La fotografía de calle, callejera, street photography... como queramos denominarla es tan antigua como la primera imagen que se hizo... Hay autores que aseguran que la fotografía está ligada a la vida callejera. Así que vamos a hacer una pequeña introducción a esta especialidad para descubrir todo lo que podemos hacer con una cámara al hombro mientras paseamos.

La fotografía de calle existe desde el principio de los tiempos fotográficos. El disparo de varias horas que hizo Niepce desde la ventana de su finca es fotografía callejera porque representa la presencia humana, la vida. Ese disparo data de 1826.

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Una de las primeras dudas que surgen cuando hablamos de la fotografía de calle es cómo definirla… Si leemos esa joya llamada 'Bystander: A History of Street Photography' de Colin Westerbeck y Joel Meyerowitz (qué pena que no esté todavía traducida) descubriremos lo difícil que es. El concepto cambia a lo largo del tiempo y pocos autores se ponen de acuerdo. Ellos mismos recuerdan que los fotógrafos callejeros eran los que te hacían una foto por unas monedas en la calle. Ahora los llamamos minuteros, por ejemplo.

Bystander: A History of Street Photography

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La definición más aceptada hoy en día dice que son las imágenes que hacemos en la calle. Pero seguro que se puede profundizar y especificar más. Así que vamos a ir de la mano de Colin Westerbeck y Joel Meyerowitz para descubrirlo.

¿Qué es la fotografía de calle?

La fotografía de calle nace de la falta de previsión, al contrario que la documental, con la que se puede confundir algunas veces. El fotógrafo no sabe lo que se va a encontrar cuando pisa su escenario. Solo sale a buscar y a esperar que algo suceda.

Sin embargo, está claro que dentro de la fotografía de calle el autor puede recrear la escena porque ha perdido el momento o simplemente porque quiere hacer una recreación. Depende de muchas cosas.

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“Creo que lo más importante de todo es tu paciencia, mucha paciencia y una pizca de suerte”, Stan De Zoysa, street photographer

Un motivo puede ser la tecnología. Solo hay que recordar que para el primer libro de fotografía de calle ‘La vida en las calles de Londres’ de John Thomson, el autor tuvo que hacer posar a todos los que salían porque los colodiones tenían muy poca sensibilidad.

Como nota curiosa hay que señalar que la primera fotografía en la que sale una persona que no esté posando era un caballero que estaba limpiándose los zapatos en una escena del Boulevard du Temple de París, visible desde la ventana de su estudio. Es una fotografía de Daguerre de 1838, antes de presentar al mundo el daguerrotipo.

Así que podemos decir que la fotografía de calle es aquella que está hecha en un entorno social y que muestra tanto la vida como el efecto de la presencia humana. Y se puede dividir en dos vertientes tal como proponen algunos autores:

1. Consentida, el fotógrafo delata su presencia en el momento del disparo, incluso antes.
2. Escondida, el modelo no se percata en ningún momento o desconoce la intención del fotógrafo.

Lo que sí es verdad es que muchos admiramos más la fotografía que nace de la improvisación. Creo que era Joel Meyerowitz quien decía que el fotógrafo tiene un estilo propio pero no sabe las notas que se va a encontrar. Es buen jazz. Sabes cómo empiezan los primeros compases pero es imposible adivinar cómo acaba.

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A partir de estas puntualizaciones podríamos clasificar a los fotógrafos callejeros a lo largo de la historia. Pero hay que señalar que también depende mucho de la evolución de la tecnología.

Los tipos de cámara y los fotógrafos de calle

La tecnología ha marcado a la fotografía de calle. De hecho el boom que estamos viviendo estos años es por la evolución técnica. Nada tienen que ver los primeros años con cámaras grandes y pesadas con los modernos teléfonos móviles de la actualidad.

Los grandes maestros son capaces de adaptar la cámara a su estilo, mientras que los demás tratamos de hacer exactamente lo contrario. O simplemente elegimos una por la imposición del mercado o por algo tan peregrino como los fetiches (todos queremos trabajar con una Leica o una Hassel).

Eugene Atget y la cámara de placas

El fotógrafo fundacional de la fotografía de calle fue Eugene Atget. No destacan las personas en su obra pero fue el primero que vio el efecto de la presencia humana en el paisaje. Sus fotografías de las calles del París que desaparecía han marcado a muchos fotógrafos.

Nunca pensó en que iba a llegar a ser fotógrafo. Incluso dudo que pensara remotamente que hoy sería famoso. No veía la fotografía como un oficio pero tenía una forma de mirar, de componer y colocar la cámara que llamó la atención a los artistas surrealistas de los años 20. Era capaz de dotar de vida hasta el elemento más insignificante. Ya no hacía falta ser hermoso, nuevo o grandioso para llamar la atención.

Trabajaba con una cámara de madera de la que nunca se desprendió. Fue una de las cosas que llamó la atención a Berenice Abbot, la fotógrafa que le descubrió y que compró todo su archivo para llevarlo a los EEUU. Ella misma siguió su estilo y técnica para retratar la ciudad de Nueva York.

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Esa forma de mirar se puede reconocer incluso en el trabajo de Walker Evans, aunque él llegó a negar su influencia en sus últimos años de vida. Los dos hicieron el mismo trabajo en EEUU que Atget en París.

Lo más curioso es que estos autores cambiaban de cámara según el proyecto. Y seguían siendo ellos. Uno de los trabajos más interesantes de Walker Evans, es ‘Subway passengers’ (1938) donde escondió su cámara de 35 mm y se dedicó a fotografiar a los pasajeros sin que ellos se dieran cuenta. De hecho iba acompañado de su amiga Helen Levitt para disparar sin ser visto.

El boom de la cámara Leica

La Leica supuso una auténtica revolución en todos los ámbitos de la fotografía. Fue crucial para la fotografía de calle. Permitía trabajar sin ser visto si querías. Y sobre todo permitía moverse libremente durante largos periodos de tiempo sin tener que cargar película nueva.

La cámara Leica original se presentó en 1925, pero la revolución vino de la mano de la Leica II de 1932; fue la primera con telémetro para enfocar con precisión. Esta cámara entró por derecho propio en el imaginario colectivo como la máquina por excelencia.

Todos los grandes fotógrafos de los años 30 en adelante llevaron una y documentaron su momento presente quizás con la idea de convertirlo en un documento histórico. Esto es una de las ideas principales:** la fotografía de calle se convierte con el paso de los años en un documento histórico**. La anécdota se hace historia.

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Y aquí es donde entra de lleno una de los fotógrafos de calle más famosos, quizás el más reconocido: Henri Cartier Bresson (1908-2004).

El genio de Cartier Bresson

Es uno de los fotógrafos más estudiados, más copiados y quizás más sobrevalorado por unos y menospreciado por otros. Él, gracias a su libro 'Images à la Sauvette' (1952), cambió para siempre las reglas del juego. Y su forma de mirar marcó a más aficionados que ningún otro profesional de la cámara.

¿Qué hizo? Demostrar que la buena fotografía solo sale cuando el fotógrafo está preparado, cuando es capaz de mirar sin cesar y cuando descubre que algo inevitablemente va a pasar. Solo tienes que ver el momento y no es fácil. Es un trabajo complicado en el que la culminación es apretar el disparador.

Escribió las normas de la fotografía de calle con su famoso libro, publicado antes que ‘Los americanos’ (1958) de Robert Frank o ‘New York’ (1956) de William Klein de los que hablaremos más adelante.

