La Fundación Mapfre de Madrid ha presentado la exposición retrospectiva sobre Bill Brandt, uno de los fotógrafos británicos más influyentes del siglo XX. A través de 186 positivos originales conoceremos a fondo el estilo de un autor que se reconoció deudor de Atget y que renegó de su sangre alemana por su antipatía hacia el régimen nazi.

Bill Brandt es quizás uno de los fotógrafos que mejor han trabajado en el laboratorio para buscar un estilo personal reconocible. No buscaba la realidad en sus copias, sino su forma de ver el mundo. Y esto es algo que no podemos separar de su trabajo.

A lo largo de la exposición que podemos ver en la Fundación Mapfre de Madrid conoceremos, como cuentan las primeras líneas de su biografía, a:

un hombre que amaba los secretos y los necesitaba. La cara que presentaba al mundo era la de un caballero nacido en Inglaterra, alguien que fácilmente podía armonizar en las carreras de Ascot que tanto le gustaba fotografiar.

El recorrido está dividido en seis secciones que nos permiten conocer todos los campos que tocó en la fotografía, desde la callejera hasta el desnudo o el retrato. Y en todos y cada uno de ellos el trabajo en el laboratorio se convierte en algo esencial.

Un fotógrafo único

No responde al patrón de los fotógrafos humanistas de mediados del siglo XX. Ni siquiera salía a buscar la imagen, sino que muchas veces se servía de la escenificación para conseguir sus objetivos. Muchos de los disparos callejeros que vemos están protagonizados por sus familiares y amigos.

Bill Brandt Tarde en Kew Gardens, 1932 Evening in Kew Gardens 25,24 x 20,48 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.

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Es una visión teatral de la vida cercana a su forma de ver el mundo. El espectador se siente atrapado al contemplar situaciones y personajes que parecen reales (ojo, muchas veces lo son) pero te cuesta distinguir si es momento real o imaginado.

Esta forma de trabajar, al principio de su carrera, marcará su trayectoria y definirá su estilo cuando se enfrente a los retratos y a los desnudos. Por ejemplo, cuando publicó 'A night in London' (1938), con la inspiración del trabajo de Brassai en París, utilizó a su familia y su entorno para conseguir un ambiente similar.

Bill Brandt Sirvienta y sirvienta segunda preparadas para servir la cena, 1936 Parlourmaid and Under-parlourmaid ready to serve dinner 23,81 x 20,32 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.

Sus retratos se publicaron en varias revistas. Son contrastados, extraños y perfectos. Delatan el conocimiento que tenía de la persona que posaba para él. Era un fotógrafo con una formación exquisita y un gusto único para reconocer a las grandes personalidades. Y llegó a centrarse solo en los ojos de los personajes para contarnos cómo eran.

Bill Brandt Francis Bacon en Primrose Hill, Londres, 1963 Francis Bacon on Primrose Hill, London 25,40 x 20,32 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.

Se enfrentaba al paisaje como un pintor. Si hubiera vivido en la actualidad sería, sin duda, un virtuoso del ordenador sin caer en los tópicos de algunos neopictorialistas. El contraste siempre está presente, con negros muy profundos. Y si necesitaba una doble exposición en el laboratorio, no tenía ningún problema en hacerlo.

El desnudo era su género favorito, tal como cuenta en la entrevista que podemos ver al final de la exposición. Incluso utilizó una cámara angular extrema, una Hasselblad que podemos ver, para generar esas distorsiones tan parecidas al trabajo de uno de sus escultores más admirados.

Bill Brandt Desnudo, Londres, 1952 Nude, London 22,86 x 19,37 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.

En definitiva, estamos ante una exposición que no nos podemos perder para aprender y entender a uno de los mejores fotógrafos británicos (nacido alemán) del siglo XX. La Fundación Mapfre ha conseguido de nuevo atraer todas las miradas de los fotógrafos que entendemos que no somos nada si no conocemos el pasado. Y Bill Brandt es uno de los autores más modernos de la historia. Murió en 1983 pero podría pasar como un fotógrafo actual.

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La exposición estará abierta hasta el 29 de agosto en la Fundación Mapfre Sala Recoletos (Paseo de Recoletos 23, Madrid).

• Bill Brandt
• Horario: Lunes (exceptofestivos) de 14:00 a 20:00h. Martes a sábados de 11:00 a 20:00h. Domingos y festivos de 11:00 a 19:00h.
• Sala Recoletos Paseo de Recoletos 23, Madrid

Han inaugurado en la Fundación Mapfre de Madrid, en su sede del Paseo de Recoletos, la exposición retrospectiva de Tomoko Yoneda, una fotógrafa japonesa. Es la primera que se organiza en España después de ser reconocida como una de las autoras más interesantes del panorama internacional. Su trabajo evoca, sin aspavientos, las duras historias pasadas para ayudarnos a recordar lo que no tendría que volver a pasar.

Hacer fotografías no es fácil en absoluto. Exige mucho tiempo y dedicación. Tomoko Yoneda estudio en la University of Illinois en Chicago, y luego obtuvo el master del Royal College of Art de Londres. Una vez dominada la técnica - sorprende ver la calidad de las distintas series realizadas con antiguas Kodak Brownie u Olympus de medio formato (la mitad de un 35 mm)- hace falta tener ideas e historias que contar.

A lo largo de 17 series, algunas inacabadas, Tomoko Yoneda busca contar a través de la cámara todo lo que le sugiere la historia pasada. Parte de su país pero es capaz de moverse por todo el mundo, hasta por España, donde realiza dos series. En una época donde salimos poco es un alivio contemplar un trabajo tan completo como el de esta autora.

Tomoko Yoneda, más allá de la memoria

Nació en 1965 en la ciudad japonesa de Akashi. Sale joven de su país para estudiar periodismo en los EEUU pero la fotografía se cruza en su camino. En Chicago entra en la escuela de la New Bauhaus, heredera de la creada por László Moholy-Nagy.

Y es algo que se aprecia en su obra. Por lo menos destacan dos de sus preceptos que podemos leer en el manifiesto que elaboraron a principios del siglo XX: Simplicidad y efectividad y un desarrollo constante.

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Luego fue a Londres, donde se instaló a vivir y cursó el máster de fotografía de la Royal College of Art, cuna de muchos famosos fotógrafos.

De la serie Una década después River—view of earthquake regeneration housing project from a river flowing through a former location of evacuees’ temporary accommodation Río. Vista del complejo de viviendas para la regeneración tras el terremoto desde un rio que atraviesa la antigua los evacuados 2004 Copia cromogénica

Su trabajo destaca por la investigación previa. No busca reflejar el momento histórico sino los efectos de los hechos acontecidos allí en el presente. Y consigue emocionar en algunos momentos. Su fotografía sin duda es fría, conceptualista. Pero es ajena a los argumentos vacíos que muchos autores solo saben rellenar con discursos llenos de lugares comunes.

