A la hora de revelar nuestras fotografías hay mucha confusión. Hay gente que opta por seguir los consejos de los libros de un autor reconocido. Otros miran cientos de videos de internet y mezclan o intercalan las técnicas en función de la imagen... Pero vamos a hablar sobre un secreto a voces, una de las funciones esenciales del revelado. Vamos a reconocer la importancia de dirigir la mirada del espectador.

Todo los fotógrafos queremos conocer las técnicas secretas de Adobe Photoshop, Capture One o cualquier programa que tenemos ahora en el mercado. Parece que lo importante es conocer la función de todos y cada uno de los parámetros, la función de todas las herramientas y los pasos que hay que dar para conseguir uno u otro efecto que vemos en las redes.

Y la técnica es importantísima. Sin ella no podremos hacer bien nuestro trabajo. Igual que con las máquinas. Una buena cámara ayuda, todavía más un buen objetivo. Pero no todo depende de las herramientas. Son un paso más en el camino de un fotógrafo. Hay que saber elegir con cuidado. No tiene mucho sentido llevar las mejores botas de montaña para caminar por la orilla del mar en verano. Igual solo basta con unas buenas sandalias o incluso ir descalzo...

La fotografía en bruto

Pero de lo que no nos libra nadie es de saber mirar e interpretar la escena que se despliega ante nuestros ojos. Es el concepto de la visualización. Y de él depende el éxito o el fracaso de nuestro trabajo. La misión del fotógrafo, la misión más importante es conseguir trasmitir lo que vio. Y para conseguirlo tiene que dominar el revelado o saber explicar qué es lo que quiere a sus trabajadores.

Dirigir la mirada del espectador

Cuando nos sentamos frente al monitor del ordenador y abrimos nuestro archivo, aquel al que vamos a dedicar el tiempo que nos queda, tenemos que mirarle directamente a su interior y rememorar o averiguar qué es lo más importante para nosotros o para el proyecto fotográfico que tengamos entre manos.

De este simple primer paso depende todo lo demás. Da igual que tengamos la mejor cámara, el objetivo más nítido o el programa más avanzado. Si no sabemos lo que queremos enseñar, todo será inútil. De verdad, Hasta el hecho de disparar en Manual o conocer la vida y obra de Cartier Bresson.

Nuestra función es hacer un buena fotografía y saber contarla. Es una sola cosa. Es más fácil si lo tenemos decidido en el momento de apretar el obturador. Pero lo podemos decidir en el momento de abrirla en cualquier programa. No nacemos con la lección aprendida.

La opción elegida (ejemplo exagerado)

Hacemos una foto de una escena porque algo nos ha llamado poderosamente la atención. Un objeto destaca sobre los demás. Y con el revelado debemos potenciarlo. Es, sobre el papel, así de sencillo. Pero a muchos de los fotógrafos que empiezan les cuesta mucho y ajustan los diversos valores dando la misma importancia a todo el conjunto.

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¿Tiene sentido hablar de reglas de composición en fotografía?

En la fotografía del artículo, en los tejados de la catedral de Milán vemos tres objetos importantes. Una de las esculturas y dos de los horribles edificios que la rodean. En principio los tres tienen la misma importancia. Y en función del revelado que hagamos uno de los tres tendrá más peso en el espectador.

El revelado ayuda a dirigir la mirada del espectador

No está de más recordar los consejos de Jay Dickman que recordamos en un antiguo artículo y que siempre consideramos tenerlos en cuenta ante de lanzarse al revelado:

1. El ojo prioriza las zonas más claras y de mayor contraste
2. Siempre buscamos formas reconocibles y luego todo aquello que desconocemos
3. Nos fijamos en el detalle
4. Preferimos los colores cálidos a los fríos

Con estas sencillas reglas podemos conseguir nuestro objetivo. Pero es importante tener claro cuál es. En la fotografía de ejemplo veo dos posibilidades:

1. Dar mayor presencia a la escultura de la catedral.
2. Destacar el papel negativo de los dos rascacielos en la línea del cielo de la ciudad italiana.

Ambas interpretaciones, ambas lecturas, son válidas desde mi punto de vista. Puede que una sea mejor que la otra. Cada uno puede leer o entender las fotografías de forma distinta. Aquí no estamos hablando de cuál es mejor, sino de la que más nos gusta. El espectador es el que dará el ultimátum. Y sobre gustos no hay nada escrito. Incluso es probable que la fotografía no le guste a mucha gente...