Para empezar demostró que el fotógrafo de calle se hace en las hojas de contacto, cuando puedes estudiar la secuencia que nos lleva hasta la foto elegida. Ahí es donde se ven las cualidades del autor.

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No habla de un instante decisivo, sino de todo un trabajo hasta llegar al momento final. Insiste en que la clave es trabajar sin descanso, sin despistarse, con una tensión basada en la observación hasta lograr lo que se busca.

Decía que una buena fotografía de calle es aquella en la que se observa tensión a través de la yuxtaposición de dos elementos, dando lugar a interpretaciones distintas entre los espectadores por la ambigüedad.

Cartier Bresson huía de lo cotidiano, de lo mascado. Otra de sus señas de identidad era componer sus fotografías con la Geometría que aprendió al lado del pintor André Lothe. Todo se puede resumir en las líneas imaginarias de la composición.

Y sobre todo, a la hora de hacer una fotografía no hay que pensar, solo antes y después. La clave es saber moverse sin ser visto.

La Leica siguió siendo la cámara más importante para los fotógrafos de calle. Supuso en su momento lo que hoy en es el teléfono móvil, la última gran revolución de la fotografía de calle.

Lo más curioso es que la forma de enfrentarse a la calle cambió en muy pocos años después de la presentación del famoso libro de Cartier Bresson que hemos mencionado.

Otra forma de hacer fotografía de calle

Apenas cuatro años después de la obra magna de Cartier Bresson, dos fotógrafos demostraron, en los EEUU, que era posible hacer la fotografía de calle de otra forma. William Klein en 1956 y Robert Frank en 1958 abrieron una segunda vía a la hora de hacer fotos.

Donde todo estaba medido y calculado, donde el fotógrafo era poco menos que un fantasma, un personaje omnisciente, que aprovecha el oportunismo laboral como dice Oscar Colorado, se cambia por un observador más de la imagen, por alguien que es capaz de robar el protagonismo de lo que se está fotografiando.

Tema, tiempo y composición contra Naturalidad, anarquía y realismo. Cartierbressonianos contra roberfrankianos.

De fantasma a protagonista, de pictórico a plenamente fotográfico. La obra de Klein y Frank abre una nueva vía en la fotografía de calle. La diferencia es el protagonismo del que lleva la cámara en el caso de William Klein y el arte de mirar como una persona de Robert Frank.

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El primero trabaja con grandes angulares, alertando a los viandantes, sintiéndose protagonista de todo lo que pasa delante de la cámara. Robert Frank dispara como andamos. No hay necesidad de componer las imágenes hasta las últimas consecuencias, solo hay que plantear preguntas y dejar las respuestas en el aire con la única ayuda de la cámara.

En apenas una década prodigiosa se crearon los dos caminos principales de la fotografía de calle. Por un lado el camino de la perfección y por otro la senda humana llena de curvas, contrastes y aparentes indecisiones.

Todos comparten la misma cámara, el mismo formato de 35 mm. Pero se enfrentan a la realidad de una manera distinta. Cada uno con su forma de ser, algo que se suele olvidar a la hora de trabajar en la fotografía de calle.

Cuando el color entró en la fotografía de calle

La penúltima gran revolución de la fotografía de calle fue la entrada del color. Se puede hablar de los orígenes, de su entrada en el mundo del arte y del rechazo inicial por parte de los clásicos y las galerías de arte.

Una de las figuras de la fotografía de calle más importantes es Joel Meyerowitz que en los años 70 apostó por la película en color. Estaba acostumbrado a la rápida película en blanco y negro de aquellos tiempos. Y se pasó al 25 ISO de la época.

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Esto le invitó a ir más despacio a la hora de trabajar y ser capaz de describir más cosas:

Realmente me refiero a la sensación que tengo de las cosas —su superficie y color—, mi recuerdo de ellas en otras condiciones, así como sus cualidades connotativas. El color se manifiesta a lo largo de una franja más rica de sentimientos: más longitudes de onda, más resplandor, más sensación . Quería ver más y experimentar más sentimientos a partir de una fotografía, y quería imágenes más grandes que describieran las cosas de forma más completa y coherente. La película en color de baja velocidad proporcionó eso.

A pesar de todo siempre advierte que no hay que ser reflexivo a la hora de disparar. Te tienes que dar cuenta de que el mundo está más allá del encuadre que has elegido. Es un punto importante para darte cuenta de cómo tienes que mirar. Hay que relacionar siempre todo y valorar que lo que enseñas es lo que tú relacionas. Seguro que dos personas que pasan no tienen nada que ver, pero tú les das un contexto común.

Gracias a su apuesta (seguro que mucho tuvo que ver William Eggleston) y a la de otros que le siguieron hoy día tenemos esta tercera vía que cultivamos hoy.

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Nuestro trabajo es aprender a mirar y darse cuenta de que dentro de la fotografía de calle hay muchas formas de enfrentarse. No tenemos que seguir reglas sino tener fuentes para inspirarse. Y que la única forma es salir a la calle con una cámara colgada y buscar lo que te llama la atención.

La expresión 'instante decisivo' es una de las más recurrentes de la historia de la fotografía. Todos la asociamos con Henri Cartier-Bresson y su forma de entender este mundo. Cuenta una forma de enfrentarse a la realidad con una cámara en la mano. Pero puede que hayamos interpretado mal durante este tiempo la expresión original del gran fotógrafo francés.

A raíz de una conversación telefónica estupenda con uno de los mejores fotógrafos de este país y una de las mentes más vivas, Paco Junquera, -donde hablamos sobre todo de August Sander- salió el artículo que publicamos sobre la relación entre Robert Frank y Henri Cartier Bresson. Y terminamos comentando el origen del 'instante decisivo'. Por este motivo hablamos hoy de este concepto.

El instante decisivo es uno de los preceptos más comentados cuando hay cámaras por medio. Siempre que se habla de la agencia Magnum, de la obra de Cartier-Bresson, del reportaje, de la forma de enfrentarse a la realidad, sale a la luz esta forma de relacionarse con la realidad con la ayuda de una cámara.

Y me habló de un ensayo de Agnès Sire, directora de la Fundación HCB, que se publicó en el libro 'Revoir Henri Cartier-Bresson'. Se puede encontrar también en la página The eye of photography. Y es una referencia en muchos libros dedicados a su figura.

Lo más interesante de ese trabajo es que nos plantea otra forma de entender dicha expresión. Y nos obliga a cambiar la forma de ver el trabajo de Henri Cartier-Bresson y alejarnos del tópico en el que muchos hemos caído alguna que otra vez.

El origen del instante decisivo

En muchos cursos de fotografía y libros cuentan que el instante decisivo consiste en disparar en el momento justo en el que la acción sucede. Ni un momento antes ni después. Por este motivo tenemos que estar siempre alerta para conseguir el mejor disparo porque solo sucede una vez.

Siempre se explica con la famosa fotografía 'Tras la estación St. Lazare (1932)' en la que vemos toda una historia protagonizada por un hombre que ha hecho lo imposible para evitar mojarse. Al final, y eso es lo que observamos, no le queda más remedio que saltar. Es el momento preciso, el único válido. Ni un segundo antes ni después. Y el fotógrafo ha estado ahí para fijarlo: el instante decisivo. El oportunismo temporal como bien dice Oscar Colorado.

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¿Pero de dónde viene esta expresión? En 1952 publicó su libro más famoso 'Images à la Sauvette'. La traducción literal sería imágenes a hurtadillas. No es una expresión suya, sino del cardenal de Retz. Un hombre culto del siglo XVII conocido por la elocuencia de sus sermones y su pasión por las intrigas políticas.

