelo. Es una herramienta básica si eres diseñador, ilustrador, fotógrafo o te dedicas a cualquier tipo de actividad profesional relacionada.

Sin embargo, el comportamiento de la pluma puede parecer errático en algunas ocasiones: curvas seseantes, puntos de ancla mal puestos o anclajes de los que tiramos demasiado y después somos incapaces de corregir cuando pasamos al siguiente punto de ancla.

Por eso, hoy os traemos The Bézier Game, un juego con el que aprenderemos a crear con toda naturalidad siluetas y contornos que después podemos aplicar a nuestras fotografías para siluetear a la velocidad de la luz todo lo que necesitemos desde cero.

Sitio Oficial | The Bézier Game

Con el anuncio de la nueva Canon 5D Mark IV han saltado a la palestra nuevos temas de debate como su abultado precio o en el caso de sus prestaciones, el renovado sensor de 30,4 megapíxeles. Sin embargo, más megapíxeles implican mayores exigencias que pueden pasarnos factura si no estamos prevenidos de los cuellos de botella que se nos pueden generar cuando usemos el equipo.

Sensores modernos de altísima resolución

En primer lugar, pongamos algunos datos sobre la mesa. Como ya sabemos, la 5D Mark IV ha aterrizado con unas cuantas novedades entre las que encontramos un mejor rendimiento en vídeo como el HDR Video o el enfoque Dual Pixel que ya encontramos en otros modelos como la 7D Mark II. El principal protagonista de la presentación es su nuevo sensor de 30,4 megapíxeles que aumenta en 8 puntos a la Mark III. Otras cámaras del mercado como la Sony A7R II cuentan con sensores de altísima resolución que superan los 40 megapíxeles.

Más megapíxeles no implica de forma directa una mayor calidad de imagen a menos que uses siempre la cámara con trípode. Una mayor resolución implica que para congelar la imagen con todos sus detalles se tienen que usar velocidades muy superiores a las que usaríamos con cualquier otra cámara más modesta. Puede parecer poco, pero hablamos de dos o tres pasos en la velocidad de obturación que debemos compensar tirando de ISO o con objetivos muy luminosos. Donde antes podíamos ajustar la velocidad a 1/125, ahora tendremos que subir hasta 1/500 para no jugarnos a suerte que la imagen salga nítida o trepidada.

Cuellos de botella con los objetivos

Los objetivos no son construcciones eternas: se diseñaron en base a una resolución pero es lógico que si se actualizan las cámaras se actualicen los objetivos. ¿Por qué seguimos usando objetivos con diseños y calidades ópticas de hace más de 10 años? El resultado de esta práctica es que las imágenes aparecen con una falta de calidad debido a que el objetivo no está a la altura del sensor, algo así como una 'neblina' que malogra las fotografías.

Que Canon haya decidido actualizar dos objetivos no es un asunto baladí, es consecuencia de un problema real que se ha presentado con la subida de resolución. Se han actualizado el EF 16-35mm f/2.8L III y el EF 24-105mm f/4L IS II para poder aprovechar el potencial del nuevo sensor si además tenemos en cuenta que el 24-105mm actualizado vendrá en kit con la nueva cámara. Este modelo especialmente necesitaba un remodelado ya que se presentó hace ya 11 años y servía como objetivo profesional mientras Canon ha ido mejorando sus sensores.

Cualquier marca puede presentar cámaras con un escalado brutal en su resolución, pero si no acompaña estas novedades con objetivos actualizados o si decidimos usar un 50mm ƒ/1.8, seguiremos teniendo la calidad que nos ofrece una 5D Mark I o una APS-C. El problema que conlleva una cámara nueva y un parque de objetivos actualizados hace que el precio del kit con el 24-105mm escale más de 4.500 dólares como ocurre con la Canon 5D Mark IV.

Accesorios y flujo de trabajo ralentizados

Un aumento de los megapíxeles conlleva un aumento de la información que se capta, en especial con la tecnología Dual Pixel RAW que ha presentado Canon con la que prometen ofrecer aún más información en un fichero en bruto. No sabemos hasta donde llegará este aumento, pero con la 5D Mark IV podemos esperar archivos de entre 30 y 40 MB de peso que podría suponer un grave problema para el flujo de trabajo.

En primer lugar, porque si disparamos una ráfaga y no disponemos de tarjetas adecuadas para soportar este torrente de bits, vamos a quedarnos colgados. En el caso de trabajar conectados al ordenador, la conexión USB 3.0 que ofrece la cámara dará la talla pero aún así es un torrente de información importante que hay que saber gestionar escogiendo cables de alto rendimiento y una conexión USB acorde para evitar colapsar nuestro ordenador.

En segundo lugar y hablando de computadoras, habrá que disponer de un portátil o un sobremesa de alto rendimiento para gestionar estas imágenes si no queremos pasarnos varios minutos para abrir una simple fotografía en Photoshop. Y ya no hablemos de la gestión de la información cuando trabajemos clonando o realizando ajustes que se deben calcular para previsualizarlos correctamente.

