El mundo ha cambiado mucho desde que apareció la fotografía en 1839. En esta ocasión vamos a conocer la figura de la condesa de Castiglione, Virginia Oldoini (1837-1899). Una mujer que ejerció de espía y que ayudó a la unidad de Italia. Como ocurre siempre trataron de rebajar su papel en la historia. Y ha pasado a la historia también por ser la precursora del selfie y por saber ver antes que nadie la importancia de la imagen fotográfica.

La vida de Virginia Elisabetta Luisa Carlotta Antonietta Teresa Maria Oldoni, Virginia Oldoini, es una novela. De hecho podemos encontrar varias biografías sobre su vida, una película y una serie. Yo no conocía su existencia pero llevaba años con una de sus fotografías en uno de los libros más voluminosos de mi biblioteca, 'Nueva historia de la fotografía' de Michel Frizot.

Una de las famosas fotografías de Pierre-Louis Pierson

Una mujer elegante nos mira a través de un espejo mientras un niño la observa. Toda una escenificación que parece más cercana al surrealismo que a una dama del siglo XIX. Es tremendo leer las crónicas de una mujer que ayudó a formar un país como Italia.

La vida de la condesa de Castiglione

Ejerció de espía para la corte del rey Víctor Manuel II. Su primo, el conde de Cavour, primer ministro de Cerdeña, la envió, junto con su marido, a la corte francesa de Napoleón III. El objetivo era acercarse al emperador y convencerle de la necesidad de unir territorialmente a la península itálica. Para ello tendría que enfrentarse al gobierno austriaco para echarlos del norte.

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La forma más sencilla de crear desenfoques en Adobe Photoshop

La condesa de Castiglione debía de ser consciente de que en una sociedad machista solo la iban a dejar destacar por su belleza. Su madre la exhibía de pequeña en los teatros para buscar las alabanzas. Su educación fue más allá del típico de la alta nobleza de la época. Aprendió idiomas para poder desenvolverse por las distintas cortes.

Uno de los retratos conservados en el MET de Nueva York

Dicen que la eligieron por su belleza pero dudo mucho que el destino de una nación dependiera de las locuras de amor de un emperador, como si fuera una historia mitológica. La fuerza de la belleza y el amor queda muy bien en la novelas pero dudo de ellas en la realidad. Sobre todo si sirve para banalizar el trabajo de una persona.

La condesa de Castiglione y la fotografía

No es el momento ni el lugar para entrar en las tribulaciones políticas del siglo XIX. Así que vamos a ir al grano, a la importancia de la condesa de Castiglione en la historia de la fotografía.

Para entrar en la alta sociedad francesa y llamar la atención del último emperador de los franceses, empezó a fotografiarse una y otra vez remarcando su excentricidad y su forma de pensar. En aquellos tiempos fue capaz de enseñar sus piernas, sus hombros y sus pies sin ningún pudor.

Ella no conocía la técnica fotográfica, aquellas enormes cajas de madera con objetivos de latón y lentes de menisco. Así que iba una y otra vez al estudio de uno de los grandes fotógrafos de aquella época en París: Pierre-Louis Pierson.

Una imagen de la condesa pintada por el estudio de Pierre-Louis Pierson

Este fotógrafo tenía su estudio en el Boulevard des Capucines, cerca del de Nadar. Se hizo famoso por retocar las fotografías con óleos (el primitivo Photoshop) para mejorar el aspecto de los retratos y fue fotógrafo real. Se convirtió en el fotógrafo de la condesa de Castiglione en 1856 y juntos hicieron más de 400 disparos.

Como si fuera una primitiva Madonna, una antepasada de lady Gaga, una precursora de Andy Warhol, la condesa de Castiglione entendió que su imagen era importante dentro de la sociedad. En aquellos primeros tiempos la fotografía permitía pasar a la posteridad a todos los que se pudieran pagar un retrato. Ya no había que pagar a un pintor y posar durante cientos de horas. Y podías hacerte todos los que quisieras.

Así que antes o después de las fiestas de la nobleza se acercaba al estudio con sus disfraces y su trajes a la moda para quedar inmortalizada para su deleite y para escándalo de un mundo que estaba a punto de desaparecer. Ella elegía la temática de la escena, la pose, la mirada... todo salvo disparar y revelar la fotografía.

Como dicen en la exposición que organizaron en el museo d´Orsay de París:

El procedimiento artístico de la Castiglione, en sus intenciones y sus resultados, anticipa el trabajo de los artistas fotógrafos de hoy día, siendo una de los más destacadas Cindy Sherman. Su predilección por fotografías totalmente pintadas, según sus instrucciones detalladas, es el origen de un género en vías de rehabilitación. En efecto, el arte contemporáneo, mezcla en el seno de una misma obra, técnicas y productos híbridos que aparentemente deberían excluirse. Citemos, por ejemplo, al alemán Gerhard Richter que pinta fotografías o al norteamericano Joël-Peter Witkin.

Cuentan muchos historias acerca de su belleza legendaria. Una de ellas parece más cercana a las 'Metamorfosis' de Ovidio que a la realidad. Un noble se atrevió a decir que su hermosura era pura fachada por el maquillaje excesivo y la puesta en escena. Ella, cuando escuchó la crítica, le mandó una cita y le recibió totalmente desnuda. Desde entonces el noble fue su más ferviente admirador.

Una de sus fotografías más famosas

Su forma de entender la fotografía y las poses nos llevan hasta Richard Avedon e Irving Penn. Como podemos leer en uno de los mejores blogs de historia de la fotografía, cuando Avedon iba a ser fotografiado por Penn se fijó en una de las fotografías que tenía en su casa, la de la condesa tapándose un ojo, e imitó la expresión para pasar a la posteridad.

Pero su personalidad arrolladora no le ayudó en absoluto a ser respetada por una sociedad mojigata. Y seguro que la atacaron más por su inteligencia que por su belleza. La emperatriz Eugenia de Montijo la reconoció como enemiga y la princesa Metternich, otra de las inteligentes aristócratas de la época, mecenas de Wagner y conocida por su amplia cultura dijo de ella:

si hubiese sido simple y natural, habría conquistado al mundo. Por supuesto, estamos felices de que la condesa no fuera más simple...

A pesar de sus contactos y amistades, y por las fotografías cada vez más atrevidas que circulaban por París, su vida terminó rodeada de tristeza y soledad. Nadie pareció recordar sus servicios al ideal de la patria italiana, y cuentan que se encerró en su casa sin espejos y con telas negras para no ver cómo envejecía.