La famosa frase

La cita que abre el famoso libro de Cartier-Bresson es de él, pero como bien recuerda Agnès Sire está cortada:

No hay nada en el mundo que no tenga su momento decisivo, y la obra maestra del buen comportamiento es conocer y aprovechar este momento.

El editor americano del libro decidió que esa expresión no era muy comercial y aunque podía haberla dejado en francés, apostó por 'The decisive moment'. Y así lo inmortalizó Matisse en la portada. Tuvo tanto éxito el título americano que pasó al idioma original como instant décisif.

Y cuando se reeditó el libro en 1986, el texto introductorio se llamó 'L´instant décisif' cuando originalmente no tenía título. Se ha metido tanto en el imaginario fotográfico que se convirtió en un apéndice del autor.

La nueva interpretación

Si nos limitamos a una primera lectura y no tratamos de entender el pensamiento de Cartier-Bresson, nos quedaremos solo en la superficie de su obra. Y muchos lo hemos entendido así, hasta el punto que cuando hablamos del trabajo de Robert Frank lo bautizamos como el momento indecisivo.

O como comenta Agnès Sire, el tiempo débil como oposición al tiempo decisivo, tal como explicaron el trabajo de Raymond Depardon en los años ochenta. Es una forma muy limitada de entender el trabajo de uno de los fotógrafos más grandes.

Si atendemos a una cita del fotógrafo:

La Leica es para mí un cuaderno de bocetos, el diván de un psicoanalista, una ametralladora, un gran beso caliente, un electroimán, un recuerdo, un espejo del recuerdo. Aquí no hay rastro de una supuesta grabación de una realidad, sino mucho más de la memoria (y por tanto del pasado), del diván de un psicoanalista (haciendo resurgir el pasado) y un espejo de la memoria (la imagen del pasado).

Dos formas de ver la obra de Cartier-Bresson

Aquí se aclara todo y se abre algo tan cerrado como el instante decisivo. La fotografía es una interpretación de la naturaleza que solo el buen fotógrafo es capaz de ver. O como él mismo decía:

No tengo ningún mensaje que enviar, nada que demostrar: ver y sentir, y es el ojo sorprendido el que decide.

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Al final la buena fotografía solo sale cuando el fotógrafo está preparado, cuando es capaz de mirar sin cesar y cuando descubre que algo inevitablemente va a pasar. Da igual el momento, solo lo tienes que ver. Y conseguirlo supone un trabajo inmenso, apretar el disparador es tan solo el último paso.

A la hora de hacer una fotografía podemos tomar dos caminos: el de Cartier Bresson, donde todo está medido y calculado; o el de Robert Frank, donde te puedes guiar por los impulsos y romper todas las reglas. Ellos han marcado a más fotógrafos que todos los demás maestros juntos. Lo más curioso de todo es que, según cuentan las crónicas, no se llevaban especialmente bien.

Creo que son los dos fotógrafos que más han influenciado a los que vamos siempre con una cámara al hombro. Y si no son ellos directamente, seguro que estamos inspirados por alguno de sus discípulos. Son dos formas de fotografiar, dos formas de ver la vida radicalmente distintas para conseguir lo mismo.

Robert Frank

En mi caso empecé con Cartier Bresson pero con el tiempo quise ser Robert Frank. No es fácil ser perfecto desde el punto de vista formal. Mucho más complejo es mirar con la profundidad de Frank. Uno parece apostar más por las reglas de la composición y otro prefiere dejar libre el pensamiento. Y es muy difícil alcanzar a ambos.

En la sociedad actual siempre será más respetado y comprendido Henri Cartier Bresson que Robert Frank. El primero entra por los ojos, el segundo te obliga a pensar. Los dos son muy buenos pero no pueden ser más distintos. El cerebro contra el corazón.

Cartier Bresson

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En mis clases de iniciación de historia de la fotografía siempre he dicho que Cartier Bresson es el fotógrafo que tu familia querría que fueras. Y que Robert Frank hace las fotografías que siempre borrarías del móvil cuando quieres vaciarlo.

Con el tiempo, y si la fotografía te engancha, te das cuenta del camino que quieres seguir. Ninguno es fácil. Uno está más comprendido por la sociedad y el otro permanece un poco en la sombra. Pero si excavas un poco en su trabajo te das cuenta de que la realidad es como el mito de Platón y no tiene sentido que todo sea perfecto porque la realidad no es así.

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Henri Cartier Bresson era mayor que Robet Frank. Publicó su libro más importante, 'The decisive moment' en 1952. Solo seis años más tarde apareció 'The americans' de Robert Frank. Y se llevaban 16 años. Y llevaban la misma cámara, una Leica que no hace al fotógrafo, eso está claro.

Robert Frank

No creo que los dos tuvieran una vida como la de la película 'Los duelistas' de Ridley Scott. Cada uno seguiría su camino a lo largo de su vida. Pero es verdad que coincidieron en pocas exposiciones. Después de rebuscar por las redes he encontrado una que montaron en la Galería Danziger: 'El corazón y el ojo', remarcando la frialdad de uno y lo emocional del otro.

No hay nada claro pero parece que el propio Cartier Bresson, uno de los fundadores de la agencia Magnum, no quiso que Robert Frank entrara en la agencia, cuando era uno de los mejores fotógrafos de la historia. Hay que rebuscar para verificar si este rumor es cierto. Estoy convencido de que el propio Robert no quería ni de lejos entrar en algo tan cerrado como una agencia.

Henri Cartier Bresson

En una entrada reciente del grupo Full Frame de Facebook (y que ha desencadenado este artículo) he encontrado esta frase:

Cartier-Bresson, sobre todo si tenemos en cuenta su obra temprana, no debería haber trabajado durante los últimos 20 años, o yo al menos lo habría preferido así. Puede sonar muy duro, pero siempre he pensado que es enormemente importante tener un punto de vista. Con sus fotografías quedaba siempre levemente decepcionado porque nunca encontraba en ellas ese punto de vista. Ha viajado por todo el maldito planeta, pero nunca sientes que nada de lo que ocurría ante él le conmoviera, más allá de la belleza o la composición

Dejaba claro que para él, aquello del instante decisivo no era más que una pose forzada de la realidad. Marcada por la geometría y la perfección que en el mundo no termina de existir de una manera tan clara. Nuestras vidas no son siempre hermosas. Y quizás ese es el problema de Bresson y sus seguidores.

Es famosa la frase del francés sobre cómo hacer una fotografía:

Robert Frank

Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje.

Pero lo que pocos saben es que el suizo decidió responder con otra frase mítica mucho menos conocida pero cargada de razón:

Solo con el corazón se puede ver correctamente; Lo que es esencial es invisible a los ojos.

Henri Cartier Bresson

Una frase que nos lleva directamente a 'El principito' pero que es perfecta para definir los momentos más inoportunos que él nunca se olvidaba de registrar. Como podemos leer en un fabuloso artículo de The New Yorker Cartier Bresson es la mezcla perfecta entre el clasicismo estético y la noticia de última hora. Satisface al ojo pero duerme al corazón.

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Son dos formas de ver la vida. Y los dos fueron los genios del siglo XX. Pero de nosotros depende el camino que debemos escoger para desarrollar nuestra afición o nuestro trabajo. ¿Con cuál te quedas tú?

Sergio Larraín es uno de los mejores fotógrafos de la historia. Es imposible contar nada dentro de la historia del medio si no mencionamos su figura o no recordamos sus imágenes. Para conocerle hemos encontrado en las redes un vídeo de la Corporación Cultural Las Condes donde repasan el trabajo del maestro invisible.