No es la cámara, es todo lo que ello conlleva

Con la Canon 5DsR, la firma sobrepasó una línea roja muy clara que ha supuesto quebraderos de cabeza a muchos fotógrafos al tener que invertir un dinero extra para actualizar tarjetas, cables, objetivos, accesorios e incluso un ordenador nuevo. De momento nos situamos en una gama profesional de 30 megapíxeles que se notarán pero no obstaculizarán el trabajo que se realice con el equipo, pero debemos tener en cuenta estos detalles cuando pensamos en comprarnos una cámara nueva.

Así que ya sabéis, si necesitáis renovar vuestro equipo fotográfico pensad en los cambios del flujo de trabajo y la actualización de los accesorios porque os puede suponer un gasto no contemplado para aseguraros poder exprimir todo el potencial de vuestra nueva cámara.

Foto de portada | M Kemal

Picturesqe es un programa relativamente novedoso que se centra en una etapa importantísima de la postproducción fotográfica que es ayudarnos a elegir y filtrar las mejores fotos de una sesión. Funciona a través de parámetros técnicos para ayudarnos a encontrar filtrar las fotos trepidadas, nos ordena las fotografías analizando los colores y los volúmenes de cada imagen y nos ayuda a descartar las que no nos interesan comparándolas.

Picturesqe es un programa que a través de un motor de análisis de imagen es capaz de indicarnos las mejores fotografías de una sesión. Puede sonar muy ambicioso, pero realmente lo que nos indica es que las fotografías tienen buena calidad técnica y nos califica de forma desfavorable las que están desenfocadas o no tienen una exposición correcta. Es decir, que a través de su motor detectará y calificará las malas fotografías para que nos demos cuenta de que esa fotografía tiene pocas probabilidades de pasar un primer filtrado técnico.

Importación, Selección y Exportación

Importación

Básicamente funciona de forma muy simple: se importan las fotografías de forma local, es decir, se crea una copia de tus fotografías en Picturesqe y se analizan. Según el volumen de fotografías, es posible que el primer paso tarde varios minutos.

Selección

En el segundo modulo llamado 'Select', tenemos un mosaico con todas las fotografías y una barra lateral que nos recita los detalles técnicos de las fotografías conforme las vamos pasando. Si dos fotografías se parecen mucho, el programa las agrupa porque entiende que hemos hecho varias tomas de una misma situación con pequeñas variaciones por lo que nos las agrupa para elegir la definitiva.

Si seleccionamos un grupo, podemos entrar para ver las comparaciones y cuando realizamos zoom con la rueda del raton, las fotografias sincronizan el zoom hasta el 200% para que veamos la misma porción en todas las fotografías.

Exportación

Tras la selección y el descarte de fotos, podemos exportar las fotografías en su archivo original, en JPGs o pasar la colección de fotos a Adobe Lightroom. Las opciones no son muchas y hay muy poco control sobre el cómo se exportan los archivos.

Premisas buenas, pero poco exploradas

En mi opinión, el programa tiene premisas muy buenas. El agrupamiento de fotografías muy parecidas es una idea genial, pero falla en que aún no está pulido ni ampliado lo suficiente más que para ser un plugin de Lightroom, no un programa independiente.

Para quien no quiera dejar sus programas habituales, Lightroom o Capture One ya cuentan con herramientas como las Colecciones o los Álbumes que nos permiten organizar bastante eficientemente nuestras fotografías antes que usar un programa dedicado a este propósito.

Quien quiera probarlo puede hacerlo a través de su sitio oficial a través de una versión de prueba y quedárselo por 10 dólares al mes, 15 al trimestre o 40 al año.

Sitio Oficial | Picturesqe

Hoy en Xataka Foto hablamos con Omar Josef, reconocido retocador digital que ha conseguido trabajar en producciones de moda muy importantes y que ya tiene el rodaje de varios años trabajando a un nivel profesional alto. Con él hablaremos de la fotografía de moda, de cómo ha ido cambiando la forma de retocar y de cómo trabaja un profesional que busca la máxima eficiencia de su tiempo y esfuerzo.

Bienvenido de nuevo a Xataka Foto, Omar. Para empezar, me gustaría que contextualicemos el retoque digital hoy en día, ¿cómo se retoca hoy y qué diferencias encuentras a cómo retocabas hace unos años?

Hola. Encantado de hablar con vosotros. El retoque, desde el punto de vista técnico, no ha cambiado mucho en los últimos 10 años. Por ahora no ha habido ninguna novedad en el aspecto técnico de las herramientas que usamos como para que los métodos de retoque mejoren o cambien.

Efectivamente, las cámaras han mejorado bastante en cuando a su rendimiento en condiciones no optimas. Ahora son mucho más versátiles y las fotos son mucho más grandes. Esto nos da una enorme comodidad a la hora de trabajar para los diferentes medios, pero en el fondo, seguimos retocando igual porque el retoque, a partir de cierto nivel, es más algo artístico que técnico.

Desde el punto de vista artístico o fotográfico, puede ser que el retoque digital se haya estabilizado finalmente en una forma de trabajar mucho menos invasiva que en los principios de la era digital. Si antes el retoque era protagonista en muchos trabajos, ahora, el buen retoque es el que se mantiene invisible.

Hemos pasado de un retoque sintético y plasticoso de mediados de los 2000 a un retoque orgánico y natural, respetando mucho más a las modelos ¿Crees que viene dado por la presión social o es una decisión compartida entre los profesionales?