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La historia no la recuerda salvo por sus excentricidades. Pero merece un espacio en la historia de la fotografía porque fue la primera mujer que entendió la fuerza de la imagen y las múltiples posibilidades que ofrece para expresarte, incluso en un mundo no tan lejano en el que las mujeres no podían actuar tal como eran.

Puede ser que alguna de las personas que leeréis este artículo no sepáis quién fue Marilyn Monroe. Fue una de las grandes actrices del Hollywood de los años 50. Su imagen es mítica, la rubia platino por excelencia. La mujer guapa y sensual que todos deseaban y envidiaban. Pero ella no era ni rubia, ni feliz y no podía estar más apartada del estereotipo que todos veían. Y el único que entendió a Norma Jean, que así se llamaba, fue Richard Avedon en el retrato que le hizo en 1957.

Muchos de nosotros seríamos incapaces de imaginar un mundo sin el cine. Ahí están muchos de nuestros recuerdos, de nuestros miedos y amores platónicos. Sin lugar a dudas Marilyn es una de nuestras actrices favoritas. Es imposible olvidarla en 'La tentación vive arriba', 'Con faldas y a lo loco', 'Los caballeros las prefieren rubias'... Esa era la imagen que había creado ella. Ese era el personaje igual que Chaplin había creado a Charlot para esconderse. Para no enseñar a los demás cómo eran realmente.

A pesar de tenerlo aparentemente todo no tenía nada. No era feliz, no tuvo la fortuna de juntarse con buena gente y murió en extrañas circunstancias un triste 5 de agosto de 1962 rodeada tan solo de pastillas. En la más absoluta soledad y con una imagen pública alejada de la realidad.

Y esa imagen de abandono, de soledad, de querer escapar de todo fue lo que captó Richard Avedon en el famoso retrato que le hizo en Nueva York en 1957. Una fotografía en la que la estrella se mostraba como una persona que no tenía que fingir quién era. Parece la única fotografía en la que Marilyn Monroe desaparecía bajo la sombra de Norma Jean, una chica que solo deseaba que la quisieran.

La verdadera fotografía de Marilyn Monroe de la mano de Richard Avedon

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Richard Avedon era un tipo peculiar. Sabía que era bueno. En algún momento de su vida seguro que tuvo la tentación de ser un dios. Todo lo que tocaba se convertía en oro, en tendencia. Los famosos solo podían serlo si él les fotografiaba con su cámara mágica. Tenía el poder de cambiar las cosas y su opinión era tenida en cuenta.

La viva imagen de la realidad

Pero no podemos olvidar que a pesar del glamour era un fotógrafo social, capaz de hacer libros como 'Nothing personal' o 'In the american west'. No se limitaba a fotografiar a las estrellas de la moda, la política y las artes. Quería sacar a las personas que llevaban dentro estos personajes. Era una psicólogo que trabajaba con la mirada que heredó de Francisco de Goya. Como podemos leer en una de sus citas más famosas:

A menudo siento que la gente viene a mí para ser fotografiadas, como irían a un médico o a una adivina, para averiguar cómo son. Así que ellos dependen de mí. Tengo que comprometerlos. De lo contrario no hay nada que fotografiar. La concentración tiene que salir de mí y hacer que participen. A veces la fuerza crece tan fuerte que los sonidos en el estudio siguen sin oírse. El tiempo se detiene. Compartimos una intimidad breve e intensa. Pero es inmerecido. No tiene pasado… ni futuro. Y cuando la sesión ha terminado, cuando la imagen está hecha, no queda nada, excepto la fotografía… la fotografía y una especie de vergüenza. Ellos se marchan… y yo no los conozco. Casi no he oído lo que han dicho. Si me encuentro con ellos una semana más tarde en una habitación en algún lugar, espero que no me reconozcan. Porque no siento que realmente estuve allí. Al menos la parte de mí que era, ahora está en la fotografía. Y las fotografías tienen una realidad para mí que la gente no tiene. Es a través de las fotografías que les conozco.

Como él mismo reconoce en aquella sesión Marilyn se mostró como siempre. Una chica jovial y feliz que no paraba de reír y de bailar. Hay muchas imágenes de aquella sesión en la que se mueve contra un fondo negro con el vestido de lentejuelas sin parar. Debía ser agotador ser Marilyn.

Avedon tenía claro lo que quería conseguir. Se conocían bien y siguió su juego. No podemos olvidar que era un reputado fotógrafo de moda que sabía dirigir a las personas para lograr exactamente lo que quería. Y su objetivo no era otro más que agotar a la estrella para sacarla como nunca antes lo había hecho alguien.

Otras fotografías de Richard Avedon a Marilyn Monroe

Al final de la larga sesión ella estaba agotada. No podía más con ese vestido, el maquillaje y la obligación permanente de sonreír. Era simplemente una mujer agotada. Y Richard Avedon, como un animal depredador, sacó su Rolleiflex y se abalanzó sobre su presa -desnuda de artificios- para sacarla con la mirada perdida. Esa es la foto que ha pasado a la historia.

La magia de la fotografía

Ella estaba en la cumbre en 1957, el año de 'Bus stop'. Todo estaba calculado. Era muy fácil tener el control en aquellos tiempos sin redes sociales. Pero como cuenta el propio fotógrafo él tenía el objetivo de mostrar la verdadera cara de las estrellas:

Durante horas ella bailó, cantó y coqueteó e hizo de Marilyn Monroe. Y luego estaba la caída inevitable. Y cuando terminó la noche, el vino blanco y el baile, se sentó en la esquina como una niña. La vi sentada en silencio sin expresión en su rostro, y caminé hacia ella, pero no la fotografiaría sin que ella lo supiera. Y cuando llegué con la cámara, vi que no decía que no.

Algunas de las fotografías de esa sesión

Así encontró a la mujer real que estaba detrás de esa alegría impuesta por los estudios. Una mujer esclava de la imagen que solo buscaba la felicidad. No parece rota ni indefensa, sino una mujer triste. No es una fotografía robada. Si buscamos un poco por la red encontramos más disparos de ese instante en el que personaje sucumbió ante la persona.

Richard Avedon agotó a Marilyn con la única intención de mostrar a Norma Jean. Una mujer más, con sus penas y alegrías, con sus noches de blanco satén y sus días de vino y rosas. Tenía a un icono sexual en el estudio, tenía su confianza y le mostró al mundo que todo es mentira. Que muchas veces somos otro para escondernos.

