Normalmente, si pensamos en cámaras que se han utilizado para hacer fotografías desde el espacio exterior nos acordamos de las Hasselblad que inmortalizaron la llegada del hombre a la Luna, o de las diversas Nikon que han viajado a la Estación Espacial Internacional; pero ¿se nos ocurriría utilizar un iPhone hacer fotos desde el espacio?

Pues gracias a un iPhone 12 Jared Isaacman realizó la imagen que habéis visto en portada y que compartió en su cuenta de Twitter. En ella se aprecia la Tierra a través de una gran cúpula de cristal incluida en la "nariz" de la nave espacial Crew Dragon, la que hace tres semanas hizo historia convirtiéndose en la primera misión tripulada totalmente civil.

Isaacman fue el comandante de una tripulación compuesta por cuatro civiles que formaron la misión Inspiration4, de la empresa SpaceX (propiedad de Elon Musk), que orbitó unas 50 vueltas sobre la Tierra durante tres días. En algún momento de estas jornadas utilizó su propio móvil para tomar fotos (y algún vídeo como el de abajo, que muestra la nave sobrevolando Brasil) que parecen haberle sorprendido a él mismo a juzgar por su comentario: "es impresionante que un iPhone pueda tomar una foto como ésta".

A video over Brazil from first day on orbit. Shot w/iPhone but hopefully we can get some of ⁦@inspiration4x⁩ Nikon shots out soon. Such a privilege to see our 🌎 from this perspective. We need to take far better care of our home planet and also reaching for the stars. pic.twitter.com/mAQw6eK8Ui

— Jared Isaacman (@rookisaacman) September 25, 2021

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La primera película en el espacio ya se está grabando: la actriz y el director ruso han llegado a la Estación Espacial Internacional

Lo cierto es que, según Digital Trends, las "fotos oficiales" de la misión fueron realizadas con cámaras réflex Nikon profesionales, que son las que se usan actualmente en la International Space Station. Gracias a ello podemos disfrutar de fotos como las de abajo que están compartierndo en las cuentas de Twitter e Instagram de la misión.

“When you look up at the sky, you dream about being among the stars. When you’re with the stars and look down, you dream about being back on the earth.” — @ChrisSembroski

More stunning photos from our #Inspiration4 crew’s three-day journey to orbit 🌎 pic.twitter.com/ppZhzNJkQI

— Inspiration4 (@inspiration4x) September 29, 2021

Pero dada la peculiaridad de esta misión (como decimos, la primera sin astronautas profesionales) sus integrantes utilizaron sus propios móviles para inmortalizar el momento, y parece que consiguieron resultados muy aceptables. Desde luego la imagen de Isaacman puede ser un buen ejemplo de cómo los móviles se han convertido en una cámara que llevamos siempre con nosotros y sirve para hacer estupendas fotos en todo tipo de situaciones.

Vía | DPReview

Foto de portada | De Jared Isaacman compartida en su cuenta de Twitter

El Real Observatorio de Greenwich y la revista BBC Sky at Night llegan con los finalistas del certámen ‘Astronomy Photographer of the Year 13’. Como siempre, el concurso trae consigo una serie de asombrosas imágenes que nos muestran perspectivas nuevas y curiosas de los fenómenos atmosféricos y espaciales. Vistas que nos muestran lo maravilloso del cosmos.

Este año, el fotógrafo chino Suchan Dong fue el ganador de la serie ‘Nuestro Sol’ y el ganador general del certamen por su increíble fotografía del eclipse solar anular que ocurrió en junio de 2020. Titulada ‘The Golden Ring’ (El anillo dorado), la imagen destaca por su composición minimalista, el aura nublado del cielo y el formato cuadrado que genera una armonía de las figuras cautivantes.

Shuchang Dong (China) The Golden Ring

Esta imagen le ha ganado al fotógrafo el gran premio de 10.000 libras esterlinas y el foco principal durante la exposición que se llevará a cabo desde el 18 de septiembre al 7 de agosto en  el Museo Nacional Marítimo de Greenwich. Así mismo, los ganadores y una selección de ganadores del pasado serán publicados en un libro oficial de la competencia, el cual puede ser reservado en preventa a partir del 30 de septiembre.

Así mismo, el español Sergio Díaz Ruiz recibió el premio ‘Annie Maunder por innovación’ por su fotografía “Otro día nublado en Júpiter”. Este premio es para aquellos fotógrafos que toman imágenes de archivo libres de derecho y las transforman para dar una visión fresca y llamativa del universo. Estas imágenes son capturadas por telescopios de investigación y los concursantes deben manipular esos archivos crudos para obtener nuevas imágenes.

Sergio Díaz Ruiz (España) / Another Cloudy Day on Jupiter

La tarea no es tan sencilla teniendo en cuenta que mucha de esta información toca buscarla analizando coordenadas del casco celeste y los observatorios tiene un rango de búsqueda del espacio. Además los sistemas de capturas pueden variar según observatorios e incluso pueden estar capturando rayos gama, rayos x, microondas, infrarojos; lo que crea una base de imágenes muy compleja de navegar.

