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Pere Larrègula: "El fotógrafo profesional debe ofrecer otros servicios"

Pere Larrègula: "El fotógrafo profesional debe ofrecer otros servicios"
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Pere Larrègula, fotógrafo profesional bastante conocido dentro de canonistas.com ha tenido a bien concedernos esta entrevista en la cual desgranaremos algunas de sus opiniones al respecto del mundo aficionado y profesional así como algunas de las claves que él mismo utiliza en su trabajo diario.

Los comienzos de Pere, como cuenta en primera persona en su web, fueron más o menos con 14 años fue cuando su padre le dejó utilizar su Voigtländer. Todo un descubrimiento. Poco tiempo después cayó en sus manos su primera réflex, una Praktica MTL 5 con un objetivo Pentacon 50mm f/1.8. Se considera un fotógrafo de profesión y vocación, dedicando siempre especial atención a la técnica fotográfica, en definitiva la luz, ya que para entenderla y manejarla es la base fundamental para luego crear sin limitaciones. Cuenta también que como disfruto de la fotografía, le gusta compartir todo lo que ha ido aprendiendo estos años, procurando colaborar con todos aquellos proyectos que difundan la fotografía como medio para la creación artística, hasta el punto que actualmente dedico una buena parte de mi tiempo a responder dudas a todos aquellos aficionados que empiezan. Así que si sois canonistas por aquel foro le veréis y si no lo eres, tampoco pasa nada, por compartir algo sobre fotografía con Pere.

XATAKAFOTO: ¿Qué ingredientes tiene un buen retrato?

Pere Larrègula: Para mí lo principal es la luz y el cómo aprovechemos la luz que tiene la escena o si la podemos crear o modificar nosotros. Ya sé que parece un tópico muy utilizado, pero la verdad es que lo creo firmemente, que la luz es la que nos debe, en cierta manera, obsesionar a los fotógrafos, porque con ella reafirmamos el mensaje marcado por la composición y la expresión en el retrato. Además si necesitamos un retrato técnicamente bueno, no nos podemos olvidar de tener un enfoque claro en los ojos, o como mínimo en el que está más cerca si la profundidad de campo es reducida y como decía, una composición que transmita un mensaje claro, pero sin bloquearnos en las “reglas” de composición, que son una guía general, no una obligación, ahora deben conocerse profundamente.

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Aunque todo es muy importante, quizás lo más importante es saber transmitir al modelo lo que buscamos, porque un retrato técnicamente perfecto puede no decir absolutamente nada, y darnos un mensaje que dependa en exceso del atractivo del modelo en cuestión, y un buen retrato no debe depender de eso nunca… a mi modo de ver y es ahí donde está la diferencia real.

¿Cómo es tu equipo? (estilista, retocador, asistente de iluminación, modelos, ...)

Pues no cuento con un equipo fijo, aunque resultaría más sencillo en algunos casos, sobre todo en los proyectos personales…, pero es así porque cada trabajo requiere lo mejor de cada área y en algunas ocasiones que dicha área sea muy especializada, así que es difícil tener un equipo fijo de profesionales como estilista, maquillaje y peluquería a no ser que siempre te caracterices por una única línea editorial, cosa que no es mi caso… En cuanto al retoque, cuando necesito algo muy específico cuento con retocadores, pero no suelo necesitarlos, ya que en mis trabajos comerciales me piden imágenes muy naturales o sin retoques, lo que hace que juegue mucho más con la luz para evitarlos o bien son muy sencillos, por ejemplo los que hago en las fotografías que son para mí o como ejemplos de los talleres que imparto, ya que estos están orientados fundamentalmente a la iluminación y la gestión de modelos, no al postproceso.

Más que equipo, pero prefiero llamarlos colaboradores y me reservo para mí la iluminación, porque disfruto con ello y para mi es la base de una buena fotografía, de hecho es mi sello personal… además mis colaboradores son fotógrafos y ex-alumnos de mis talleres (personas que son capaces de entender lo que pienso, que sé que tienen una base técnica solida y son capaces de darme ideas cuando la sesión o el cliente es complejo, o ayudarme a preparar el equipo y la logística de la sesión, etc…).

¿Cómo lo gestionas? ¿Qué les pides?

La verdad es que la base para hacer un buen equipo es confiar en la profesionalidad de todos los que lo forman, así que solo les pido que se impliquen y sean proactivos, vamos que no dependan de mis indicaciones y sobretodo que me ayuden a crear un buen ambiente de trabajo, ya que eso es vital a mi modo de ver. Pero algo característico es que siempre hacemos uno o varios “briefing” donde pongo en la mesa las ideas que tengo o las del cliente y como me gustaría ordenar la sesión, para que el equipo aporte su experiencia, sus visiones y la sesión sea fluida, se enriquezca de esas aportaciones, que en algunos casos cambian en parte la idea inicial si es posible, claro,… siempre se aprende cuando haces equipo.