La mítica Rolleiflex

Está hecha con su Rolleiflex de 6x6, seguramente con la que aparece siempre en la mano. Es una cámara de respeto, que te obliga a agacharte para tomar la fotografía. Todo lo que ves a través de ella está al revés. No es una visión réflex. No es una cámara fácil de utilizar, requiere tiempo de adaptación. En sus manos se convirtió en un icono que muchos tenemos en la estantería.

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Es una fotografía única, perfecta. Sencilla hasta la extenuación pero con muchas capas de lectura. En puro blanco y negro. La copia que conservan en el Metropolitan apenas llega a los 60 cm de lado. Está fechada el 6 de mayo de 1957. Seguro que será un placer sentarse delante de ella y contemplar la perfección de la normalidad. Quién fuera como Avedon aquel día de primavera. Hoy ella hubiera cumplido 94 años.

Internet es un tesoro. Es una de las mejores herramientas que tenemos para investigar. Y para los fotógrafos es increíble. Ha cambiado nuestra forma de trabajar, nuestra forma de informarnos... Pero hay tanto donde buscar que es fácil perdernos. En esta ocasión hemos visto el documental 'Abstract: The Art of Design. Platon: Photography' en su plataforma de Youtube. La mejor forma de saber cómo trabaja una de los mejores retratistas de la actualidad.

Seguro que todos habéis visto los retratos de Platon en las portadas de las revistas internacionales más importantes del mundo. Suyo son los retratos de los líderes del primer mundo. Ahí están los últimos presidentes de los EEUU, la imagen más perturbadora de Vladimir Putin... Tiene un estilo propio. Solo hace falta ver un retrato y enseguida reconoces que es suyo.

Una de las series más interesantes de Netflix es 'Abstract: The art of design'. Para contar qué es el diseño, la creatividad, Scott Dadich entrevistó, además de a Platon, al arquitecto Bjarke Ingels, al ilustrador Christoph Niemann, al diseñador de los zapatos Tinker Hatfield... y algunos más. La serie tuvo tanto éxito que ya está en la segunda temporada.

La famosa serie documental

A nosotros los fotógrafos nos debería interesar todos los capítulos, por supuesto. Pero vamos a centrarnos en la vida y obra de Platon, que nada tiene que ver con el famoso filósofo (aunque comparten orígenes).

El fotógrafo Platon

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El documental empieza con unas fotografías en un barco a un marinero. La cámara que utiliza es una Leica de carrete, una pequeña maravilla que sorprenderá a más de uno. Para sus famosos retratos trabaja con una Hasselblad y escanea sus negativos con uno de los mejores escáner del mercado.

Su trabajo llamó la atención del joven John Kennedy Jr. Le contrató para su efímera revista. Luego pasó por Vogue y terminó colaborando con la revista Time, con la excelente The New Yorker y ha conseguido incluso un World Press Photo por su retrato al presidente ruso Vladimir Putin.

Sus influencias están claras. Ahí está Irving Penn, también vemos sin duda a Richard Avedon. La fuerza de la mirada, los fondos blancos impolutos... los trabajos con las personas más importantes del mundo y con la gente de la calle. Pero aporta su toque personal con el uso estilístico de la iluminación y de vez en cuando con el uso creativo del gran angular.

Precisamente una de sus fotografías más recordadas es la que hizo al presidente de los EEUU Bill Clinton. La postura del personaje y la elección del gran angular nos lleva directamente al famoso cuadro de Francisco de Goya de Godoy, en el que el mensaje sobre sus reales poderes estaba bien claro...

Fotograma del documental

En el documental que tenemos la suerte de ver cómo prepara uno de sus retratos. Uno de los personajes políticos más importantes de los últimos años en EEUU, el Secretario de Estado durante la administración de George W. Bush. Verle trabajar es uno de las mejores clases que podemos disfrutar todos los que queremos hacer algún día un retrato que llame la atención.

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Zhiyun Crane 2, análisis: uno de los mejores estabilizadores del mercado

Así que para este fin de semana, si no lo habéis visto todavía en Netflix, tenéis la oportunidad de disfrutar de otro buen documental para aprender.

Hoy es el día del libro. 23 de abril. Es otro día más para salir a buscar ese libro que has visto en las estanterías y comprarlo como si fuera a desaparecer. Es verdad que se puede hacer en cualquier otro momento pero este día es especial para conmemorar la muerte de Miguel de Cervantes. Y por supuesto puede caer en nuestras manos uno de fotografía. Un libro es el destino ideal para cualquier fotografía.

Muchos tenemos la biblioteca llena de libros de fotografía. Y salvo contadas excepciones, son grandes. Algunos muy grandes como el

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o el

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. Eso quiere decir que tenemos que conseguir mucho espacio en nuestras pequeñas casas para tenerlos entre nosotros.

El libro de fotografía debe ser en papel. Con un buen gramaje y una impresión que nos deje sin habla por la cantidad de detalles y matices que podemos observar. Tengo libros digitales de fotografía, pero jamás me han dado las mismas sensaciones. Seguro que a muchos os pareceré un viejoven, pero cuando te sientas con un buen ejemplar entre las manos todo cambia.

Los libros nos llevan adonde no hemos ido. También pueden dar forma a los recuerdos que tenemos y sobre todo nos ayudan a recordar. Una fotografía o una exposición hacen lo mismo. Pero la intimidad del libro lo convierte en una experiencia mucho más enriquecedora. Es como si nos estuviera hablando a nosotros solo. Es un encuentro mucho más íntimo con Richard Avedon o José Manuel Navia.

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Cuatro libros de fotografía para leer de una vez por todas

La fuerza de los libros de fotografía

Si queremos ser buenos fotógrafos necesitamos los mejores libros de fotografía. Ese momento en el que nos encontramos con él, lo cogemos de la estantería, soplamos para quitarle el polvo, buscamos nuestro sillón favorito y lo abrimos es único.

El olor a tinta, a papel; sentir la textura y el peso del papel. Acercarlo a la cara para ver la calidad de la impresión... Y empezar a pasar las páginas es una de las experiencias más enriquecedoras para cualquier fotógrafo que se precie.

Libros, libros, libros...

Es, en esos momentos, cuando nos encontramos con lo que nos gusta, con lo que nos inspira. Nos llevan a coger la cámara para continuar ese trabajo o al menos intentar hacer algo semejante. Ese el poder que tienen. Nos descubren lo que nos gusta, lo que nos gustaría hacer y lo que queremos aprender. Y lo importante que es el tiempo.