Personalmente me ha emocionado una de las series más sencillas: 'Más allá de la memoria y de la incertidumbre'. Solo son tres fotografías. En blanco y negro. Minimalistas. Pero con una carga emocional única. Transcribo la cartela que podemos leer en la exposición:

De la serie Más allá de la memoria y la incertidumbre American B-52 returning from a bombing raid on Iraq, Fairford, England B-52 estadounidense regresando de un bombardeo en Iraq, Fairford, Inglaterra 2003 Copia cromogénica

De niña, los padres de Yoneda solían contarle historias sobre sus experiencias durante la guerra y cómo veían pasar los Boeing B-29 americanos. El modelo B-29 Superfortress fue un bombardero estratégico estadounidense intensamente utilizado en Japón, entre otras cosas para para lanzar las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. Este recuerdo de infancia es reimaginado por Yoneda cuando viaja en 2003 a una base militar en Inglaterra para fotografiar el B-52 Stratofortress estadounidense que regresa de bombardear Bagdad durante la guerra de Iraq. Con ello Yoneda sugiere que la misma historia que le contaron sus padres sobre los bombarderos americanos volverá a ser contada a los niños iraquíes en el futuro.

Es un ejemplo de lo que podemos encontrar en las salas de la Fundación. La sala de Bárbara de Braganza, donde siempre hemos visto las exposiciones de fotografía, permanece cerrada...

Son 17 historias, con pequeñas vitrinas donde podemos ver los libros y referencias de la autora. Así como dos de las cámaras que ha empleado en dos series: la Brownie de Kodak y la Olympus Pen que sacaba dos fotografías verticales en el espacio de un negativo de 35 mm... Con un solo carrete podías hacer 72 fotografías.

Las series son muy dispares en cuanto a técnica, dimensiones y desarrollo. Pero el fondo melancólico de la autora está siempre presente. Muy original Entre lo visible y lo invisible, donde podemos ver textos de importantes figuras del siglo XX a través de sus gafas. En el encuadre vemos la montura de Le Corbusier y un texto autógrafo del arquitecto.

De la serie Entre lo visible y lo invisible Las gafas de Freud, viendo un texto de Jung II 1998 Copia de plata en gelatina

Muy crítica con la guerra y sus efectos, con el mismo pensamiento antibelicista de Albert Camus, reflexiona sobre las consecuencias de las batallas de su propio país y por supuesto de todo el daño que ocasionó EEUU en las muchas guerras en las que estuvo implicado.

De la serie El sueño de las manzanas Lorca’s ‘La Barraca’ overalls El mono de Lorca en La Barraca 2020 Copia cromogénica

De hecho las series que ha hecho en España versan sobre los escenarios de la guerra civil y una serie dedicada a Lorca, a ese mono azul de La Barraca, que llevaba cuando actuaba en los pueblos con las obras de los grandes clásicos.

La exposición en la Fundación Mapfre

La Fundación Mapfre sigue la línea perfecta que ha marcado desde hace mucho tiempo. Siempre trae retrospectivas de fotógrafos consagrados o figuras emergentes como la que podemos ver ahora. La exposición de Tomoko Yoneda es un descanso visual para una sociedad cansada como la nuestra.

Entrar en las salas de esta exposición es una cura, una invitación a la reflexión y a ver las múltiples realidades de otra forma. Para contar tu forma de mirar no se necesita hacer ruido. No es necesario el adorno ni ser pedante.

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Así que si estás por Madrid y puedes acercarte a la sala seguro que vas a disfrutar de lo que es la fotografía. Es una autora de las que hay que tener en cuenta porque realmente es capaz de comunicar a través de la cámara. Y no os olvidéis de hojear el catálogo, una referencia y un clásico dentro de las retrospectivas organizadas por la Fundación Mapfre.

• Tomoko Yoneda
• Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos, 23. Madrid)
• Precio: 4€
• 11 de febrero - 9 de mayo de 2021
• Lunes (excepto festivos): 14:00 - 20:00 h Martes a sábados: 11:00 - 20:00 h Domingos y festivos: 11:00 – 19:00 h

El otoño se siente cada vez más. Mientras vemos el paso del cambio de estación podemos a sentarnos en esta fresca tarde a ver un resumen de las publicaciones más llamativas de la semana. Bienvenidos a una nueva Galaxia Xataka Foto.

• El lunes de esta semana arrancó con la galería de imágenes ganadoras del MontPhoto 2020. El premio internacional nos muestra algunas de las más llamativas fotografías de naturaleza. En esta 24 edición, más de 14.000 fotos concursaron, con imágenes de fotógrafos de más de 68 países. Unas imágenes que nos recuerdan lo magnífico de la naturaleza y que no nos podemos perder.

• El martes llegó con el llamativo trabajo de ‘Ucrónicos’, un fotolibro de María Antonia García de la Vega en el que la fotógrafa muestra una serie de retratos realizados a colegas y amigos, distorsionando la historia y transformando a los personajes en figuras históricas del Renacimiento y la Ilustración. Un llamativo trabajo que transforma la historia con estilo.

• El miércoles llega con un tutorial para los amantes de la fotografía y la edición móvil. En nuestra guía, presentamos cómo manejar la APP de Snapseed, disponible para iOS y Android. En esta primera parte de la serie, se muestra cómo utilizar el poder del software para editar fotografías de paisaje urbano.

• El jueves llegó con la inauguración de un nuevo espacio dedicado totalmente a la fotografía. La fundación Mapfre inaugura KBr. El nuevo espacio cuenta con espacios de salas de exposiciones, librería y salas de conferencias que serán un templo de la fotografía acá en España. Cuando todo esto pase, seguro nos encontraremos paseando entre sus pabellones, viendo, aprendiendo y viviendo más de la fotografía.

• El viernes cierra con un vistazo en profundidad a una de las nuevas herramientas que llegan con las nuevas versiones de Photoshop Elements y Premiere Elements 2021. El nuevo software de Adobe incluye cada vez más herramientas basadas en los desarrollos de IA de Adobe Sensei, y en esta versión uno de ellos es la herramienta de ajuste de mirada. Con la nueva función, los usuarios podrán cambiar la dirección de la mirada de las personas en una fotografía con tan solo modificar un controlador.

• La semana también nos brindó un nuevo regalo para los amantes de la astrofotografía y la música. La NASA se encuentra realizando un proyecto llamado 'Data Sonification'. A través de programar señales de información visual para reproducir elementos sonoros, los desarrolladores pueden crear un mapa sonoro y musical a partir de algunas de las imágenes capturadas con el telescopio espacial Hubble, el telescopio de rayos X del observatorio Chandra y el telescopio espacial Spitzer. Una hermosa y llamativa forma de disfrutar y conocer más sobre el centro de la Vía Láctea.

• Desde Cultura Inquieta llega una interesante galería de imágenes que se encuentra actualmente en exhibición en la Leica Gallery Madrid. La fotógrafa Emilia Brandão presenta "En tiempos de cura", una serie de retratos a profesionales de la salud que se encuentran luchando día a día para salvar a muchos contra el COVID-19. A través de 150 profesionales retratados, se rinde un homenaje a estos héroes y hace un llamado de conciencia alrededor de los esfuerzos y la presión que recae en ellos durante estos momentos de crisis.