Puede que, indirectamente, la opinion general sobre la fotografía comercial actual haya afectado la manera con la que los profesionales de la fotografía nos planteamos nuestra forma de trabajar.

Si os fijáis, hay fotógrafos de renombre que nunca han abusado del retoque para cambiar el aspecto de sus imágenes, incluso durante esa época que se señala como la de la pieles plasticosas y el retoque excesivo. Yo creo que todo esto forma parte de la forma con la que un retocador madura en su profesión. Todos empezamos fijándonos en los aspectos del retoque más técnicos y que requieren más virtuosismo pero a medida que vamos estableciéndonos en nuestra profesión, empezamos a pensar más como fotógrafos, menos como técnicos digitales y buscamos un retoque más natural. Hablo principalmente de los retocadores de moda.

En relación a Photoshop y sus técnicas, ¿cómo has evolucionado en ese aspecto, retocas más ahora que antes? ¿que técnicas usabas que ya no usas?

La forma con la que trabajo no ha cambiado mucho. Es verdad, hice un tutorial sobre separación de frecuencias porque, durante ésa época, era un tema que se estaba tratando bastante en un conocido foro de fotografía. Como sólo había explicaciones en texto, yo hice un tutorial en video que hizo parecer que la separación de frecuencias fuera una técnica super importante. La verdad es que, para mi, nunca lo fue. En 500 imágenes, a lo mejor uso la separación de frecuencias una o dos veces, para planchar alguna tela o algún texturado que requiere limpieza sobre la baja, pero poco más.

La verdad es que si algo caracteriza a mi forma de trabajar es el orden y la simplicidad. Me gusta trabajar con ajustes puros y la menor cantidad de raster posible. En raster tengo una capa de fondo (la foto) y una capa de limpieza (sobre transparencia). Después de eso siempre tengo muchísimas capas de ajuste puras (curvas y tono-saturación) ordenadas en grupos que se corresponden con su finalidad (fondo, piel, correcciones, etc).

Si mantengo el flujo de trabajo lo más simple posible, la creatividad fluye sin que la técnica sea un obstáculo. Además, trabajar de forma simple y ordenada es la major manera de estar preparado para los cambios que puede pedir el cliente.

¿Te has acostumbrado a tu forma de retocar o aún intentas encontrar combinaciones y nuevas herramientas en Photoshop y Capture One para conseguir nuevos resultados? Con tu volumen de trabajo, ¿encuentras tiempo para experimentar nuevos resultados?

Estoy tan acostumbrado a mi forma de trabajar como un cocinero a sus cuchillos.

Mi método de trabajo no reduce el abanico de resultados posibles porque no es más que un método de organización bastante neutro. A veces se me ocurren métodos nuevos cuando no estoy delante de Photoshop, pero no van mas allá de formas de agilizar las entregas o de optimizar mis backups.

Como dije antes, trabajo con capas muy puras y sin plugins. Si algo me gusta, lo más probable es que se pueda hacer con un par de curvas. El secreto no está en la técnica, sino en lo que haces con esas curvas, cómo separas los diferentes elementos de una imagen o cómo haces que interaccionen. Por eso, si veo algo que me inspira, normalmente no encuentro un obstáculo técnico, sino que veo un set de decisiones creativas que a lo mejor no se me habían ocurrido.

Eso es parte de la cultura visual que absorbe un retocador a lo largo de su período de aprendizaje. Si al ver el trabajo de un retocador se reconoce una tendencia propia, no suele ser por diferencias técnicas, porque todos trabajamos de una forma muy similar, sino porque cada retocador suele levitar a los colores y acabados con los que más cómodo se siente.

Hablando sobre el retoque como una disciplina que requiere profesionales especializados para hacerlo bien, ¿existe en los fotógrafos españoles esta conciencia o es algo que se dá más en el extranjero?

En España no tenemos ningún problema con esto. Los retocadores somos retocadores y son muy pocos los fotógrafos que retocan sus propias fotos.

No son pocos los fotógrafos españoles que trabajan en “las grandes ligas”. Muchos de esos trabajos son producidos en España. Además, en España tenemos muchas empresas que venden sus marcas a nivel internacional, que comparten importancia con los más grandes y que realizan sus producciones en España con profesionales españoles.

Cuando llegas a trabajar a ese nivel internacional y te ves en la situación de compararlo con como se trabaja en España, la verdad es que no hay muchas diferencias en cuanto a la forma de trabajar y los roles de cada persona que participa en la producción. Donde si puede haber una diferencia es entre los diferentes niveles de producción.

Está claro que la forma de trabajar al hacer una campaña de una gran firma internacional no es la misma que cuando se hace el catálogo de la primera colección de una marca emergente. El presupuesto marca la diferencia simplemente por el tipo de producción que el cliente decide invertir. No es lo mismo que el fotógrafo tenga que producir todo con medios reducidos a poder contar con una agencia con experiencia, dedicada exclusivamente a la producción y con un presupuesto que permite contratar a gente para cada ingrediente de la producción.