La opción número 2 (ejemplo exagerado)

En este caso yo he apostado siempre por dar más relevancia a la escultura. Así que a la hora de revelar decidí tres cosas:

• Oscurecer el fondo con una selección y una capa de ajuste de Curvas para bajar todos los valores. Luego se da un Desenfoque gaussiano en la máscara de capa para difuminar el borde.
• Contrastar la escultura y darle un poco de luz. Igualmente con una selección a mano alzada con la herramienta Lazo (L) y una capa de ajuste de Niveles.
• Darle más acutancia que al resto de la imagen. Con un doble revelado del objeto inteligente y subiendo Textura. Luego, con la ayuda de una máscara de capa y la herramienta Pincel, descubrimos la zona de la escultura.

Todo para conseguir que destaque más, sin que el espectador novel lo note. Porque el buen revelado es aquel que no se ve, que no se percibe. ¿Vosotros con cuál versión os quedáis? ¿La primera, la segunda o consideráis que la imagen no merece la pena?

Aprovechar la regla de los tercios, usar puntos de fuga o desenfocar el fondo son formas más o menos convencionales de dirigir la mirada del espectador de las que ya hemos hablado en otras ocasiones. Sin embargo, si lo que queremos es una forma de destacar a un sujeto en concreto y hacerlo de forma creativa hay que echar mano de otro tipo de recursos.

Se trata de aprender a enfatizar la presencia del sujeto principal al que queremos dar el mayor protagonismo y eliminar posibles distracciones. Y se trata de hacerlo de una forma diferente para que el resultado sea creativo y se aleje de las imágenes más convencionales, como puede ser sencillamente abrir diafragma para que el fondo de la imagen pierda nitidez. No es que esta opción sea mala, simplemente es buena idea conocer otras posibilidades como las que vamos a contar a continuación:

Foto de Ricardo Gómez Ángel

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Cómo mejorar los fondos de tus fotografías para lograr mejores resultados

Aprovechar el contraluz

Incluir el sol en nuestras fotografías es una que opción tiene sus inconvenientes pero también sus ventajas si se hace adecuadamente. Una de ellas es la posibilidad de aislar a un sujeto y llamar la atención sobre él.

Foto de Leah Kelley

Se trata de aprovechar el contraluz para que los rayos de sol hagan que todo (o buena parte de) lo que rodea al protagonista aparezca sobreexpuesto, lavado o con un contraste reducido. Por supuesto hay que tener cuidado que esto no afecte demasiado al sujeto principal, ya que si nos pasamos probablemente acabaremos con una foto fallida. El truco está en tener cuidado con la cantidad de luz que dejamos entrar en el cuadro.

Por eso que es importante que el sol no sobresalga demasiado por detrás de la figura, porque incluso una diferencia de un milímetro puede cambiar drásticamente el efecto, y probar haciendo varias tomas para poder escoger posteriormente.

También hay que tener en cuenta que el mejor momento para hacer este tipo de fotos es durante los atardeceres/amaneceres ya que, como es lógico, la potencia del sol es menor, y que es recomendable subexponer ligeramente para conservar detalles en las zonas más cercanas a los rayos del sol.

Foto de Julia Caesar

Utilizar rayos de luz

La segunda forma de aislar creativamente a un sujeto en una foto también está relacionada con la luz pero en este caso de forma más selectiva. Se trata de aprovechar rayos de luz más o menos aislados para centrar la atención en los sujetos y destacarlos sobre el resto de la composición.

Foto de Brooke Cagle

Este efecto podría ser similar al que conseguiríamos usando un flash, pero en este caso hablamos de aprovechar la luz que podamos encontrar de forma “natural”. Por eso, las ciudades son un buen escenario, tanto por las noches, donde podemos encontrar muchas fuentes de luz artificial distintas (incluyendo cosas como las luces de los escaparates o las pantallas de los móviles), como durante el día en que los rayos del sol pueden incidir entre los edificios.

Sea como fuere, situar al elemento a destacar en esas franjas de luz es una posibilidad muy efectiva, entre otras cosas porque la diferencia lumínica muy probablemente hará que todas las zonas fuera del área más iluminada queden muy atenuadas y el sujeto principal se enfatice claramente.

