Quizá no sea un fotógrafo mundialmente famoso, pero si hablamos de maestros que han destacado por el tratamiento del color en la fotografía Pete Turner (1934 – 2017) debería esta en el podio. Por eso su fallecimiento, este 18 de septiembre en su casa de Nueva York, es una mala noticia para todos los que amamos este arte.

De Pete Turner ya os hablamos hace unos cuantos años, cuando os contábamos como este artista norteamericano ha influido notablemente en la historia de la fotografía gracias a su concepción del color y la composición. Lo cierto es que Turner tiene una carrera impresionante que se puede resumir en más de 300 premios y, sobre todo, unas imágenes muy potentes como podéis ver en el siguiente vídeo.

La pasión del color de este pionero comenzó en su infancia, cuando con 14 años empezó a experimentar con transparencias en color. Hablamos de los años 40, cuando este recurso se utilizaba casi exclusivamente con fines comerciales. Tras graduarse en el Instituto de Tecnología de Rochester en 1956, fue reclutado por el ejército donde trabajó en un laboratorio fotográfico militar en el que pudo conocer la última tecnología de entonces en película de color.

La revista Look publicó su primer trabajo en 1958 y, al año siguiente, empezó a trabajar para National Geographic quien le envió a África durante siete meses. Ahí comenzó su fascinación por el continente negro que se plasmó en muchas de sus fotos más famosas (como la imagen de una jirafa sobre un vibrante fondo color magenta y rojo). A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Turner abrazó el color con entusiasmo y aprovechó cualquier oportunidad para dominarlo, aprendiendo a manipular el matiz y la saturación en sus comienzos, para crear unas imágenes muy poderosas que se fueron volviendo cada vez más abstractas.

Ahora Pete Turner nos ha dejado, pero su obra permanecerá siempre como un legado imprescindible, con varios fotolibros e imágenes incluidas en la colección permanente de museos como el George Eastman y el Metropolitano de New York. Descanse en paz.

Pete Turner | Página web

En Xataka Foto | El color según Tino Soriano

Foto de portada | Pete Turner en el vídeo Pete Turner: Empowered By Color del George Eastman Museum

Si hace unas semanas os contábamos cómo se hizo 'Pepper nº 30', una de las imágenes icónicas de maestro Edward Weston, ahora os podemos mostrar el laboratorio en el que trabajaba uno de los grandes pioneros de la historia de la fotografía.

Se trata de un nuevo vídeo dedicado a Weston (gracias a la colaboración del nieto del fotógrafo Kim Weston con el periodista Marc Silber) que directamente nos mete en el laboratorio del maestro mezclando imágenes del presente y del pasado. Las más antiguas proceden de un antiguo documental y muestran al propio fotógrafo trabajando en su laboratorio, donde se ve cómo revelaba sus imágenes, y sobre el terreno, realizando las tomas con una cámara de gran formato.

Las del presente tienen formato de entrevista en donde el nieto de Weston muestra su laboratorio que se ha conservado tal y como lo dejó su abuelo y cuenta un poco más sobre cómo trabajaba, mostrando por ejemplo el proceso que realizaba para obtener las copias de sus fotografías por contacto. También cómo revelaba los negativos mediante un proceso que le llevaba una media hora, porque usaba un revelador muy lento que le permitía ir comprobando regularmente el progreso bajo una luz especial hasta que estuviera justo donde él quería.

El nieto de Weston también enseña la herramienta que utilizaba para retocar las imágenes (el “primer Photoshop” lo llama él) y el reloj de arena que usaba como cronómetro. Sin duda un vídeo muy interesante para todos los interesados en conocer un poco más sobre la historia de la fotografía y en particular de un maestro que se destacó por la búsqueda de la máxima nitidez y definición en sus fotografías.

Vía | DIYPhotography

En Xataka Foto | Edward Weston, fotografía en estado puro

Fotografías extraídas del vídeo 'Photography Secrets of Edward Weston's Darkroom'

David Hockney (1937) es uno de los grandes pintores de la actualidad. Es uno de los grandes innovadores del mundo de la pintura. Hoy en día reconoce sin tapujos que pinta con la ayuda de una tablet. En 2001 publicó "El conocimiento secreto: El redescubrimiento de las técnicas perdidas de los grandes maestros" donde demuestra que, a partir del siglo XV, los maestros pintaban con ayuda de la cámara oscura.

