La composición en la fotografía es uno de los grandes quebraderos de cabeza para muchos alumnos. Solo hay que buscar en las redes y en los libros para encontrar mil reglas, mil propuestas para conseguir el mejor resultado posible. Una de ellas es acudir a la psicología de la Gestalt y trabajar con los 8 principios que significan una de las mayores aportaciones dentro del terreno de la composición fotográfica.

El principal problema de la composición fotográfica es que se pretende, muchas veces, caer en una serie de normas que solo estandarizan la imagen. ¿No os habéis fijado que últimamente todas las fotografías de paisaje son iguales? El famoso triángulo para equilibrar, el primer plano potente, el juego de colores... Las fotografías, es mi opinión, han perdido naturalidad en aras de un neopictorialismo seguido por muchos.

Cada uno es libre de hacer lo que le apetezca. Pero al ver estas fotografías no distinguimos al autor, solo vemos la técnica empleada. Todo es igual. Muy pronto se caerá en la monotonía hasta la siguiente moda que terminará muriendo de la misma forma. Al fin y al cabo la fotografía sigue el mismo curso que las demás manifestaciones artísticas. Y en la época que nos ha tocado vivir tenemos la libertad de seguir el camino que queramos.

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Pero como ya hemos comentado en otras ocasiones, las reglas que tanto proliferan en multitud de artículos y demás vienen de un pequeño libro del siglo XX escrito por Jay Hambidge en 1920. Ahí encontramos la regla de los tercios, la proporción áurea y todo intento de simplificar y facilitar el acceso de las Bellas Artes a toda persona que quisiera ser tenida en cuenta en el mundo del arte. No era más que un manual de recetas para que las cosas salieran bien.

Las reglas de composición

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Las reglas de composición son buenas para empezar. A mucha gente les ha servido en sus comienzos. Es útil saber que si colocamos un objeto en el cruce de cuatro líneas imaginarias el resultado será aceptado socialmente. O que si ponemos tres cosas en la fotografía el resultado llamará la atención en numerosos concursos.

Pero esto es el comienzo, una mera guía de iniciación que debemos olvidar cuando tenemos más seguridad a la hora de mirar a través del visor. La composición se aprende de los maestros, nos tenemos que inspirar en los grandes pintores, en los buenos directores de cine y sobre todo en los fotógrafos que nos gustan.

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Así veremos que las reglas no son más que líneas inventadas para justificar una forma de mirar con un fuerte componente social. Unos serán más clásicos, otros más rompedores. Pero ninguno de los grandes copia a otro. Esas líneas es para intentar hacer lo que hace otro sin aportar nada nuevo. Si es lo que queremos, es perfecto. Pero muchos fotógrafos les gustaría llegar más allá.

Por este motivo lo importante es conocer otra forma de enfrentarse a la composición. Lejos de las reglas impuestas por alguien del siglo XIX que nadie recuerda. Y aquí es donde entra la psicología de la Gestalt y sus principios que podemos imbuir en la fotografía.

Los principios de la Gestalt

Solo sé que no sé nada de la psicología. En sentido literal. Por este motivo siempre viene bien acudir a diversas fuentes. El problema es que muchas veces la ignorancia nos hace buscar en cualquier sitio. Afortunadamente muchas veces podemos acertar. Hay que leer mucho y hablar mucho para saber algo sobre un tema.

Por lo que he leído (y agradeceríamos cualquier aportación) la psicología de la Gestalt surgió como una respuesta contra la tendencia a creer que todo lo que nos sucede puede ser medido y cuantificado. Por este motivo busca la respuesta en las vivencias subjetivas de las personas. Observa su entorno social y su contexto familiar y considera al ser humano como un agente capaz de desarrollarse de forma libre y autónoma.

En este punto, en el que muchos tenemos ya el peligro de perdernos, podemos unir a la Gestalt con las manifestaciones artísticas, con la fotografía. Sobre todo por su relación con la Bauhaus y por extensión con la Nueva objetividad, una de las corrientes fotográficas más importantes del siglo XX. Como dijo Walter Gropius:

Nuestra idea directriz consistía en que el instinto configurador no es algo intelectual ni material, sino parte integrante de la substancia vital de una sociedad civilizada. Nuestra ambición se proponía sacudir al artista creador en su estado de persona ajena al mundo y restablecer su relación con el mundo real del trabajo y al propio tiempo, relajar y humanizar la rígida actitud, casi exclusivamente material, del hombre de negocios. Nuestra concepción de la fundamental unidad de toda configuración, con proyección a la vida misma, estaba en diametral oposición a la idea de “l’ art pour l’art” y la mucho más peligrosa filosofía de donde esa idea surgió, o sea la del negocio en sí.