Para conocer más del certamen y las condiciones de cómo participar el próximo año, podéis visitar la página web. Acá están los demás finalistas del certamen:

Nuestro sol

Vincent Bouchama (Francia) The Sun sharing its Crown with a Comet

Alan Friedman (EEUU) Curtain of Hydrogen

Auroras

Dmitrii Rybalka (Rusia) Polar Lights Dance

Thomas Kast (Finlandia) Proper Welcome for the Moon

Larryn Rae (Nueva Zelanda) Goðafoss Flow

Galaxias

Zhong Wu (China) The Milky Ring

Russell Croman (EEUU) The Nebulae of the Triangulum Galaxy

Nicolas Rolland (Francia) y Martin Pugh (Australia) A Smiley in Space

Nuestra luna

Nicolas Lefaudeux (Francia) Beyond the Limb

Göran Strand (Suecia) Lunar Halo

Stefan Buda (Australia) Iridum to Imbrium

Personas y espacio

Deepal Ratnayaka (Reino Unido) Lockdown

André van der Hoeven (Paises bajos) A Lonely Ship Under the Stars

Nicholas Roemmelt (Alemania) Break of a New Day

Planetas cometas y asteroides

Frank Kuszaj (EEUU) A Colourful Quadrantid Meteor

Damian Peach (Reino Unido) Perseverance

Martin Lewis (Reino Unido) 3° from the Sun – The Horn Extensions of Venus

Paisajes celestes

Jeffrey Lovelace (EEUU) Luna Dunes

Dario Giannobile (Italia) Moon Over Mount Etna South-East Crater

Jin Yang (China)Van Gogh's Sketchpad

Estrellas y nebulosas

Terry Hancock (Reino Unido) California Dreamin' NGC 1499

Bogdan Borz (Rumania) Clouds in IC 2944

Min Xie (EEUU) The Colour Splash of Cygnus Loop

Competencia joven

Ganador: • 至璞 王 (Zhipu Wang), (China – edad 15 años) Family Photo of the Solar System

Hassaana Begam and Aathilah Maryam. H (India – edades 13 y 14) Nebula

Davy van der Hoeven (Países Bajos– edad 13) Starry Beach in Space

Julian Shapiro (EEUU – edad 13) Neptune and Triton

Alice Fock Hang (Reunion – edad 11) Satellite Cluster around 47 Tucan

Premio del consorcio de la familia Manju Mehrotra al mejor novato

Paul Eckhardt (EEUU) Falcon 9 Soars Past the Moon

Premio Annie Maunder a innovación de imagen

Leonardo Di Maggio (Reino unido) Celestial Fracture

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Imágenes | cortesía del Real Observatorio de Greenwich | Página Web

La gestión del color es fundamental para la impresión de nuestras fotografías, incluso para colgarlas en internet. Muchos fotógrafos se quejan de que lo que ven en sus monitores no tiene nada que ver con lo que ven en el papel o en su página web. Hoy vamos a descubrir el mundo de los propósitos de conversión, una herramienta clave para lograr una buena representación del color cuando llevamos la fotografía a otro lugar.

Es un tema complejo, que abre ventanas en los programas que nos asustan y nos obligan a cerrarlas porque realmente no sabemos qué hacen. Así que muchas veces confiamos en la famosa técnica del ensayo error o hacer caso a lo que dice una persona de nuestra confianza o lo que hemos leído en una página web que hemos encontrado después de varios clics.

Sobre este tema recomiendo leer mucho, escuchar mucho y practicar mucho. Tenemos muchos referentes en España sobre la gestión del color como Hugo Rodríguez o José María Pereira Uzal. También podemos buscar a Arnaud Frich y otros maestros del mundo de la impresión que seguro conocéis. Ellos son una referencia segura para profundizar.

En este artículo no vamos a poder explicar con detenimiento todos los pasos que hay que dar pero sí que vamos a entender cómo funcionan los propósitos de conversión.

La gestión del color en el mundo de la fotografía

Conviene repetirlo para no olvidarlo. La gestión del color no permite que el color -con sus tonos, su saturación y su luminosidad- que vemos en la realidad se reproduzca exactamente igual en la pantalla o en el papel. Solo permite que lo haga de manera coherente y controlada. La suma perfección es un mito.

Para conseguir el mejor resultado tenemos que partir de un buen monitor fotográfico perfilado y calibrado. Y a la hora de pasar de un perfil a otro, o de un espacio a un perfil hay que saber cuál es el propósito más adecuado para lograr que todos los colores de la imagen se impriman correctamente.

En Xataka Foto

Cómo cambiar el color de los objetos, hasta los tonos opuestos, en Capture One Pro

Y el proceso es distinto en cada uno de los programas más conocidos del revelado fotográfico. el objetivo es el mismo pero los pasos son distintos. De hecho pienso que está más claro en Adobe Photoshop que en Capture One pero depende de los gustos y dominio de cada uno.

El proceso que seguimos es el siguiente:

• Revelamos la fotografía con la gestión del color. Ya sabemos que en Adobe Photoshop trabajamos con un espacio de color (Adobe RGB 1998) de forma habitual y en Capture One tenemos la posibilidad de hacerlo directamente con un Perfil ICC de nuestra cámara.