En editorial hay más variedad entre producciones. Tanto aquí como en otros países, a veces una producción para editorial puede hacerse entre 3 personas y una cámara, cuando en otras ocasiones se montan producciones tan grandes como campañas publicitarias, con enormes equipos de gente viajando y cortando calles enteras para disparar.

Sabemos que tu empezaste a retocar de forma autodidacta, pero ¿existen actualmente escuelas especializadas para lograr un nivel profesional? ¿que consejos les darías a alguien que quiera ponerse a retocar en serio?

Si, yo fui completamente autodidacta porque el retoque era mi hobby mientras estudiaba otra cosa. En la época en la que yo me estaba formando, no había escuelas dedicadas exclusivamente al retoque. Normalmente el retocador era alguien que terminaba en esto por accidente, por haber estudiado algo medianamente relacionado o porque empezó trabajando desde abajo en alguno de los estudios de España en los que se hacía retoque desde los principios.

Ahora sí hay escuelas y cursos propios de retoque. Además hay toda una oferta de talleres organizados por fotógrafos que retocan sus propias fotos, que de vez en cuando abren las puertas de su estudio para que la gente conozca como retocan. En Madrid existe la escuela WorkshopExperience, que tiene una amplia oferta de formación fotográfica, dentro de la cual hay cursos dedicados al retoque fotográfico. Toda la gente involucrada en esos cursos son profesionales establecidos y la escuela además ofrece salidas laborales viables para sus alumnos.

¿Te consideras un retocador 'top'? ¿Te fijas en otros retocadores o tienes referentes para encontrar nuevas ideas?

Aunque en nuestro mundo destaquen dos o tres nombres de retocadores o de estudios que se han hecho famosos por haber hecho alguna campaña icónica, el mundo de los retocadores no es un generalmente un mundo de “tops” ni de estrellas como lo es el de los fotógrafos. Los retocadores estamos a la sombra en esta industria, al igual que la gente que se dedica al maquillaje o a la producción. Nos conocemos entre nosotros, claro, pero nuestros nombres no destacan como el de fotógrafos o estilistas importantes. Más que fijarme en nombres, me fijo en trabajos completos. Si me gusta la última campaña de la marca X, no me suelo fijar solamente en el retoque, porque eso sería ignorar todo el trabajo previo que ha permitido que el retocador disponga de oportunidades creativas.

En el fondo, cuando trabajas en equipo, eso de fijarse en los trabajos de otros, también es una actividad en equipo y cuando se elevan ciertos trabajos al nivel de inspiradores, cada parte del equipo asume una labor para llevar a cabo algo del mismo nivel.

Muchas gracias por tu tiempo Omar, ha sido un placer poder charlar contigo.

Muchas gracias a Xataka Foto y saludos a todos sus lectores.

En Xataka Foto | Retocando en blanco y negro una fotografía callejera

Sitio Oficial | Omar Josef

Hace no muchos días os traje unas recomendaciones sobre cómo mejorar el trato con vuestros/as modelos en una sesión fotográfica. Dentro de ellos, os comenté conceptos básicos como no dejar de hablar con los ellos, conseguir tener un trato de confianza con ellos, etc…

Hoy os traigo un vídeo de Mark Wallace en el que podréis ver, de una manera más ilustrada, parte de todos estos consejos que os comenté junto con algunos otros que también son importantes dentro de una sesión fotográfica. Temas como los contratos para la cesión de los derechos de imagen, o los temas a tratar antes de realizar las sesiones son vistos aquí (de una manera muy básica). Quizá a algunos que no estáis muy familiarizados con estos temas os pueda ayudar, e incluso a los que si lo estáis es posible que también; ya que alguna cosa siempre puede que se os escape.

Tened muy en cuenta que todos estos consejos siempre son nociones básicas y muy personales, por tanto puede que algunos de vosotros hagáis cosas diferentes o añadáis cosas a lo que aquí se expone, pero lo que si os puedo asegurar es que de esta forma es como se suele trabajar en casi todas las sesiones profesionales. Obviamente cada sesión fotográfica tendrá sus puntos diferentes o incluso sus puntos a tratar que pueda diferir. A pesar de ello, no dudéis que gran parte de realizar fotos a personas es saber tratarlas pues aunque muchos no lo creáis son la esencia de la fotografía, y no saber “llevar” a una persona en una sesión fotográfica es arruinar posiblemente todo lo trabajado.

Sitio Web | YouTube

En Xatakafoto | Consejos para mejorar el trato con los modelos

El día que elegimos estar detrás de una cámara siempre pensamos que era porque creativamente conseguíamos más detrás de ella que delante. Esta afirmación no está carente de razón (si es que lo sabéis de verdad claro) ,pero también puede que sea por desconocimiento de estar en la posición contraria…

Cuando fotografiamos, muchos de nosotros nos hemos dado cuenta que las personas que salen en nuestras fotos (y mientras no sean robados) siempre pierden toda esa naturalidad que vemos en ellas, la cual hace que queramos fotografiarlos. Es por ello, que os voy a dar unos consejos para intentar conseguir mejores tomas interactuando mejor con vuestro “modelo/s”. Todos estos conceptos se basan en uno muy general, conseguir la confianza de las personas retratadas.