Podríamos seguir hablando largo y tendido de dicho movimiento. Y más todavía si vemos que tenía relación con la escuela de la Bauhaus. Pero vamos a descubrir los principios que rigen las imágenes y que podemos utilizar para entender cómo funciona la composición. Y todos tienden a la simplificación. y que el todo es mayor que la suma de todas sus partes:

Figura-fondo

La imagen se percibe siempre como un objeto rodeado de un fondo. Por lo tanto la figura principal debe guardar relación con lo que le rodea para que el espectador lo destaque. Es la conocida ilustración del jarrón de Rubin.

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Proximidad

Los objetos de una fotografía tienden a percibirse como parte de un grupo si están cerca uno del otro.

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Principio del destino común

Los objetos se conciben como un grupo si se mueven juntos o siguen una misma línea.

Principio de similitud

Los elementos tienden a integrarse en grupos si son similares entre sí.

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Principio de continuidad

Los grupos tienden a integrarse en conjuntos perceptivos si están alineados entre sí.

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Principio de cierre

Los elementos tienden a agruparse si pueden dar lugar a una figura cerrada.

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Principio de la buena forma

Los elementos tienden a agruparse si son partes de un patrón.

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Principio de experiencia pasada

Los elementos tienden a agruparse si estaban juntos en la experiencia pasada del observador.

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Son 8 principios que pueden parecer obvios a la mayoría de los fotógrafos. Pero si observamos con detenimiento el encuadre podemos tratar de encontrar estos principios para facilitar la percepción y la lectura de la imagen a todos los espectadores que tengan la suerte de verla.

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Todos estos principios no son tan sencillos como las recetas que se dan para componer una imagen. Obligan a pensar, a observar. Y sobre todo a trabajar. Como siempre, tenemos que olvidar algo que siempre nos han hecho creer. La fotografía no consiste solo en dar un botón.

Instagram es una interesante red social para la proyección de nuestro trabajo y crear una línea de seguidores que nos sirvan como punto de venta en un futuro. Sin embargo, las redes sociales son impredecibles y no tan seguras para confiar. ¿Podemos hacerlas crecer naturalmente?

Pero hay muchos gurús en internet con canales de YouTube, blogs, libros y podcasts. Viendo el material de muchos de ellos hemos recopilado algunas “reglas” de Instagram para aplicarlas en una cuenta y ver qué tan efectivas son para crear un crecimiento orgánico y cómo influye en su fidelidad con la cuenta.

A experimentar

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Auschwitz y la insoportable levedad de las redes sociales

Os hemos contado en ocasiones pasadas que esto de las redes sociales no es un tema para obsesionarse. También os hemos dado unos consejos de cómo hacer un buen uso de Instagram. Este experimento sigue esa ideas: no estar clavado en la plataforma, crear contenido que nos guste y sea útil para aprender o para portafolio y entender que las redes funcionan distinto con diferentes temas.

En este experimento reactivé una cuenta que había dejado de alimentar por más de un año. Esta cuenta fue alimentada durante cuatro años, sin publicaciones seguidas y sin una idea especial más que hacer fotos de legos cuando me animara a ello. Para el momento del experimento, la cuenta contaba con 283 seguidores y cada publicación con un promedio de 17 likes y un alcance promedio de 110 personas.

La primera regla de los expertos en Instagram es ‘Etiquetar bien’. Para ello hay que entender cuál es nuestro tema central y ver nuestra rama central en etiquetas que deben mantenerse constantes en nuestras publicaciones. Segundo, hay que mantener etiquetas personalizadas para la imagen, según su contenido o si está pensada por una ocasión.

Una herramienta muy útil para este proceso de etiquetar es Display Purposes, una página gratuita donde se coloca una etiqueta en el buscador y os darán un listado con etiquetas que están asociadas. También las podéis ver a modo de mapa de relevancia, lo que os permitirá elegir un puñado de etiquetas complementarias.

La siguiente regla que aplicamos fue ‘Constancia en publicación’. Los expertos dicen que entre más contenido publiquemos (en especial al comienzo) más seguidores tendremos. Una vez uno tenga una cuenta llena de contenido y con un nombre establecido podemos darnos el lujo de separar publicaciones. Dentro de los trucos que utilizan está el borrar imágenes viejas y volverlas a subir, haciendo parecer que el contenido está en constante producción y siempre fresco.

En el experimento traté de ser constante, pero hubo cuatro o cinco días en los que el trabajo, el sueño o las distracciones del día a día me hicieron no publicar nada. Sin embargo no parece haber afectado a la respuesta de la gente frente a mis publicaciones.

La regla número tres para conseguir un crecimiento natural está en optimizar las búsquedas de nuestro contenido: El texto alternativo. Antes os explicamos cómo utilizar y aprovechar esta herramienta, que no solo debemos aplicar en nuestras imágenes de Instagram, sino en todas nuestras redes sociales y página web principal.