¿Cuál propósito de conversión es el mejor si quiero publicar esta foto en las redes?

• Si vamos a imprimir la fotografía con ayuda de Photoshop nos veremos obligados a ir a Edición>Convertir en perfil y entrar en esa ventana con tanta información que se nos puede atascar.
• En Capture One es diferente y aunque se hace lo mismo, hay que ir por otros caminos dentro del menú Archivo>Imprimir.
• La clave es elegir adecuadamente los propósitos de conversión y eso es lo que vamos a explicar a continuación para conseguir la mejor copia posible.

Los propósitos de conversión en la gestión del color

¿Qué son los propósitos de conversión? Para no extendernos demasiado podemos decir que los propósitos de conversión sirven para llevar los colores de un espacio a otro. De un espacio de salida a uno de entrada. Pasar, por ejemplo, de un espacio de color Adobe RGB a un perfil ICC de un papel con una ampliadora.

El diagrama CIElab

Muchos de los colores que vemos en nuestros monitores perfilados y calibrados no se pueden imprimir en un papel determinado porque tienen un gamut diferente. El gamut o gama es, como dice José Pereira:

La porción del espacio de color que puede ser reproducida por un dispositivo determinado.

Seguro que muchos recordáis ese diagrama CIElab en el que se representan los diferentes espacios de color con un triángulo que toca los extremos rojo, verde y azul. Es un espacio en el que podemos ver todos los colores que podemos percibir.

Si queremos pasar de un gamut a otro necesitaremos los propósitos de conversión para saber qué hay que hacer con los colores que quedan fuera del más pequeño de los dos, los colores fuera de gama. Y tenemos cuatro opciones distintas para solucionar algo conocido como el mapeo de gama.

En cualquiera de los programas que hemos hablado tenemos:

• Colorimétrico absoluto.
• Colorimétrico relativo.
• Perceptual.
• Saturación.

Es curioso porque después de consultar numerosas fuentes, incluso las oficiales de Adobe y Capture One, he llegado a la conclusión de que cada maestrillo tiene su librillo. Para fotografía triunfan dos de ellos: Colorimétrico relativo y Perceptual. Pero hay autores que desaconsejan trabajar con Colorimétrico relativo. Y recuerdo a uno que decía que daba igual el que eligieras porque todos hacían lo mismo.

Así que vamos a ver las particularidades de cada uno y luego practicaremos para encontrar la mejor solución para nuestras fotografías. En el fondo todo depende de los colores que tenga cada imagen. En ningún caso es algo que podamos poner en automático.

Saturación

Este propósito no está indicado para la fotografía, pues lo único que busca es conseguir la máxima saturación posible. Los tonos que quedan fuera se saturan al máximo en el nuevo espacio a costa de su tonalidad y luminosidad.

Colorimétrico absoluto

Es una de las opciones del propósito colorimétrico. Su gran ventaja es que reconoce el blanco del papel que vayamos a utilizar y conserva en su lugar a todos los colores que coincidan en ambos espacios.

Los colores que quedan fuera se ajustan al nuevo espacio sacrificando el brillo. Lo podríamos utilizar si el espacio de destino es más amplio que el espacio de entrada.

Colorimétrico relativo

Por defecto es el propósito que yo suelo recomendar a mis alumnos. Y es el que tengo puesto por defecto en mis programas.

Lo que permite es que el brillo del espacio de entrada se mantenga en el espacio de destino. Y todo porque conserva el punto de blanco del origen exactamente igual en el destino. Es decir intenta que el blanco del monitor sea igual en el papel en el que vamos a imprimir.

Para conseguirlo desplaza el brillo de los colores que han quedado fuera en la misma distancia que ha tenido que recorrer para la compensación de punto blanco. Los colores que coinciden en ambos espacios conservan su lugar. Y lo único que puede provocar es una pérdida de contraste.

Este propósito interesa aplicarlo cuando el espacio de entrada es más amplio que el espacio de destino.

Perceptual

En muchos artículos lo llaman el propósito fotográfico. ¿Qué es lo que hace? Mueve todos los colores en la misma proporción, incluso los que coinciden en ambos espacios, para admitir los que se han quedado fuera.

Esto provoca que las relaciones entre los colores sea exactamente igual aunque cambie de gamut. Es decir, mueve absolutamente todo para acoplar toda la información en un espacio más estrecho. Un efecto negativo que puede tener es la pérdida de saturación general en la fotografía.

Es un propósito perfecto si el espacio de entrada es más grande que el de destino. Algo que suele ocurrir con mucha frecuencia.

Conclusión

Al final todo depende de la fotografía que tengamos entre las manos. Si está muy saturada seguro que nos interesa el Colorimétrico relativo pero si reinan en ella los tonos pastel puede que nos interese más el Perceptual.

Y ojo, siempre hay que marcar la opción, si estamos trabajando en Adobe Photoshop, Usar compensación de punto negro porque tenemos asumido que el negro del papel nunca será tan intenso como el negro profundo del monitor...