*Para finalizar, desde DPReview llega la nueva versión de Disk Drill 4. Un software para aquellos fotógrafos que necesitan salvar discos y recuperar su información, o simplemente buscan un software que les permita realizar copias seguras de este material. La nueva versión del software hace más fácil el proceso y tiene mayor compatibilidad que la versión anterior de la que os hablamos hace un tiempo.

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Esto es todo por hoy, no olvidéis dejarnos vuestras pistas, consejos y comentarios a través del formulario de contacto de Xataka Foto. ¡Hasta la próxima!

El día 9 de octubre abrirá en Barcelona KBr, uno de los mayores centros fotográficos que podemos visitar en España. 1400 m² para salas de exposiciones, espacio para actividades educativas, una sala polivalente para convocatorias con público y una librería. Un lugar que se convertirá, cuando todo mejore, en un lugar de peregrinaje para los fotógrafos. Y empieza con dos retrospectivas dedicadas a Bill Brandt y Paul Strand.

Para los que amamos la fotografía es importante poder visitar exposiciones y lugares en los que aprender todo acerca de nuestra pasión o trabajo (o ambas cosas). La Fundación Mapfre siempre ha tenido interés en la fotografía. Desde 2006 organiza regularmente exposiciones que se han convertido en el paso del tiempo en una de las referencias más importantes.

En sus salas hemos podido ver la obra de algunos de los autores más importantes de la historia de la fotografía. Es verdad que no han profundizado en la producción de artistas españoles pero han traído a España la obra de autores que nunca se habían visto como Walker Evans, Hiroshi Sugimoto, Cartier Bresson, Bruce Davidson... y junto con la exposición han presentado catálogos que se consideran referentes para su estudio. Qué ganas de que algún día anuncien la retrospectiva de Richard Avedon...

Y recordar que siempre han montado exposiciones con las obras originales, con copias vintage que permiten conocer a la perfección la técnica del fotógrafo. Siempre se aprende más de una fotografía que pasó por las manos del autor que con una copia moderna.

Esta semana han inaugurado en Barcelona el Centro de fotografía KBr para seguir la misma línea y proponer:

un programa educativo de carácter permanente y orientado a la formación de las futuras generaciones en la comprensión del lenguaje fotográfico y de su dimensión artística. También se programarán encuentros y ciclos de conferencias, aunque, debido a la crisis sanitaria provocada por la COVID-19, estas iniciativas se pondrán en marcha a partir de 2021. Como complemento a todas estas actividades y exposiciones, se creará un premio de proyección internacional.

Además promocionarán la fotografía en el ámbito catalán apoyando la promoción y la difusión de los fotógrafos de Cataluña.

La sede está situada en la Torre MAPFRE, uno de los referentes arquitectónicos de la ciudad. Un espacio lleno de curvas a pie de calle con dos salas de exposiciones, un espacio para actividades educativas, una sala polivalente para convocatorias con público y una librería.

Sede del Centro KBr

El nombre del nuevo centro se refiere al:

Es el símbolo químico del bromuro de potasio, una sal que se utiliza en el proceso de revelado de la fotografía analógica. Su principal función consiste en frenar o retrasar la acción del agente revelador con el objetivo de impedir la formación del llamado “velo químico”, lo que permite obtener una mayor pureza de blancos en la imagen.

El centro abre sus puertas con dos grandes muestras. Por un lado, una amplia retrospectiva de Bill Brandt y otra de Paul Strand. Ambas exposiciones podrán visitarse del 9 de octubre de 2020 al 24 de enero de 2021.

Dos exposiciones para inaugurar el centro KBr dentro de PhotoEspaña

Las retrospectivas de Bill Brandt y Paul Strand son las encargadas de inaugurar el centro. Y como indican en la nota de prensa, hasta que no pase la alerta sanitaria no podrán empezar con los encuentros y ciclos de conferencias.

Río Cuckmere, 1963 Cuckmere River 20 x 24,13 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.

La exposición de Bill Brandt será la primera retrospectiva sobre este fotógrafo británico que se presenta en España. Sus imágenes llenas de contraste extremo de paisaje, desnudo y contenido social marcaron a muchos fotógrafos posteriores. Y él siempre reconoció el trabajo de Atget.

Inaugurará el nuevo centro y recorrerá varias ciudades europeas, incluida Madrid.

La otra exposición ya pasó por la sede de Madrid. La retrospectiva de Paul Strand permite descubrir el trabajo de un fotógrafo que contribuyó a considerar a la fotografía como una expresión artística más. Es uno de los fotógrafos más meticulosos que se conocen.

Wall Street, New York, Wall Street, Nueva York,  1915 Impresión al platino paladio Colecciones Fundación MAPFRE © Aperture Foundation Inc., Paul Strand Archive

La calidad de sus copias es impresionante. Además las 110 fotografías de la exposición forman parte de la colección permanente de la Fundación, lo que la convierte en la más completa del autor custodiada en una institución europea.

Así que tenemos otro motivo más para desear que pase la crisis sanitaria en la que estamos inmersos y podamos ir a Barcelona a disfrutar del mar y perdernos por las nuevas salas de un nuevo centro que nos permitirá descubrir la historia y la evolución de la fotografía.

• Centro de fotografía KBr
• Avenida del Litoral, 30
• Lunes (festivos incluidos): Cerrado; Martes a domingos (y festivos): 11:00 – 19:00 h
• Entrada: 5€

Lee Friedlander es uno de los fotógrafos más prolíficos del siglo XX. Tiene una de las obras más extensas y complejas de los artistas americanos. Con solo 28 años participó en su primera exposición colectiva en el MoMA de Nueva York. Su estilo parte del arte pop con la idea de romper los esquemas tradicionales. En la Fundación Mapfre de Madrid podemos conocer su trabajo hasta el 10 de enero de 2021.

Lee Friedlander (14 de Julio de 1934) empezó a fotografiar en el instituto. Tras graduarse se inscribió en el Art Center School of Design de Los Ángeles pero lo dejó desencantado por el nivel de las clases. Todo cambió cuando conoció al pintor y fotógrafo Alexander Kaminski, un punto clave en su formación.

A partir de entonces se deja llevar por la intuición armado con su Leica o ahora con su cámara de formato medio. La clave es encontrar la forma de romper los moldes, ofrecer siempre algo nuevo que nunca se ha hecho. Hacer algo cercano a la libertad creativa solo con la ayuda de la intuición y una cámara.

Lee Friedlander Oregón, 1997 Imagen de plata en gelatina 51 x 40,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

En la exposición de la Fundación Mapfre, comisariada por Carlos Gollonet, encontramos una retrospectiva en orden cronológico de las series del autor. Desde las portadas de los discos de jazz hasta sus amados y venerados libros. También descubriremos, entre las 350 fotografías que componen la exposición, diversos diálogos y asociaciones entre los disparos del autor.

La exposición de Lee Friedlander

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Como viene siendo habitual en la Fundación Mapfre, las copias de las exposición son vintage. Son fotografías originales positivadas por el autor a partir de sus negativos de 35 mm de una Leica y de los negativos de formato medio de una Hasselblad con la que trabajó entre 1990-2000.