Pocos fotógrafos nos gustan más que Sergio Larraín. Es un fotógrafo misterioso y elegante. Apareció tan pronto como desapareció, harto de todos los problemas que le suponía el mero hecho de hacer una fotografía sin pausa. Cuando tienes la oportunidad de ver una sola de sus imágenes sientes la necesidad de detenerte ante ella una y otra vez.

Lo mismo que debió sentir Henri Cartier Bresson para invitarle a formar parte de la agencia Magnum. Consiguió la invitación con tan solo 28 años. A esa edad tocó la gloria. Pero no tuvo más remedio que bajarse. No por falta de capacidad sino por el motivo que mandó al mismísimo fundador de la agencia:

Sergio Larraín

Hacer buena fotografía es difícil, lleva mucho tiempo. Intenté adaptarme en cuanto me incorporé al grupo de ustedes. Para aprender y conseguir que me publicaran. Pero me gustaría volver a hacer algo más serio… Me gustaría encontrar una vía que me permitiese actuar a un nivel que para mí sea más vital. No puedo seguir adaptándome.

El vídeo con la obra de Sergio Larraín

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Hace tiempo, muchos compartimos la famosa carta a su sobrino que quería seguir sus pasos. Una carta que todos deberíamos leer una y otra vez para aprender a pensar en fotografía. Quizás es lo único que podría haber quedado de él, porque una vez se retiró se encargó personalmente de destrozar todos sus negativos.

Fotograma del vídeo

Si conocemos su obra es gracias a otro de los grandes, Josef Koudelka, que conservó gran parte de sus positivos por el aprecio que tenía por su trabajo. Sergio Larraín vivió sus últimos años como un ermitaño, casi no concedía entrevistas y no autorizó a publicar uno de sus mejores libros hasta su muerte en 2012. El título es su nombre.

Por estos motivos podemos decir que es una suerte tener la posibilidad de ver este vídeo con calma. En pantalla grande y en silencio. Es un trabajo excelente para conocer la obra de un fotógrafo que recomendaba:

Es mucho vagabundeo, estar sentado debajo de un árbol en cualquier parte. Es un andar solo por el universo. Uno nuevamente empieza a mirar, el mundo convencional te pone un biombo, hay que salir de él durante el período de fotografía.

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Cómo deberíamos ser los estudiantes de fotografía en la época actual

El vídeo, de La Corporación Cultural de Las Condes, uno de los centros culturales privados más potentes de Chile, es una pieza audiovisual con más de cuarenta fotografías del maestro. Es la mejor forma de entender, gracias a Agnès Sire, directora de la Fundación Henri Cartier-Bresson en París,el trabajo de un fotógrafo único con el don de la invisibilidad.

Sergio Larraín es uno de los mejores fotógrafos que podemos encontrar cuando rebuscamos en las crónicas de las historias de la fotografía. No sé muy bien cómo, ha llegado a mis manos uno de los mejores documentales que he visto sobre su vida: 'El rectángulo en la mano. Boceto'. El título viene de uno de sus pequeños libros fotográficos.

Sergio Larraín es un fotógrafo chileno de los que pertenecen al mundo. Pocos han sabido mirar como él con una cámara entre las manos. Entró en la agencia Magnum de la mano de Cartier-Bresson, inspiró un cuento a Cortázar que terminó siendo una película de Antonioni. El cuento es 'Las babas del diablo' y la película 'Blow up'. Dos documentos imprescindibles para saber qué es esto de la fotografía vista desde otros puntos de vista, en principio ajenos a la imagen fotográfica.

La historia de este mito surge de un paseo de Larraín por París, en el que hace una foto y cuando la revela sorprende a dos personas haciendo el amor en un plano distinto al que había visto. Julio Cortázar se queda con la historia y la transforma en un cuento en el que la fotografía es protagonista. Michelangelo Antonioni toma la anécdota y la lleva al Londres de la psicodelia con un asesinato por medio.

Seguro que este documental, cuyo enlace tenía guardado, lo encontré en alguna red social o en alguna que otra página web que no logro reencontrar. Cuenta, en apenas quince minutos, toda una vida de fotógrafo puro. Alguien que fue capaz de asombrar al mundo desde su tierra natal, viajar a Europa de la mano de Steichen, enamorar al fotógrafo más famoso, conseguir las fotografías más emblemáticas de los mafiosos de Sicilia y volver a su tierra harto de todo hasta morir en el anonimato en 2012.

Este vídeo es un capítulo piloto de una serie que parece que no ha visto finalmente la luz y que alguien publicó en Vimeo para regocijo de todos los que amamos la fotografía. Ni siquiera se tenía la intención de hacerlo público pero finalmente salió. Y qué pena que no se haga dicha serie.

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'Cartier Bresson, Alemania 1945', la novela gráfica sobre el fotógrafo más reconocido

El origen del título del vídeo viene del primer libro que publicó en 1963. Una pequeña joya que hoy cuesta encontrar y que parece que han reeditado en una editorial. También dicen que utiliza la misma expresión en la famosa carta a su sobrino cuando se refiere a la cámara, ese rectángulo en la mano, pero en las versiones que he leído nunca lo he encontrado.

El juego es partir a la aventura, como un velero, soltar velas. Ir a Valparaiso, o a Chiloé, por las calles todo el día, vagar y vagar por partes desconocidas, y sentarse cuando uno está cansado bajo un árbol, comprar un plátano o unos panes y así tomar un tren, ir a una parte que a uno le tinque, y mirar, dibujar también, y mirar. Salirse del mundo conocido, entrar en lo que nunca has visto, DEJARSE LLEVAR por el gusto, mucho ir de una parte a otra, por donde te vaya tincando. De a poco vas encontrando cosas y te van viniendo imágenes, como apariciones las tomas.

Fotograma del documental

Es difícil encontrar libros suyos. No es un autor que abunde en las librerías. Lo mejor es rebuscar en las librerías de viejo o en las páginas web hasta encontrar algún ejemplar: 'El rectángulo en la mano' (1963), 'La casa en la arena' con Pablo Neruda (1966), 'Chile' (1968), 'Valparaíso' (1991), 'London' (1998) y 'Sergio Larraín' (1999).

Este último es precisamente el catálogo del IVAM, el Instituto Valenciano de arte moderno, probablemente uno de los que más fácilmente podemos encontrar en estas librerías... Pero hasta que podamos hacerlo os recomiendo ver tranquilamente este vídeo, en la comodidad de la televisión, en la intimidad de la pantalla del ordenador o en el peor de los casos en el móvil. Sergio Larraín merece un hueco en cualquier altar fotográfico que queramos montar.

Cartier Bresson es el fotógrafo más reconocido del mundo. Cuando preguntas por uno siempre termina saliendo el genial francés. En las librerías encontraremos una novela gráfica sobre una de las aventuras de su vida: 'Cartier Bresson, Alemania 1945'. Un libro que nos ayudará a entender que es imposible separar la vida y la obra de este fotógrafo.

La fotografía, como bien sabéis, tiene fuerza propia. Pero es un complemento perfecto para otras manifestaciones artísticas. Desde hace tiempo encontramos muchas novelas gráficas o tebeos (como decimos los que nos criamos con Mortadelo, Zipi Zape y demás en los años 80) que tienen como argumento, como trasfondo, la fotografía.