Foto de Darius Bashar

Usar el movimiento

La posibilidad de jugar con el movimiento que ofrece la fotografía es algo que tiene mucho de magia, y también ofrece la opción de aislar sujetos. De hecho, si hay algo que permanece inmóvil en una imagen mientras todo lo demás se mueve, el efecto puede ser inigualable.

Foto de Roman Koester

Lo cierto es que las posibilidades son casi infinitas, pero básicamente hablamos de utilizar una velocidad de obturación lenta para que en la imagen prevalezca el desenfoque de movimiento excepto en el sujeto principal. Esto se puede hacer básicamente de dos formas; la primera acompañando el movimiento del protagonista, es decir lo que normalmente se conoce como barrido (o paneo).

La otra posibilidad es dejar la cámara fija en un punto donde haya mucho movimiento, en cuyo caso lo destacado será lo que permanezca inmóvil. Algo difícil de conseguir en escenas callejeras salvo que contemos con un modelo que posea como en el caso de la foto de abajo.

Foto de Thomas Lefebvre

Rompiendo patrones

Recurrir a la repetición de objetos es una opción muy interesante en fotografía que ayuda a componer de forma efectiva y crear ritmo en las imágenes. Pero usarlos también puede ser una manera de llamar la atención sobre un objeto que introduzcamos en el encuadre rompiendo ese ritmo.

Foto de Karl Köhler

La idea es eminentemente sencilla de entender, no tanto de llevar a cabo si lo que queremos es lograr un gran resultado. Lo más importante es tener un buen ojo para encontrar la situación propicia y lograr que la contraposición entre los patrones de la foto y el elemento destacado tengan un significado tan potente como esta icónica foto de Marc Riboud.

Foto de Michal Pechardo

Limpiando el fondo

Otra opción que tenemos para llevar la mirada del espectador hacia un elemento principal es, literalmente, vaciar de contenido el resto de la imagen. De la importancia de cuidar los fondos de nuestras imágenes es algo de lo que hemos hablado a menudo, y sin duda puede ser clave para conseguir buenos resultados.

Foto de Leio McLaren

Pero ahora hablaríamos de un caso en el que lo de cuidar el fondo sería llevado prácticamente al límite, eliminando en lo posible cualquier elemento que distraiga. La forma más sencilla, evidentemente, es que lo hagamos en un estudio con un fondo elegido a propósito. Sin embargo, el resultado en este caso no sobresaldrá precisamente por su creatividad ni, sobre todo, por su naturalidad. Por eso, lo ideal es buscarlo en un entorno no controlado como en la foto de arriba.

Foto de Fernand De Canne

Utilizar marcos

Nuestra última propuesta es también un clásico que hemos tratado en artículos como éste, porque los marcos son una excelente manera de focalizar la atención del espectador hacia una parte de la imagen. Podríamos pensar que son una forma bastante convencional, pero sus infinitas posibilidades lo convierten en una técnica muy creativa.

Foto de öscar Condés

Pueden ser naturales o artificiales, regulares o irregulares y se presentan en forma de ventanas, ramas de árboles, elementos arquitectónicos… Hay mil y una posibilidades y para aprovecharlas, como en el caso de los patrones, lo más importante es tener el ojo bien entrenado y moverse en busca del mejor encuadre.

Foto de Björn Bechstein

Con esto hemos terminado pero, como estamos seguros de que hay más opciones, os animamos a compartir a través de los comentarios vuestras propias sugerencias de maneras para lograr que el protagonista de una foto destaque de forma creativa. Gracias de antemano.

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Siete fotos que todo aficionado debería hacer cuando empieza en fotografía

Foto de portada | Alex Ronsdorf

Crear una buena composición es sin duda una cuestión fundamental para cualquier fotógrafo. Es más, seguramente es la parte más importante de la formación de un novato (más incluso que la asimilación de la técnica). Sin embargo, aunque al hacer una foto tomemos una serie de decisiones conscientes sobre la disposición de los objetos, raramente nos paramos a pensar tanto en cómo influir en la mirada del espectador de nuestras fotografías.

Es decir, damos mucha importancia al equilibrio o armonía de los elementos incluidos en la escena y no solemos detenernos a reflexionar sobre cómo podemos “atrapar” al espectador y guiar su ojo de una forma natural a través de la imagen. La idea, claro está, es conseguir que la fotografía sea leída de una determinada manera y sus distintos elementos interpretados con un cierto orden, o al menos que el espectador rápidamente dirija su mirada hacia el elemento principal de la foto.