Ser persona antes que fotógrafo

Cuando nosotros hablamos con la gente sin una cámara, la gente suele ser más receptiva. Hablar con ella de temas del día a día ayudan a que esa persona te empiece a ver por encima de todo como alguien “normal”, y no una persona que va a “entrar” en su mundo de una forma brusca y sin apenas tacto. Todo este primer contacto, ya sea en persona o no, puede ayudar mucho para la primera impresión. Yo siempre que realizo una sesión y no conozco a mis modelos, intento entablar conversación con ellos y hacerles ver que aunque la fotografía es mi mundo, hay vida más allá de ella.

Fotografía de oSKaR MG en nuestro grupo de Flickr

Nunca pares de hablar

Parece un consejo un tanto pedante, pero sobre todo para gente que no esta acostumbrada a que les hagan muchas fotos es una forma de mantenerles entretenidos y no darles tanto tiempo a pensar que están delante de una cámara. Cuando uno no realiza esto y sólo está preocupado del disparador, la persona que se encuentra en el otro lado empieza a ponerse nerviosa y a no saber que hacer, incluso llegando a no moverse y quedándose estática por el miedo escénico. Es por eso que muchas veces es bueno usar un disparador y un trípode cuando tienes bien pensada la toma

En los niños este punto es muy importante, pero no porque se queden quietos sino por todo lo contrario; ya que a los niños sino eres capaz de hacerlos entrar en un juego jamás conseguirás una buena serie de fotografías.

Nunca un “no me gusta”

Mientras hacemos fotos y vamos entablando conversación, las frases tipo “No lo estás haciendo bien” o “No me gusta nada” jamás deben salir a relucir, pues son frases que mermaran la confianza de la persona y, logicamente, no queremos que eso ocurra pues la persona a fotografiar puede arruinarnos toda la idea que tengamos de nuestra foto. Por tanto, egoistamente debemos saber motivar y esconder, de una buena forma, a todas las personas que vayamos a fotografiar las carencias del momento.

Una buena forma para realizarlo es animándola y no parar de fotografiar diciéndole frases como “Una más para tener donde elegir” o “No está nada mal pero prueba a…”. Obviamente todas estás frases son hipotéticas, y cada uno sabrá que decir o cómo enfocarlo.

Fotografía de tomasczurylo en nuestro grupo de Flickr

Mostrar los resultados

Este punto siempre puede ser lioso, pues cuando muchas veces le digo a la gente que debe enseñar sus fotografías a los modelos siempre hacen tres fotos y van directamente a ello. El caso es que nunca debe ser así. Siempre que menciono esto me refiero a que hay que mostrarles las fotos a la gente, si, pero cuando tengamos ya el resultado conseguido, o cuando unicamente queremos mostrarle que lo que está haciendo no nos vale. Esto nos servirá para dos cosas, motivar y dar más confianza.

Este punto hará acercarte más al modelo y salir de vez en cuando de tu espacio de trabajo y entrar un poco en el suyo; pero OJO jamás tomándose demasiadas confianzas, debes hacerles sentirse cercanos a ti pero sin generar incomodidad.

Contacto, el mínimo

Modelo y fotógrafo tienen cada uno su espacio de trabajo y siempre hay una línea infranqueable mientras se trabaja (a menos que haya mucha confianza si es un familiar etc…), y es por eso que todo eso hay que respetarlo. Cuando algo no te guste de lo que ves, como pueda ser la colocación, la ropa, el pelo etc…, siempre intenta que las personas indicadas para ello lo hagan, pues para eso es su trabajo. En caso de una pose específica antes de tocar, es siempre mejor intentar realizarla tú y que sea copiada.

My New Edge (Selfportraits) de Rodrigo Rivas

Ponerte delante de una cámara alguna vez

Esto es muy importante y se consiguen grandes cosas con ello. Que un día te hagan a ti unas cuantas fotografías de ejemplos y te dirijan es una buenísima pista para saber como se sienten las personas al otro lado de la cámara. Es el concepto de la empatía llevado a su lado más práctico, ya que te ayudará tanto a dirigir mejor, como a saber lo que puede molestar en esa situación.

Estas son unas pequeñas pistas para comenzar a conseguir mejores resultados. Lógicamente a partir de aquí empiezan a haber muchas más técnicas o consejos, pero es cierto que también depende mucho de con quien estemos tratando, pues por ejemplo los modelos profesionales saben muy bien como realizar su trabajo, aunque siempre agradecen este tipo de actitudes. A la gente a retratar que no está acostumbrada, puntos de partida como estos les vendrá más que bien para conseguir no “asustarse” ante tu cámara, y mucho más en estas fechas que se acercan, en las que las fotografías que hacemos se suelen multiplicar.

¡Ah!, y a perder la vergüenza.

Fotografía de portada | Beatriz Pérez

En Xatakafoto |

En la primera parte del punto sobre Selección/Organización, veíamos la importancia de una buena estructuración a la hora de realizar la descarga de imágenes y la elección sobre los diferentes programas para llevarla a cabo. En este segundo punto, continuamos con el proceso de Organización de lo descargado.

Organización

Una de las mejores maneras de realizar este punto es la organización de todas las fotos en función del día de trabajo, para posteriormente organizarlas en diferentes sesiones de trabajo, si es que hacemos muchas cada día. Otra buena opción, es organizar las fotografías en carpetas por cada sesión realizada (con el respectivo nombre de la sesión o proyecto).