No es algo actual, desde luego. No podemos olvidar que Peter Parker, Spiderman para los amigos, es fotógrafo. Por ahí está Frank Cappa y Tintín hacía fotos con su cámara de madera. Pero en los últimos años los autores se están fijando en las vivencias de los fotógrafos. Personalmente me quedo con 'El fotógrafo', la autobiografía de un fotógrafo, Didier Lefèvre en Afganistán.

La portada

Ha llegado a mis manos (gracias a un regalo) la novela 'Cartier-Bresson, Alemania 1945' de Jean-David Morvan y Séverine Tréfouël, publicado por Diábolo Ediciones. Es el segundo tomo de una interesante colección de la editorial francesa Dupuis que cuenta las historias de los fotógrafos de la agencia Magnum. Detrás de este libro está la propia agencia y la Fondation HCB. Y la verdad es que ya tengo ganas de leer los demás tomos...

'Cartier-Bresson, Alemania 1945'

La historia de Cartier-Bresson es apasionante. Parece mentira que un solo hombre haya tenido tantas vidas. En este caso cuentan su vida durante la II Guerra Mundial. Muchos lectores descubrirán que su fotógrafo favorito estuvo detenido por los alemanes nazis en un stalag, un campo de prisioneros de guerra, y logró fugarse.

Jean-David Morvan y Sylvain Savoia dan vida a HCB, al que llamaban «Nenuco» durante su encierro en el Stalag V, del que posteriormente logrará huir para compartir su testimonio con el mundo. Rememoran unos años de guerra que atestiguaron cómo el fotoperiodista humanista de los años 30 se convirtió en el gran artista del siglo XX que conocemos hoy en día. Retratan a un hombre en búsqueda constante del movimiento.

Este es el argumento de esta novela ilustrada en blanco y negro. Nos lleva a un mundo que no debería repetirse y que pudieron documentar personas como nuestro fotógrafo para recordarlo. Es una novela profundamente documentada a lo largo de las 90 páginas de la historia.

Páginas centrales

Lo mejor es que no tenemos solo la novela ilustrada. Al final encontramos un portafolio de fotografías y una crónica escrita por Thomas Tode sobre la vida y obra de Cartier-Bresson que dan un valor impresionante al conjunto. Es un libro perfecto para comprender la obra de uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX.

El dibujo de Sylvain Savoia es claro y muy limpio. En blanco y negro, con matices de gris como las fotografías en las que se inspira. Es muy curioso los puntos de vista nuevos que ofrece de algunas de las fotografías más importantes. Me fascina la habilidad para ver fotografías únicas de otra forma, desde otro ángulo, desde el lugar del retratado. Como ocurre con la famosa imagen de portada del libro que tanto tiene que ver en la historia.

Para terminar

Ahí están las novelas gráficas que ya he mencionado, el de Graciela Iturbide, el de Robert Capa que todavía no está publicado en español... Es una forma perfecta de adentrarse en la historia. Tanto para los jóvenes (está recomendado a partir de los 12 años) como para todos los que nos gusta cualquier libro con el que podamos aprender un poco más de nuestros referentes.

El dibujo de Sylvain Savoia

'Cartier-Bresson, Alemania 1945' es otra forma de acercarse a la vida de un fotógrafo que sentó las bases del fotoperiodismo y sobre todo lo popularizó. Era un hombre polifacético que también pintaba y participaba en el rodaje de películas como 'La regla del juego' de Jean Renoir. Quizás no lleguemos a desenmascarar al autor, pero entenderemos su filosofía de vida. Y comprenderemos sus imágenes.

Por 19,95€ tendremos en nuestras manos otra forma de ver a Henri Cartier-Bresson. No todo va a ser pura y dura fotografía o largos ensayos con palabras imposibles. La novela gráfica, el tebeo, es perfecto para acercar la historia. Y ahora que se están acercando las fiestas podemos empezar a hacer nuestra lista de deseos.

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El siglo de Cartier Bresson, otro documental sobre el maestro de la fotografía

Como toda lista que se precie, esta que os vamos a presentar es tremendamente subjetiva. No está sujeta a hecho demostrables de forma científica. Y todos pueden opinar para llegar a conclusiones interesantes y prácticas. La idea de escribir este artículo surge de la necesidad de tener referentes claros para estudiar la historia de la fotografía y saber los caminos que podemos seguir para desarrollar nuestra pasión. Los fotógrafos aquí nombrados han marcado el trabajo de las generaciones futuras y muchos de ellos han animado a muchos a coger una cámara para empezar a hacer fotografías.

En muchos talleres y cursos algunos alumnos no conocen el trabajo de los grandes autores. Las referencias que tienen están limitadas a lo que ven en internet, que no es malo desde luego, pero es insuficiente. Hoy se pueden descubrir grandes autores en la red (Michael Kenna o Fan Ho los encontré al adentrarme por las páginas, por poner un ejemplo personal) pero en cualquier especialidad es importante tener una buena base para luego construir sobre la experiencia.

En este listado faltarán muchos fotógrafos. Pero entre todos podemos compartir y dar a conocer a fotógrafos que por algún motivo han motivado a las siguientes generaciones. Porque esta es la intención principal de este artículo, encontrar a aquellos que con su trabajo han marcado a otros por su forma de ver o de relacionarse con una cámara. Y que puede que haya alguna otra rama además de las que hablo en el árbol que voy a desarrollar. Y sin más dilación ahí vamos.

Hoy no vamos a escribir biografías ni publicar galerías extensas de los autores citados. Nada más que es una breve introducción para que nos empiecen a sonar sus nombres y comience un dialogo con ellos, como si fueran nuevos amigos o la posibilidad de compartir de nuevo viejas historias con ellos.

Los primeros que entendieron la fotografía

Es muy llamativo cómo la fotografía, presentada con todos los honores en 1839, alcanzó la mayoría de edad muy pronto. Los primeros maestros lograron sus mejores obras en apenas una década. Es verdad que se sentían deudores de la pintura. No tenían referencias y no se podía innovar más allá de la técnica (cómo me recuerdan estos tiempos a aquellos).

Autorretrato de Nadar

Pero el primero que nos enseñó el camino fue Gaspard-Félix Tournachon (Nadar). Desde su estudio de París inmortalizó a los más grandes personajes de la época con una intención claramente pictórica. Pero sus obras, con sus fondos neutros para no desviar la atención del espectador, sentaron las bases del retrato fotográfico, donde lo más importante es captar la personalidad del personaje.

Es difícil contemplar sus trabajos y no acordarse de su influencia en los trabajos de Richard Avedon o Irving Penn, por poner dos ejemplos. Les separan varias generaciones pero la forma de mirar viene de ese estudio parisino de luz natural que todos los grandes querían pisar.

Atget por Berenice Abbott

A mediados del siglo XIX nació Jean Eugène Auguste Atget. Tampoco iba para fotógrafo, pero las desgracias de la vida le llevaron a recorrer París con su vieja cámara. No veía la fotografía como un oficio pero tenía una forma de mirar, de componer y colocar la cámara que llamó la atención a los artistas de los años 20. Era capaz de dotar de vida hasta el elemento más insignificante. Ya no hacía falta ser hermoso, nuevo o grandioso para llamar la atención.

Esa forma de trabajar, la forma de evitar intervenir en la imagen, sin querer aportar un ápice de la personalidad, marcó a muchos fotógrafos desde París hasta que gracias a Berenice Abbott gran parte de sus negativos llegaron a los Estados Unidos, donde está considerado un gran maestro.