El valor es incalculable. No vemos una interpretación de un laboratorio sino la visión real del fotógrafo. Así es como quiere que pasen a la posteridad. Ni más claras ni más oscuras, con más o menos máscaras. La visión de Friedlander es así, por encima de lo que podemos ver en sus libros o en las portadas de los discos de Miles Davis o de cualquier otro autor de la mítica Atlantic Record.

Lee Friedlander Nashville, 1963 Imagen de plata en gelatina 35,5 x 28 cm Colecciones Fundación MAPFRE © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

La exposición son seis décadas de trabajo. Empezamos con una sala dedicada a los discos de jazz. Retratos frontales, picados, recreando la fuerte iluminación cenital que convertía a los músicos en dioses. Quizás es su mayor contribución al mundo del color.

Luego vemos su trabajo en los años sesenta. Sus fuentes (alguna vez habrá que escribir sobre la importancia de las fuentes) son, como en la mayoría de las ocasiones, Walker Evans y Robert Frank. Pero como los buenos creadores no es una copia. Crea un estilo propio en el que empieza a fotografiar lo banal para transformarlo en arte. En cierta manera estamos viendo arte pop, que surgió en aquellos años en los EEUU después de absorber todo lo que llegaba del Reino Unido.

Aquí encontramos la esencia de Friedlander, las imágenes que fundaron el mito. Desde la serie Little Screens donde convierte a la incipiente televisión en un elemento más de la sociedad. Fotografía el aparato en habitaciones vacías, siempre encendida y con un rostro en el interior. Hasta Walker Evans comentó para Harper´s Bazaar la serie de un fotógrafo que hasta entonces solo vivía de las portadas de discos.

Son imágenes aparentemente confusas, donde nada parece ordenado, donde todo parece reflejar el caos. Pero después de leer correctamente la fotografía, todo adquiere sentido.

Lee Friedlander Nueva York, 1963 Imagen de plata en gelatina 28 x 35,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

Durante los años sesenta viajó con su familia por Europa gracias a una beca Guggenheim. Y visitó España, las dos grandes capitales y el sur por la provincia de Málaga. En esta exposición podemos ver algunas de las fotografías, casi inéditas, que hizo por estas ciudades.

Otra sección importante es la dedicada al mundo del retrato. Rompe de nuevo con los convencionalismos de este género. Trata de la misma forma a los desconocidos que a los más famosos. Ahí están los retratos que hizo a sus amigos fotógrafos como Diane Arbus o Walker Evans:

Estos rostros son vestigios impresos de los roces de Friedlander con la vida, pequeñas huellas fósiles, así de naturales, sin las numerosas intervenciones causadas por el arte manual.

Los años setenta y ochenta

Nos adentramos en la década de los setenta y los ochenta, en la época en la que suaviza su estilo, en la que las copias bajan el contraste y ganan una gama de grises inmensa. Es el momento de uno de sus libros más celebrados, The american monument, donde plasma como nunca se ha visto los monumentos de su país. O Factory Valleys, donde plasmó la vida de los trabajadores.

Lee Friedlander El padre Duffy, Times Square, Nueva York, 1974 Imagen de plata en gelatina 28 x 35,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

Huye de la perfección y fotografía como respira. Pueden ser el resultado de lo primero que ve al mirar, lejos de los encuadres donde se busca más la perfección del monumento más que su integración con el entorno. No se trata de sacarlos bonitos, sino reales.

Como bien dicen su visión no se corresponde con el instante decisivo de Cartier Bresson, donde todo se desmoronaría después de hacer la foto. Lo que importa en la fotografía de Friedlander es el encuadre preciso. Esta es la seña de identidad del autor y lo que se debería estudiar en todas las escuelas.

Si en sus fotografías faltara algo de lo que vemos se caería como un castillo de naipes, como un arco cuando le quitas la clave. Es difícil llegar a este estado. Y seguro que muchos le acusaran de fotografiar el caos. Pero todo consiste en saber leer la fotografía.

De los noventa a la actualidad

En aquellos años cambió al formato medio para trabajar en el desierto de Sonora y conseguir sacar el detalle hasta sus últimas consecuencias. En principio solo iba a utilizarla para este trabajo titulado The desert seen pero siguió con la Hasselblad Superwide.

Lee Friedlander Parque Nacional de Grand Teton, Wyoming, 1999 Imagen de plata en gelatina 51 x 40,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

Con esta cámara volvió a mirar sus temas clásicos basados en el paisaje americano. Pero visto desde una perspectiva social, alejado de la visión turística y lleno de sentido... Sus trabajos, sus series abarcan más de diez años de trabajo. No es un encuentro casual con la realidad. Es toda una interpretación que exige ver su trabajo con tiempo.

A Friedlander le gusta buscar metáforas visuales que exigen una mirada atenta. Para ello, incorpora un repertorio banal, creando argumentos visuales confusos que sacuden al espectador con un sentido de la ironía derivado de la yuxtaposición de objetos o ideas aparentemente inconexos. Sus ingeniosas asociaciones nos provocan desconcierto al conectar el disparate con la identificación

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Su trabajo es inabarcable. Y en la exposición podemos hacernos una idea de los más de cincuenta libros que ha publicado.... Como decimos muchas veces, no nos queda más remedio que acercarnos a la exposición y aprender, con música de jazz de fondo, en qué consiste esto de fotografiar.

• Lee Friedlander
• Del 1 de octubre de 2020 al 10 de enero del 2021
• Fundación Mapfre
• Paseo de Recoletos, 23, Madrid
• Entrada: 3€ (lunes no festivos gratuito)

En los tiempos digitales que corren siempre llamará la atención que un fotógrafo consiga el éxito y el respeto de sus compañeros con una cámara construida por él mismo. En la sala Bárbara de Braganza de la Fundación Mapfre en Madrid podemos ver una retrospectiva de Richard Learoyd, un artesano de la imagen que sorprende por sus fotografías inspiradas en la historia del arte.

El trabajo de Richard Learoyd (Nelson, Reino Unido, 1966) es totalmente nuevo. Pero sus referencias son clásicas. Para entender su obra hay que conocer la historia del arte: el Renacimiento, Ingres o los prerrafaelitas son esenciales para entender su estilo.

La exposición que podemos ver a partir de mañana hasta el 24 de mayo de 2020 en la sala Bárbara de Braganza de la Fundación Mapfre permite descubrir la obra de un fotógrafo que sorprende por su técnica decimonónica y una temática cercana al horror y el miedo de las primeras pesadillas.

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Sus obras son únicas. No hay copias. Lo que vemos es el original, como si fuera una pintura. Ahí está el valor y la contradicción con los tiempos modernos. En la época de la imagen reproducible un fotógrafo apuesta por jugárselo todo en el momento del disparo.

Richard Learoyd, el fotógrafo comercial que se hizo artista

El camino profesional de Richard Learoyd es un sueño para muchos. Cansado de colaborar con las grandes marcas decidió cambiar de vida y embarcarse en la fabricación de una cámara propia. Esa es su verdadera obra de arte.

Un equipo personal, creado desde cero con el único objetivo de conseguir una máquina que le permitiera hacer fotografías únicas de gran tamaño y de una calidad insuperable. Eso sí, si el disparo no sale bien a la primera, el resultado no sirve de nada.