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El texto alternativo en las imágenes: una poderosa herramienta para mejorar nuestra presencia fotográfica en la red

La cuarta regla de los expertos es generar un contenido constante en estilo y producción. Es una idea que es efectiva a la hora de presentar un estilo fotográfico ante un cliente. Si uno genera un contenido similar, las personas a quienes les agrada ese estilo seguirán a la persona y compartirán nuestro contenido con personas que también gusten de ese estilo.

En este apartado noté mejoras, en especial por la constancia de seguidores diarios incluso en los días que no hice mucho. Además, comparado ante el popurrí de estilos y composiciones del inicio de la cuenta, se ve mucho más organizado y homogénea la parrilla.

La quinta y final regla en búsqueda del “crecimiento orgánico” fué ser un Bot ruso. Una de las reglas del crecimiento en redes parece ser que si seguimos a muchas personas, muchas de ellas nos seguirán de vuelta, generando un crecimiento en la popularidad búsquedas. Así iremos subiendo en el ranking.

Lo intenté los primeros dos días, pero me cansé de seguir gente. No podré confirmar nada de esta práctica de Instagram.

Casi un mes de ser socialmente activo

A día de esta publicación, el experimento está en 309 seguidores con un promedio de likes de 20 personas por publicación. El alcance promedio ha subido hacia las 200 personas.

Un crecimiento de 27 seguidores en menos de un mes es más alto y constante que lo que veo en mi cuenta principal, y en general en lo que fué la cuenta antes del experimento (283 seguidores en cuatro años). En la otra he conseguido 200 seguidores en un espacio de dos años (ocho seguidores al mes).

El ‘engagement’ (fidelidad de las personas con la cuenta) no tuvo mayor impacto respecto a lo que era y a cómo se comporta una cuenta más inactiva. Un promedio de 20 likes es más bajo respecto a los 30-35 que recibe mi cuenta principal. Esto nos indica que el contenido Lego no es tan relevante y cautivante como sí lo ha sido el de la cuenta principal. Además que los seguidores de la cuenta principal están más comprometidos con el contenido de ella.

A nivel de alcance, la optimización de búsqueda y las etiquetas se nota hicieron su trabajo. Subir casi un 100% de alcance respecto a como estaba es un gran progreso. También es un indicador de que, con el contenido correcto, podría optimizarse para crear un crecimiento de usuarios más alto. Este crecimiento de alcance también es llamativo ya que no ha sido pago, buscando optimizar los valores a un nivel orgánico.

Se puede ver que estas reglas de los gurús nos ayudan a un crecimiento orgánico lento y seguro. Pero habría que seguir probando durante unos meses y compararlo con un crecimiento pago para sacar conclusiones más fuertes sobre estas reglas de manejos de redes.

Vosotros, ¿qué reglas de las redes seguís en vuestras cuentas?

Ser capaz de realizar una correcta composición es sin duda algo fundamental para conseguir buenas fotografías y uno de los desafíos más importantes a los que se enfrentan los novatos que se aprestan a formarse en este arte. Y aunque existen una serie de reglas y conceptos a seguir, lo más importante es la práctica, equivocarse y volverse a equivocar para acabar aprendiendo. Por eso, no está de más revisar esos pequeños errores típicos de novato pero que ninguno estamos exentos de cometer de vez en cuando.

Está claro que la fotografía no es una ciencia exacta (ni mucho menos) y que las reglas y los principios de composición sólo deben entenderse como puntos de partida y nunca como principios absolutos. De hecho, incluso aunque las conozcamos al dedillo seguirlas nunca nos va a garantizar crear una gran fotografía. Pero además hay algunas pautas que normalmente no tienen nada que ver con las reglas establecidas académicamente y que generalmente no se mencionan.

Foto de Nestor Ferraro

Se trata de unas “reglas” que normalmente evitan que se cometan ciertos errores más o menos simples de composición. Unos errores de los que todos hemos pecado en algún momento, ya fuera por inexperiencia, desconocimiento, prisa o dejadez. Aunque son más típicos de los novatos cualquiera puede cometerlos, aunque si atiendes a lo que te vamos a explicar a continuación es posible que puedas evitarlos.

Sujeto demasiado centrado

Es un error muy típico del novato y que se produce especialmente en fotografía de retrato. Se trata de situar el elemento principal de la imagen exactamente en el centro, con el fin de otorgarle el máximo protagonismo. Lo malo es que esto muchas veces no funciona y lo que realmente se consigue es quitar interés del sujeto o componer una imagen aburrida.