Una postura muy buena también es organizar las sesiones por sus aplicaciones: Moda, Publicidad, Retrato... Todo esto a pesar de que en programas como Lightroom podamos etiquetarlas perfectamente con dichos tags, ya que muchas veces para hacer copias de Seguridad de los mismos, o cuando necesitemos dar el trabajo a los clientes nos será mucho más sencillo.

Como digo el proceso de Organización es muy personal, y sólo expongo algunas pistas de las que yo considero puede ser de ayuda, ya que hoy día hacemos una cantidad ingente de fotografías.

Selección y borrado

Llegamos a un momento en el que los gestores de imágenes hacen su principal función. Tras la descarga, uno de los principales intereses debería ser siempre el de una primera visualización o un primer vistazo a las fotos descargadas. En ese vistazo empezaran nuestros descartes.

Pero antes de que se produzca esto debemos elegir que camino seguir para realizar este visionado y posterior selección/etiquetado: elegir el programa adecuado según nuestras necesidades.

Como muchos sabéis el Adobe Lightroom es un potente programa que engloba todas las herramientas para un buen flujo de trabajo fotográfico, ya que tenemos todo en uno, desde la descarga/gestión de imágenes hasta la posterior edición. En él podemos gestionar todas nuestras fotografías en colecciones y/o albums, tan sólo diciéndole donde se encuentra cada fotografía en el disco duro sin necesidad de tener que juntarlas por carpetas.

Por ejemplo, supongamos que hemos descargados dos sesiones de moda, pero como pertenecen a diferentes medios (Elle y Marie Claire), no podemos juntarlas en una misma carpeta. Pues gracias al Adobe Lightroom podremos ponerlas tags o etiquetas a las fotos ya sea de una u otra sesión, para que con sólo pinchar en cada tag nos aparezcan dichas fotografías, estén en las carpetas del disco duro que estén, incluso aunque se encuentren en carpetas separadas.

También podemos usar el método de etiquetar por colores, y estrellas. Métodos, que quizá son útiles para cuando empezamos a seleccionar fotografías. Yo personalmente recomiendo una primera selección amplia de las tomas que nos gustan en un color, y posterior a estas tomas hacer una segunda selección mucho más pequeña con las tomas definitivas en otro. Todas las tomas que no han sido seleccionadas ni en la primera ni en la segunda selección, son tomas que deberían ser borradas para así no ocupar espacio en nuestro disco duro (que esto no significa borrarlas para siempre pues, como comenté en la primera parte, tenemos que haber hecho antes una copia de seguridad de todo anteriormente)

Este método de organización es muy rápido y cómodo, sobre todo para aquellas personas que tienen un cantidad muy alta de fotografías.

Comparativa de dos imágenes en Adobe Bridge

Tanto en un programa como en otro (y en cualquier gestor de imagenes), la comparación de tomas es más que importante, ya que nos ayudará en tomas muy similares a ver pequeños detalles que no podríamos apreciar si mirásemos una a una. Temas como el enfoque (y más si es muy critico) o la trepidación, son apreciaciones que se hacen poco perceptibles a la hora de seleccionar fotografías debido al siempre pequeño tamaño al que vemos dichos imágenes al seleccionarlas, al igual que un antes y un después.

Después de unos cuantos visionados, y agregarles tags y etiquetas, ya tendremos perfectamente seleccionadas las fotografías que se quedaran en nuestra Selección Final, y cuales podrán ser borradas.

Metadatos

Este punto lo expongo como el último, aunque más bien se puede usar en casi cualquier momento trás la descarga. Los metadatos son datos que van agregados a las fotografías. Estos datos incluyen información de gran valía como pueden ser: el autor de las mismas, la cámara con la que fueron disparadas, información técnica de cada toma o datos Exif (diafragma, obturación, equilibrio de blancos…), objetivo usado, espacio de color…

Generalmente este apartado no siempre es usado por mucha gente, pero se convierte en algo muy importante cuando necesitamos realizar tomas de un mismo proyecto en días diferentes, o incluso llevar implícito el programa con el que ha sido editada o modificada alguna imagen.

El revisar todos estos datos cuando tenemos que seguir un proyecto es de gran ayuda, ya que conseguiremos usar valores ya definidos en tomas anteriores (o al menos muy similares) que hagan que la homogeneidad pueda mantenerse. Tienen gran cantidad de usos, pero como toma de contacto a ellos en el proceso de selección y organización es suficiente con esto.

Como siempre, os recuerdo que todos los puntos de este Flujo de Trabajo son meras pistas y ayudas, cada persona puede tener el suyo y puede ser igual de válido. Es por ello que os animo, como en otros puntos ya tratados, a que nos comentéis vuestros métodos para que así los demás lectores puedan aprender de ellos.

Flujo de Trabajo| Rodrigo Rivas

Fotografías| Rodrigo Rivas

En Xatakafoto | Flujo de Trabajo: Selección/Organización (I)Especial Flujo de Trabajo

Seguimos avanzando en nuestro Especial Flujo de Trabajo, y tras las dos primeras entregas sobre pre-producción-producción, y el momento de la toma en esta tercera parte vamos un poquito más alla hasta llegar a la selección y/o visualización de las tomas. En este momento el trabajo ya es, prácticamente, un proceso de “laboratorio digital”.