Las dos grandes corrientes de la fotografía

Antes de citar a los dos grandes innovadores no puedo evitar recordar al que muchos consideran el padre de la fotografía. Muchos autores lo citan continuamente como uno de los grandes referentes. Y destacan que fue el primero que hablo con la lengua de la fotografía, sin el lastre de las expresiones de otras bellas artes. Me refiero por supuesto a Walker Evans. Quizás es el mejor de todos, pero seguro que se podría discutir mucho sobre el tema. Y desde luego merece uno, dos o más artículos en exclusiva. Como todos los que estoy nombrando aquí.

Henri Cartier Bresson

En los años treinta, después de sus estudios de pintura (su verdadera vocación) decidió hacerse fotógrafo. Y con la ayuda imprescindible de una pequeña cámara, la conocida Leica, se convirtió en el fotógrafo con mayúsculas: Henri Cartier Bresson. Probablemente es el más conocido de todos y la principal referencia en las escuelas para hablar de un artista total.

Todos los que empezamos siempre hemos querido hacer las fotografías como las hacía él. Fotografías perfectas, medidas con ojo de cirujano, donde todo está donde debería estar. Tan bien hechas que parecen preparadas. Parecen decir que si sabes mirar el mundo es perfecto. Solo hay que saber mirar.

En las traducciones siempre se habla de su famoso instante decisivo. Realmente se refería a hacer fotografías a la carrera. Su forma de mirar marcó a varias generaciones. Y muchos han creído que es la única forma de fotografiar, que todo depende de la geometría. Quizás es el fotógrafo con el estilo más copiado o que más ha inspirado a los noveles.

Y en los años cincuenta, veinte años más tarde, surgió la figura de Robert Frank, que para mi abre la segunda rama de la fotografía. La segunda gran rama de ese árbol Walker Evans que nace de las raíces profundas de Nadar y Atget.

Robert Frank

Con su trabajo 'Los americanos' da un golpe en la mesa y desvía la mirada de aquellos que estaban cansados de la perfección y que saben que el mundo no es perfecto, que es imposible medir todo y que no se vive de fragmentos, sino de historias. Que nunca miramos de forma estática, que cuando nos desplazamos de forma totalmente erguida, que nos balanceamos cuando andamos. Que no hay un instante mejor que otro, que todo depende del ojo con el que se mire...

Desde entonces los fotógrafos eligen estas dos vías para expresarse. Ninguna es mejor que otra. Sería muy aventurado decirlo. Como fotógrafos podemos elegir un camino u otro: el cartierbressoniano o el frankiano (si se me permiten los neologismos). Ahora os propongo que conozcáis a estos artistas que os he presentado (o recordado) y que juguéis a situar a vuestros fotógrafos favoritos en un lado u otro... y todos se ajustarán perfectamente.

Por ejemplo Avedon es frankiano; Salgado es cartierbressoniano; Cristina García Rodero es cartierbressoniana; R. Depardon es frankiano; ¿Colom es frankiano?; ¿Masats es cartierbressoniano?... Como veis empieza un juego apasionante...

En Xataka Foto| Once puntos de inflexión que marcaron la historia de la fotografía

Robert Delpire ha muerto a los 91 años. Su gran trabajo cambió la historia de la fotografía. Gracias a él, 'Los americanos', el inmortal libro de Robert Frank, vio la luz. Pero no se quedó ahí. Vamos a descubrir el mundo de Robert Delpire, una de las figuras fundamentales de la fotografía mundial.

Sería difícil decidir cuál de las muchas cosas que hizo Robert Delpire por la fotografía es la más importante. Los americanos de Robert Frank tendría serias opciones de ganar, pero no podemos olvidar que también editó a Koudelka, a Cartier Bresson, que fundó la colección Photo Poche, el Centro Nacional de Fotografía francés, el actual Jeu de Paume... Y muchas más cosas de las que hablaré más adelante.

Su relación con la fotografía

Robert Delpire estudió para ser médico, pero a los 23 años, en la década de los cincuenta, el virus de la fotografía se extendió por todo su cuerpo para dar forma a 'Neuf', la revista cultura de su facultad de Medicina. Y allí juntó a Cartier Bresson, Brassaï o Robert Frank. La semilla que plantó se convirtió pronto en un árbol que nos cubrió a todos los amantes de la fotografía:

El trabajo de un editor es enseñar el trabajo de otros. No es solo el trabajo de un equipo; requiere una profunda comprensión mutua. Nunca he publicado a nadie que no me interesara.

La revista que estaba orientada, como es lógico, al mundo de la medicina se transformó, bajo la dirección de Delpire, en una revista de arte. Logró sacar a todos los médicos del consejo de redacción y después de publicar artículos sobre el cine como medio de instrucción quirúrgica, empezó a hacer monográficos dedicados al corazón, al mundo del circo y demás temas mucho más interesantes para él. El quinto número de aquella revista se dedicó a Brassaï, el octavo presentó 28 fotografías de un desconocido Robert Frank...

¿Los primeros libros de fotografía de bolsillo?

Después de aquella experiencia se lanzó de lleno al mundo editorial. Tenía el ingenio y los contactos. Y empezó con un formato revolucionario mucho antes de lo que algunos pensamos. A mediados de los cincuenta lanzó las primeras monografías en un formato pequeño bajo el sello Huit (el germen de Delpire&Co). De aquella época son 'Les Danses à Bali' (1954) de Henri Cartier-Bresson y 'Les Parisiens Tels qu’Ils Sont' (1953) de Robert Doisneau. Aquellos pequeños libros de tapa dura fueron los ensayos que le llevaron a crear su obra maestra.

En 1957 imaginó la colección 'Encyclopédie Essentielle', donde incluyó en 1958 el trabajo de un conocido suyo que nadie quería publicar. Solo él creyó en este fotógrafo. Editó y formó el viaje de un suizo por el continente americano con un coche que se pagó con una de las becas más famosas. Ese libro, como sabréis, es 'Les americains'.

Cambió el rumbo de la fotografía, rompió con la perfección de Cartier Bresson y enseñó a todos los fotógrafos a expresarse con la gramática única de la buena fotografía, libre de las reglas de las demás artes.

La vida después de Los americanos

La importancia del libro de Robert Frank lanzó el prestigio de Robert Delpire hasta convertirle en el editor de fotografía más importante del siglo XX. Parece que nadie es capaz de hacerle sombra. Desde su prestigiosa editorial Delpire publicó libros de Cartier Bresson, Jacques-Henri Lartigue y Josef Koudelka.

Un editor no es un artista. Un editor es un artesano. Está al servicio del autor. Hacer un buen libro de fotografía no es hacer un libro para uno mismo sino para el autor

Ser fotógrafo no es hacer solo fotos bonitas. Este es un error en el que caen muchos. Ser fotógrafo es contar una historia con el lenguaje propio de las imágenes. Y con la ayuda de un editor como Delpire podemos leer (sí, leer) Gitans, La Fin du Voyage (1975) y 'Exiles' (1988) de Koudelka,'D'une Chine à l'Autre' (1954) y 'Moscú' (1955) de Cartier Bresson, Guerre à la Tristesse (1955) y 'De la Perse à l'Iran' (1958) de Inge Morath, 'Tokio' (1964) de William Klein...

También trabajó en publicidad

Pero no se quedó en el mundo de los libros de fotografía. Fundó una galería en París en la que expusieron la mayoría de los grandes maestros del siglo XX. Y creó una agencia de publicidad, Delpire Publicité, con la que imaginó algunos de los anuncios más potentes de Citroen, por poner un solo ejemplo con los trabajo de su mujer Sarah Moon o Helmut Newton. Además produjo películas como 'Who Are You, Polly Maggoo?' de William Klein. No tenía límite creativo alguno, siempre y cuando el proyecto le interesara.

