'The Grand Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming' acaba de batir un nuevo récord dentro de la obra de Ansel Adams. Se ha vendido por 988.000 dólares en una subasta de Sotheby’s New York. Formaba parte de una colección que ha alcanzado un precio total de 6.400.000 dólares. La copia se caracteriza por su enorme tamaño mural (98.7x131.8 cm) y es una de las 10 que se conservan de semejante tamaño.

Ansel Adams es uno de los fotógrafos más grandes de la historia y la reciente venta de su obra le confirma como uno de los autores más importantes del siglo XX. Se puede hablar largo y tendido sobre su vida y obra, sobre cómo llegó a la fotografía a través de la música (se formó como pianista) y la relación que tiene la mística con su forma de ver la fotografía.

Pero hoy nos vamos a centrar en 'The Grand Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming', una de sus obras más importantes. Forma parte de la serie que le encargaron para decorar la nueva sede del Departamento de Interior de EEUU. Un proyecto que le sirvió para viajar por los parques nacionales de los EEUU a principios de los años 40 pero que se vio truncado por la entrada de su país en la II Guerra Mundial...

La historia de una fotografía única

Es una de las obras más conocidas de Ansel Adams, un fotógrafo que subía a las montañas y encontró a su propio dios cuando fue capaz de visualizar por primera vez una imagen en blanco y negro tal como la había soñado. Muchos dicen que su mayor contribución fue el sistema de zonas pero creo que el concepto de la visualización fue el mejor aporte de su dilatada carrera.

Reconocía la técnica como algo imprescindible para dominar el arte de la luz pero una y otra vez hablaba sobre la necesidad de saber mirar para conseguir un buen resultado. Gracias a este concepto, tan lejano para muchos fotógrafos actuales que solo miran la cámara, consiguió fotografías como la que tenemos ahora entre las manos.

El histograma es perfecto, con blancos y negros puros

Y rompe con una de las ideas que hoy circulan por los fotos y las redes sociales. Ya lo he comentado muchas veces, el falso concepto de la fotografía directa, de la fotografía tal cual sale de la cámara, del famoso #nofilter... Esas frases como 'yo no revelo la fotografía con Photoshop, la dejo tal cual sale de la cámara'...

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En el aniversario de Ansel Adams, el fótografo místico que hizo de la fotografía un arte

Ansel Adams pasaba horas en el laboratorio hasta conseguir la copia perfecta de un negativo único que había conseguido a través del uso de filtros y de distintas disoluciones. Una copia, al final, es ni más ni menos que una interpretación de la realidad, la famosa partitura de la que siempre hablaba.

Esta fotografía forma parte del trabajo que le encargó en 1941 el Servicio de Parques Nacionales para crear una colección para el edificio del Departamento de Interior en Washington, DC. El tema era la naturaleza de los Parques Nacionales de Estados Unidos. Pero la guerra acabó con el proyecto. Fueron dos años en los que realizó un total de 226 fotografías, algunas de ellas las más famosas de su corpus:

A mediados de la década de 1930, el Secretario del Interior Harold Ickes concibió la idea de encargar murales pintados para el edificio de la sede del departamento en Washington, DC. Impresionado por el trabajo de Adams, Ickes más tarde amplió el alcance del proyecto para incluir fotografías de tamaño mural y recomendó a Adams para el fotógrafo. Según Adams, en "Ansel Adams, una autobiografía", se le "nombró con el salario anual máximo permitido para cualquier puesto no sujeto a la aprobación del Congreso: 22 dólares y 22 centavos al día por un máximo de 180 días de trabajo al año, más 5 dólares de gastos diarios..." Adams comenzó sus viajes a los parques en octubre de 1941 y un año más tarde presentó los grabados de esta serie a Interior. Sin embargo, ninguna de las fotografías se reprodujo como murales ya que el proyecto se detuvo durante la Segunda Guerra Mundial y nunca se reanudó.

No fue un proyecto exento de polémica, porque el acuerdo al que se llegó es que las fotografías pertenecían a los EEUU pero él podía hacer fotos para su uso personal. Y ocurre que algunas de las fotografías de ese proyecto, como la famosa 'Moonrise over Hernandez', no tienen un dueño claro.