Foto de Danny Chapman

En esos casos es mejor situar al sujeto a un lado de la imagen, por ejemplo en uno de los ejes verticales que se formarían según la regla de los tercios. Por supuesto esto no quiere decir que nunca puedas colocar al protagonista en el centro, más bien que debes pensar antes si esto va a ser lo más conveniente y probar distintas opciones.

Doble tema

Como norma general, una foto tiene que tener un único elemento principal, un protagonista que debe tener mayor peso visual en la fotografía. Pero puede ocurrir que efectivamente lo haya y que, sin embargo, resulte eclipsado por otro elemento que se sitúa en un plano cercano y reste protagonismo haciendo que la mirada del espectador se confunda. Un ejemplo muy típico es la foto que muchas veces hacemos de alguien con algún elemento “interesante” de fondo, como puede ser una bonita cascada.

Foto de Kārlis Dambrāns

Depende como compongamos la imagen no quedará muy claro cuál es el sujeto principal de la foto, ambos competirán por ello y harán que el ojo del espectador no sepa bien a qué atenerse. Para evitarlo hay varias posibilidades, la mejor es hacer que ambos temas no compitan situando claramente al principal por delante, tapando en parte al otro y, idealmente, desenfocándolo.

Sin un tema principal

Del mismo modo que no es bueno que haya más de un sujeto principal en una foto tampoco lo es que no exista ningún centro de interés. Se trata de que haya un elemento que capte la atención del espectador y evite que la mirada vague por la imagen sin encontrar ningún atractivo, haciendo que resulte insulsa y aburrida.

Foto de Jussie D.Brito

Esto es muy típico de los paisajes de lugares idílicos pero en los que no hay un elemento destacado como podría ser un animal, una cabaña o un árbol algo diferente. Evitar caer en este error suele ser sencillo, aunque a veces sea inevitable, porque no es difícil que se nos olvide si lo que estamos contemplando es muy bello.

Horizonte mal nivelado

Una línea del horizonte torcida es otro de los errores típicos de los novatos pero que nos puede pasar a cualquiera por una simple distracción. Salvo que lo hagamos a propósito y con alguna intención específica, es algo que suele quedar fatal y que debe cuidarse para evitar dar la impresión de una foto descuidada.

Foto de jojo nicdao

Normalmente es algo que se puede arreglar en postproducción, pero sin duda es mejor que nuestras fotos estén bien niveladas de partida. Por cierto, recuerda también que el centro de la imagen no es el mejor sitio para situar la línea del horizonte salvo que (una vez más) lo hagas intencionadamente por algún motivo.

Tangentes que “cortan”

Las líneas en fotografía son uno de esos elementos básicos clave para las fotos, sobre todo para dirigir la mirada del espectador y dar profundidad a la imagen, pero a veces resultan contraproducentes. Es el caso de una imagen en la que el sujeto principal resulta “cercenado” por líneas que pasan por detrás de él y confunden la mirada del espectador.

Foto de David Lee

Podrían ser las líneas verticales de árboles o edificios situados en el fondo (como en la foto de arriba), o líneas horizontales que se suceden por efecto de una pared u otro elemento. Incluso una línea del horizonte mal situada puede hacer que el sujeto parezca cortado, haciendo que la composición general sea confusa.

Fondo incorrecto

Parece mentira lo que puede cambiar una foto dependiendo del fondo que aparezca en ella. Especialmente en el caso de un retrato, en el que no hay nada peor que un fondo que distraiga del sujeto; por eso, como norma general nunca se debe fotografiar a alguien delante de elementos que distraigan la atención del espectador.

Foto de Anina Rüegsgger

En este artículo ya te contamos cómo mejorar el fondo de tus retratos pero te recordamos los principios básicos: Elegir un fondo exento de objetos que distraigan, con un color adecuado al sujeto principal y, si es posible, desenfocado.

Punto de vista erróneo

Éste es otro de esos errores de los que no está libre ningún fotógrafo, incluso aunque tenga experiencia, dado que es más una cuestión de actitud. Como sabréis, elegir un punto de vista adecuado para una toma concreta es una de las primeras labores a realizar a la hora de componer, pero a veces nos da pereza movernos y nos limitamos a hacer zoom con el objetivo para encuadrar.

Foto de Susanne Nilsson

En el caso de un novato puede ocurrir por inexperiencia pero en el de un fotógrafo avanzado también ocurre por simple pereza. Un ejemplo muy típico de esto se da en la fotografía de mascotas, donde a menudo se realizan tomas de pie sin darnos cuenta de que la mejor perspectiva para fotografiar a un perro o gato es agachándose para estar a su altura.

Ceñirse demasiado a las reglas

Por último, como decíamos, las reglas de composición son útiles e importantes pero no son inamovibles. De hecho, lo ideal es conocerlas y practicarlas para ser capaces de evaluar cuando ceñirse a ellas y cuando es mejor romperlas.