La cámara oscura dispone de dos espacios unidos únicamente por el objetivo. Uno es la cámara oscura en sí y la otra es el lugar donde se sitúa el fotógrafo. Todo es manual. Las copias son grandes, muy grandes. 50x70" o 50x60". Tardan en revelarse 18 minutos. Si algo ha fallado toca repetir todo el proceso de nuevo.

Lanzarote I, 2017 Copia de contacto a la gelatina de plata 147,3 x 121,9 cm Colecciones Fundación MAPFRE FM002670

Recientemente ha creado una nueva cámara que puede enganchar a su coche para fotografiar fuera del estudio y se ha perdido por Yosemite y por los pueblos de la Europa del este. El resultado es llamativo para alguien que lleva más de 20 años anclado al estudio.

La exposición retrospectiva de Richard Learoyd en la Fundación Mapfre

En la sala Barbara de Braganza, dedicada en exclusiva a la fotografía, podemos ver la retrospectiva de los trabajos de Richard Learoyd. Desde luego no es un homenaje a una obra terminada, sino una visión completa de todo lo que ha hecho hasta este momento.

Como bien avisan en el dossier de prensa, no estamos ante una exposición en orden cronológico, sino temático. Ahí están sus trabajos más reconocidos. Son 45 fotografías (en la exposición de Barcelona hubo más fotografías) y tres temas: 'Nuevas imágenes', 'Retratos y figuras' y 'Naturalezas muertas (vidas detenidas)'.

Octopus I, II, III [Pulpo I, II, III] Fotografías únicas en papel Ilfochrome 172,7 x 121,9 cm, cada una Cortesía del artista y de la Fraenkel Gallery, San Francisco

Esta última es quizás la más polémica. Puede recordar vagamente a Joel Peter Witkin pero sin su poder onírico. Richard Learoyd utiliza los cadáveres de los animales y los modifica, combina o resta para crear otra cosa.

Gemela I, 2012 Twin I Fotografia única en paper Ilfochrome 147,3 × 121,9 cm Courtesy of the artist and Fraenkel Gallery, San Francisco

Con 'Retratos y figuras' investiga y profundiza en el trabajo de los grandes maestros de la pintura. Y lo filtra hasta conseguir una visión personal en la que destaca la luz, la disposición de las figuras y sobre todo, una profunda melancolía.

Grupo familiar I, 2016 Family Group I Còpia de contacte cromogènica, edició de 5 122,6 × 172,1 cm Private collection

'Nuevas imágenes' es el proyecto realizado con la nueva cámara que puede sacar del estudio para fotografiar grandes paisajes americanos, objetos extraños encontrados en las playas y el comienzo de una serie dedicada a los coches quemados que encuentra por EEUU...

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Es distinto a todo lo que hemos visto hasta ahora. Llama la atención por el tamaño de las copias y su aura de obra única. Son fotografías para observar hasta el más mínimo detalle. Y una prueba más de que la fotografía viene de dentro. Nunca una máquina va a conseguir pensar como un ser humano.

• Richard Learoyd
• Del 21 de febrero al 24 de mayo
• Sala Fundación Mapfre Bárbara de Braganza
• Calle Bárbara de Braganza 13, Madrid
• Entrada: 3€ (gratuita los lunes no festivos): 14.00-20.00

En la sala Barbara de Branganza de la Fundación Mapfre en Madrid, uno de los templos de la fotografía, podemos disfrutar de la exposición 'Eamonn Doyle', una de las sorpresas más gratas para este otoño que acaba de comenzar. Solo lleva 6 años en el camino y ya ha sorprendido a propios y extraños con su trilogía de Dublín. Es un nuevo autor que aspira a convertirse en un clásico.

La sala Bárbara de Braganza organiza algunas de las mejores exposiciones de fotografía de la capital. Luego viajan a otras sedes del país o a otras ciudades del mundo. Suelen montar retrospectivas de autores míticos y como sucede ahora, fotógrafos contemporáneos con algo que decir en el panorama artístico.

Eamonn Doyle K–37 (serie irlandesa), 2018 tinta pigmentada UltraChrome HDR sobre papel Hahnemühle FineArt, 200 × 150 cm edición única de exposición cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres © Eamonn Doyle, cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres

En esta ocasión han traído una exposición que se vio primero en la RHA Gallery de Dublín. Ahora tenemos la oportunidad de verla en Madrid y es una ocasión única para conocer a un fotógrafo que está en la boca de todos los especialistas con una carrera de solo 6 años y tres series que, como hemos dicho, se conocen como la trilogía de Dublín: i, On y End. Una forma nueva, gigantesca, de ver la ciudad de Dublín y a los habitantes que le dan vida. Además de una nueva serie que se presenta como su trabajo más personal, K.

La vida de Eamonn Doyle

Todo cambia cuando cambias el punto de vista y consigues reproducir tus disparos a gran tamaño. Reconozco que me gusta más la fotografía en pequeño formato. Aquella a la que te puedes acercar como si fuera un libro y que casi puedes oler. Todo lo contrario a lo que veremos en las dos plantas de esta exposición.

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Eamonn Doyle nació en Dublín en 1969. Recibió una formación cultural que le llevó, al terminar la universidad, a recorrer el mundo. Cuando terminó este viaje iniciático volvió a su ciudad y se instalo en el edificio donde estuvo el negocio familiar. Allí organizó un estudio abierto para creadores de todo tipo. Allí fundó la famosa compañía D1 Recordings de música electrónica o el prestigioso Festival de Música Electrónica de Dublín.

En este periodo efervescente musical, aprovecho para fotografiar el barrio en el que vivía. De una forma totalmente fresca y distinta. Nada que ver con lo que estamos acostumbrados. El primer libro fue i... Y todo se desbocó cuando Martin Parr dijo que era el mejor libro que había visto en una década.

Así nació todo lo que vamos a ver en la exposición. Estamos hablando de 2014... una de las carreras más fulgurantes e inesperadas a nivel mundial. Es un cuento de hadas hecho realidad. Es un estilo personal, adornado con las virtudes de la música. El espectador no solo tiene que mirar, además tiene que sentir a través de la música.

En 2016 terminó la trilogía gracias a la invitación de los Rencontres d´Arles. Ahí presentó End, después del éxito de On un año antes. Y para culminar la Fundación Mafpre le invitó a exponer en 2019. No solo veremos estos tres proyectos, sino que además incluye K, un viaje por la costa de Irlanda y las tierras extremeñas en la que intenta asimilar la muerte de su madre a través de misteriosas imágenes y los típicos lamentos de muerte de su tierra natal.

La exposición

En total podemos contemplar las 153 fotografías de su trabajo. Suena raro hablar de retrospectiva, pero es lo que vamos a ver. Todo el trabajo de una vida artística. También disfrutaremos de 5 libros de fotografía y una vídeo instalación de 9 pantallas.

En i Doyle nos enseña la ciudad a través de los personajes anónimos que pueblan la ciudad. Parecen integrados, absorbidos por la calle. Y ante todo imponentes gracias al picado al que son sometidos y al color empleado. Estamos hablando de copias de 225x150 cm.