Podéis ver todas las fotografías del proyecto truncado en esta página. Muchas son muy conocidas pero otras seguro que os llamarán la atención. Solo es cuestión de aprovechar un día para verlas y aprender de verdad.

La imagen en sí no puede ser más sencilla. Como podemos ver en los buscadores de imagen el lugar es fácil de encontrar y lo que cambia todo es la luz, el momento en el que el fotógrafo estaba ahí. Él vio un momento, visualizó una sensación a la que dio forma con la exposición y el revelado. Ni mucho menos es algo espontáneo.

Cómo se reveló la fotografía

Dentro del universo de Ansel Adams es fundamental comprender su trabajo en el laboratorio. Él no quería sacar la realidad tal cual la veía, él quería conseguir la mejor interpretación posible. Y después de analizar el encuadre, que en este caso es muy sencillo, era capaz de ver los valores que quería en cada espacio de la imagen para dar su visión. Y todo gracias al sistema de zonas que desarrolló después de tener una visión... Se puede decir, sin miedo a equivocarse que estamos ante un místico, con todo lo que representa.

El río recibe la luz del sol y nos lleva, gracias a sus sinuosas curvas que nos recuerdan al movimiento de la serpiente, hasta las montañas nevadas del fondo y al cielo de la tormenta que se avecina. No tiene más, tan solo una luz que él mismo reconoció que era bastante plana. El revelado que hizo es el ejemplo perfecto de cómo cambian las cosas cuando sabes utilizar todas las herramientas que tienes a tu alcance.

Lo que más me llama la atención de esta fotografía es que no está incluida en su libro 'The Making Of 40 Photographs'. Pero sí que podemos encontrar cómo la reveló (al menos una de las versiones) en su libro 'La copia':

Este era un motivo bastante gris visualmente, aunque emocionalmente era dramático y poderoso y visualice una imagen muy fuerte. El bosque central se situó en la zona III y las áreas de la izquierda cayeron sobre la zona II. las nubes más luminosas cayeron sobre la zona VII y el agua más brillante sobre la zona VIII. Dando un revelado N+2 en D23, el negativo contiene una información adecuada, aunque es preciso un control considerable de copiado para alcanzar el efecto deseado. Hice una pequeña reserva en las áreas oscuras de la mitad inferior de la imagen y en el cielo en el extremo izquierdo. Luego quemé, aplicando varias pasadas arriba y abajo con una cartulina, desde justo debajo de la base de los picos hasta el extremo superior durante la mitad de la exposición básica. Posteriormente apliqué un quemado adicional al cielo doblando la cartulina durante la mitad de la exposición básica, y la misma cantidad para la esquina superior izquierda. Por último, di aproximadamente la mitad de la exposición básica al área luminosa de la izquierda de los picos altos. Es difícil conseguir que todos los valores sigan siendo lógicos. Es importante insistir una vez más en que la escala tonal de densidades se controla mediante la exposición y el revelado del negativo, pero las áreas comprendidas dentro de las diferentes partes de la fotografía puede que no tengan la gama óptima de densidad (contraste local) para lograr el efecto deseado. De ahí la necesidad de aplicar los controles de quemado y reserva. La fotografía se realizó con una cámara de placas de 20x25 con objetivo Cooke Series XV de 12/14 pulgadas (311 mm) y filtro K2. Utilicé película Isopan ajustada a 64 ISO y le di un revelado N+2.

Seguro que muchos no entenderéis qué es lo que quieren decir muchas de las cosas que podemos leer en este texto. Se centra en la técnica, en el mundo del cuarto oscuro donde tantas cosas se podían hacer gastando tiempo y papel... es un compendio del trabajo con el sistema de zonas, con el que podemos colocar todas las densidades, toda la luminosidad de la realidad exactamente donde queramos.

Hay que leer un negativo, o en la actualidad un RAW, para decidir qué es lo que necesita para dirigir la mirada del espectador. En las clases mis alumnos se sienten totalmente perdidos cuando empieza este tema, pero después de las prácticas lo consiguen. Y es increíble ver cómo cambian sus trabajos antes y después del curso.