Y todas estas sensaciones son distintas en una pantalla de un ordenador, una tablet o un teléfono móvil. El tamaño en este caso importa y mucho. Y el peso. Te ayuda a concentrarte mucho más en lo que estás viendo. Sobre todo porque lo estás tocando. El tacto es un sentido que se olvida en el mundo digital.

Los libros de fotografía que podemos recomendar

Es muy difícil recomendar un libro. Y si nos ceñimos a los libros de fotografía todavía más. Porque recomiendas tus gustos y puede que no tengan nada que ver con la persona que te lo pide. Es algo muy arriesgado que puede crear un nuevo aficionado o perderlo para siempre.

Para mi es fundamental 'Los americanos' de Robert Frank. Pero si se lo recomiendo a alguien que empieza puede que lo tire a la basura porque solo es capaz de ver las fotos que borraría de su móvil. Es algo que he vivido alguna que otra vez.

Y más y más

Es igual que recomendar el Quijote a los adolescentes... la mayoría lo odiarán profundamente toda su vida hasta que se den cuenta del tesoro que es. Por ese motivo es más recomendable hablar a uno que empieza de Cartier Bresson o Sebastiao Salgado que de Depardon o mi querido Robert Frank.

Pero entre colegas siempre es bueno encontrar ese ejemplar que tienen guardado como un tesoro para compartirlo y hablar de él... porque los libros nunca se prestan. Se habla de ellos, se da una pista pero nunca te separes de ellos. Como algunos han hecho desde el Aula de Fotografía de la Universidad de Alcalá de Henares.

En Xataka Foto siempre hemos recomendado los libros que nos han gustado. Desde uno de

Richard Avedon, James Baldwin. Nothing Personal (Fotografia)

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, pasando por el último de Sebastiao Salgado... y seguiremos hablando de joyas como el último de Virgilio Hernando, con el que tenemos pendiente una entrevista.

Esperamos que durante este día hayáis encontrado ese libro que llevará a otros lugares y sobre todo os ayudará a mirar vuestra cámara de otra forma. A lo mejor os anima a ver de nuevo todas vuestras fotografías y hacer con ellas un libro... Cuando tengáis tiempo...

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En el aniversario de Ansel Adams, el fótografo místico que hizo de la fotografía un arte

La fotografía es una herramienta de expresión perfecta. Tiene cientos de especializaciones y cada uno se puede enfrentar a la cámara como quiera. Unos serán más técnicos, otros más teóricos y algunos más creativos. Pero como toda manifestación, la fotografía tiene la facultad de contar historias.

Una fotografía no vale más que mil palabras. Es una frase hecha que se utiliza muchas veces y que a más de uno se nos ha podido escapar en busca de una explicación sencilla de la fuerza de la fotografía. Son dos formas de expresión totalmente distintas que algunas veces pueden apoyarse y otras caminar libres sin presión.

La fotografía lo que necesita, lo que precisa para ser entendida, es un contexto. Sin el apoyo de más fotografías, sin un texto, puede que no lleguemos a entender qué es lo que nos quiere contar el fotógrafo. Perderemos mucha información y el poder valorar correctamente el resultado final.

Hay veces que las fotografías se entienden por sí solas y no necesitan un apoyo. Las buenas fotografías de paisaje, las imágenes familiares y las obras de algunos grandes maestros son el ejemplo más claro. Por supuesto que la fotografía de producto no tiene por qué trasmitir nada. Pero es el argumento de algunos para negar esta virtud de la imagen.

Fotografías que cuentan historias

En mis clases siempre digo que una buena fotografía es aquella que cuenta una historia. Aquella que, con la complicidad del espectador, le lleva a imaginar lo que está pasando en ese tiempo detenido. Puede que nos equivoquemos. Seguro que nos dejaremos llevar por nuestra imaginación, nuestras convicciones sociales e incluso nuestras ideas políticas.

El retrato de Che Guevara de Alberto Korda, una de las fotografías más reproducidas, será diferente según quien la mire. A los de un lado les parecerá una aberración esa mirada. A uno del otro lado puede que le encanté. A un fotógrafo simplemente le llamará la atención la mirada tan intensa de una persona y el acierto del fotógrafo a la hora de disparar en ese momento.

Si además tiene cultura -qué importante es- seguro que puede llegar a sentir esa emoción que tuvo el argentino al mirar a una muchedumbre desde lo alto de un escenario. La misma sensación que puede tener un cantante en un concierto o un futbolista cuando pisa por primera vez el estadio de sus sueños.

Siempre que miro el trabajo de Richard Avedon me pasa lo mismo. No sé si es porque me gusta el cine o me encanta leer o simplemente amo la fotografía. Pero siempre que miro los rostros de sus modelos, la expresión de sus cuerpos, me siento capaz de escribir un relato sobre lo que les pasa por la cabeza en ese momento.

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Las cinco distancias focales básicas: Cuáles son sus beneficios y cuándo es mejor usarlas

Siempre se habla de la foto de Marilyn Monroe o la de los duques de Windsor. Pero vale cualquier disparo suyo. Siempre he imaginado que el niño de la serpiente no entendía por qué ese señor le hacía posar con el cadáver. El señor de las moscas se sentía en ese momento superior al fotógrafo que le miraba. No le veía como igual. La fisioterapeuta solo quería llorar después de la sesión. O quizás dormir después de noches en vela...

La fotografía es una forma de comunicación

Decir que la fotografía no comunica es como fijarse solo en el uso correcto de la gramática en un libro. O quedarse únicamente con la textura del trazo del pincel al ver un cuadro. Todas las manifestaciones artísticas dependen de la técnica. Hay que saber dominarla.

Pero cuando te sueltas y te olvidas del modelo de cámara, del diafragma y de la ley de Scheimpflug es cuando puedes empezar a comunicar cosas. Y eres capaz hasta de darle vida a un pimiento en blanco y negro. Todo tiene un sentido. Si no es así el fotógrafo será un mero hombre gris que repite todos los gestos hasta conseguir imitar lo que ha visto.

La fotografía está para ayudarnos a contar cómo vemos el mundo. Es verdad que algunas veces nos tenemos que limitar a hacer fotos carnet o fotografiar los productos para un frío catálogo. Pero si vemos, en contexto, los retratos de Thomas Ruff junto con toda la historia que tienen detrás, podremos leerlas como si fuera 'Moby Dick'.

Si por algún motivo consideras que tu fotografía no cuenta nada, que solo destaca por la calidad técnica, te estás perdiendo una parte importante. No será mejor ni peor, desde luego, pero te olvidas de la capacidad de contar cómo eres, cómo ves el mundo. Y una cámara de fotos es un instrumento perfecto para comunicarse, no es solo tecnología.