Es una teoría alocada, casi tanto como su aspecto pop. Y por ello desgraciadamente tenida muy poco en cuenta en los prestigiosos círculos académicos. Nada más publicarse el libro (y el documental homónimo) se reunieron 25 eruditos en Nueva York para debatir la interesante propuesta del pintor inglés. Y aunque tiene una base científica, y contó con el apoyo de Charles Falco (profesor universitario de de la Universidad de Arizona), pocas veces la verás reflejada en los libros.

No podemos olvidar que David Hockney es un hombre humanista, es decir, domina muchas manifestaciones artísticas, y entre ellas está la fotografía. Muchos recordamos sus joiners, esos collages fotográficos con la intención de dar una segunda oportunidad al cubismo picassiano con la ayuda de una Polaroid. Es un hombre que sabe y mucho de óptica y perspectiva fotográfica.

La teoría de David Hockney

No es fácil encontrar hoy en día el citado libro de este maestro. A lo mejor en las librerías de viejo, en las estanterías del fondo se encuentre algún ejemplar lleno de polvo. Yo lo vi en su momento, pero nunca lo compré, ni leí. Y me arrepiento. Sí he tenido la suerte de ver el documental. Y me consta que lo podemos encontrar buscando un poco por Internet.

Fotografía que aparece en la portada del libro

El conocimiento secreto no trata sólo de las técnicas perdidas de los grandes maestros. También trata del presente y del futuro. Nos habla de cómo vemos, arreglamos y construimos imágenes hoy en día en una época de manipulación informática. A través de una búsqueda constante, cuestionando las ideas y la práctica heredadas, y sin dar nada por supuesto, Hockney nos abre los ojos y nos hace ser conscientes de la manera en que percibimos y representamos el mundo.

La teoría de David Hockney es sencilla: Explica el ingenio de los maestros pintores desde el Siglo XIV y nos sitúa a nosotros, los fotógrafos, en un punto dulce. En cierta manera reconforta descubrir que desde Van Eyck, hasta llegar a Vermeer o Canaletto, todos se sirvieron de la óptica y la cámara oscura para crear sus obras inmortales.

Ellos no calcaban, como bien defiende el propio Hockney, pero tenían ayudas para la perspectiva y el detalle de sus increíbles e influyentes cuadros. La cámara oscura y otros artilugios eran meras herramientas para alcanzar la perfección. Os puedo prometer que hacer el famoso cuadro del Matrimonio Arnolfini es imposible por mucha cámara oscura que uses si no tienes la mano del maestro. Pero es verdad que facilita la labor a quien tenga el don.

Yo puedo tener las mismas zapatillas que Usain Bolt, e incluso tener los mismos estudios biomecánicos que él, pero jamás alcanzaría sus marcas. A esto me refiero. Esta teoría no supone desprestigio alguno, sino que explica cómo, a partir de 1450, los pintores del norte revolucionaron la técnica para mejorar su representación de la realidad.

¿Y qué tiene que ver esto con la fotografía?

Que los pintores utilizaran instrumentos ópticos para crear sus obras maestras demuestra que la historia de la pintura es la prehistoria de la fotografía. Ni más ni menos. Son lenguajes distintos, pero tienen la misma cuna. Siempre se dice que la bella historia de la caverna de Platón es la primera referencia a la fotografía. Pero si vemos con otros ojos los cuadros de los maestros renacentistas del norte de Europa, podemos decir sin vergüenza que ahí están los antepasados de los grandes retratistas del siglo XX como Richard Avedon o Irving Penn.

Retrato del matrimonio Arnolfini reproducido por Mario Solera

Y que la fotografía no data del Siglo XIX. Ya en el XV un creador de imágenes sintió la necesidad de reflejar con más precisión la realidad que le rodeaba. Como era incapaz de fijarla por medios químicos, empleó la pintura de su taller. Y esto lo conservó en secreto, como con la alquimia.

Pero esos autorretratos que llenan las paredes sagradas de los museos salieron de la mente de aquellos genios a través de una cámara oscura, el espacio negro que toda cámara que se precie tiene en su interior para formar una imagen perfecta de la realidad. Y es un hermanamiento entre la pintura y la fotografía.

En Xataka Foto| Siete maestros de la pintura para inspirarte en tus fotos

Foto de portada | Detalle del matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck

No es la primera vez que hablamos de este tema en Xataka Foto, pero la razón por la que me he animado a retomarlo, al margen de que, como es evidente, está de plena actualidad, es la preocupación que algunos de los fotógrafos profesionales que leéis este blog sentís ante la indiscutible popularización de la fotografía y el incremento del número de competidores.