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Toda una lección para los que queremos saber cómo se hacen las cosas bien. Es una pena que no podamos ver el negativo para ver el alcance y calidad que tiene el positivo. Eso sí, una copia directa seguro que no tiene nada que ver con lo que todos conocemos. La fotografía no consiste en presumir de cámara o de técnica sino en ser capaces de tener un estilo propio y sobre todo tener algo que decir.

El 20 de febrero de 1902 nació Ansel Adams, uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. Hoy tendría 118 años. La fotografía de paisaje, el blanco y negro y la docencia no serían igual hoy en día sin su trabajo. Todos los fotógrafos que empezamos cargando carretes le debemos un reconocimiento. Y seguro que todos los nativos digitales también.

El trabajo de Ansel Adams es inolvidable. Podría decirse que estamos ante el fotógrafo místico por excelencia. Si la fotografía fuera una religión (esperemos que nunca pase) él sería uno de los santos más importantes y tendría varias iglesias llenas de plata y ampliadoras a su nombre.

En uno de los numerosos documentales, como el que podemos ver más abajo, cuenta que todo su trabajo fue fruto de una visión en la montaña. Allí, en las cumbres vio por primera vez como sería su obra. Allí, en lo alto de la montaña, en pleno contacto con la naturaleza -una de las pasiones del gran pianista (sí, también era músico)- empezó a ver el sistema de zonas, una de las técnicas más importantes de la fotografía.

Vio los negros y los blancos. Y todos los matices del gris. Sus fotografías, y la de sus alumnos, cambiaron para siempre. No es momento de contar cómo es el sistema de zonas, si tiene sentido volcarlo al mundo digital. Hoy es día para recordar su forma de ver.

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Las fotografías de Ansel Adams

No recuerdo cuándo fue la primera vez que oí hablar de Ansel Adams. Probablemente fue gracias a un libro que me regalaron mis padres sobre los grandes fotógrafos. Luego en las clases de mi maestro Vicente López Tofiño aprendimos el sistema de zonas... Todavía recuerdo el proyecto que hice... 'Cena en familia'.

Ansel Adams

Él cambió la técnica fotográfica por completo. Su trabajo fue una revolución similar a lo que ha supuesto la fotografía digital. Y creo que no exagero. Cuando tienes la suerte de ver una copia original de Ansel Adams, de cualquiera de sus fotografías, sientes que estás ahí dentro.

Ves todo con sumo detalle. Te crees lo que ves. Y puede que no haya nada más subjetivo en la fotografía de paisaje. Todo, absolutamente todo, es una visión interior. En sus fotografías nada es verdad. Quizás es el fotógrafo más subjetivo en la búsqueda del mayor realismo posible. Parece una paradoja pero no lo es.

El trabajo de cada uno de sus negativos es extenuante. No os podéis imaginar el número de reservas y quemados que tienen... Para los que no me entiendan, el número de capas de ajuste que tienen sus imágenes pueden superar al de cualquier fotógrafo fine art de la más rabiosa actualidad.

Pero al contrario de lo que pasa con muchos fotógrafos actuales, sus blancos y negros no son fruto de distintas imágenes superpuestas, con distintos diafragmas y exposiciones. Todo es trabajo del laboratorio a partir de un único negativo. Es la única diferencia.

La fuerza de Ansel Adams

La fotografía no sería igual si él no hubiera tenido esa visión. Los parques nacionales serían un mero sueño en la actualidad. El blanco y negro se limitaría a un juego de contrastes extremos donde los grises no tendrían cabida. Y probablemente solo los pictorialistas puros tendrían cabida en el mundo de la fotografía de naturaleza.

Ansel Adams fue ante todo un profesor, autor de los libros de divulgación de técnica fotográfica más importantes del siglo XX. Ahí está la famosa trilogía de la que hemos hablado y oído tantas veces: 'La cámara', 'El negativo' y 'El positivo'.

Ansel Adams

Tan importantes que todavía hoy son de obligada lectura si queremos saber de qué trata esto de la fotografía. Allí, en las últimas páginas, si no recuerdo mal, habla de un invento que revolucionará todo y que él no podrá llegar a conocer. Fue de los primeros que habló de la fotografía digital...

Cada uno tiene que reconocer la deuda que tiene con él. Sentarse delante de cualquiera de sus fotografías en una exposición, en un libro o delante de la pantalla y reconocer parte de su estilo.