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Cómo ajustar el tamaño y resolución de las fotos para compartirlas en redes sociales

Pero si la fotografía va para las redes sociales, no tiene sentido puesto que será el mismo. Todo depende del destino final.

En futuros artículos escribiremos sobre todos los pasos que hay que dar, con detalle, para trabajar tanto en Adobe Photoshop como en Capture One.

La exploración del espacio y de otros planetas requiere material detallado para su estudio. Es por eso que la humanidad ha realizado varios sistemas de observación, desde sistemas especiales para observar el espacio desde la tierra, hasta sistemas que recorren el espacio en busca de capturar ciertos cuerpos. En esta segunda categoría, HiRISE es uno de los sistemas fotográficos más avanzados en ser enviado a otro planeta para su estudio.

Fotografía | HiRISE , Universidad de Arizona, NASA, JPL.

Una de sus más recientes imágenes es la captura de un fragmento de la superficie marciana del cañón de Valles Marineris. Como referencia, este cañón marciano es 10 veces más largo y cinco veces más profundo que el Gran Cañón del Colorado, uno de los más grandes del planeta tierra. Imágenes que permiten el estudio profundo del planeta para aclarar la posibilidad de existencia de vida en el planeta rojo y la historia climática que ha llevado a que se formen aquellos paisajes en su superficie.

Fotografía | NASA

HiRISE se traduce a Experimento Científico de Imagen de Alta Resolución. Es un sistema capaz de hacer tomas de 6 kilómetros de ancho por 60 km de longitud de superficie con la posibilidad de acercarse a ver detalles del tamaño de una mesa de cocina desde una altura de 300 kilometros sobre la superficie marciana. La cámara tiene un peso de 65 kilogramos, 90 cm de diámetro y 1.6 metros de longitud. La información de una captura es de 28 Gb de información que es procesada en tan solo seis segundos. Se encuentra anclado a bordo del Orbitador de Reconocimiento de Marte, la nave espacial de observación lanzada en 2005 a orbitar el planeta rojo.

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Fotografía Computacional: El futuro fotográfico que estamos viviendo desde un pasado

Este tipo de experimentos fotográficos nos permiten ver el potencial y el poder de los avances en fotografía computacional. Así mismo son una manera fascinante de observar lo que se encuentra más allá de la Tierra. Como reporta DPReview, para conocer más sobre el sistema podéis visitar la página oficial del experimento.

Cada año, el Observatorio Real de Greenwich, Insight Investment y la revista de BBC Sky at Night nos traen un asombroso repertorio de imágenes del techo celeste y lo que existe ahí afuera. Los finalistas del Fotógrafo de Astronimía del Año fueron anunciados y estas son las magníficas fotografías que nos traen.

El próximo 10 de septiembre se anunciarán los ganadores de las distintas categorías del certamen. Más de 5.200 imágenes participaron este año, con fotógrafos de más de 70 países luchando por el premio mayor de 10.000 libras (~11.000€). Dependiendo de cómo siga avanzando la pandemia, quienes estén en Inglaterra podrán visitar el Museo Marítimo Nacional en octubre para ver la galería con las imágenes impresas. También pueden seguir el evento y ver las ediciones pasadas en la página oficial del certamen.

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Cuatro cosas en las que no merece la pena gastarte el dinero si eres un fotógrafo novato

Por demás vamos por categorías:

Paisajes celestes

Las mejores fotografías del techo celeste.

Fotografía: Bryony Richards (Estados Unidos)

Fotografía: Bryony Richards (Estados Unidos)

Fotografía: Jay Evans (Australia)

Fotografía: Jake Mosher (Estados Unidos)

Fotografía: Michael Zav’yalov (Rusia)

Marcin Zajac (Estados Unidos)

Auroras

Las mejores auroras boreales.

Fotografía: Andreas Ettl (Alemania)

Phil Halper (Reino Unido)

Fotografía: Ben Bush (Reino Unido)

Fotografía: Elena Pakhalyuk (Ucrania)

Gente y Espacio

Fotografías del techo celeste que incluyen personas o elementos de interés humano.

Fotografía: Jennifer Rogers (Reino Unido)

Fotografía: Dai Jianfeng (China)

Fotografía: Mohammad Sadegh Hayati (Irán)

Fotografía: Nicolai Brügger (Alemania)

Nuestro Sol

Imágenes de nuestra estrella, incluído eclipses y cuerpos que pasan frente a ella.

Fotografía: Elena Pakhalyuk (Ucrania)

Fotografía: Sebastian Voltmer (Alemania)

Fotografía: Alastair Woodward (Reino Unido)

Nuestra Luna

Las mejores imágenes de nuestro satélite, incluido eclipses y cuerpos ocultos.

Fotografía: Richard Addis (Reino Unido)

Fotografía: Andy Casely (Australia)

Fotografía: Kirsty Paton (Reino Unido)

Fotografía: Mathew Browne (Reino Unido)

Estrellas y nébulas

Objetos en el espacio profundo como estrellas, cúmulos de estrellas y grupos celestes.