Y aunque el equipo sea puntual y solo para una sesión en la mayoría de casos, es fundamental transmitir que todos los que participan son igual de importantes, en esos casos hay que todavía prestar más atención a los detalles que generan buen ambiente… el director puede marcar los pasos a la orquesta, pero sin músicos no hay nada.

¿Al aficionado que le gusta este estilo de la fotografía de moda qué le dirías que hiciera? Conozco a muchos compañeros que realizan intercambios (TFCD) con gente que le interesa, hacen las fotos y pasan un rato divertido. Pero parece que a determinado sector profesional le molesta, ¿porqué ocurre esto?

Al aficionado que le gusta el retrato o la moda, le animo a practicar todo lo que pueda y que disfrute de la fotografía, porque es una disciplina apasionante que puede darle muchas satisfacciones, como todas en fotografía. Al respecto de los TFCD, pienso que hacer fotografías por puro placer para ambas partes no hace daño a nadie, pero claro, hay gente para todo, ahora a mí me parece un poco absurdo molestarse porque los aficionados busquen hacer sesiones de intercambio, máxime cuando la mayoría de profesionales hemos empezado así.

Pero ante todo les pido a los aficionados que sean muy francos, y no engañen a un modelo novel diciéndole que pueden hacer un book profesional gratis a modo de intercambio, porque seguramente muchos no sabrán lo que es un book, ni cuál es el trabajo real de un fotógrafo profesional en ese tipo de sesiones (que no es solo hacer fotografías).

Lo que si nos molesta a los fotógrafos profesionales, que trabajamos con modelos, es que los aficionados se hagan pasar por profesionales y engañen a los modelos, o usen las sesiones para ligar, porque eso sí desprestigia al sector, ya que el modelo novel no es capaz, de entrada, diferenciar entre un trabajo profesional o el que no lo es (no conoce la diferencia), lo que genera “modelos” quemados antes de empezar… y en algunos casos son irrecuperables.

Lo que está claro es que el fotógrafo profesional debe marcar claramente la diferencia en el resultado y no me refiero solo a las fotografías como decía, ya que concebir un buen book o un intercambio, al margen de hacer buenas fotografías (no es necesariamente hacer fotografías visualmente impactantes, que las agencias no piden), lo que debe ofrecer son otros servicios, como una ayuda inestimable sobre cómo mejorar la expresión, el posado, cuales son los estilismos más adecuados, o incluso le podrá aconsejar que fotografías espera recibir una agencia en particular o cuáles son las más idóneas para el tipo de trabajo al que aspira como modelo, aunque solo sea por experiencia.

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A los aficionados con aspiraciones profesionales (tanto fotógrafos como modelos), les diría que las fotografías que en muchos casos gustan, no suelen ser las que debe tener un buen book o portfolio profesional, ya que en la mayoría de casos se abusa del procesado, o no tienen calidad suficiente en alta resolución que permita tenerlas en papel (porque sigue usándose como soporte), o no cuentan con buenos retratos de plano corto, o se caracterizan por contar solo con expresiones o posados muy simples que no sirven para todos los modelos y lo que es peor, en algunos casos con un claro componente sexual en las mismas, por lo tanto se juega muy poco con la expresividad de cada modelo en particular… y así un largo etcétera de detalles… esas prácticas dejan ver, poco o nada, de cómo es realmente el candidato a modelo y dicen poco del fotógrafo.

Cada vez hay más aficionados que les gusta el strobist. ¿Por dónde les dirías que empezaran?

Que empezaran por entender la luz primero para no sufrir demasiado y por descontado que empiecen con un solo flash, no más es mejor, pero en estudio igual… cuando “dominas” o mejor dicho, sabes sacarle partido a una fuente de luz, te das realmente cuenta que pocas veces necesitas más, ya que hay multitud de modificadores para esa luz, al margen que además dispones de la luz día si quieres.

Pensemos fríamente que nuestro cerebro está acostumbrado a evaluar las escenas con una sola fuente de luz, el Sol, y cuando usamos más de una, sin criterio, lo que hacemos es generar imágenes confusas o con sombras cruzadas, por eso es muy importante llegar a entender la luz, primero la luz día (es más barato), y luego como jugar con otras fuentes, empezando por una, ya sea como sustituto o complemento a la luz día… luego ya vendrá utilizar más fuentes de luz, sobre todo por pura evolución en la complejidad de las escenas que intentaremos plasmar.

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El abecedario de la luz, por favor.

En los talleres siempre digo lo mismo, entender la luz es fácil si tienes claro cómo se comporta y sabes cuatro conceptos de física muy sencillos…, por ejemplo, saber cómo cae la luz dependiendo del tamaño de la fuente y que contraste nos da a la escena dependiendo de cómo la modifiquemos… vamos que tienes clara la ley inversa del cuadrado de la distancia (que es muy sencillo), como modificar la luz para lo que necesitamos y si usamos más de una fuente de luz pues tener claro que es eso de la suma de luces.