Yo cambié mi fotografía en blanco y negro cuando me dí cuenta de que una buena copia es aquella que tiene al menos un blanco y un negro unidos por una inmensa gama de grises dominados por la luz. Otros fotógrafos aprecian un buen revelado de principio a fin. Y algunos dan una importancia sin igual a la calidad del papel.

Ansel Adams, como un buen hacedor de obras y un predicador único del buen hacer de la luz, hizo la biblia de la fotografía química. Es el antiguo testamento hoy en día. Pero imprescindible para entender el nuevo que estamos esperando todavía...

Si los más jóvenes del lugar no lo conocéis todavía, os recomiendo que os convirtáis. Supo ver como nadie la realidad para llevarla a su terreno. No se quedó en lo que descubrió en su primeros tiempos sino que se empeñó en evolucionar hasta conseguir la excelencia.

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Así es el poco ortodoxo pero efectivo revelado del fotógrafo Derek Forss con Lightroom

Contemplar un positivo salido de sus manos es una experiencia única. Nada que ver con verlas en una pantalla o en uno de los libros autorizados. Y todos deberíamos quedarnos con eso. El deseo de hacer las cosas bien de principio a fin. Aprender todo tan bien que nos olvidemos de una vez por todas de la técnica y nos quedemos solo con el mirar.

Gracias a la metadata que queda incrustada en nuestras fotografías, es posible saber las condiciones en las que tomamos nuestras fotografías a nivel de exposición, localización y fecha. Es algo que en la época de la fotografía de película solo era posible con las anotaciones del fotógrafo en un diario del rollo capturado.

Ansel Adams era muy organizado en describir los aspectos técnicos con los que hacía cada toma (exposición, filtros, película y demás), pero, al igual que muchos fotógrafos clásicos, ninguna de esas tomas tenía fecha de toma. Esto lleva al usual pie de foto “Tomado alrededor de…”.

La fotografía que se buscaba determinar.

Como reporta Mental Floss, gracias al trabajo de un astrónomo, una de las fotografías del maestro de la exposición pudo ser fechada, con hora incluída. ‘Denali and Wonder Lake’, capturada en el parque nacional de Denali, en Alaska, es una fotografía que se sabía fue capturada a finales de los años cuarenta, pero que estaba encapsulada en un misterio temporal que generaba debates entre historiadores.

La luna que permitió llegar a la clave de la toma.

Sin embargo, el astrónomo Donald Olson y su estudiante asistente Ava Pope, de la universidad estatal de Texas, utilizaron la fotografía y otra tomada previamente donde se veía la luna para poder determinar la fecha exacta de la toma. Para ello ubicaron las posibles posiciones de toma de Adams, analizaron el tipo de luna que estaba en la fotografía tomada anteriormente y la topografía del paisaje en un programa de computador creado por ellos.

El resultado fue encontrar que la foto de la luna fue tomada el 14 de julio de 1948 a las 8:28. Y la fotografía del lago fue tomada la mañana siguiente, a las 3:42 a.m. el 15 de julio de 1948.

Así que ya sabéis, si disparáis película tratad de tener un diario con las fechas, para evitarle tantos problemas a los fotógrafos e historiadores del futuro.

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Se ha escrito mucho sobre el blanco y negro. Desde la irrupción del mundo digital ha sufrido una serie de altibajos por culpa precisamente de la tecnología. Pero con el paso del tiempo muchos hemos vuelto a sus brazos al descubrir una serie de técnicas y materiales que permiten una calidad superior a la clásica película y los papeles baritados virados. La clave de todo es descubrir cómo debería ser un buen blanco y negro.

Las respuestas son muchas. Y siempre que se puedan justificar son todas válidas. Hay muchas tendencias, desde los que aman configurar el jpeg de su cámara para sacar directamente esa escala de grises reducida, hasta los que siguen los preceptos de Vincent Versace. Y los que no se olvidan de las máximas de Ansel Adams, el padre putativo del sistema de zonas.

¿Por qué en blanco y negro?