Richard Avedon es uno de los mejores fotógrafos de la historia. Y tiene algunas de las obras más importantes de la fotografía. Hoy nos vamos a fijar en uno de sus míticos retratos más perturbadores, el célebre 'Retrato de los duques de Windsor' en el que fue capaz de reflejar la realidad de una pareja que intentó engañar al mundo.

No podemos olvidar que estamos ante un retrato de la realeza. Que estamos en el año 1957 y que los duques eran de la nobleza europea. Que vendieron una historia de amor que encandiló al mundo entero. Y Richard Avedon tuvo el poder de desenmascararles con una fotografía certera que no les gustó y aún así, se publicó. En el hotel Waldorf Astoria, en la suite 28A, también es posible la humanidad.

Solo tenía una hora para fotografiarles. Y ellos no quisieron poner las cosas fáciles, no les caía bien. Querían un retrato al uso. Ellos se creían grandes porque sus familiares, por privilegios de sangre, lo eran. Y querían salir como lo hicieron sus antepasados: altivos, inalcanzables, perfectos...

Así que a Richard Avedon se le ocurrió contarles una mentira cruel. Una mentira que sabía que iba a hacer daño a los duques. Les dijo que había atropellado a un perro al llegar al hotel. Eso cambió la expresión de los personajes, obsesionados con los perros, y él consiguió la fotografía más natural de los nobles. Esa fotografía pasó a la historia y desarmó a todos.

Detalle

Las expresiones de ambos no se corresponden con lo que espera un espectador. Espera algo amable, directo y cercano. No espera esa mirada desasosegada del duque y el desconcierto de la duquesa. Puede parecer cruel. Pero las fotografías de Richard Avedon destilan una psicología que explica todos y cada uno de sus trabajos. No solo se parece a Goya por el uso genial del fondo neutro.

La historia que Richard Avedon quiso contar en una fotografía

Antes de llevarse las manos a la cabeza tenemos que conocer el contexto. Richard Avedon era uno de los fotógrafos más prestigiosos de Nueva York. Y por extensión, del mundo. Había alcanzado una posición única en el mundo de la fotografía. Creó un estilo propio a partir de la devoción que sentía por Martin Munkácsi. La fotografía de moda cambió desde que él empezó a trabajar con su Rolleiflex.

Él fue el que dio vida a las modelos. Gracias a él ríen, lloran, bailan y juegan. Simbolizan el estilo de las ropas que llevan. Y fue capaz de llevar al extremo la psicología de los grandes maestros de la pintura. Cada retrato suyo bebe de las fuentes de Goya o Velázquez. Con solo mirarlos somos capaces de entender cómo son las personas que retratan. Y por supuesto cómo era él mismo.

Uno de los momentos más dolorosos de su vida, la muerte de su hermana en una institución mental, le marcaron de tal modo que fue incapaz de ver la belleza como algo estático y digno de devoción. Quizás no pudo olvidar las palabras de su madre a su hermana: 'Eres tan hermosa que no necesitas hablar'. Y se negó rotundamente a seguir el consejo familiar. Así que siempre enseñaría la verdad.

En un libro de Richard Avedon

El duque de Windsor fue el rey Eduardo VIII pero abdicó para poder casarse con Wallis Simpson, una rica mujer de los Estados Unidos. En aquella época fue un escándalo que se casará con el duque después de dos divorcios... Pero más polémico fue la simpatía del matrimonio hacia Hitler, con el que se llegaron a entrevistar como representantes de su país. Era tanta la simpatía del dictador al matrimonio que incluso lamentó su abdicación. Y desde entonces era vox populi la relación de los duques con las ideas del nazismo.

Y eso es lo que quiso sacar Richard Avedon en la famosa fotografía. La venganza de un fotógrafo de familia judía. Incluso se cuenta que la idea le vino al recordar como sus padres preparaban las instantáneas familiares con coches y perros que no eran suyos... En esta foto también están presentes, aunque de otra forma... De todas formas, Avedon fue claro. Uno de sus comentarios recurrentes al hablar sobre dicha imagen es que estos señores amaban más a los perros que al pueblo judío.

Es un ejemplo perfecto de una buena fotografía de retrato. No hay que hacer una fotografía de carnet, sino mostrar la cruda realidad que cada uno quiere esconder. Y esta imagen dura, directa, en primer plano, implacable al mostrar el paso del tiempo en su versión más cruda. No vemos solo a los duques. Podemos adivinar la mirada de Richard Avedon.

En Xataka Foto| Oda personal al gran Richard Avedon

Una mirada, un gesto corporal, un sentimiento es lo que se captura con la fotografía de retrato. Probablemente este es uno de los enfoques primarios de la fotografía, pues desde sus comienzos queremos tener registro de las personas, de sus contextos. Por ello, para quienes son y quieren ser retratistas, traemos consejos de lo grandes de la fotografía de retrato. Aquellos maestros de la fotografía cuyas miradas siguen sorprendiendo hoy en día:

Experimentar sin límites

Diane Arbus es una de las grandes retratistas que se dedicó a capturar los mundos desconocidos y las personas que los habitaban: aquellos que irrumpían con cánones de la época como los enanos y las prostitutas. En sus palabras: “Mi cosa favorita por hacer es ir a un sitio al que no he ido. Y cuando debo ir a una casa, tomar el autobus o un carro al centro de la ciudad, es como tener una cita a ciegas. Así lo siento”.

Lo más llamativo de sus fotografías no son los personajes que ella capturaba. Es cómo se muestra esa curiosidad por la vida de los otros, por mostrar la persona y su mundo. Para ella, la fotografía era un medio mediante el que ella experimentaba sin límites la forma de vida de otras personas; permitiéndole verlas como humanos y no como inadaptados.

Una mujer que miraba de frente y sin miedo a sus sujetos. Una mujer que miraba de frente y sin miedo a la vida.

Las personas pueden decir todo sobre la vida

Lewis Hine es considerado el padre de la fotografía social y es uno de los casos fotográficos que muestra cómo esta profesión permite cambiar el mundo. Su principal trabajo se centra en los inmigrantes que llegan a Estados Unidos a principios del siglo pasado. Lo más llamativo es que este trabajo lo logra a través de las personas y el retrato.

Para pelear contra una sociedad que rechazaba a los inmigrantes y les ponía en contextos laborales inhumanos; Hine captura fragmentos de la vida de los niños, los trabajadores y las familias que llegan a la tierra de la libertad en busca de un nuevo comienzo. Así, a través de la humanidad de sus sujetos, lograba contarle a la sociedad la vida de estos soñadores que querían ser parte de Estados Unidos.