Y aunque parezca algo arcaico o sacado de otro tiempo, recomiendo usar un fotómetro/flashimetro para entender mejor la luz, como cae o como cambia en función del ángulo, pienso que ayuda a tener claro el concepto de contraste de una escena con suma facilidad, sin él, se convierte todo en un prueba y error que puede llevar a conclusiones erróneas, con lo que no se gana confianza… y la confianza es fundamental para hacer fotografías de calidad, además pienso, que usándolo, los que empiezan entienden mucho mejor como mide la cámara lo que simplifica mucho el aprendizaje.

Estilismo, maquillaje, iluminación, modelo, fotógrafo y su equipo… etc. Todo es importante, pero cuál es la receta. Danos unas pistas aunque el punto de sal y alguna especia la guardes para ti.

La verdad es que me caracterizo por no guardarme nada, jeje, hasta me critican por eso otros fotógrafos, por explicar según ellos “demasiado” en foros… Como dices, lo que está claro, es que todos los que forman el equipo son igual de importantes para el resultado, pero lo que realmente hace que todo funcione es la confianza de todos con todos. Por ponerte un ejemplo, si el modelo no confía en el fotógrafo o no tiene un buen día, por muy profesional que sea el modelo, la tensión será alta y el fotógrafo tendrá todo el peso de la sesión, así que dependerá en exceso de su experiencia para encauzar el rumbo de la misma.

Así que, para mí, lo primero es tener paciencia, y antes de hacer una sola fotografía es generar un alto grado de empatía y confianza con todo el equipo, por eso dedico una buena parte del tiempo a poner en común lo que haremos en la sesión, incluso días antes, para que todos se sientan realmente parte de un equipo… si un solo miembro no está bien o no esta cómodo, eso se paga caro en el resultado.

El fotógrafo profesional debe marcar claramente la diferencia en el resultado, lo que debe ofrecer son otros servicios.

De cara al fotógrafo, lo importante es conocer bien el equipo que utilizara durante la sesión (cámara, objetivos, iluminación, etc…), incluso saber algo de maquillaje o estilismo para entender bien ese mundo, tener todo a punto antes de empezar, aprovechar bien los tiempos muertos para refrescar ideas y saber que puede o qué no debe hacer, y así escoger lo mejor para cada fotografía, o bien como evitar que sea muy evidente que el equipo no es el idóneo cuando no hay otro y luego viene lo difícil, el aspecto psicológico de trabajar con personas y eso también se aprende, pero es lo que más le cuesta a la mayoría.

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El desnudo es un tema muy complejo pero sin embargo es lo más natural ¿Cómo aconsejas a tus alumnos afrontar el desnudo artístico? ¿Cómo sacar belleza y no caer en lo vulgar?

Si es complejo, sobre todo por como vemos cada uno el desnudo. No es lo mismo un desnudo artístico, que hacer fotografías a una mujer o un hombre desnudos, la diferencia estriba en la sensibilidad que le aportemos a esa visión, y eso también se puede aprender o mejor dicho, educar a mirar, y no solo a ver, qué es lo que suele pasar al principio cuando hacemos nuestras primeras fotografías de desnudo y pasa igual con cualquier especialidad de la fotografía, hay que aprender de nuevo a mirar.

Para empezar es importante tener en cuenta que la mirada a cámara del modelo es lo que carga de erotismo el desnudo con suma facilidad, así que lo ideal en el desnudo artístico es evitar esas situaciones de entrada, que además dan tranquilidad a los que empiezan, ya que no se sienten observados por el modelo, cosa que puede condicionar bastante en algunos casos.

Como consejo diría de empezar a fotografiar la piel, solo piel, y olvidarse de la genitalidad del desnudo, buscar formas, curvas, líneas y acercarte a componer como si de un paisaje se tratase, lo que suele llamarse “body landscape”, porqué un desnudo también es un pie, la espalda, el cuello, un hombro, etc… Cuando vean el desnudo como un paisaje o un retrato, que de hecho lo es, todo les será mucho más fácil.

Muchas gracias, Pere.

A vosotros, un saludo.

En resumen

Estas han sido las opiniones de Pere sobre diversos aspectos del sector fotográfico actual, supongo que estaréis de acuerdo en algunas y en otras no, así como de su trabajo en estudio. Pere Larrègula nos ha hablado del comportamiento manejo y control de la luz, pero sobre todo de aprender a leerla. Un buen consejo. Por otro lado recordaros otro buen consejo que puede formar parte de vuestro próximo proyecto fotográfico: Fotografiar la piel, el Paisaje de la Piel.

Fotografías por cortesía de Pere Larrègula.

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