Esta es la primera pregunta que nos deberíamos hacer antes de enfrentarnos a la técnica. ¿Por qué queremos hacer un blanco y negro? Mucha gente lo hace por motivos artísticos, que era lo que hacían los maestros, que queda mejor colgado en la pared, que es más fácil... Los grandes maestros trabajaban en blanco y negro porque era más barato, con un procesado más sencillo (se podía hacer en el maletero de un coche o en el cuarto de baño de la pensión) y porque los sistemas de color eran muy poco estables. No le deis más vueltas, en serio. El blanco y negro triunfo por esos motivos. Si el color hubiera sido más económico en los orígenes de la historia fotográfica el blanco y negro sería una anécdota.

Original en color

¿Quiere decir que el blanco y negro no tiene valor? En absoluto. Creo que es una rama muy importante de ese árbol que es la fotografía. Nos permite fijarnos en la forma. Es un haiku fotográfico, una forma perfecta de quedarnos con la esencia de las cosas y librarnos de algo tan psicológico como el color. Salvo que seas tan barroco como Sebastiao Salgado.

El color despista y se lleva toda la atención. Intenta hacer una buena fotografía en color en la que encontremos un rojo en el fondo de la imagen y no despiste al espectador. En blanco y negro no pasa nada de esto. Tienes que estar pendiente de las luces y las sombras. Y te puedes olvidar de todo lo demás. No quiero decir que sea fácil, desde luego. Pero es más sencillo que el color.

Un maestro del blanco y negro, de la fotografía documental, jamás pudo destacar cuando trabajo en color. Robert Capa lo intentó, pues además le pagaban más en las revistas, pero pocas veces lo consiguió. Sin embargo, su blanco y negro, tan sencillo y directo, siempre nos hace soñar. Y eso que no destacaba especialmente por su trabajo en el laboratorio.

¿En qué hay que fijarse para hacer un buen blanco y negro?

Hace poco hemos leído un artículo de Mike Johnston, en el que el autor reflexiona sobre cuál es la tonalidad adecuada para lograr un buen blanco y negro. Y dice algo que me gusta mucho:

No soy un experto en las muchas maneras de hacer conversiones en blanco y negro, y no me importa cómo lo hagas. Lo que me interesa es el por qué, no el cómo.

Una buena fotografía en blanco y negro no debe salir de ninguna regla escrita. Tiene que salir de dentro y siempre se tiene que justificar sin palabras. Solo con la pura contemplación del espectador. Él es nuestro juez, el que va a decidir si le gusta o no. Yo, por ejemplo, defenderé siempre que una buena fotografía en blanco y negro debe tener al menos un blanco y un negro puros, con una buena representación de grises. Me da igual que sea clara u oscura. Solo le pido una buena escala tonal, que el histograma parta de los negros puros y roce el blanco absoluto.

Fotografía con el histograma perfecto según los cánones

Y tener claro que hay decenas de técnicas. Y que tenemos que encontrar la que se ajuste a nuestro estilo personal. Hay que actuar con cabeza siempre frente al ordenador. De nada me sirve conocer todos los vericuetos de Silver Efex Pro si no tenemos nada que decir. O utilizar la famosa acción de Greg Gorman, o el proceso de Michael Freeman, si no nos hemos esforzado en el momento del disparo.

El blanco y negro más sencillo (y aburrido que se puede hacer)

El blanco y negro es ni más ni menos que una forma de pensar y actuar en el frente fotográfico. Nuestra misión como fotógrafos es encontrar el camino más sencillo para lograr plasmar una emoción tan artificial como una impresión en escala de grises y que la gente lo tome como cierto.

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Tras la Segunda Guerra Mundial, la Escuela de Bellas Artes de California (CSFA) contrató al reconocido fotógrafo Ansel Adams para fundar uno de los primeros Departamentos de Fotografía de nivel universitario de los EEUU. Así, esta escuela de San Francisco se convirtió en una de las más vanguardistas de su tiempo donde se formó toda una generación de fotógrafos tal y como recoge el volumen ‘The Golden Decade – Photography at the California School of Fine Arts 1945-55’.

Durante esta década los jóvenes que formaron la primera generación de la CSFA de San Francisco aprendieron de la mano del maestro Adams y un cuadro de profesores y colaboradores de altísimo nivel dirigidos por Douglas McAgy. Así, artistas de la talla de Edward Weston, Dorothea Lange, Imogen Cunningham, Lisette Model y Beaumont Newhall enseñaron a los jóvenes asignaturas como el sistema de zonas (como no podía ser menos) o la filosofía del paisaje.