Y cómo olvidar una de sus publicaciones infantiles más famosas. Él fue el que puso en circulación la edición más famosa de Donde viven los monstruos de Maurice Sendak, un libro que ha marcado a generaciones enteras de niños enfadados con sus padres y las ganas que nos entraban de viajar a un mundo donde pudiéramos ser los reyes...

Donde viven los monstruos

También dirigió algunos de los capítulos de la fabulosa serie de William Klein 'Contactos', que por supuesto produjo. E incluso hizo un documental llamado 'El siglo de Cartier Bresson'...

El Centro Nacional de Fotografía

Si todo su currículum no nos ha impresionado todavía, queda uno de sus hitos más importantes. En 1982 fue nombrado por el ministro de Cultura francés Jack Lang para dirigir el Centro Nacional de Fotografía en París, el actual Jeu de Paume. Estuvo en el puesto hasta 1996.

Y aquí transformó una de sus primeras ideas editoriales: libros de pequeño formato, gran calidad y asequibles para todos los públicos. La famosa colección Photo Poche ha contribuido más a la difusión de la fotografía que cualquier cámara, flash, blog, revista... que estén a nuestro alcance.

Photo Poche

En esta colección se han inspirado directamente editoriales de todo el mundo, como La Fábrica en España, con su colección Photobolsillo o Lunwerg con su versión para los países de habla hispana. Seguro que todos tenemos algún que otro libro de la colección en nuestra casa, ese de tamaño postal, con las tapas negras, verdes o grises, con una impresión de calidad, un gran texto y una excelente selección de fotografías del autor de la monografía en cuestión. Autores de todo tipo, muchos de la agencia Magnum, algunos de los pioneros y actuales.

Desde el Centro Nacional de Fotografía fue comisario de algunas de las exposiciones que más recorrido han tenido por el mundo, como las dedicadas a Cartier Bresson. Precisamente fundó el Henri Cartier- Bresson Award para financiar los proyectos que los fotógrafos presentaban. Al final de sus días recibió todo tipo de reconocimientos, exposiciones en la Maison Européenne de la Photographie y llegó a publicar un libro autobiográfico que espero se publique en español dentro de poco.

Ha sido una figura fundamental. Gracias a él la fotografía ha evolucionado, tenemos la posibilidad de tener buenos libros en casa y sobre todo, nos enseñó que las cosas hay que verlas como las sentimos, a través de los ojos de Robert Frank.

En Xataka Foto| El editor y amante de la fotografía Robert Delpire ha muerto hoy a los 91 años

John G. Morris murió el 28 de julio de 2017 a los 100 años. Apenas ocupó unas líneas en los periódicos del día siguiente y alguna que otra amable reseña. Pero su fallecimiento cierra la edad de oro del fotoperiodismo mundial. John G. Morris fue el editor fotográfico más importante del siglo XX.

Recuerdo perfectamente el día que vino a Madrid para presentar su autobiografía en La Fábrica. Quienes conozcan la sala de dicho lugar sabrán que no es muy grande. No se llenó, pero a John G. Morris pareció darle igual. Durante todo el acto estuvo afable, recordando algunas de las muchas anécdotas de su vida. Incluso se sentó con infinita paciencia para firmar los libros a los que allí estábamos.

Parece mentira que aquel hombre de melena blanca, ya con más de 90 años pero con una vitalidad que ya querrían muchos, que estaba firmando con infinita paciencia a un reducido número de admiradores, había dirigido la agencia Magnum, la edición gráfica de la mítica revista Life, o que había estado con Robert Capa durante la II Guerra Mundial...

La vida de John G. Morris

Nació el 7 de diciembre de 1916 en Nueva Jersey. Y desde entonces no paró de vivir intensamente ni un solo instante de su vida. Estuvo cerca de la muerte con solo tres años, cuando se llevó un fuerte golpe en la cabeza al caer desde un segundo piso. Esa caída parece que le impulso a tener una de las vidas más interesantes del siglo XX.

La fotografía le invadió en la época de la universidad, cuando se encargó de la parte gráfica del periódico estudiantil de facultad de Ciencias Políticas de la universidad de Chicago. Allí estaba, entre otros, Bill Vandivert, uno de los fundadores de la mítica agencia Magnum. El porqué se hizo editor gráfico y no fotógrafo es curioso.

Era consciente de su falta de habilidad para encuadrar pero tenía un ojo preparado para seleccionar los mejores disparos de los demás. Solo trabajó como fotógrafo al lado de su gran amigo Robert Capa en una ocasión después del famoso desembarco de Normandía.

Al terminar la universidad entró a trabajar en 1938 como editor gráfico de la mítica revista 'Life', una de las referencias fundamentales del fotoperiodismo internacional. Fue su mejor escuela y donde educó su ojo hasta límites insospechados para conseguir la foto, en el menor tiempo posible, entre los miles de carretes de 35 mm y formato medio que llegaban sin cesar a la sede en el edificio Chrysler de Nueva York.

En aquella época había que revelar. Para los más jóvenes, había que esperar, con suerte, unas tres horas para tener el positivo revelado en tus manos listo para pasar a la imprenta. Y no cuento el tiempo que había que esperar para que los carretes llegaran al laboratorio. No había tiempo para pensar. La mejor fotografía tenía que saltar enseguida. Algunos eran capaces de verla durante el baño de fijador de la tira de negativos.

Su gran amigo Robert Capa

Allí se dio cuenta de otra cosa. Para ser un buen editor gráfico era fundamental conocer bien a los fotógrafos. Ser amables con ellos y conocer su estilo. Solo así sabía que no se equivocaría cuando les enviara a cualquier lugar del mundo. Y siempre les daba el mismo consejo:

En el periodismo, primero se busca el significado, la verdad que está implicada en la imagen: ¿esta imagen muestra algo importante? ¿Es verdadero o falso? La composición, la forma, que es más una cuestión estética, viene en segundo lugar. El fotograma ideal para una historia primero tiene que tener significado y en segundo lugar, tener forma. Una buena composición que lleve el ojo al punto focal.

El trabajo por encima de todo

Él mismo reconocía la importancia de la fotografía para informar, siempre con un texto al lado que la explicara. Se alegraba de cómo las imágenes cambiaron la percepción de la guerra de Vietnam. Sin embargo siempre se lamentaba de cómo se presentó en sociedad a la bomba atómica, como un espectáculo de la naturaleza y fuerza del hombre, en vez de mostrar los estragos que causaba. El espectacular hongo en vez de los jirones de piel de quien lograba sobrevivir.

Pero si leemos sus memorias '¡Consigue la foto! Una historia personal del fotoperiodismo' veremos que después de todo se quedaba siempre con la amistad. Que después de todo el trabajo y el estrés de dedicarle 16 horas diarias a la fotografía lo importante eran los amigos:

Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Alfred Eisenstaedt, Margaret Bourke-White, David Seymour "Chim", Werner Bischof, Gjon Mili, George Rodger, Bob Landry, Ralph Morse, Carl Mydans, Elliot Elisofon, Hansel Mieth, Elliot Erwitt, Phillippe Halsman, Eugene Smith, Cornell Capa, Inge Morath, Dmitri Kessel, David Douglas Duncan, Fritz Goro, Myron Davies, George Silk, Peter Stackpole, John Florea, Hans Wild, Frank Scherschel, Dave Scherman, Ernst Haas, Lee Miller, Bill Vandivert, Ruth Orkin, Sol Libsohn, Esther Bubbley, Gordon Coster, Larry Burrows, Eve Arnold, Burt Glinn, Erich Hartmann, Dennis Stock, John Phillips, Erich Lessing, Jane Evelynn Atwood, Marc Riboud, Kryn Taconis, Bill Snead, Ernie Sisto, Barton Silverman, Neal Boenzi, Edward Hausner, Jack Manning, Don Hogan Charles, Peter Magubane, Michel Laurent, David Turnley, Peter Turnley

Trabajó con todos ellos. Compartió su mirada en todo momento. Pero siempre tuvo tiempo para terminar la noche disfrutando del momento. Pero su gran amigo fue Robert Capa. Él estuvo envuelto en la famosa historia de las fotografías perdidas del desembarco de Normandía, las que casi le cuestan la vida al genial fotógrafo. Fueron las prisas que trasladó al técnico de laboratorio lo que llevó a perder aquellos carretes salvo los once fotogramas que salvó en Londres y mandó a Nueva York.