Su forma de retrato es llevado al extremo documental, lejos de la pose, lejos de darle el tiempo a una persona de reaccionar frente a la cámara. Son retratos enfocados en narrar un contexto general.

Sal del estudio

Dorothea Lange fue considerada por muchos (y ella misma) la fotógrafa del pueblo. Durante varios años, los círculos fotográficos en los que se encontraba la mantuvieron en la seguridad del estudio fotográfico. Sin embargo, cierta necesidad en ella la saca a ver un Estados Unidos afectado por la Gran Depresión y posteriormente aquellos sucesos macabros que fueron censurados como los campos de retención de japoneses en el país norteamericano.

Esto le da una nueva visión a la fotografía de Lange. Es una visión que captura los sujetos con respeto, dándoles la dignidad humana que merecen. Y ella lo cuenta en sus imágenes como es: sin poses, arreglos ni modificaciones.

Al explorar Estados Unidos, ella redefine su fotografía. Le permite conocer personas y contextos que le muestran que en aquellas capturas que consigue se encuentra la historia de aquellos que luchan por seguir adelante, los temores de un país desestabilizado y, sobre todo, que muestran cómo nuestro contexto nos tiene igual de afectados a todos.

Ser muy, muy pacientes

Steve McCurry es sin duda uno de los fotógrafos más famosos y reconocidos del mundo. Sus fotografías en Afghanistan son unas de las más populares. Pero está claro que él es una persona que define la práctica que debe tener un fotógrafo: Observar, esperar, intuir y disparar. En sus palabras, para conseguir un buen retrato, “si eres paciente, la gente olvida tu cámara y deja aflorar su alma”.

McCurry es un fotógrafo que crea mucha empatía entre el espectador y las situaciones y las personas fotografiadas. Son fotos icónicas que atrapan a todo el planeta porque vemos en ellas humanidad, nos cuentan sin tener palabras; son las fotos que muestran la miseria humana, llegándonos al corazón de manera impactante y emotiva, sin necesidad de mostrar lo más amarillista… solo una mirada y un click, logrados al esperar el momento exacto.

Es importante aprovechar el camino para encontrar esa foto ideal. No dejéis de observar y disfrutad el recorrido.

Incomoda a tus sujetos, que esto no es foto para carné

Richard Avedon es considerado uno de los mejores retratistas de toda la historia. Algunos incluso lo consideran un dios. Para él, tan solo era una cuestión de un gran papel blanco sobre la pared de un edificio, la hora correcta del día y esperar a la verdadera reacción del sujeto fotográfico.

Para conseguir la autenticidad de la persona, bastaba con esperar, dejar que la pose automática que surge al ver una cámara se desintegrara con la espera. En el momento menos esperado, click y para el laboratorio. Para Avedon, la belleza estaba más allá de lo físico, es algo que se encuentra en un sentimiento auténtico de las personas.

Miren a cámara, sí, pero miren de verdad.

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Imagen de Portada | Lewis Heine

Richard Avedon es uno de los fotógrafos más importantes de la historia. Personalmente creo que es el dios de la fotografía, si la cámara admitiera la religión. Es conocido por el gran público como un fotógrafo de moda pero con Nothing personal con James Baldwin demostró su vena social. Y gracias a la editorial Taschen podemos disfrutar de una reimpresión de aquel clásico.

Richard Avedon revolucionó, junto con Irving Penn y Helmut Newton, el mundo de la moda. Tenían la obligación de enseñar el lado más lúdico de la vida. Ese era su trabajo. Pero Avedon estaba cansado de ese mundo superficial donde todo el mundo tiene un cuerpo escultural o le sobra dinero por los cuatro costados. Realmente amaba esa banalidad, pero desde muy temprano, si nos fijamos en su obra, descubrimos una incipiente crítica que estalló en 'Nothing Personal' y transcendió en 'In the american west', su obra maestra.

Marilyn Monroe and Arthur Miller May 1957

Desde aquel año, 1964, después del asesinato de Kennedy y de la aprobación de la Ley de Derechos Civiles, algo cambió en la vida de nuestro fotógrafo. Empezó a aflorar de manera clara y firme su posición ante la cruda realidad de la vida. Seguiría trabajando para las grandes marcas y el mundo del glamur, pero sacaría a la luz la pura vida, aunque doliera.

Los primeros años de Richard Avedon

Su familia era de origen judío, de Rusia. Prosperaron en Nueva York gracias a una tienda de ropa en la que el pequeño Richard empezó a apreciar el mundo de la moda. La afición le vino por su madre, las revistas de la época y la fotografía de Munkacsi, el mismo autor que llevó a Cartier Bresson a este mundo de la imagen.

Entró, después de cursar Filosofía en la Columbia University, servir en la guerra y publicar en pequeños medios, entro en la New School for Social Research donde tuvo de profesor a Alex Brodovitch, que se lo llevó rápidamente a la revista en la que era director de arte, 'Harper´s Bazaar'. Acababa de cumplir 21 años.

The Generals of the daughters of the American Revolution Outtake

En 1946 realizó su primer viaje a París. Y cambió para siempre la fotografía de moda. Él fue quien dio vida a las modelos. Hasta entonces solo eran maniquíes sin vida. Gracias a él podían reír, saltar, salir a la calle, empezar a contar historias. Una auténtica revolución que seguimos viviendo hoy. Y todo gracias a lo que aprendió de Munkacsi.

Él dio nombre a las modelos. Si hoy conocemos sus nombres, se debe desde luego a la labor de Richard Avedon... Pero la moda solo era una de las facetas del diamante en bruto. Lo que se recuerda sobre todo de su obra es la fuerza de sus retratos.

Alcanzó tal fama que dejar fotografiarse por él suponía que habías alcanzado la fama en la tierra. El famoso fondo blanco, que todos hemos tratado de imitar, separaba al retratado del mundanal ruido y lo aislaba. Lo dejaba solo para que después de sesiones agotadoras saliera a la luz el verdadero yo de cada uno.

Portada

Y en 1964 apareció 'Nothing personal'. Es el reflejo de la verdadera intención del autor, el destino de Avedon. Ese libro, y todos los proyectos que vendrían después solo fueron posible por el trabajo previo. Había logrado hacer lo que quisiera con el retratado. Era el fotógrafo más famoso del mundo y tenía el poder de sacar el lado oscuro de la sociedad americana sin que le destrozaran. La fotografía no volvería a ser lo mismo.