Fotografía: Mario Cogo (Italia)

fotografía: Josep Drudis (Estados Unidos)

Fotografía: Ignacio Díaz Bobillo (Argentina)

Fotografía: Martin Pugh (Australia)

Galaxias

Fotografías específicas del espacio profundo.

Fotografía: Terry Robison (Canadá)

Fotografía: Martin Pugh (Australia)

Fotografía: Rui Liao (China)

Premio al mejor fotógrafo joven del año

Este premio se otorga a la mejor fotografía de un concursante menor a 16 años.

Fotografía: Qiqige -Nina- Zhao (Australia)

Fotografía: Casper Kentish (Reino Unido)

Premio Sir Patrick Moore al mejor nuevo fotógrafo

Este premio se otorga a quienes han tomado la labor de hacer astrofotografía en el último año y presentan por primera vez sus imágenes en el certamen.

Fotografía: Louise Jones (Reino Unido)

Fotografía: Vinicius Martins (Brásil)

Premio Annie Maunder a la innovación de imagen

Usando fotografías que están disponibles al público, el fotógrafo debe revelar, procesar y crear una versión nueva de la imagen.

Fotografía: Alexios Theodorov (Rusia)

Seguro que os pasado muchas veces. Lleváis muchas horas con Adobe Photoshop y de repente sale una ventana que te impide hacer cualquier función porque el disco virtual está lleno... ¿Os suena? Vamos a conocer el origen del problema y cómo solucionarlo de una forma rápida y eficaz.

Es algo que nos ha pasado a todos los que trabajamos muchas horas con Adobe Photoshop o cualquier otro programa que haga uso de la memoria virtual. De repente no podemos seguir trabajando. Y desesperados cerramos la ventana de aviso pensando que no volverá a salir... Pero vuelve y no nos queda más remedio que cerrar el programa.

Este aviso sale cuando se ha agotado el espacio destinado a memoria virtual en el disco asignado a este cometido. Esto es algo que debemos hacer cuando empezamos a trabajar con Adobe Photoshop. A la hora de instalarlo siempre tenemos que acudir a las Preferencias>Discos de memoria virtual y tenerlo todo bien ajustado antes de abrir siquiera la primera fotografía.

¿Qué es la memoria virtual?

En Xataka Foto

Trucos y consejos para sacar partido del espacio negativo (o en blanco) en fotografía

La primera vez que lo ves te asustas. Sobre todo porque temes por la integridad de tu trabajo y empiezas a dudar de la calidad de tu equipo. Lo primero es terriblemente real y lo segundo puede que solo sea una mala configuración.

¿Qué es la memoria virtual? Como siempre, lo mejor es acudir a la página de Adobe para que nos expliquen qué es:

Un disco de memoria virtual es una unidad de disco o SSD que se utiliza para el almacenamiento temporal mientras Photoshop se está ejecutando. Photoshop utiliza este espacio para almacenar partes de los documentos y sus estados del panel Historia cuando estos no caben en la memoria RAM. Los archivos de memoria virtual se almacenan en carpetas ocultas especificadas por el sistema operativo, a excepción de los volúmenes que no sean de arranque en Windows, que están ubicadas en el directorio raíz de la unidad. Cuando se utiliza una unidad que no es de arranque como disco de memoria virtual, los archivos temporales se colocan en el directorio raíz de la unidad.

Las preferencias de discos virutales

Es la memoria a la que acuden los programas cuando no pueden trabajar con la memoria RAM que tiene asignado el programa, en este caso Adobe Photoshop. Por defecto el programa asigna como memoria virtual el disco en el que esté instalado el sistema operativo, el de arranque. Y ahí está el problema muchas veces.

Todo depende de cómo trabajemos. Si somos amigos de hacer ajustes mínimos no necesitaremos hacer nada pero si empezamos a hacer capas de ajuste y demás puede que necesitemos, como nos avisan, el tamaño del archivo original multiplicado por la cantidad de estados de historia existentes.

Si no queremos volver a tener problemas debemos tener un disco duro solo para este uso. Podría ser uno externo con una conexión rápida, como Thunderbolt o USB 3.0... pero es aconsejable que sea uno interno.

Lo mejor sería un disco SSD de gran capacidad que funciona sin problemas como disco de arranque y de memoria virtual. Y evita siempre que los archivos originales estén en la misma ubicación que la memoria que tenemos entre manos.

Cómo evitar problemas con la memoria virtual

La mejor solución es tener un ordenador potente. Pero no siempre es posible. Lo más fácil sería vaciar el disco duro y ganar espacio libre pero vamos a ver las soluciones más eficaces con lo que tenemos.

Aumentar la cantidad de RAM que puede utilizar Adobe Photoshop

• Vamos a Editar>Preferencias>Rendimiento>Uso de la memoria>Permitir que Photoshop utilice...
• Aquí podemos subir la RAM que puede utilizar el programa... Si solo tienes Ps encendido cuando trabajas, podrías subir hasta el 90%. Pero si tienes la costumbre de hacer más cosas tendréis que dejarlo al 70%.