Foto de LaVladina

Por ejemplo la siempre recurrente regla de los tercios que puede ayudarnos a equilibrar una imagen o también puede hacer que ésta sea monótona. O la repetición de patrones, que puede hacer que nuestra imagen tenga armonía pero también que resulte aburrida si no hay nada que rompa el ritmo de la foto, como un sujeto principal, y le aporte interés.

En definitiva, existen muchos errores que suelen ser típicos de los aprendices de fotografía pero que también puede cometer cualquiera, incluso un fotógrafo con mucha experiencia. Por eso hemos querido apuntar algunos de ellos para intentar que todos estemos más atentos la próxima vez que vayamos a componer una imagen.

Foto de Natalie Alvarado

¿Y tú qué opinas? ¿Qué errores te parece que se comenten más a menudo? ¿Hay alguno que te moleste especialmente? ¿Se te ocurre alguno que no hayamos mencionado? Como siempre agradecemos tu participación a través de los comentarios.

En Xataka Foto | 31 errores habituales en fotografía de viajes y cómo evitarlos

Foto de portada | Jim Makos

No vendemos números, no vendemos clics, ni vendemos números f; en definitiva nunca acabamos por vender ni una sola de esas cosas. La historia de una fotografía la marca su fin, su final. En definitiva, la emoción que sugiere al que la visiona.

Todo lo que ocurre entre el momento de la idea y del visionado por las personas es puro "RUIDO", y no hablo exactamente del ISO. La fotografía no es sinónimo de cámaras, ni de sensores, ni tamaños, ni reglas, ni objetivos... salvo el objetivo final, emocionar (de la forma que sea y aunque reconozca que haya gente purista que me dirá lo contrario).

El estudio de la fotografía nunca debe comenzar exclusivamente por aprender unas técnicas, sino aprender simultáneamente a unir dichas técnicas con el proceso interior. Ser fotógrafo no es un dar un clic, no es saber manejar una cámara en Manual y no en Automático, ni siquiera es saber coger mejor o peor una cámara. Ser fotógrafo es hacer llegar una idea o un sentimiento, contar una historia. Las historias se cuentan de miles de formas, pero hay algo que prevalece en todas ellas, el mensaje.

Muchos hemos podido leer, por ejemplo, 1984. Y se ha podido leer en hojas físicas, interactivas, o incluso en imágenes (a pesar del debate de si ha fidelidad o no). En definitiva, hay gustos para todos, pues todos y cada uno de nosotros somos diferentes. A todos nos puede evocar una idea u otra, pero así es el mundo (y más en concreto la vida), lo verdaderamente importante es saber, antes que nada, lo que quieres mostrar y a quién quieres llegar.

"El problema con los árbitros es que conocen las reglas, pero no conocen el juego"

Las reglas son conceptos que, en algunos momentos, están siendo sobrevalorados por encima de (quizá y a mi modo de ver), el más importante, la improvisación. Y si, la improvisación se rige en gran parte por lo que tu intuición y corazón dice. Algo que a la postre pueden ser los verdaderos transmisores de emociones.

La industria fotográfica vende números cuando quizá debería vender historias. Vender lo que es la fotografía verdaderamente. La fotografía no es una necesidad en este mundo sino lleva, por encima de todo, la palabra sentimiento ligada. Nadie necesita una cámara para inmortalizar momentos en su vida, para eso tenemos nuestra propia cabeza y corazón, por tanto nadie necesita ni más ISO, ni más apertura, ni mejor rango dinámico, ni nada de eso... Lo que realmente se vende, porque se necesita, son los sentimientos. Y para conseguir un sentimiento no se necesita la mejor de las tecnologías, o si, pero eso lo defines tú nadie más que tú; porque va ligado a la persona y no es una verdad absoluta.

Fotografía de Nathan O'Nions

Dicen que el dinero ayuda a ser feliz, pero solo hay que ver como muchas personas sin él lo son, y muchas con él que no lo son... es por tanto, un punto en el que aquí se ve como no hay regla escrita tampoco. Si esto es así, nadie puede tener razón en si una fotografía la puedes hacer con una herramienta u otra, no. Si pensamos en números si, si pensamos en algo superficial quizá también, pero si pensamos en lo que realmente importa en una fotografía y por lo que siempre, y más a día de hoy, se necesita en ella que es su fin o por lo que siempre querrán tus fotos por encima de otras... no.

Qué nadie te diga cómo hacer o dejar de hacer tu fotografía o si usar una cámara grande, pequeña o inexistente. A la postre, nadie te puede decir como sentir o dejar de sentir. Ese es el fin de nuestro trabajo, demostrar que una imagen es el registro y el reflejo de un momento, una sensación, una emoción vivida. Algo nuestro; y en el momento que hacemos caso o nos dejamos llevar por alguien pasa a ser de él. Nadie paga números, y si lo hace tarde o temprano se hundirá y pocas veces se recordará. Algo que, al contrario, no pasa con las emociones que, aunque desaparezcan, siempre permanecerán en las personas.