'Nothing personal', el primer libro social de Richard Avedon

La historia de este libro, que podemos volver a disfrutar gracias a la nueva publicación de la editorial Taschen, con un nuevo texto introductorio de Hilton Als, escritor y profesor de la Columbia University, describe perfectamente la vida interior de Richard Avedon.

Estamos ante un ensayo fotográfico, un libro escrito e iluminado a dos manos. En primer lugar por la pluma de James Baldwin, un escritor afroamericano que lucho contra el racismo, busco la aceptación de la homosexualidad en una sociedad intolerante y peleó por los derechos civiles. Por otro lado el propio Richard Avedon, un fotógrafo judío de origen ruso. Una combinación perfecta para hablar sin tapujos de la hipocresía de la sociedad blanca americana que parece triunfar estos días.

Selfportrait with James Baldwin September 1964

Y no sentó bien. Justo lo que querían ambos genios. Aquel trabajo parecía no tener ni pies ni cabeza. Pero si lees el libro con calma (sí, las fotografías se deben leer) descubriremos la confrontación, el alfa y el omega de cada imagen. La página izquierda es la contraria a la de la derecha. ¿Por qué sino íbamos a ver al jefe del partido nazi americano con el poeta beat Allen Ginsberg desnudo? ¿O las dos caras del gobernador George Wallace (un reconocido racista) en una doble página?

Las fotografías muestran cuatro aspectos de la vida estadounidense de aquellos convulsos años 60: los derechos civiles, el surgimiento del nacionalismo negro, el sistema de salud mental y la vieja guardia de Hollywood. Una original forma de enseñar la sociedad de este país. Cada retrato es un golpe, un mazazo en la cabeza del espectador americano (y por extensión para todos los que lo vemos). Como dice Hilton Als:

Lo que Avedon y Baldwin compartieron desde el principio, como creadores, mucho antes de que se concibiera 'Nothing personal', fue una imaginación que no estaba tanto formada por la realidad como inseparable de ella: veían lo excepcional en lo real. No lo sublime o trascendente, sino la brutalidad, el teatro, la inocencia y la confusión que conformaban su ciudad racista, sexista, sexy e imposible de amor y desamor. Nueva York era la negrura y el odio de Baldwin hacia esa negrura. Era el judaísmo de Avedon y su aversión hacia ese judaísmo, con su poder cultural percibido a pesar del reconocimiento del otro. Ambos eran forasteros, amenazados y, por lo tanto, percibidos como amenazadores a pesar de su éxito comercial y crítico; sabían que el poder podía ser positivo y efectivo, pero en última instancia era ilusorio, falso.

Se conocían de la secundaria, cuando estudiaban en el Bronx. Y cuando volvieron a encontrarse estaban en el cenit de su popularidad. Avedon siempre recuerda que su madre llamó al conserje de su casa cuando se enteró que obligó a James Baldwin a subir por la escalera de servicio por ser negro. Se juntaron porque querían luchar contra la injusticia. Pero hasta el mismo Truman Capote tuvo que defender el libro ante la crítica feroz de los conservadores.

¿Es un libro necesario hoy en día?

Depende del lector, como siempre. La sociedad de los EEUU se parece mucho a la de aquella época. Siempre aprenderemos leyendo a James Baldwin. Y desde luego, nosotros como fotógrafos siempre aprenderemos de la obra de Richard Avedon.

William Casby, Born in slavery, marzo 1963.

Aquí está su crítica feroz, su dura mirada de la realidad, que te desnuda. Sus retratos te rompen por dentro. Avedon estuvo a punto de abandonar 'Harper´s Bazaar' cuando le dijeron que no podían publicar las fotos de una modelo que no era blanca. Esto sucedió en 1959, en los EEUU, en la tierra prometida. Y alguien que sufrió durante su infancia por ser de otro lugar no podía permitir ese comportamiento. Y decidió hacer hablar a la cámara como nadie lo ha hecho.

El libro lo ha reimpreso la editorial Taschen. En realidad podría decirse que es un facsímil de la obra original en tapa dura en estuche con cuadernillo que aporta información y fotografías inéditas. Mide 27 x 36 cm y tiene 160 páginas. Lo podemos encontrar en cuatro idiomas y el precio es 60€.

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Desde el principio de los tiempos muchos fotógrafos han recomendado una cámara, por su clase o por su marca. Es algo normal, somos seres humanos y siempre es bueno dar una respuesta a los que nos preguntan. Pero realmente qué más da la cámara que usemos ¿No se dice siempre que la fotografía la hacemos nosotros?

Lo más importante dentro de este mundo es hacer fotos. Sin duda alguna. Si encima lo podemos hacer por puro placer, mejor aún. Pero en los tiempos actuales encontramos a gente que recomienda sus cámaras como si fueran las únicas que existen en el mercado. Con ellas dicen, pasarás desapercibido. Si las utilizas lograrás un rango dinámico sin igual, o los colores serán espectaculares. Y el clásico sobre la altísima nitidez...

Todo se centra en la técnica, en la calidad de los píxeles, en la ausencia de filtros de paso bajo o en la disposición de los píxeles para simular la misma estructura que las películas clásicas de blanco y negro. Y mucha gente acude rauda y feliz a las tiendas físicas u online a comprarse esa cámara sin pararse a pensar, en algunos casos, si realmente necesita esa cámara.

La elección muchas veces se basa en el criterio de una página u otra, en los consejos de un bloguero de moda o en el peor de los casos de algún amigo, familiar o cuñado que lo único que tiene es esa cámara que te dice que compres. Y nosotros que no queremos complicaciones en nuestra afición, nos llevamos la mano a la cartera sin rechistar.

La realidad de las cámaras

La mayoría de los mortales, entre los que me incluyo, no necesitamos el último modelo del mercado. Jamás le sacaremos todo el partido. Es como comprar un móvil de última generación para hablar por teléfono y enviar memes por Whatsapp. En la actualidad las fotografías, un gran porcentaje de ellas, terminan colgadas en las redes sociales. Para semejante destino a todos nos bastaría con una buena cámara compacta.

En mi habitación

No hace falta más. Que dispare en RAW, que el sensor sea más grande que una pulgada y listo. Con eso y si porta un buen objetivo tenemos todo resuelto. Desde las fotografías de viajes hasta las ruedas de prensa. Con unos 6 o 10 MP bastaría. En serio... en mi habitación tengo una fotografía de un metro y medio de largo y su origen es una cámara de 6 MP... No hace falta más.