La selección y organización del material realizado, es un apartado tremendamente importante si queremos ser unos fotógrafos ordenados y con una buena predisposición hacia nuestra fotografía. La verdad es que, este es uno de los puntos donde existe mucha variabilidad entre las fotógrafos; ya que la organización de unos, no es siempre compartida por otros. Aún así, aqui os voy a intentar exponer algunas de las opciones que hay, y profundizaré en dos por ser de las más usadas (Lightroom y Adobe Bridge).

Descarga de imágenes

Este punto es obviamente el primero y para nada opcional (a menos que tu flujo de trabajo se base en el formato analógico). En él, la información que hemos capturado en nuestra tarjeta de memoria la deberemos pasar a nuestro ordenador. Hay varias formas de realizarlo, dependiendo sobre todo del programa que utilicéis para gestionar vuestras imágenes; aunque una opción más pasa por la de no usar dicho programa y pasar directamente al programa de edición.

Pantalla de descarga de archivos en Windows

Los programas propios de cada marca son: Digital Photo Professional (Canon), Capture NX (Nikon), Photo Go (Sony) etc… dependiendo de cada marca tendremos uno

Los programas de gestión de imagenes externos a cada marca más usados hoy en día son: Adobe Bridge, Picasa, Adobe Lightroom, Aperture, ACDSee e iPhoto.

La gran diferencia existente entre unos y otros es más alta de los que muchos creen, pero para el tema de la descarga realizan las mismas funciones. El uso de los externos a cada marca se convierte en algo más útil por poder “leer” casi todos los archivos de imagen (incluidos RAW) de casi cualquier cámara, al contrario que ocurre con los primeros. Situación muy engorrosa si tenemos dos cámaras de marcas distintas.

A cotinuación os muestro una imagen de Adobe Bridge, y más en concreto la ventana de Obtener fotos de la cámara. A pesar de su nombre (mal traducido al castellano por cierto), es una opción que nos permite descargar imágenes desde cualquier dispositivo conectado al ordenador que contenga imágenes y/o vídeos. Como veis, en la columna de opciones de la derecha podemos renombrar nuestras fotos, e importarlas a la carpeta de destino que queramos; al igual que nos da la opción de convertir dichos archivos a DNG.

Vetana de Adobe Bridge – Obtener fotos de la cámara

Una de las ventajas que tenemos en este punto, es que podemos visualizar todas y cada una de las fotografías antes de su descarga, lo que hace que ya de primera mano podamos descartar algunas tomas que no necesitemos (por ejemplo tomas de prueba etc…), sin llegar a su descarga. Digamos que, en la propia descarga comienza el descarte de la selección.

Por último, procederemos a realizar una copia de seguridad de todo lo descargado en un medio diferente al que hemos hecho descarga. Por ejemplo, supongamos que hemos descargado el material en nuestro PC (caso más que lógico), en ese caso deberemos realizar una copia de seguridad en un medio externo a él (disco duro externo, RAID, DVD etc…).

Este punto es muy muy importante, y es que sobre todo si trabajamos con archivos RAW, es la prueba más fidedigna de poder dejar patente que esa foto es “tuya”, a pesar de los futuras ediciones.

Más adelante deberemos volver a realizar un backup después de la edición.

Todas estas opciones, como os dije, son temas muy personales, pero esta claro que si comenzamos con una descarga medianamente organizada y bien estructurada, a la hora de visualizarla nos será todavía más sencilla la elección y organización. Todos los demás softwares que os comenté tienen opciones muy similares a la hora de descargar/importar imágenes.

Hasta aquí esta primera parte de este punto del Flujo de Trabajo. En la siguiente parte continuaremos por la Organización, un punto bastante importante dentro de este proceso.

Flujo de Trabajo | Rodrigo Rivas

Fotografías | Rodrigo Rivas

En Xatakafoto | Especial Flujo de Trabajo

Como muchos de vosotros sabréis, el archivo RAW es un archivo que llamamos “negativo digital” por contener en él toda la información que recibe el sensor (en bruto). Posterior a esto nosotros mediante un proceso de revelado digital nos encargamos de ajustar parámetros, para dar a ese archivo las características propias de un archivo de imagen como tal (profundidad de color, espacios de color, extensión etc…)

Uno de los mitos que ha generado este archivo es del no ajustar cosas tan básicas e importantes como lo eran en la fotografía química, y es que la frase de “Ya lo ajusto luego en el RAW”, es cada vez más repetida. Uno de esos puntos que hemos dejado olvidados, por así decirlo, en la toma ha sido el famoso White Balance o Equilibrio de Blancos. Y es que, parece ser que el ajuste que realizamos al revelar nos hace “pasar olímpicamente” muchas veces de él.

Pues bien hoy os quiero dar un pequeño consejo o truco que sirve para exponer bien, y no es ni más ni menos que ajustar lo mejor posible el Equilibrio de Blancos. Este punto (que me demostró un gran compañero de profesión como es Hugo Rodriguez, el cual tuvimos el gusto de entrevistar hace poco) ya lo vimos en el Flujo de Trabajo que estoy realizando, pero no viene mal sacarlo de allí y hacerlo ver de manera independiente.