Para finalizar os dejo una pregunta de una entrevista que le hicieron a Bruce Dickinson, vocalista de Iron Maiden sobre emociones y negocio (recordemos que el se dedica al mundo de los negocios tamibén):

- Los artistas son diseñadores de emociones. Me gusta pensar que las empresas también lo son a través de las experiencias que proporcionan a sus clientes. ¿Qué recomendarías a las empresas que quieran diseñar emociones para sus clientes?

- Sea lo que sea que vendan, deben tener en cuenta que lo que están vendiendo es una emoción, porque todo aquello con lo que interactuamos nos genera una emoción. Cualquier pequeño detalle desencadenará emociones, sensaciones, una reacción en los clientes. Y eso nos lleva a una relación emocional con ellos a través de nuestros productos y servicios. Es crucial darse cuenta de eso y no cometer errores, como por ejemplo recortar costes sin asegurarse de que no estamos afectando al valor de lo que estamos vendiendo, porque eso tendrá un impacto en las emociones que experimentarán nuestros clientes

PS: Tú fotografía y tu equipo te definen. Defiende todo ello mientras consideres que tus emociones y fotografías lo hacen. Esto no es una apología al uso de cámaras pequeñas pues también va dirigido hacia el que sienta esto con cámaras grandes y de gran valor monetario. Esto es un artículo para defender lo inmaterial de lo material, lo que es uno de lo que puedan hacerle creer que debe ser...

Fotografía de portada | Rodrigo Rivas

Las aplicaciones que nos permiten utilizar la cámara de fotos de nuestros teléfonos móviles tienen cada vez mejor pinta. Aunque utilizo de cuando en cuando la cámara de mi smartphone, la verdad es que no soy ningún incondicional de la fotografía con el móvil. Aun así, gracias a aplicaciones como Camera51, la herramienta de la que voy a hablaros, este tipo de fotografía me parece cada vez más interesante.

A mí me atraen las aplicaciones de cámara para móviles que ofrecen un control manual lo más flexible posible. Afortunadamente, cada vez tenemos más opciones interesantes, como, por ejemplo, la estupenda y muy completa Cámara FV-5. Sin embargo, lo que hace a Camera51 especial no es su control manual (de hecho, es una herramienta automática), sino que incorpora un complejo algoritmo capaz de analizar nuestro encuadre para corregirlo y sugerirnos la composición idónea.

Es evidente que una aplicación como esta no está pensada para fotógrafos avanzados que conocen al dedillo las reglas de composición, sino para personas que se acercan a la fotografía por primera vez, y lo hacen a través de su teléfono móvil. Soy un firme defensor de todos aquellos recursos que nos ayuden a divulgar el conocimiento y a hacerlo asequible a más personas, sea en el ámbito que sea. Y si Camera51 puede ayudar a más usuarios a tomar mejores fotos, bienvenida sea.

Cuando descubrí esta herramienta estuve un rato «jugando» con ella para ver si era capaz de resolver bien encuadres complejos. Sinceramente, el algoritmo que utiliza no es infalible, pero en muchas ocasiones sus sugerencias son válidas, especialmente cuando queremos hacer un retrato. De todas formas, me parece un punto de partida interesante para que cualquier principiante se familiarice con las reglas de composición y, a partir de ahí, pueda continuar investigando por su cuenta con aplicaciones de control manual, como la que he mencionado al principio del post, o cualquier otra. Por cierto, Camera51 es gratuita y está disponible para Android (en el futuro llegará también a iOS).

Descarga | Android
Más información | Camera51
En Xataka Foto | Una nueva arquitectura óptica hará posible que muchos más móviles tengan zoom óptico a finales de 2015

Nota aclaratoria: En atención a nuestros usuarios daltónicos, entre los que me encuentro, he editado la imagen para mostrar de forma más clara los cortes.

Nuestro amigo Michael Zhang, alias Petapixel, nos trae esta ilustración que ha encontrado por flickr pero que resulta bastante interesante. Es cuando menos necesario el fijarse en la ilustración para ver por dónde NO debemos cortar a alguien a la hora de realizar un retrato.

Pretende ser tan solo un ejemplo útil en el que se muestran los lugares aceptables para recortar cuando se hacen retratos. Cosa muy importante. Cortar por las líneas verdes resultaría lo correcto mientras que las líneas rojas lo incorrecto, dando lugar a composición que no funcionen bien visualmente.

Creo que faltaría un estudio acerca de los recortes en primeros planos de la cara pero como orientación lo veo bastante interesante. ¿Tú cómo lo ves? ¿Estás de acuerdo con las indicaciones?