"La década dorada”

Tres de los estudiantes que pasaron por allí, William Heick, Ira H. Latour y C. Cameron Macauley, que más tarde serían conocidos como "Los tres mosqueteros", tuvieron la idea de realizar un libro que se centrará en el trabajo de la escuela entre los años 1945 y 1955, el período que se conoce “La década dorada”. Su idea pudo materializarse gracias a que coincidieron con Ken Ball y su esposa Victoria Whyte, cuyo padre (Don Whyte) había conservado una gran cantidad de negativos y copias de sus años de estudiante en la CSFA.

“Hats”, Seattle, WA 1951. Foto de William Heick, CSFA 1946-49. Collection of William Heick

Gracias a todo el material que todos juntos lograron reunir lograron realizar este libro que supone un viaje hacia el pasado de la fotografía a través de la obra de 32 artistas, exalumnos del centro. Además, el volumen también recoge diversos ensayos que versan acerca de la importancia que adquirió una escuela que contribuyó a que el arte fotográfico adquiriera la consideración de tal.

El libro (28 x 28 cm y tapa dura) ha sido editado por la editorial alemana Steidl y contiene casi 400 fotos a lo largo de sus 416 páginas. Se puede adquirir directamente en la web de la editora (58 euros con gastos de envío incluidos) o a través de Amazon.

Más información | Steidl

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Foto de portada | "Halprin/ Lathrop dancers”, San Francisco, CA 1953. Gerald Ratto, CSFA 1950-53. Collection of Gerarld and Marla Ratto

El George Eastman Museum es el museo más antiguo del mundo dedicado a la recopilación de las fotografías químicas de grandes fotógrafos y artistas, con más de 250.000 ítems listados. Ahora, abre sus puertas a todo el mundo al inaugurar una web que trae todos estos trabajos debidamente fotografiados para el disfrute de cualquiera que se interese en navegar por su inmenso catálogo. Entre otros, encontramos trabajos de Andy Warchol, Ansel Adams, el pionero de la fotografía de naturaleza William Henry Jackson o del científico Eadweard J. Muybridge.

El museo fotográfico más antiguo del mundo es el George Eastman Museum y se encuentra ubicado en Rochester, Nueva York, en la misma casa donde nació el fundador de Kodak y que consiguió la distinción de National Historic Landmark en 1966. Ahora, tras la digitalización de parte de este inmenso archivo de más de 250.000 piezas de numerosos autores, el museo abre sus puertas a todos los internautas para ofrecer de forma gratuíta algunos trabajos de los mejores fotógrafos y artistas de todos los tiempos.

Entre su generoso catálogo, encontramos trabajos de Ansel Adams como el que podemos apreciar en la portada, del artista creador del movimiento pop Andy Warhol, del pionero fotógrafo de naturaleza William Henry Jackson o las míticas secuencias a alta velocidad del estudioso de la alta velocidad Eadweard J. Muybridge. Un legado valiosísimo que aunque no está completo al 100%, es imposible que nos perdamos y que llega a nuestras pantallas de forma gratuíta.

Sitio Oficial | George Eastman Museum

Por primera vez en la historia, el 27 de octubre va a subastarse en Heritage Auctions una cámara de Ansel Adams, concretamente un kit que contiene una Arca-Swiss 4x5 pulgadas junto a tres objetivos, un trípode, una funda y multitud de accesorios. La puja inicial se ha situado en 35.000 dólares y se espera que llegue hasta los 70.000 e incluso 100.000 dólares.

La casa de subastas Heritage Auctions va a subastar por primera vez una cámara de placas de Ansel Adams. El modelo es una Arca-Swiss de 4x5 pulgadas que Ansel Adams le regaló a Liliane de Cock, su asistenta fotográfica. Ahora, el 27 de octubre esta reliquia de uno de los fotógrafos más legendarios de la historia se subastará con una puja inicial de 35.000 dólares, esperándose alcanzar las seis cifras en el mejor de los casos.