Lo primero que me gustaría expresar es que comprendo este sentimiento. Estamos sumidos en un mundo en constante cambio, que, además, evoluciona a una velocidad que en ocasiones resulta difícil de asimilar. En estas circunstancias me parece de lo más humano que algunas personas sientan algún temor ante la que puede ser considerada una competencia a gran escala que hace muy poco no existía. Al menos, no con las dimensiones que tiene actualmente. Los comentarios, totalmente respetables, que algunos de vosotros nos habéis dejado en el blog no dejan lugar a dudas. Este recelo existe.

Sin embargo, estoy convencido de que las nuevas tecnologías en general, y los dispositivos móviles y las redes sociales en particular, no representan ninguna amenaza para los fotógrafos profesionales. En realidad, creo que se erigen como todo lo contrario: recursos que pueden ser aprovechados para prosperar y llegar a lugares impensables hace tan solo unos años.

Es bueno para la cultura fotográfica

La fotografía siempre ha contado con muchos aficionados, pero es evidente que en la actualidad la integración de cámaras en la mayor parte de los dispositivos que todos llevamos encima, como teléfonos móviles y reproductores de música portátil, ha provocado que muchas más personas se interesen por esta forma de expresión. En cualquier caso, no debemos perder de vista que la mayor parte de ellas se lo toman como una simple afición y no tienen más pretensiones que compartir sus instantáneas con sus familiares y amigos.

Sebastião Salgado ojeando su obra «Génesis»

Un beneficio muy claro de la repercusión social que está alcanzando la fotografía durante los últimos años no es otro que el desarrollo de la cultura asociada a la pasión que compartimos los editores y los lectores de este blog. El número de personas que asiste a exposiciones de fotografía, compra libros de esta temática, participa en concursos y sigue a los fotógrafos de referencia es cada vez mayor. Y esto es bueno. Muy bueno.

Conozco varias personas jóvenes que gracias a redes sociales como Instagram y servicios como Flickr han descubierto no solo que existe otra forma de tomar fotografías, sino también que este medio, si se utiliza correctamente, puede transformarse en una forma de expresión increíblemente valiosa. Ahora contemplan la fotografía desde una perspectiva mucho más seria, y han comenzado a interesarse por la obra de los fotógrafos profesionales a pesar de que ninguno de ellos se plantea, por el momento, transformar la fotografía en su profesión.

Aprovechemos las nuevas oportunidades

Todos los que nos tomamos la fotografía realmente en serio sabemos que para ser un fotógrafo profesional se requiere formación y dedicación. Y para ser de los mejores, además, hace falta una habilidad innata que no está al alcance de todo el mundo. Es exactamente lo mismo que sucede con otras formas de expresión artística.

Los fotógrafos profesionales tienen ahora la oportunidad de utilizar las redes sociales y los servicios de almacenamiento que nos ofrece Internet para mostrar su obra al mundo entero, algo que hace unos años era impensable. Incluso existen repositorios que nos permiten vender directamente nuestras fotografías con unas condiciones razonables. Estas oportunidades son fantásticas, y deben ser aprovechadas por los profesionales para afianzarse aún más en el mercado, tanto en el nacional, como, si lo desean, en el internacional.

Los mejores profesionales no solo saldrán adelante en este competitivo mercado, sino que, además, saldrán fortalecidos. No me cabe la menor duda. Pero para lograrlo es necesario no amedrentarse, seguir aprendiendo y encontrar la forma de sacar partido a las nuevas tecnologías. Si eres un fotógrafo profesional, desmárcate por la calidad de tus fotografías, defiéndela dándola a conocer, y te irá bien. Seguro.

En Xataka Foto | Ya puedes vender tus fotografías en Pixels.com con un control total sobre el precio

Foto de Tommy Oshima.

Continuando con la serie de 7 fotógrafos, hoy tengo el gusto de presentaros a 7 grandes talentos de la fotografía. Ya sea por el uso que hacen de las luces, la composición y sobre todo, porque sus fotos transmiten. Aunque también podrían clasificarse como artísticos.

Quizás sea complicado hacer una elección de este tipo, ya que siempre irá muy influenciado por los gustos. Pero lo que intento mostraros, son fotógrafos con fotografías diferentes, sin imitaciones (las cuales abundan en gran cantidad por flickr). Algo distinto y que nos dejen con buen sabor de boca.

Tampoco hablo de mostraros varios fotógrafos que tiene algunas fotos buenas, mientras que el resto podrían llegar a ser mediocres. Quiero enseñaros galerías que están repletas de belleza y buen gusto. Quizás no en su 100%, pero si en un 90%.