Eamonn Doyle End. (serie) Naranja, 2015 tinta pigmentada UltraChrome HDR sobre papel Hahnemühle FineArt, 67 × 100 cm edición única de exposición cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres © Eamonn Doyle, cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres

En On el punto de vista cambia. Y el blanco y negro sustituye al color. Ahora vemos contrapicados que permiten reconocer e identificar al paseante dublinés. Unas copias también inmensas de 160x240 cm que nos invitan a meternos dentro de la vida común de la ciudad. No es una visita turística sino la de alguien que sabe donde mirar.

Eamonn Doyle ON (serie) no. 47, 2014 tinta pigmentada UltraChrome HDR sobre papel Hahnemühle FineArt, 160 × 240 cm edición única de exposición cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres © Eamonn Doyle, cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres

End es más discreta. Más pequeña. En color, con planos cerrados que no nos permiten identificar el año en el que fueron hechas. Son más intemporales, más comunes y cercanas al espectador.

También podemos disfrutar de series menores como 'Visita de estado' en la que se dedica a fotografiar las alcantarillas marcadas por la policía para la visita de Isabel II en 2011 a Irlanda. Todas iguales y montadas una junto a la otra. Permiten descubrir el estilo de cada agente a la hora de confirmar que el lugar ha sido revisado por las fuerzas de seguridad.

Para terminar en la primera planta encontramos la videoinstalación 'Made in Dublin'. Si fuera posible hacer bailar a la fotografía con la música, este serie uno de los proyectos que más cerca han estado de conseguirlo.

Eamonn Doyle K–07 (serie española), 2018 tinta pigmentada UltraChrome HDR sobre papel Hahnemühle FineArt, 200 × 150 cm edición única de exposición cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres © Eamonn Doyle, cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres

En la planta baja se esconde la última serie de Doyle. K es un lamento. Es un homenaje a la madre muerta, a la madre pesarosa por la muerte prematura de su hijo. Acompañado por la música del lamento irlandés (sobrecogedora pero dura para el vigilante de la sala) vemos figuras envueltas en telas movidas por el viento, el agua y la soledad. El resultado impacta, sobre todo si sabes en qué consiste la muerte de un ser querido.

Apenas había oído hablar de Doyle, pero la exposición me ha impactado. Es otra forma de ver, alejada de los tópicos y bañada por la música. Si el cine tiene banda sonora era necesario que la fotografía también sonara de semejante forma. No podemos dejar de recomendarla. Es reportaje, pero es artística. Es fría, pero el montaje apabulla por el barroquismo de la presentación. Y la música te obliga a mirar de otra forma. ¿Será el principio de un nuevo movimiento?

• 'Eamonn Doyle'
• Sala Bárbara de Braganza
• Abierta hasta el 26 de enero de 2020
• Entrada 3€ (Gratuita lunes no festivos de 14:00 a 20:00 horas)

Berenice Abbott es una de las fotógrafas americanas más importantes del siglo XX. Salió de sus país natal para encontrarse con la modernidad del París de los años 20. Allí descubrió la figura de un clásico imperecedero, Eugene Atget. Y se llevó su trabajo a los EEUU para enseñar el camino y volcar todo lo aprendido en su visión de la sociedad americana. Esta retrospectiva la podemos ver en la Fundación Mapfre durante PhotoEspaña 2019.

'Berenice Abbott. Retratos de la modernidad' es una de las exposiciones más esperadas de este verano madrileño, dentro de la programación de PhotoEspaña 2019. Como se ha olvidado la temática en común es posible juntar a fotógrafos tan dispares como la misma Berenice Abbott con William Klein o con el mexicano Nacho López. Y si así se juntan semejantes genios es un auténtico placer para el visitante.

La exposición, después de su paso por Barcelona, estará en Madrid del 1 de junio al 25 de agosto en la sala Recoletos de la Fundación Mapfre, en la calle del mismo nombre, al lado de la sala habitual para exposiciones fotográficas. Es una buena ocasión para conocer a una de las fotógrafas más inquietas y que fue capaz de llevar a su país natal la obra de un fotógrafo fundamental para la historia: Eugene Atget.

Eugène Atget, 1927 33 × 26 cm International Center of Photography, Purchase, with funds provided by the Lois and Bruce Zenkel Purchase Fund, 1984 (115.1984) © Getty Images/Berenice Abbott

Muchos solo la conocen por su relación con Atget. Y solo por este motivo merecía un puesto en la historia. Pero ella fue capaz de encontrar su estilo con la figura del francés. Y llevar una forma de pensar, de fotografiar a los Estados Unidos y dejar una marca indeleble en todos los fotógrafos que vinieron después. Nadie había mirado como ella antes la modernidad.

La vida de Berenice Abbott

Nació en 1898 en una de las muchas ciudades americanas que responden al nombre de Springfield. En este caso en el estado de Ohio, donde empezó a estudiar periodismo, carrera que terminó abandonando. Su destino estaba en Greenwich Village, en Nueva York, en contacto con los artistas e intelectuales de la época.

Desde allí vuela a París, la ciudad del arte. Allí da rienda suelta a su pasión por la escultura. En 1924, después de un breve periodo en Berlín, se reencuentra con Man Ray quien le ofrece un puesto de ayudante en su estudio. Allí aprende todos los rudimentos de la fotografía. En 1925 se instala en su propio estudio en los que retrata a grandes intelectuales como James Joyce o Jean Cocteau para revistar como Vogue o Vu.

George Antheil, 1927 17,3 × 12,4 cm The Miriam and Ira D. Wallach Division of Art, Prints and Photographs, Photography Collection. The New York Public Library, Astor, Lenox and Tilden Foundations © Getty Images/Berenice Abbott

Durante estos años, y gracias a Man Ray, conoce a Eugene Atget. El fotógrafo que obsesionaba a todos los surrealistas (publicaron fotografías suyas en Minotaure) marcó para siempre la carrera de Berenice Abbott. Gracias a él encontró su estilo. Fue capaz de reconocer a un genio, que no quería serlo, y cambió para siempre su forma de ver las cosas.

Logró hacerle dos fotografías. Pero nunca pudo enseñárselas pues falleció. Ella decidió comprar, de su propio bolsillo, el archivo de Atget para llevarlo a EEUU.

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Las hojas de contacto tienen que volver

Volvió a Nueva York en 1929, en el comienzo de la gran crisis. Esto no le impidió empezar a fotografiar la ciudad que nunca duerme con un etilo propio e inconfundible:

Berenice Abbott es una de las fotógrafas que de forma más temprana y eficaz ha retratado Nueva York. La ciudad se convierte ante su objetivo en un ser vivo, el personaje extraordinario que el visitante actual puede rastrear durante el paseo por sus calles abarrotadas, mirando hacia arriba para tropezarse con la belleza moderna de sus rascacielos.

En dicha ciudad, en 1933, conoce a la que será su pareja de vida, la crítico de arte Elizabeth McCausland. El éxito le llega pronto, con una primera exposición en el museo de la Ciudad en 1934 y el puesto de profesora en la New School for Social Research of New York. Y por supuesto la publicación de su libro 'Changing New York', en el que vuelca todo su estilo.