El ítem de la subasta se compone de un kit con una maleta con la cámara, tres objetivos, un trípode, una funda y multitud de accesorios. Esta subasta tiene una especial importancia por ser la primera de estas características, esperándose llegar a una jugosísima cifra de venta. Entre las fotografías que esta cámara ha tomado se encuentra la instantánea "Arches, North Court, Mission San Xavier Del Bac” realizada por Adams en 1968.

Sitio Oficial | Heritage Auctions

Todo empezó en 1976 cuando participaba como profesor en el taller de fotografía del mismísimo Ansel Adams en el Parque nacional de Yellowstone. Mientras que sus alumnos se afanaban por imitar al maestro haciendo fotos de aquel impresionante paisaje, Roger Minick se fijó en las ingentes cantidades de turistas que iban llegando y los retrató convirtiéndoles en protagonistas de un proyecto que acabó llamando "Sightseers".

Roger Minick (Oklahoma, 1944) es un fotógrafo norteamericano que ha dedicado media vida a retratar aquel vasto país. Sus imágenes están incluidas en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno, el Metropolitan Museum of Art, el J Paul Getty Museum, la George Eastman House, y The Smithsonian. Por tanto cuenta con una larga trayectoria y muchos proyectos muy interesantes (que pueden verse en su web y en diversos libros disponibles en Blurb), pero nos ha llamado la atención sus fotos de turistas por aquello de que se salen de la norma.

Tío y sobrino en el Sunset Point del parque nacional Bryce Canyon

El propio Roger nos cuenta como él mismo había mirado con desdén a estos personajes y como nunca los había considerado un "sujeto" a fotografiar. Sin embargo, durante los días que duró aquel taller, Minick empezó a fijarse e ellos y a sentir que estaba siendo testigo de algo que iba más allá, de algo exclusivamente estadounidense que él mismo denominó como Sightseer Americanus (“turista americanus”).

De viaje para fotografiar a los turistas

Tres años más tarde, Minick dedició embarcarse con su esposa en un viaje en autocaravana por todo el oeste de los Estados Unidos (años después incluiría también otras zonas) con el único propósito de fotografiar a los turistas que encontraban. Así lo hizo durante el 80 y el 81 y entre medias hubo un momento crucial: cuando se dio cuenta de que debía dejar de lado el blanco y negro (que era su medio habitual hasta ese momento) y apostar por el color para que la ironía y el humor que había visto en los vivos colores de la vestimenta de los turistas, en contraposición con el paisaje, pudiera apreciarse en todo su esplendor.

Mujer con pañuelo en el Inspiration Point del parque nacional de Yosemite

Armado con una cámara de formato medio con flash (como luz de relleno para las fotos al mediodía y como una forma de dar un toque irreal a las fotos) y con una Polaroid, se pasó horas observando a los turistas y fotografiando a aquellos que más le llamaban la atención por algún motivo. Por supuesto, les pedía permiso explicando que su esposa y él estaban viajando por todo el país visitando los principales destinos turísticos. La idea de su proyecto es que tuviera un valor cultural y que fuera visto en el futuro como una especie de cápsula del tiempo de lo que los estadounidenses parecían a finales del siglo XX.

Y desde luego que logró su propósito porque sin duda estas imágenes brillantes y llamativas, con una ambientación muy especial, son una especie de tratado de qué es lo que motiva a tanta gente, cientos de miles de personas, a gastar gran cantidad de tiempo, dinero y esfuerzo en visitar lugares lejanos. Os dejamos con más sugerentes imágenes.

Menonitas en las cataratas del Niágara (NY)

Mujer con sueter rojo en el parque nacional de Yosemite

Llegada de barcos en el área del Golden Gate

Pareja con chubasquero en el lado canadiense de las Cataratas del Niágara

La estatua de la libertad (NY)

Pareja en el parque nacional Canyonlands

Padre e hijo en el parque nacional Yosemite

Pareja con idénticas camisetas en el puente de Brooklyn (NY)

Una familia en el parque nacional Grand Tetons

Una familia en el Kennedy Space Center de Cabo Cañaveral

Una familia en el Midway Geyser Basin del parque nacional Yellowstone

Mujer con prismáticos en el mirador sur del parque nacional Grand Canyon

Pareja besándose en lo alto del Empire State Building (NY)

Niñas vestidas de rosa en el Sunset Point del parque nacional Bryce Canyon

Familia en el Monte Rushmore

"Hombre bandera" en el Mall de Washington DC

Hombre de camisa roja con su familia en el mirador sur del parque nacional Grand Canyon

Gemelas vestidas con la misma ropa en el parque nacional de Yellowstone

Turistas en el ferry hacia la isla de la estatua de la libertad (NY)

Turista con camisa hawaiana en el Sunrise Point del parque nacional Bryce Canyon

Foto de portada: Turista en el Glacier Point del parque nacional Yosemite.