Via | Petapixel

Ilustración | Don’t Chop at the red por J. Southard Photography

Diego Liarte

Uno de los aspectos que puede diferenciar una gran fotografía de una foto mediocre es la composición. La composición es un aspecto que no está claramente definido por unas reglas concretas, pero que si seguimos algunos consejos podremos mejorar nuestra técnica.

La calidad de una composición se puede decir que el fotógrafo la lleva dentro. Y habrá fotógrafos capaces de conseguir fotos espectaculares siguiendo técnicas de composición en principio contradictorias.

Aún así, hoy en Xataka Foto os vamos a enseñar algunos trucos para mejorar vuestras fotos en cuanto a la composición de éstas se refiere.

Atrae la atención

Diego Liarte

• Para llevar la atención a nuestro protagonista, también podemos servirnos de las líneas para dirigir la atención al observador y conducirle al centro de interés.

Diego Liarte

• Otro truco puede ser el de enmarcar nuestras fotos con elementos de la propia fotografía. Si esto no nos es posible, si hacemos uso del viñeteo, podremos "obligar" a prestar atención al protagonista de la foto. Aunque el viñeteo es un defecto en algunas focales de los objetivos, sin embargo con programas como Lightroom podemos emularlo y darle un toque muy especial a nuestras fotografías.

Diego Liarte

• Intenta atraer al que observa tu foto. Para llamar la atención busca algo diferente. Lo diferente llama la atención y nuestros ojos, de manera natural tienden a fijarse en lo distinto. Cuando nos referimos a lo distinto, nos referimos a cualquier cosa: tamaño, dirección color, forma, etc. Con este recurso nos será posible resaltar al protagonista de nuestra fotografía.

Manolo Toledo

• El espacio negativo es otra técnica en la que se busca limpiar la imagen de cualquier objeto que nos pueda distraer, de forma que el único objeto que aparezca en la toma sea el sujeto al que queremos darle protagonismo. Si queremos usar el espacio negativo tendremos que usar un ISO lo más bajo posible, pues sino la alta sensibilidad nos descubrirá lo que hay en el fondo, y no queremos eso. Por ello esta técnica no es fácil de usar en cualquier situación, y tendremos que limitarla a lugares como teatros en los que un foto ilumine a una persona mientras el resto de escenario esté apagado, o bodegones creados por nosotros mismos.

¿Cuáles son los elementos clave de la composición?

elana's pantry

• Trata de reducir todo a la mínima expresión. Cuanto más simple sea nuestra toma, más fácil nos será llevar la atención al protagonista de nuestra foto. Así que trata de evitar todo lo superfluo y simplificar al máximo la composición.

lepiaf.geo

• Presta mucha importancia al fondo, precisamente para que éste pase desapercibido. El fondo no ha de distraer al observador y debe permitirle que se centre exclusivamente al sujeto protagonista de nuestra foto.

Aunque esta labor puede resultar bastante sencilla, sobre todo si usamos diafragmas muy abiertos, no lo es tanto. Un fondo adecuado también es fundamental para conseguir una gran fotografía.

Marko_K

• Intenta destacar a un objeto sobre el resto. Si tenemos una composición en la que hay varios elementos iguales repartidos por la foto, conseguir que uno de ellos destaque entre todos nos permitirá conseguir un efecto muy especial en nuestra toma.

• Ten en cuenta el punto de vista. No te limites a hacer siempre las fotos desde la misma altura. Aunque es la forma más cómoda, es también la que resultados menos interesantes da. Así que prueba a agacharte o subirte a algún sitio, seguro que tus fotos toman una nueva perspectiva.

Diego Liarte

• Contrasta los objetos de la foto. Es imprescindible que el sujeto principal de nuestra foto contraste correctamente con nuestra foto y que no se confundan si éstos tienen colores similares. Así que, siempre que sea posible, debe existir el contraste suficiente para resaltar claramente el objeto principal del fondo de la fotografía.

Vía | dZoom

El post que viene a continuación es fruto de la sensación personal que tengo entorno al mundo que rodea al fenómeno de la lomografía, además de ser una opinión personal e intransferible.

Después de este disclaimer, empecemos a despotricar (tranquilos, solo un poco).

A raíz de esta entrada en el interesante blog de Juan Luis Polo, me he decidido a escribir lo que pienso sobre la lomografía. Ya os hemos hablado de lo que es la lomografía aquí, en XatakaFoto, por lo que no me entretendré en explicarlo, parto de que ya sabéis de qué se trata. Lo que sí pienso hacer es remarcar las que creo que son sus dos características visuales más llamativas:

• Viñeteado bastante destacado.
• Alta saturación de los colores.