Foto de Eldon Vince Isidro

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Ocho consejos de composición para fotografiar paisajes casi como un profesional

Esto es una táctica muy común en la pintura clásica y, sin embargo, no resulta tan común en fotografía. Lógicamente, en ello influyen muchos motivos, como que el acto fotográfico en muchas ocasiones es algo muy rápido, que sucede en un instante sin dar tiempo a pensar en cómo dirigir la mirada del espectador dentro de la imagen de forma más o menos controlada.

No digamos ya si hablamos de fotografía deportiva o incluso street photo, donde la rapidez es lo crucial y suele ser muy complicado componer conscientemente las fotos pensando en este tema. Sin embargo, en fotografía de paisaje, bodegones o incluso retrato sí que deberíamos tenerlo en cuenta y usar alguna de las técnicas que os contamos a continuación.

Incluye un punto de fuga

Foto de Juhasz Imre

La forma más rápida y directa seguramente es aprovechar la perspectiva y hacer que la mirada se dirija rápidamente hacia donde queremos creando un punto de fuga en ella. Tal y como os contamos en este artículo sobre el tema, este recurso se basa en incluir en la imagen un “punto imaginario” al cual parezcan converger dos o más líneas, y se consigue sobre todo utilizando objetivos gran angular.

Gracias a ello no sólo dirigiremos la mirada de forma muy efectiva, y natural, sino que también lograremos crear una fuerte sensación de profundidad y tridimensionalidad, algo que aportará un valor añadido para dar más realismo a la foto.

Incluye una zona más brillante

Foto de Krivec Ales

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Trucos y consejos para hacer fotografías de niebla y neblina

Otra técnica bastante sencilla que puede ayudar a dirigir el ojo del espectador es incluir alguna zona en la imagen que sobresalga del resto por su brillantez. El ojo humano se ve atraído de forma natural por los elementos más brillantes, de modo que si hacemos esto lograremos su atención de forma prácticamente automática.

Sin embargo, es importante recordar que la clave de esta técnica es no pasarse, y conseguir que la transición entre esta zona que resalta más y el resto se lo más gradual posible. Si no es así, o si incluimos pequeñas zonas brillantes en medio de tonos más oscuros, el efecto logrado no será tan efectivo (ni natural).

Echa mano de las reglas de composición

Foto de Ajay Goel

Empezando por la manida regla de los tercios, que es otra técnica que puede ser muy útil a la hora de dirigir al ojo a través de la imagen. Y es que, como sabréis, la conjunción de las líneas imaginarias en que se basa esta regla crea unos puntos fuertes en donde colocar elementos que queramos tengan mayor visibilidad.

También tenemos la proporción áurea, que como sabréis se basa en un cálculo matemático y en arte se materializa a través de una forma de espiral, similar a la que hay en las conchas de los caracoles. Este recurso también ha sido muy usado en pintura clásica, y desde luego puede aplicarse en fotografía, aunque hacerlo requiere cuidar mucho la composición, por lo que sólo sería aplicable en “tomas muy pensadas”.

Utiliza marcos en la imagen

Foto de C Chapman

Otro recurso para focalizar y guiar la mirada del espectador es utilizar marcos en las fotografías, algo que tratamos ampliamente en este artículo. De nuevo se trata de una técnica bastante sencilla de usar y que tiene un efecto casi automático si se utiliza bien.

Sobre todo es una potente forma de dirigir al espectador hacia el elemento principal de la fotografía, pero también tiene otras funciones adicionales: Ayuda a crear profundidad, a organizar los elementos y a dar contexto a una imagen. Por ello, sin duda es un recurso muy válido para nuestros propósitos.

Introduce ejes de luz

Foto de Theo Crazzolara

Podemos llamar así a una técnica que consiste en incluir en la fotografía rayos de luz con el fin de dirigir a los espectadores en la dirección correcta. Este recurso se da sólo en condiciones muy específicas, porque está claro que los rayos de luz no siempre van a estar disponibles, pero si los encontramos pueden ser una herramienta muy útil para señalar una dirección o guiar la mirada hacia un objeto específico dentro de una fotografía.