Pantalla de selección de WB en un modelo de Canon

Ya sabemos que, en digital el histograma es nuestra principal arma para saber si nuestra exposición ha sido la correcta, y es por eso que muchas veces nos fijamos en él para ver si hemos expuesto bien la toma. Este histograma aunque disparemos en RAW se basa siempre en una previsualización de dicho RAW, pero interpretado por la camara como si de un JPEG se tratara. Pues bien ¿qué ocurriría si ese histograma sufriera una variación por añadírsele dominantes de color a la escena? pues que estaríamos ante un histograma que nos estaría dando una exposición errónea. Bien, pues sabiendo que el Equilibrio de Blancos se realiza para neutralizar dominantes de color, y que los histogramas se componen de tres canales (Rojo, Verde y Azul), si no ajustamos bien esa dominante estaremos añadiendo información extra a los canales de color. Esto se resume en un engaño en nuestro histograma.

Muchos pensareis, bueno entonces yo ajusto el WB en revelado y después miro el histograma y lo ajusto. Pues bueno podría ser una solución, que no está exenta de algo de razón, pero el caso es que si hacemos esto, es posible que algunas fotos , y debido a la forma correcta de exponer en digital para conseguir mejor calidad (sobreexponer), nos “reviente” algún canal al revelar el RAW y no podamos recuperarlo después.

Modelo ColorChecker Passport con superficie para realizar WB personalizado

Así que por tanto, ya sea usando un WB personalizado (el más exacto de todos) mediante ColorChecker o superficie blanca (Lastolite, o similares), o mediante un WB preestablecido (lo más parecido a la situación de luz en la que nos encontremos), deberemos intentar ajustar lo mejor posible para conseguir una exposición más exacta y carente de problemas.

Como siempre este es un truco para mejorar la exposición que podéis usar o no, pero al menos si no lo hacéis, que sepáis que el Equilibrio de Blancos importa en la exposición a pesar de disparar en RAW, y por tanto que actuéis o no en consecuencia.

En unos días os pondré varios métodos para realizar el Equilibrio de Blancos personalizado, como algunos ejemplos de situaciones en las que elegir uno u otro ajuste de WB preestablecido debido a que muchos de vosotros me lo habéis pedido.

En Xatakafoto | Especial Flujo de Trabajo | Aprendiendo Adobe Camera Raw

Continuamos con la segunda parte de los trucos para realizar fotografías en una pasarela. En la primera parte del articulo nos quedamos en un punto importante, como usar la sensibilidad (ISO). Comenzamos esta segunda parte sobre el uso del Autofoco (AF)

También al final del articulo, os pondré un vídeo/trailer del documental Picture Me. Documental que refleja muy bien la vida de modelo de Sara Ziff, a modo de diario. En él podréis ver perfectamente el mundo de la moda en todas sus facetas, y en especial el mundo de la fotografía en ella. Fue galardonado en el Festival de Cine y Documental de Milán y es sin duda muy muy recomendable para todos aquellos que os gustes la fotografía de moda.

Fotografía de Iñaki Llopis en nuestro grupo de flickr

Fotografía de Aitor Agirregabiria en nuestro grupo de flickr

Mucha gente siempre que hablo sobre fotografía de eventos, me preguntan sobre la exposición correcta en estos momentos. Y la verdad es que es una buena pregunta. Pues bueno, mi consejo y el que creo que técnicamente nos soluciona mejor este problema, es el de la medición en spot sobre la zona de piel del sujeto (en este caso modelo) que reciba la intensidad de luz mayor. En caso de que veamos, que al medir en esa zona y al disparar perdemos gran cantidad de información de zonas como pueda ser la ropa, zapatos etc… será conveniente bajar entre medio y 1 punto la exposición. Recordad que estamos realizando fotografía de moda y la ropa es parte más que primordial, jamás podemos privar a la foto de información sobre ropa, accesorios, zapatos etc…

Fotografía de ILEXDOS en nuestro grupo de flickr

Una ventaja es que normalmente en cada desfile, la luz suele mantenerse casi siempre con las mismas condiciones, lo que significa que en cuanto tengamos la cámara con la exposición correcta, la tendremos para todo el desfile y será un aspecto menos en el que fijarnos.

Otros aspectos a tener en cuenta

Esto a priori son principios básicos de técnica pero pueden existir otros, ya sean individuales de cada uno como otros que puedan no estar aquí nombrados. De todos modos siempre hay otros aspectos, los cuales no tienen que ver con la técnica, que hay que mencionar.

Y bueno por supuesto, ni que decir que este trabajo requiere su propio flujo de trabajo al cual añadir otros puntos importantes que se dan en otro tipo de fotografía también. Podéis echarle un ojo a nuestro Especial Flujo de trabajo, para ver algunos pasos extra.

Y como lo prometido es deuda aquí os dejo con el video/trailer de Picture Me. Espero que os guste y os entre el gusanillo de verlo. Ya os adelanto que está muy bien. Que lo disfrutéis.

En Xatakafoto | Fotografía de pasarela… algunos trucos (I)

Fotografía de portada | Juan David