Nada criticable en estos aspectos. Es lo que hay con las fotos lomo y hay que asumirlo. Estas características, per se, no son negativas. Lo serían siempre consideradas desde la globalidad de la fotografía.

Pero el fenómeno lomo va más allá de hacer fotografías con cámaras defectuosas que producen ciertos resultados. Existe una lomolifestyle. Sí, con sus "reglas" y decálogos. Si no me crees, aquí tienes las 10 LomoReglas (nos detendremos con calma en una de ellas más adelante) e incluso un bonito y largo decálogo de 95 puntos de Gerald Matt, un miembro de la Sociedad Lomográfica, que presentó en el WorldLomoWall de Londres durante el año pasado. Puedes leerlo en el blog a-z fotográfico y os lo recomiendo encarecidamente. Ha logrado mantener una sonrisa en mi cara durante un buen rato. Y que nadie se lo tome demasiado a pecho, es irónico y autoparódico (o almenos eso es lo que me ha parecido a mi). También lo utilizaremos posteriormente.

Una vez hemos nombrado los aspectos técnicos de la lomografía por un lado y hemos referenciado la filosofía de la lomolifestyle, necesito cambiar un poco de tema para enlazarlo más tarde con el mundo lomo: ¿Qué es lo que me gusta en una fotografía?

El tema puede dar para un libro entero, pero aquí vamos al grano. Cuando me hago esa pregunta, yo respondo que lo que me gusta en una foto es que me despierte una sensación. Asco, belleza, paz, soledad, tristeza y un interminable etcétera. Y ¿cómo se logra despertar una sensación? Pues me atrevo a responder que utilizando las siguientes herramientas:

• La técnica.
• Captar el momento adecuado.
• El significado que tiene aquello fotografiado.
• La belleza de los elementos fotografiados (entiéndase belleza como la particularidad de las formas, algo que llama la atención. Yo soy algo feo y a veces salgo bien en las fotos...).

Volvamos a hacer un giro hacia la lomografía. En un principio, con ésta, sólo podemos tener problemas en el primero de los cuatro puntos anteriores. Podríamos hacer buenas fotos (perdón, mejor dicho, fotos que puedan despertarme una sensación y por lo tanto gustarme) con el resto de herramientas disponibles. Pero esto es una verdad a medias, ya que para lograr utilizar bien las tres últimas herramientas hay que tener alguna noción técnica (donde colocar el sujeto, enfocarlo, exponerlo adecuadamente, etc, o almenos tener alguna idea del resultado final para poder romper estas mismas reglas), si no, la fotografía se convierte en algo aleatorio, fruto de la casualidad. Aún así, supongamos que no es necesario el conocimiento técnico. Existe un problema con la filosofia de la lomografía. Concretamente con la regla número seis del movimiento lomográfico, la única a mi modesto entender, que chirría (y mucho). Y es que dice así:

No pienses. (...) Directamente disparas, Don't think, diviértete y déjate sorprender de todas las oportunidades que te ofrece.

¿Divertido? Seguramente. ¿Interesante para los espectadores de estas fotos? Responde tú mismo. No pensar, algo, lo mínimo, convierte la fotografía en un resultado probabilístico no en un proceso.

Y por si no fuera poco, en el decálogo que hemos citado anteriormente, hay dos punto realmente interesantes que rezan lo siguiente (en el apartado analógico vs. digital):

4. Recela de los fotógrafos digitales: su falta de imaginación es contagiosa.

9. Evita asociarte con fotógrafos digitales. Son la mala suerte personificada. Carecen de imaginación y de pasión.

Repito que se debe leer en clave de humor, que no se enfade nadie, pero si hay algo que me cansa de la lomolifestyle es esta pretensión de que se trata de una corriente altamente imaginativa. Disparar sin ton ni son, a expensas de que la suerte produzca un resultado interesante, me parece una carencia patológica de imaginación. Llevar la cámara a todos los rincones y disparar a cosas poco usuales es muy original, pero disparar por disparar es tontería.

Me gustaría destacar, por si lo parece en lo anteriormente escrito, que el uso de la técnica en la fotografía tampoco es un fin, sinó un medio. Romper las reglas también puede producir un resultado magnífico. Ignorar los tres tercios, centrar horizontes, subexponer, sobreexponer, buscar trepidaciones... Pero hacerlo con un objetivo, con un plan, aunque el resultado no sea el esperado o planeado.

Aún así, las buenas fotos hechas con una lomo me gustan. Quizás me acabe comprando alguna. Pero os aseguro que, antes de hacer una foto, pensaré (luego existo).

Os sugiero que hagáis una búsqueda de fotografías interesantes y atractivas hechas con una lomo en, por ejemplo, el grupo de flickr lomo Spain. Hay unas cuantas, de verdad.

Fotografía | Flickr de capitan-patata