Como os podéis imaginar, el momento más propicio para este tipo de recurso son los atardeceres y amaneceres, cuando los rayos del sol llegan en diagonal creando una atmósfera muy sugerente para fotografiar, pero también se pueden conseguir en otras situaciones (como en el tupido bosque de la foto) e incluso con luz artificial.

Usa el desenfoque

Foto de Harpal Singh

Aprovechar las ventajas del desenfoque, a través del control de la profundidad de campo, es otro método para guiar al ojo del espectador. El resultado quizá no sea tan natural como en el caso de otras técnicas que os estamos contando (al fin y al cabo nuestro ojo enfoca todo nuestro campo de visión de forma natural y automática), pero desde luego es muy efectivo y también ayuda a crear profundidad.

Y es que mostrar una imagen en la que sólo haya una zona nítida, normalmente en el centro del plano (con una parte borrosa en primer término y en el fondo) es una manera definitiva de atraer a un espectador hacia un elemento o zona muy concreta de una imagen.

Mezcla todo lo anterior

Foto de Björn Bechstein

Por supuesto, siempre podemos echar mano de dos o más de las técnicas que os hemos explicado para conseguir incluso un efecto mayor. Por ejemplo, la regla de los tercios es muy fácil de implementar y por tanto se puede combinar con cualquiera de los otros recursos de forma rápida.

Porque bien es cierto que no siempre va a haber tiempo para ponerse a pensar en cómo utilizar estas técnicas, pero es útil tenerlas en mente y practicarlas siempre que se pueda, para que sea más fácil ponerlas en práctica de forma intuitiva. Gracias a todo ello nos resultará mucho más fácil dirigir la mirada a través de la imagen, algo que desde luego no es una ciencia exacta pero sí que se puede propiciar con una composición adecuada siguiendo los consejos que os hemos dado.

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Las ventajas (e inconvenientes) de utilizar ópticas antiguas en las modernas cámaras digitales

Foto de portada | ramy Kabalan

Hoy toca una nueva recopilación de truquitos de los que tanto os gustan. En este caso, hablamos sobre maneras de dirigir la atención cuando se observa una fotografía.

No deberíais pasar por alto estas pequeñas recomendaciones ya que son realmente sencillas de aplicar. Y mucho menos subestimarlas, ya que poseen un efecto muy intenso sobre la persona que observa la fotografía.

1. Uso del viñeteado

Al fin y al cabo se trata de un marco que conduce nuestra atención hacia el centro de la fotografía. A pesar de ser una aberración por el uso de determinadas lentes, hoy en día se utiliza mucho como recurso estético, debido a la facilidad para reproducirlo mediante los programas de edición digital.

Personalmente encuentro que hoy en día se utiliza demasiado y su poder de direccionar la atención es bastante limitado.

23 de Olivia

2. Utilizar marcos

Pueras, ventanas, huecos... Cualquiera de estos objetos te puede servir para enmarcar el sujeto de tu fotografía. Aquí lo que deberás cuidar es medir la luz en este mismo sujeto para que esté bien expuesto y no el marco (habitualmente con condiciones de iluminación muy distintas).

Esto puede ser un buen punto de investigación haciendo cosas poco habituales, como iluminar el marco, tomar diferentes fotos con distintas exposiciones y montar un HDR, etc.

La pega que yo le encuentro es que es un recurso muy poco original y que suele desaprovechar mucho espacio de la fotografía.

Patience is a Virtue de Anderson Mancini

3. Uso de líneas

Las líneas, a mi entender, son el mejor recurso para dirigir la atención. Visualmente tendemos a seguirlas cuando las encontramos en nuestro campo visual. Úsalas para dirigirlas a los sujetos de la fotografía o a los puntos más interesantes de ésta.

A esta recomendación correspondría la fotografía de la cabecera de este post.

4. Llena la fotografía

Cerca, más cerca. ¿Que mejor manera hay de hacer que centremos la atención en algo que convertirlo en lo único que veamos?

Hawkeye de jurvetson

5. Rompe un patrón

Romper un patrón es fácil y muy resultón. El ojo humano, al igual que con las líneas, busca patrones de formas, colores... y si añadimos un elemento que los rompa, no dudes que nuestra atención se verá irremediablemente atraida hacia éste.

Yellow splat de fotologic

Fotografía de cabecera | Reading Between The Lines de Bob Jagendorf Vía | Beyond Megapixels