Ladies Home Journal

Después de la guerra, y después de escapar de nuevo con la muerte, fue nombrado editor gráfico de 'Ladies Home Journal' en 1946. Era una de las revistas más prestigiosas de la época. Por poner solo un ejemplo, él mismo mandó a su amigo Capa y al escritor John Steinbeck a Rusia para uno de los reportajes más famosos de la historia.

Uno de sus trabajos más importantes y recordados vino en 1953: Director Ejecutivo de la Agencia Magnum. Allí estuvo doce años trabajando codo con codo con Henri Cartier Bresson para levantar económicamente la mítica agencia de fotógrafos en la que ellos mismos eran los dueños de los negativos. De allí partió al 'The Washington Post' y después al 'The New York Times', dos de los más famosos periódicos de los Estados Unidos.

En aquellas décadas la historia de la humanidad pasó por sus manos desde las miradas de los mejores. Si recordamos algo de aquellos años muy probablemente lo decidió él. Pero su trayectoria profesional no terminó aquí. Su sueño era terminar en París, y lo consiguió. Desde 1983 fue editor gráfico de 'The National Geographic'.

El poder de la fotografía

Durante sus últimos años se dedicó a recorrer el mundo dando clases y a promocionar su gran libro de memorias en 1998, fundamental si queremos saber qué es eso de ser fotoperiodista. De su lectura podemos sacar grandes lecciones y descubrir el poder de la fotografía.

Una de sus pocas fotografías

Por poner solo un ejemplo, en la edición española de 2013 leemos una reflexión que nos hace ver la importancia de documentar todo con imágenes libres, para que no quede ninguna duda de lo que hay que hacer:

Uno de los motivos por los que la Gran Guerra se prolongó tantos años es que viéramos tan pocas fotografías del conflicto. Un fotógrafo llamado Jimmy Hare trató de tomar fotos en el frente. El espionaje francés confiscó su cámara y su película. La Fuerza Expedicionaria Estadounidense, que se sumó a la lucha armada en 1917, se paresuró en suscribir la censura aliada sobre la fotografía de prensa... Si el público hubiera visto la carnicería que se vivía en las trincheras, ¿cuánto menos habría durado la guerra en el frente occidental?

Creo que la figura de John G. Morris debería estar entre las más importantes del mundo de la fotografía. Sus ojos vieron antes que nadie la realidad del mundo a través de los mejores fotorreporteros. Y siempre eligió el disparo certero para que se nos quedaran grabadas en la retina. La memoria fotográfica del siglo XX es la historia de su vida. Sin él sería totalmente distinta.

En Xataka Foto| Así es como trabaja un fotógrafo dentro de una guerra

Cartier Bresson es el fotógrafo más importante del siglo XX. Muchos fotógrafos le idolatran, otros le critican por su excesiva perfección. Pero de lo que estoy seguro es que le conocen hasta los que no saben de este mundo. El documental que han estrenado esta semana en la televisión española se llama `El siglo de Cartier Bresson´ y es imprescindible para los que llevamos una cámara al hombro.

Henri Cartier Bresson es un fotógrafo humanista, un cazador de imágenes, un hombre que hizo historia con una Leica entre las manos. Algunas de las imágenes más famosas de París, de España, México, India, Rusia... son suyas. Sus libros y sus escritos son una referencia obligada para todos los alumnos y los que no nos cansamos de aprender día tras día.

Por eso es una noticia estupenda descubrir nuevos documentales que profundicen en la figura de Henri Cartier Bresson. En una de las pocas cadenas donde la cultura sigue siendo importante, la 2 de RTVE (Radio Televisión Española), han programado El siglo de Cartier Bresson, un documental de 2012 con la siguiente sinopsis:

Cartier-Bresson fue uno de los padres del fotoreportaje, a lo largo de su carrera tuvo la oportunidad de fotografiar ilustres personajes, además de asistir a grandes acontecimientos que han marcado el s. XX. Además de viajar por la historia, esta producción hace un repaso por su obra.

El problema es que solo lo podemos ver hasta el 14 de septiembre de 2107 en su página web, por lo que nos toca reservar una tarde, una noche o incluso una mañana de este fin de semana para poder disfrutar de la hora escasa de documental en el que él mismo nos cuenta su personal forma de ver la fotografía y por extensión la vida. Porque si algo podemos aprender de Cartier Bresson es que los fotógrafos tenemos que pensar de una forma distinta para lograr una buena imagen.

Henri Cartier Bresson

A lo largo de los minutos el propio autor va contando historias, sentimientos, autores tan importantes en su vida como su maestro André Lhote y libros fundamentales como Zen en el arte del tiro con arco de Herrigel, que habrá que correr a las librerías para comprarlo. Eugen Herrigel introdujo el zen en la cultura occidental. Es una escuela del budismo, por lo que será interesante descubrir lo que nos plantea para la vida y cómo volcarlo en la fotografía.

Aprender de Cartier Bresson

Este documental tiene música clásica de fondo, entre la que se reconoce al indispensable Bach, que seguro acompañó muchas de sus horas. Leyó sin cesar a los grandes escritores que le rodearon y a todos los que recordamos con estatuas. Su cultura era impresionante y su forma de pensar una fuente inagotable de inspiración:

La fotografía en sí no me preocupa. Me preocupa el gozo de estar presente, el plasmar. Eso, eso no, eso otro, eso si... Puede que, a veces, aprietes el botón y otras no, pero no dejas de estar ahí. Somos ladrones, pero luego lo damos todo. Sí, sí, no, sí, no, sí. ¡ahí!

Tenemos más fuentes de conocimiento de su figura si no llegamos a tiempo para verlo (aunque está en otras plataformas de televisión). La más importante es la colección de documentales que sacó la productora Avalon: Henri Cartier Bresson con el apoyo de Fondation HCB, donde podemos ver varios documentales más y muchas de sus propias producciones. Y encima viene con un libreto bastante completo.

Gran libro

No puedo olvidar el catálogo de la retrospectiva que hicieron en la Fundación Mapfre. Aquella exposición sirvió para ver su obra de otra forma (por primera cronológica) y dejó para el recuerdo el extenso catálogo firmado por su comisario Clement Cheroux. Y si no tenemos dinero, o no encontramos ninguna de las dos referencias siempre podemos quedarnos con esa pequeña joya del mismo autor llamado Henri Cartier Bresson. El disparo fotográfico de la editorial Blume.

Pero para esta tarde, o para el fin de semana que llega, siempre podemos conectarnos a internet y ver este documental que os recomiendo.

En Xataka Foto| La exposición más completa sobre Henri Cartier-Bresson ya puede verse en España