Janet Flanner en París, 1927 Janet Flanner in Paris 25,4 × 20,3 cm The Miriam and Ira D. Wallach Division of Art, Prints and Photographs, Photography Collection. The New York Public Library, Astor, Lenox and Tilden Foundations © Getty Images/Berenice Abbott

Desde entonces no para de exponer, publicar libros didácticos relacionados con el mundo de la fotografía y entrar en nuevos campos como la fotografía científica. En estos años destaca su artículo 'It has to walk alone' en el que señala su forma de entender todo lo que le rodea en su profesión.

Murió en 1991, con tiempo para conseguir los más importantes premios y el reconocimiento de todos sus compañeros y alumnos. Y hasta el final tuvo en sus manos el legado de Atget, que terminó vendiendo en 1968 por 80000$ al MOMA de Nueva York.

La exposición

Como es costumbre en la **Fundación Mapfre, todas las imágenes de la exposición son copias vintage.** Es una forma perfecta de entender el trabajo de un autor y ver cómo concibió su obra. Y en el caso de Abbott nos maravilla con su calidad técnica, muy superior a la de artistas contemporáneos con mucho más renombre. Puede decirse que sus copias parecen modernas.

El recorrido de la exposición se divide en Retratos, Ciudades y Ciencia. En la primera parte reconocemos los primeros trabajos de Berenice Abbott. A través de la mirada de los intelectuales descubrimos la intención de reflejar lo moderno, de recordar a las mujeres que en aquella época eran las pioneras que deberíamos conocer hoy en día.

En Ciudades se siente la influencia de Atget en us forma de trabajar. Trató de contar lo mismo que hizo el francés en su París natal pero dándole la vuelta. Atget contó, sin pretensiones, solo con una visión antropológica, la ciudad que desaparecía. Ella contó la ciudad que surgía de la nada, la ciudad de los rascacielos.

Dentro de esta sección encontramos 11 fotografías de Eugene Atget que nos permiten encontrar un diálogo perfecto entre ambos. Y recordar el doble retrato que ella le hizo y que hemos podido ver al principio.

Panadería, Bleecker Street 259, Manhattan, 1937 Bread Store, 259 Bleecker Street, Manhattan 25,4 × 20,3 cm The Miriam and Ira D. Wallach Division of Art, Prints and Photographs, Photography Collection. The New York Public Library, Astor, Lenox and Tilden Foundations © Getty Images/Berenice Abbott

Al final muchos descubrimos la fotografía científica de Berenice Abbott. Allí están los efectos de los imanes, el movimiento y la particularidades de la luz. Muchas de estas fotografías documentan fenómenos físicos que ilustraron muchos libros escolares.

Así que ya tenemos otra exposición perfecta para pasar la canícula madrileña en medio de la temporada de PhotoEspaña 2019. No solo servirá para ver las últimas tendencias, sino para tener referentes que nos ayuden a conocer la historia y saber que es muy difícil ser realmente moderno si no conoces lo que hizo Abbott en la primera mitad del siglo XX.

• 'Berenice Abbott. Retratos de la modernidad'
• Fundación MAPFRE Sala Recoletos
• Paseo Recoletos, 23
• Entrada general: 3€ por persona. Entrada gratuita todos los lunes no festivos de 14 a 20 horas
• Lunes de 14 a 20 horas. Martes a sábado de 10 a 20 horas. Domingos y festivos de 11 a 19 horas

Hasta el 19 de mayo estará abierta en Barcelona la exposición ‘Berenice Abbott. Retratos de la Modernidad’ dedicada a una figura clave en la historia de la fotografía. Una artista que pasó de ser ayudante de los ilustres Man Ray y Eugéne Atget a convertirse en una fotógrafa relevante por derecho propio.

La muestra, que tras pasar por la Ciudad Condal llegará a Madrid, propone (según la organización) “un exhaustivo recorrido por la trayectoria de esta fotógrafa estadounidense, cuyo corpus de trabajo se convierte en uno de los más cautivadores de la fotografía norteamericana de la primera mitad del siglo XX y actúa de puente entre los círculos culturales de vanguardia de París y de Nueva York de los años 1920 y 1930”.

'Rockefeller Center' (1932) de Berenice Abbott. Courtesy Howard Greenberg Gallery © Getty Images/Berenice Abbott

Así, la exposición está realizada para mostrar cómo “la idea de modernidad invade todo el trabajo de Berenice Abbott, desde sus retratos de los artistas e intelectuales más vanguardistas del momento y sus asombrosas vistas de la ciudad de Nueva York, hasta sus fotografías de tema científico en las que retrata los resultados de diversos fenómenos y experimentos”.

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Sea como fuere, la muestra recorre la trayectoria de Berenice Abbott a lo largo de casi doscientas imágenes que han sido agrupadas en tres secciones temáticas. ‘Retratos’, ‘Ciudades’ y ‘Ciencia’, vertebrando de manera general lo que fue su trayectoria artística. Además, se incluye también una pequeña muestra de la obra de Eugène Atget, con once fotografías que fueron positivadas por la propia Abbott en el año 1956.

'Self Portrait – Distortion' (1945-1950) de Berenice Abbott. Courtesy Howard Greenberg Gallery © Getty Images/Berenice Abbott

Berenice Abbott (1898 – 1991)

Tal y como os contamos hace tiempo, esta fotógrafa nacida en Ohio y que estudió periodismo, se trasladó a París en 1921 y empezó a trabajar como ayudante en el estudio de Man Ray. Allí descubre en la fotografía su verdadera vocación y conoce también al otro nombre clave en su formación: Eugène Atget.

'Eugène Atget' (1927) de Berenice Abbott. International Center of Photography, Purchase, with funds provided by the Lois and Bruce Zenkel Purchase Fund, 1984 (115.1984) © Getty Images/Berenice Abbott

De hecho, Abbott fue clave en la valorización de la obra de Eugène Atget ya que, tras su muerte en 1927, compra todo su archivo personal y se dedica a promocionarlo con devoción y a alentar el coleccionismo de su obra en los Estados Unidos. Y eso que, un año antes de todo aquello, la fotógrafa se estableció de forma independiente destacando sobre todo por sus retratos de los intelectuales y artistas más vanguardistas del momento.

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Tres años después, en 1929, regresa a Nueva York y se embarca en lo que sería su proyecto más importante: ‘Changing New York’. Un trabajo de documentación fotográfica (primero de forma independiente y luego bajo el amparo del Gobierno Federal) del fulgurante crecimiento de la ciudad de los rascacielos que llevó a cabo muy inspirada por el ejemplo del París de Atget, aunque con su propio estilo.

'Vista aérea de Nueva York de noche' (1936) de Berenice Abbott. International Center of Photography, Gift of Daniel, Richard, and Jonathan Logan, 1984 (786.1984) © Getty Images/Berenice Abbott

Aquellas imágenes fueron publicadas en 1939 logrando un gran reconocimiento para una autora que ya hacía tiempo había empezado a dar clases en la New School for Social Research, donde seguirá hasta 1958. Precisamente a finales de esa década comenzó otro de sus proyectos más destacados: La documentación fotográfica de fenómenos científicos, en colaboración con el MIT (Massachusetts Institute of Technology).