Limpiar la caché del programa

Es un truco que no aparece dentro del manual de Adobe, pero siempre ha funcionado.Y en cierta manera es lógico.

Un buen método

Vamos a Edición>Purgar y elegimos Todo. Es una forma sencilla de limpiar cualquier resto de todas las cosas que hayamos hecho hasta este momento. Y el mensaje no vuelve a salir hasta que volvamos a trabajar sin descanso.

Limpiar los archivos temporales del sistema

Es uno de los métodos más utilizados para terminar con el problema de los discos de memoria virtual llenos. Es una buena solución que nos ayudará a evitar rápidamente el problema. Pero deberíamos cerrar antes el programa con el riesgo de perder lo que estamos haciendo.

• Si trabajamos con un pc, tenemos que escribir %temp% en el botón de inicio de Windows. Así abriremos una ventana en la que deberemos borrar todos los archivos temporales que vemos. Algunos no podrán ser eliminados y simplemente los dejamos.
• Si tenemos un Mac abrimos Spotlight y escribimos Photoshop "temp" para encontrar la carpeta donde debemos borrar los archivos relacionados con el programa.

En Xataka Foto

Cómo sujetar correctamente la cámara para lograr fotos perfectamente nítidas

Está claro que si tenemos un ordenador preparado no tendremos este problema. Una buena cantidad de memoria RAM, un disco duro SSD de gran capacidad y una correcta configuración de las preferencias del programa es lo mejor para no ver nunca este mensaje. Pero si sale, esperamos que estos consejos os sirvan.

El mundo de la gestión del color es uno de los más farragosos que podemos encontrar. Hay que tener muy claro qué es el color y cómo se comporta dentro de la fotografía. En esta ocasión nos centraremos en las diferencias entre sRGB y Adobe RGB (1998), los dos espacios de trabajo más utilizados cuando nos sentamos frente al ordenador.

He leído todo lo que ha caído en mis manos sobre la gestión del color. Y siempre aprendo cosas nuevas. Tengo varios referentes del color desde un punto de vista técnico. Ahí están Hugo Rodríguez, que más de una vez me ha sacado las castañas del fuego; José Pereira -del que hablaremos muy pronto en Xataka Foto- y su libro 'Gestión del color en proyectos de digitalización'... Cuando hay que hilar fino confío ciegamente en los laboratorios con los que trabajo para lograr sacar ese color que me gusta.

Hay que tener una cámara, disparar más de una vez con la ayuda de una carta de color, ver las fotografías en un monitor profesional correctamente perfilado y calibrado, que los programas estén bien configurados... Todas estas cosas son fundamentales para poder empezar a hablar de las diferencias entre un espacio u otro... y todavía no nos hemos metido en el universo de los perfiles ICC de nuestras cámaras, ¿veis a qué me refiero?

Los lápices de colores y la gestión del color

Hoy solo vamos a detenernos en los dos espacios de trabajo más comunes de la fotografía: Adobe RGB (1998) y sRGB. Siempre se dice que el primero es perfecto para imprimir y el segundo para trabajar en internet. Es un buen resumen pero no cuenta toda la realidad. Así que vamos a explicar de una vez por todas cuándo tenemos que elegir realmente uno u otro.

sRGB vs. ADOBE RGB 1998

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Para resumir en qué consiste esto de los espacios de trabajo siempre acudo al símil de las cajas de lápices. Para que la gente lo entienda digo que sRGB es una caja de diez lápices, Adobe RGB (1998) es la caja metálica de 50 y ProPhoto es la fabulosa caja de madera con 100 lápices, 100 rotuladores y mucho más...

Una forma más realista de explicarlo es que todos los espacios de trabajo son en realidad una caja de 50 colores. Pero en la caja ProPhoto hay tonos muy saturados y en la caja sRGB hay más lápices de poca saturación con diferencias muy sutiles entre ellos (gracias, Guillermo Luijk). Todos los espacios tienen los mismos colores pero con diferentes matices:

• sRGB es un espacio de color RGB que lanzaron HP y Microsoft para simular la gama de colores de los dispositivos más comunes del mercado y se ha convertido en el estándar de internet.. Se caracteriza por abarcar solo el 35% de los colores visibles especificados por el CIE (acrónimo de Comission Internationale de l´Eclairage, que es el nombre francés de la Comisión Internacional sobra la Iluminación).
• Adobe RGB (1998) fue diseñado por Adobe con la idea de crear un espacio que abarcara la mayoría de los colores que se pueden imprimir con una impresora CMYK sin necesidad de hacer la conversión. Este espacio abarca un 50% de los colores visibles especificados por CIE.

¿En qué espacio está mejor?

Adobe RGB (1998) tiene la capacidad de representar unos cianes y unos verdes más ricos en las sombras, las luces y los tonos medios que sRGB. Pero ambos ofrecen prácticamente la misma respuesta en la zona de sombras de los tonos fríos, aunque desde luego los verdes oscuros salen mejor parados en el espacio considerado más grande.