Fotos de Roger Minick publicadas con su permiso para este artículo

Casi todos los grandes trabajos tienen una gran historia detrás y esta no iba a ser menos, un trabajo inconcluso, una guerra, muchos parques nacionales de Estados Unidos y Ansel Adams son los ingredientes de nuestra historia.

En 1941, el Servicio de Parques Nacionales le encargó a Adams fotos para crear un mural para el Edificio del departamento de Interior en Washington DC. Aunque hacía un par de años que había empezado la II Guerra Mundial, ese año Japón atacó a Estados Unidos, lo que hizo que el proyecto se detuviera y ya nunca se reanudó de nuevo. Para entonces Adams ya había hecho y seleccionado 226 fotografías.

Pero Adams ya era un enamorado de los Parques Nacionales y muchas de esas fotografías son anteriores a 1941, comenzó a interesarse en visitarlos cuando leyó "En el corazón de las Sierras", de James Hutchings, un inmigrante inglés que, tras perder toda la fortuna que había ganado con la minería por una quiebra bancaria, decidió explotar el Parque de Yosemite y hacerlo un lugar turístico. Se convirtió en uno de los primeros colonos del Valle.

La única fotografía de Yosemite fue un regalo de Adams al jefe del Servicio de Parques, Horace Albright, en 1933:

El cancelado proyecto había llevado a Adams a viajar por más de una decena de Parques Nacionales, como

El Gran Cañón

"Gran Cañón del S (l sur). Lamer, 1941," panorama vertical con barranco sombrío.

Gran Teton

"Grand Teton," vista desde el valle del río hacia las montañas nevadas, el río en primer plano, de izquierda a derecha.

Cañón Kings

"Lago Rac"

o Las Montañas Rocosas

"Pico largo, el Parque Nacional de las Montañas Rocosas," panorama de la meseta, montañas cubiertas de nieve en el fondo.

Pero también estuvo en Mesa Verde, el parque Yellowstone, las Cavernas de Carlsbad, Glaciar, Parque Nacional de Zion, Valle de la Muerte, Saguro o Cañón de Chelly. El total de fotografías seleccionadas está disponible online, incluso con la posibilidad de hacer un encargo de alguna de ellas.

En el archivo de fotografías aparecen a menudo textos entrecomillados que acompañan al título de la fotografía, este texto indica la información que se copia desde el reverso de las tarjetas de montaje de la original.

Fuente | OpenCulture | Fotografías Online

Documentales sobre Ansel Adams hay varios. Hace tiempo que os compartimos uno sobre sus consejos fotográficos en una entrevista a la BBC. Ahora viajamos a 1957 a este breve pero interesantísimo documental dirigido por David Myers y con el gran fotógrafo como absoluto protagonista: 'Ansel Adams, Photographer'.

El título no busca metáforas. Es un documental directo, centrado en su figura y de enorme interés para conocer un poco más sobre este gran fotógrafo del siglo XX. A pesar de su antigüedad, este documental supone un verdadero viaje a la inspiración y mirada de Adams. Así podemos ver el equipo con el que solía trabajar, lo vemos en su entorno más íntimo, su casa, además de comentar sus intereses, su visión del arte y, por supuesto, de la fotografía. Conocemos a un Adams cercano y entrañable.

Puede verse en YouTube en dos partes que aquí insertamos. Eso sí, sólo está disponible en versión original en inglés, sin subtítulos en español, pero merece la pena verlo.

'Ansel Adams, Photographer' (1957) - Parte 1

'Ansel Adams, Photographer' (1957) - Parte 2

Vía | Picture Correct y A/V Geeks en YouTube