Tommy Oshima

Fotógrafo japonés que vive en Tokio. Su estilo es una mezcla de fotografía artística y callejera, con un toque conceptual. Suele usar muy a menudo el blanco y negro, o colores muy apagados.

Para realizar sus fotos suele usar una Hasseblad y en otras ocasiones una Leica o una Canon, combinadas con objetivos de gran calidad, y en muchos casos muy luminosos. Ya que también es muy habitual encontrar en su galería fotografías nocturnas con fantásticos bokeh.

Una gran mezcla de estilos, que lo han convertido en unos de mis preferidos.

Como curiosidad decir, que es poseedor de una lente noctilux. Un objetivo con una apertura de f/1.0 y que su precio se dispara a los 4000 euros.

Foto de Tommy Oshima. Esta fotografía me encanta.

Tomhoops

Sus fotos generalmente son en blanco y negro, con fuertes contrastes entre negros casi empastados y blancos que rozan el quemado.

Su principal preferencia a la hora de realizar fotos, son los retratos en primer plano, con rostros muy expresivo e impactantes. Aparte de que consigue unas imágenes que te atrapan y transmiten.

Como única pega, no suele subir fotos muy a menudo, y a veces es posible que estemos un mes sin encontrar nada nuevo en su galería. Aunque la espera, merecerá la pena.

También podéis ver algunos de sus trabajos en su fotoblog.

Bellakotak

Fotografía artística en todas sus facetas, con grandes dosis de irrealidad en algunas ocasiones y de inquietudes por otra.

La gusta combinar paisajes imaginarios, con la realidad de la naturaleza y las personas, pero que para nada desentona por el uso de software de edición.

Al igual que otros muchos artístas de flickr, ella suele ser el protagonista principal de sus fotos.

Por cierto, se llama Bella y es inglesa.

Foto de Tom Hoops.

Patrick Shaw

En su galería predominan los retratos con unos primeros planos muy cerrados, en blanco y negro, y con una gran expresividad.

En sus fotos utiliza tanto a hombres como mujeres como protagonistas principales, transmitiendo algunos casos una suave sensualidad.

Trans parent

Fotógrafo afincado en Kyoto, Japón.

Su estilo es una mezcla de fotografía artística y conceptual. Colores apagados, blancos y negros, y fuertes viñeteados, para conseguir recrear una atmósfera fria y en algunos casos desoladora.

Busca retratos frios, en lugares desérticos y en muchos casos acompañados de una luz muy tenue, que le da una mayor fuerza a la foto.

Contrastes muy duros en la mayoría de sus trabajos.

Crazy Ivory

En esta ocasión volvemos a Europa con un fotógrafo de Brandenburg, Alemania.

Fotografía en su mayor parte muy conceptual, pero que varía y juega con todo tipo de estilos, ya sea también con retratos o paisajes.

Colores de nuevo muy apagados, tendiendo a los colores de la fotografía lomo. También predominan las fotografías en horas en las que apenas hay luz, buscando crear una ambientación especial con las luces artificiales de la calle.

Trabaja con una Canon 400D y generalmente un objetivo 50mm. Y es evidente, que la calidad de la cámara no está reñida con la calidad que pueden mostrar tus fotos.

Foto de Crazy Ivory.

Siebe

Y para terminar nos desplazaremos muy poquitos kilómetros para llegar a Los Paises Bajos, en donde vive nuestro siguiente fotógrafo.

Trabaja con un equipo de gran calidad, como puede ser una Nikon D700 y objetivos fijos muy luminosos en todos sus casos. Principalmente porque una de las principales características de sus fotos, son los fantásticos bokeh.

También se hizo conocido en flickr por su serie de fotografías llamadas "splash", en las que muestra distintas tazas con café o te acompañadas por una galleta, en las que hace saltar el líquido por los aires para inmortalizar dicho momento.

Fotografía predominantemente artística, en la que sus principales protagonistas suelen ser objetos, en contra de lo que hemos estado viendo con los anteriores fotógrafos.

Una tonalidades que tienden hacia el estilo cross, modificando las curvas de los colores, consiguiendo unos colores en este caso más cálidos.

En Xataka Foto

• 7 Fotógrafos de Moda y Retratos en flickr
• 7 fotógrafos de paisajes en flickr
• 7 fotógrafos artísticos en flickr
• 7 fotógrafos de street en flickr
• 7 fotógrafos de bodas en flickr