Ahí se ven los colores que no entran dentro del espacio de trabajo sRGB

Todo esto se puede comprobar en muchas páginas donde encontraremos los diagramas que todos compartimos. Pero llega el verdadero problema. ¿Qué espacio de trabajo utilizamos? ¿Tiene sentido utilizar siempre Adobe RGB (1998) a la hora de imprimir y dejar sRGB para internet?

La realidad de la representación del color en los espacios de trabajo

Por supuesto hay que disparar siempre en formato RAW. Ahí no hay color, es un formato crudo. El color viene después de la toma. Los pasos que sigue la formación de la imagen sigue la siguiente rutina:

1. Equilibrio de blancos para dar con la temperatura de color de la escena.
2. Demosaicing, una interpolación para generar los colores que faltan por la forma de recoger la información en modo RGB, donde siempre faltan dos valores (salvo excepciones).
3. Conversión a espacio de trabajo para conseguir una reproducción correcta del color y la luminosidad a través de espacios de trabajo.

La respuesta no es tan sencilla como se puede pensar. Todo depende de los colores que vayamos a imprimir. Y de la profundidad de los bits de la imagen que tengamos entre manos. Lo mejor para decidir el espacio de trabajo con el que vamos a trabajar es identificar los colores que forman parte de la fotografía.

¿Una foto para Adobe RGB?

¿Nuestra fotografía es de un bosque asturiano en primavera o es una espectacular puesta de sol? Si predominan otros colores de la rueda cromática puede que no tenga sentido trabajar en Adobe RGB (1998) porque no va a haber mucha diferencia... Una fotografía en la que predominen los azules puede que no tenga sentido trabajarla en el espacio más amplio... ¿Y por qué?

Pues por un simple motivo que hemos adelantado en párrafos anteriores. Todo depende de la distribución de la profundidad de bits. En los espacios de trabajo con una gama mayor los bits tienen que estirarse más para representar los mismos colores que un espacio más pequeño. Y puede ser perjudicial para la representación final. Se pueden notar más los saltos entre los tonos aunque parezca mentira.

Si nuestra fotografía solo tiene colores que están dentro del sRGB, la representación de los mismos será mucho mejor si imprimimos en este espacio de trabajo que si lo dejamos en Adobe RGB. Los espacios de trabajo más grandes solo son realmente efectivos si en nuestra imagen hay colores que no entran dentro de sRGB.

La ventana Ajustes de prueba

Y es principio es tan fácil como pasar el archivo a sRGB y ver lo que pasa en el histograma. O más sencillo:

• Vamos a Vista>Ajustes de prueba>A medida.
• En Condiciones de prueba>Dispositivos para simular>sRGB y marcamos Conservar RGB números.
• Damos a Ok.

A partir de ese momento solo tenemos que ir a Vista>Colores de prueba para poder apreciar si perdemos colores si trabajamos en sRGB. Sería la mejor forma de trabajar y de estar seguros de estar haciendo las cosas bien.

En Xataka Foto

Este es el mejor método que hemos encontrado para recortar pelo en Adobe Photoshop: lo explicamos paso a paso

Debemos entender el color de nuestra fotografía. Hacerlo bien requiere mucho tiempo y mucho estudio. Hay que adentrarse de lleno en la gestión del color. Y si no queremos tener problemas de última hora igual nos interesa trabajar directamente en Adobe RGB y olvidarnos de este secreto. El color no es sencillo y depende también de cómo lo apreciemos nosotros.

Hoy es el día fijado para el lanzamiento del Kounotori 9, perteneciente a la misión HTV-9 de la JAXA (la Agencia Espacial Japonesa equivalente a la NASA). Esta nave tiene como destino la Estación Espacial Internacional (ISS) a la que llevará abastecimiento y, además, una nueva cámara inteligente llamada iSIM 170 y diseñada por una empresa española y que se dedicará a fotografiar la tierra con una resolución inédita hasta ahora.

Se trata de un "telescopio binocular óptico de carga útil de alta resolución de generación para la observación de la tierra" que se instalará en el exterior del módulo que Japón tiene en la estación espacial mirando directamente hacia la Tierra desde unos 400 kilómetros de altura. Según su fabricante, la cámara "puede alcanzar una resolución inferior al metro desde una altitud de 500 kilómetros" y "cubre el rango espectral visible e infrarrojo cercano (VNIR), ofreciendo capacidades pancromáticas y multiespectrales de acuerdo a las necesidades del usuario".

Como se ve en el diagrama de arriba, incluye dos ópticas (por ello lo de binocular), así como "detectores de matriz CMOS de última generación y un subsistema electrónico para la gestión y el control de la carga útil". Evidentemente no es una cámara común, sino una diseñada específicamente para microsatélites.

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Esta cámara es capaz de captar 70 mil millones de frames por segundo: ¿podemos llamar a esto “cámara de fotos”?

Por ello, aparte de la resolución (que supera a las cámaras usadas hasta ahora), seguramente el dato más importante en este caso es el de su peso: 15 kilos. Una cifra que, según sus responsables, rebaja diez veces lo habitual en estas cámaras y que se convierte en clave al hablar de lanzamientos al espacio (ya que se calcula que cada kilo que se envía al espacio cuesta 30 mil euros).