'A Bouncing Ball in Diminshing Arcs' de Berenice Abbott. Berenice Abbott Collection, MIT Museum. Gift of Ronald and Carol Kurtz © Getty Images/Berenice Abbott

De aquel trabajo salieron muchas imágenes que fueron profusamente usadas para ilustrar los libros de texto de Física. Por todo ello, en 1959 la asociación Professional Photographers of America situó a Berenice Abbott entre las diez primeras mujeres fotógrafas de los EE.UU.

‘Berenice Abbott. Retratos de la Modernidad’

Del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019

Fundación Mapfre - Casa Garriga Nogués

Precio: 3 euros (gratis los lunes por la tarde)

Carrer de la Diputació, 250

08007 – Barcelona – España

Página web

Foto de portada | 'West Street' (1932) de Berenice Abbott. International Center of Photography, purchase with funds provided by the National Endowment for the Arts and the Lois and Bruce Zenkel Purchase Fund, 1983 (388.1983) © Getty Images/Berenice Abbott

En la nueva exposición de la Fundación Mapfre, en la fotográfica sala Bárbara de Braganza, podemos ver una retrospectiva, inédita en España, del fotógrafo Anthony Hernandez (Los Ángeles, 1947). Una buena ocasión para encontrarse con una mirada que rompe con la fotografía de calle hasta encontrar un estilo personal.

Anthony Hernandez es otro de los fotógrafos que reivindican la necesidad de gastar suela para lograr buenas imágenes. De niño prefería caminar a coger el autobús para llegar antes a casa. Ahí ha reconocido que empezó todo. Ahí le entraron las ganas de registrar todo con ayuda de una cámara.

Y su estilo tiene mucho que ver con la máquina fotográfica. Desde sus primeras series con una sencilla réflex con carretes de blanco y negro hasta llegar a una cámara Deardorff de 5x7 pulgadas con placas en color. Empezó con la tradición del blanco y negro y ha terminado siendo un referente en color y en gran formato. En este caso podemos decir que la cámara es lo que más ha marcado su estilo. Más que la cámara el cambio de formato.

Anthony Hernandez Automotive Landscapes #35, 1978 [Paisajes automovilísticos n.º 35] Copia en gelatina de plata, 16 × 20 in (40,6 × 50,8 cm) Black Dog Collection, donación prometida al San Francisco Museum of Modern Art © Anthony Hernandez

Además empezó contando con la gente, con sus acciones, registrando su vida hasta evitar totalmente la figura humana para encontrar una forma personal de enfrentarse al concepto de fotografía callejera y romperlo. Sus imágenes cuentan los efectos de las personas sobre el entorno. Estamos siempre presentes pero ya no se nos ve. Es un autor tremendamente original en este sentido.

La evolución fotográfica de Anthony Hernandez

La retrospectiva cubre los más de cuarenta y cinco años de la carrera de Anthony Hernandez. Seis capítulos, seis secciones, que empiezan en blanco y negro con la clara inspiración de Walker Evans hasta alcanzar en los últimos años una forma de mirar más abstracta, que exige más esfuerzo por parte del espectador para comprender qué está viendo.

Anthony Hernandez Santa Monica #14, 1970 [Santa Mónica n.º 14] Copia en gelatina de plata, 11 × 14 in (27,9 × 35,6 cm) Black Dog Collection, donación prometida al San Francisco Museum of Modern Art © Anthony Hernandez

Son 114 fotografías que cuentan la evolución de la mirada personal del autor en orden cronológico. Puede parecer imposible reconocer en la primera serie, en blanco negro e inspirada por los clásicos como Garry Winogrand y Lee Friedlander, al fotógrafo que dispara 'Imágenes filtradas'.

Este último trabajo consiste en ver la realidad de Los Ángeles a través de placas metálicas perforadas. El efecto puntillista, pixelado, que se consigue es poco menos que todo un descubrimiento por parte de alguien que demuestra que nunca se ha cansado de mirar.

Cada sección es un paso adelante en el estilo de Anthony Hernandez. En 'Fotógrafo de calle' miramos al autor clásico americano en blanco y negro y que llega al color por primera vez en 1984. Además dispara con película diapositiva para positivar en Cibachrome con el fin de lograr un toque metálico y saturado en todas sus imágenes. Ese año es cuando decide eliminar a las personas de sus encuadres.

Anthony Hernandez Rodeo Drive #3, 1984, impresión de 2014 [Rodeo Drive n.º 3] Copia en cibachrome, 16 × 20 in (40,6 × 50,8 cm) Cortesía del artista © Anthony Hernandez

Después pasamos a 'La ciudad como tema'. Aquí la ciudad de Los Ángeles se convierte en el tema predilecto, con todo el protagonismo. Ya en color y con la cámara de placas. En 'Ausencia y presencia' encontramos las series más conceptuales, donde juega con la idea de representar las heridas que deja la figura humana en el paisaje.

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En 'Señales y huellas' vuelve con fuerza a su ciudad, que redescubre destrozada y abandonada. Y encuentra inspiración y sentido en la vida, obra y hechos de los sin techos olvidados de la ciudad. Tema que repite en el penúltimo capítulo antes de 'Imágenes filtradas'. Aquí viaja al desierto que rodea la ciudad para ver los destrozos personales por culpa de la última crisis que estamos terminando de vivir.

La exposición en la Fundación Mapfre

No conocía a este autor. He visto fotos suyas sueltas. Y gracias a la nueva exposición de la Fundación Mapfre he descubierto un autor muy interesante. De nuevo no estamos ante algo espectacular, sino ante un fotógrafo que nos hace pensar, algo tan necesario hoy en el mundo de la fotografía.

Anthony Hernandez Landscapes for the Homeless #1, 1988 [Paisajes para los sintecho n.º 1] Copia en cibachrome, 30 1/8 × 29 7/8 in (76,5 × 75,9 cm) San Francisco Museum of Modern Art. Adquisición del Accessions Committee Fund: donación de Collectors’ Forum, Susan y Robert Green, Evelyn Haas, y Pam y Dick Kramlich © Anthony Hernandez

Porque parece que todos queremos hacer imágenes bonitas olvidándonos de el verdadero sentido de la fotografía. De su poderoso lenguaje que va más allá de disparos inconexos. Es una exposición que nos ayuda a encontrar un camino, una inspiración para mejorar en nuestro trabajo o afición.

Demuestra que hay otra forma de hacer las cosas. Y que como siempre, el trabajo constante es la mejor forma de tener un estilo propio.

Por último volver a recordar que estamos ante su primera retrospectiva en España, organizada por el Museum of Modern Art de San Francisco (SFMOMA), institución con la que Fundación MAPFRE colabora desde el año 2015. Y que es el trabajo de un fotógrafo autodidacta que, como muchos, empezó como un aficionado hasta llegar a ser una referencia.

‘ Anthony Hernandez’

Del 31 de enero al 12 de mayo Sala Bárbara de Braganza, Fundación MAPFRE

calle Bárbara de Braganza, 13 (Madrid)

Entrada general: 3€ (gratuita lunes no festivos de 14 a 20h)

Sala Bárbara de Braganza