La nave KOUNOTORI9 de la JAXA.

Para hacernos una idea de su resolución, es interesante saber que cada uno de sus píxeles pueden captar desde el espacio una superficie de 80 centímetros, con lo cual todo objeto que sea mayor que tres píxeles (240 centímetros) será identificable en la foto resultante. Una foto de alta resolución que se obtendrá cada segundo, uniendo la información de las 20 imágenes que la cámara puede realizar por segundo y gracias al uso de algoritmo especiales de imagen desarrollados para ella.

La empresa que ha fabricado la cámara es Satlantis, una startup fundada en 2013 a raíz de un proyecto de la Universidad de Florida, que tiene su sede en Bilbao y está dedicada a la investigación, desarrollo y fabricación de cámaras ópticas para la observación de la Tierra desde el espacio. Una empresa española que está a punto de "poner una pica en la Estación Espacial Internacional"

Más información | Satlantis

Foto de portada | Wikimedia Commons

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado a la concesión del último Premio Nacional de Fotografía, dotado con un premio de 30 mil euros en metálico, a la artista Monstserrat Soto por su “preocupación por la ecología y la memoria, que otorga a su trabajo un peso de orden político, antropológico y social”.

El jurado ha destacado “su interés en la investigación en el lenguaje de la fotografía y el vídeo, con el fin de llevarlos a un espacio expandido, subrayando el carácter ilusorio de los medios con los que trabaja” Asímismo, también comentan su “compromiso con los espacios habitados y con las presiones que ejercen sobre las personas que los ocupan, reflejando una preocupación por la ecología y la memoria, que otorga a su trabajo un peso de orden político, antropológico y social. En su obra establece una relación con el paisaje que es visto como un espacio de carácter conflictivo y ajeno, atendiendo especialmente al punto de vista del espectador”.

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Leopoldo Pomés, homenaje al fotógrafo de la sensualidad

Estos son los motivos que han llevado al ministerio a otorgar el premio a una artista poco conocida y convencional. Nacida en Barcelona en 1961, Soto estudió pintura pero, a principios de los noventa, comenzó una trayectoria artística que le llevó a centrarse en el campo del vídeo y la fotografía. Un medio que utiliza como principal vía de expresión (pero no la única) con el fin de explorar “el espacio, el lugar y el paisaje” a través de escenarios y videoinstalaciones. Por supuesto le felicitamos por el premio.

Más información | MECD

Foto de portada capturada del vídeo dedicado a Monstserrat Soto del proyecto Oral Memories

Llega un nuevo domingo con el ánimo perfecto para ir a conseguir unos churros, caminar por la ciudad y capturar algunas imágenes. Mientras hay un tiempo libre, por qué no quedar al día en algunas de las noticias más recientes del mundo de la fotografía y la imágen. Bienvenidos a una nueva Galaxia Xataka Foto.

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Otra forma de ver fotografía en Instagram, los gatos de Walter Chandoha y más: Galaxia Xataka Foto

• Arrancamos con una galería de imágenes que llegan de nuestros amigos de Cultura Inquieta. Ellos nos muestran el cautivador trabajo de Sujata Setia, una fotógrafa que ha dedicado mucho tiempo a capturar a parejas de la tercera edad para mostrarnos el amor verdadero. En estos retratos de parejas vemos pequeños instantes que expresan muchos años de afecto entre sus sujetos. Ideal para aquellos románticos empedernidos.

• Lightroom es una de las herramientas más utilizadas por los fotógrafos alrededor del mundo. Así que todo contenido que nos enseñe a sacar más partido de la herramienta de revelado y edición digital siempre es bienvenida. Desde el blog del fotógrafo llegan cinco secretos que nos ayudarán a sacarle mucho más provecho al software de Adobe. No se lo pueden perder.

• Las fotografías de larga exposición sun una forma de experimentar con la creatividad y la técnica fotográfica. Sin embargo, una buena guía de inicio nunca sobra cuando se quiere entrar a un nuevo concepto. Para los aficionados de pintar con la luz y dejar el obturador abierto por minutos, Zona Cinco cuenta con una entrada que os explicará los recursos necesarios, las configuraciones iniciales y algunos tips más de cómo iniciarse en capturar durante tiempos prolongados en la oscuridad y la noche.

• Japón es uno de los países más atractivos de capturar a través de la fotografía y el vídeo. Si queremos más pruebas de ello, desde el canal de YouTube de Armadas tenemos un nuevo material de varias ciudades del país del sol naciente capturadas en 8K a 60FPS. Imágenes cautivanes que nos hacen desear viajar a visitar esas ciudades niponas.

• Finalizamos nuestra galaxia en el espacio con nuevo material capturado por el telescopio espacial Hubble. El satélite de observación ha recopilado nuevas imágenes del gigante gaseoso, regalándonos nueva información sobre el planeta y algunos de sus elementos más característicos, como el punto rojo. Podéis conocer más de los estudios en la página oficial del satélite artificial.

  Eso es todo por esta edición. No olvidéis dejarnos vuestras pistas y comentarios en nuestra sección de contacto. Hasta una próxima.