Y nos desesperamos por no tener una de 50 MP con objetivos optimizados para sensores de 100 MP y de tamaño estratosférico... Pero dejadme que diga una vez más la cruda realidad: aunque tengamos la mejor cámara del mundo nuestras fotografías seguirán siendo igual de buenas o de malas porque nosotros no nos hemos molestado en cambiar.

Solo mejoraremos en la calidad técnica, pero nada más. Y si alguien cree que con eso basta es que se ha equivocado de afición o de trabajo. No tiene sentido comprarse una cámara de 3000 € si no te has gastado ni un duro en vivir y solo te has limitado a ver y copiar lo que circula por Youtube o te limitas a hacer cursos de postproducción donde te enseñan a simular la luz del sol o cómo hacer infinitas las estelas de los coches.

No veo que ponga con qué cámara están hechas...

Y desde luego no te puedes limitar a seguir lo que dice uno porque lleva o maneja la cámara que tienes... Ni la mejor cámara para ti es una cámara de banco ni la de un móvil, por mucho que esté de moda. Esos libros en los que explican cómo hacer fotos con un tipo de cámara u otra no nos toman en serio.

En realidad ninguna cámara es diferente a otra. Un móvil es igual a una réflex o a una compacta. No harás mejores fotografías de calle con un móvil o retratos sorprendentes con una clásica cámara de formato medio. Si alguien piensa así tiene que estudiar historia de la fotografía. Todas las máquinas son igual de buenas para lo que te propongas, siempre y cuando sepas manejarlas y sobre todo, y ante todo, te sientas identificado con semejante aparato entre las manos y en conexión con tu forma de pensar.

La realidad de la fotografía

¿Qué quieres hacer fotografía de reportaje con una cámara de banco? Mira el trabajo de Castro Prieto; ¿qué quieres hacer moda con una compacta? Busca en el catálogo de Helmut Newton; ¿te gustaría hacer fotografía de guerra con móvil? Piérdete por los últimos trabajos de Gilles Clarke... ¿Qué no te das cuenta de que tienes el fotómetro estropeado? Mira 'España oculta' de Cristina García Rodero... y así podríamos seguir hasta el infinito.

No tiene sentido mejorar nuestra forma de fotografiar sin saber hacer fotos. No tiene sentido quedarse en el instrumento, en la mera técnica que deja todo sin mensaje y confunde a los que empiezan, que compran un modelo u otro en función de sus megapíxeles o porque lo dice el fotógrafo famoso de turno.

Robert Frank visto por Richard Avedon... dos grandes fotógrafos

En estos tiempos de crisis cada vez hay más fotógrafos que publicitan una marca u otra. Está perfecto, pero no debería ser una referencia para nosotros. Quizás si somos un poco fetichistas puede servir. Yo tengo una Rolleiflex porque es la cámara de Richard Avedon o me enamoré aún más de mi Canon EOS 1 original porque la llevaba Nachtwey en su maravilloso documental... Pero nunca lograré disparos como los suyos, porque yo tengo mi vida y ellos sus vivencias.

Es ahí donde se forma el estilo de un fotógrafo. Donde se perfila su forma de mirar, de sentir, de elegir el momento del disparo con un ángulo y una luz determinada. Sinceramente, ¿qué más da la cámara que tengamos ese momento entre las manos? ¿Por qué voy a llevar la que me diga uno u otro? La mejor cámara es la que tenemos entre las manos, la que debemos conocer al dedillo y exprimir hasta sus límites. Y si llegamos a ellos, y solo entonces, debemos cambiar de cámara. Y que nadie piense por nosotros.

La fotografía es una forma de vida que dependerá siempre de nuestra experiencia, nunca del rango dinámico de una cámara.

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Si existiera la religión de la fotografía, si me gustara adorar a alguien, mi dios sería Richard Avedon, el mejor fotógrafo de la historia. Sé que es exagerado, pero la fe es ciega. Y tengo motivos para celebrar como un día grande el 15 de mayo. Tal día como este de 1923 nació Richard Avedon.

Nació en la ciudad de Nueva York, en una familia que tenía una tienda de moda en la Quinta Avenida. Rodeado desde pequeño por las fotografías de las revistas de moda que terminaban decorando su pared, parecía predestinado a ser uno de los mejores fotógrafos de moda y el más grande retratista a la altura de los grandes maestros de la pintura. Sí, soy capaz de compararle con Velázquez, con Goya al que tanto admiraba. ¿O pensáis que esos fondos blancos, en el que el personaje está desnudo ante nosotros, no tienen nada que ver con los fondos neutros de los maestros españoles?

Él tenía el don de saber en qué momento disparar. Fue capaz de ver dentro de Marilyn Monroe como nadie lo hizo. Solo espero a que cayera su máscara de actriz y dejar a la vista al ser humano desvalido que era. A Chaplin lo sacó como un demonio que se burlaba de todos cuando fue tristemente expulsado por sus ideas políticas. Y desenmascaró a los duques de Windsor, reconocidos simpatizantes del fascismo, en un doble retrato demoledor sin un ápice de compasión.

Duques de Windsor

Porque admiraba ante todo y sobre todo la belleza. No solo la física, que también, sino todo lo que rodea y simboliza la autenticidad del ser humano. A muchos les puede parecer que alguien semejante se debía comportar como un divo, pero parece que no fue así. Un reconocido fotógrafo español, editor de una de las revistas semanales más importantes de España, tuvo la suerte de llegar a conocerlo. Pero ante el miedo de perder a un mito en su panteón particular, decidió perder la oportunidad. La historia termina bien. Le trató poco, pero reconoció a un profesional y mejor persona.

Un fotógrafo histórico

Su obra te deja sin habla. Te puede cambiar la forma de ver el mundo. Pero te dice mucho que un fotógrafo con todo hecho, con un prestigio inigualable, fuera capaz de embarcarse en una aventura por el oeste para crear un trabajo que todavía hoy sigue marcando tendencia.

In the american west es la biblia para muchos fotógrafos. Amigos que lo tienen abren sus páginas día tras día para tener una guía que les indique el camino a seguir. Son cinco años de trabajo buscando a personas marcadas por la vida en la tierra prometida. Siempre con la misma luz impenitente. Siempre con un fondo blanco contra el que parecen levitar. Ni una sonrisa. Y la sensación de poder contar la vida de cada uno de los personajes que no dejan de mirarte aún después de cerrar el libro.

Un trabajo que comenzó en 1979 y que no gustó a la América de Reagan, que querían creer que la única realidad era el hombre Marlboro. Yo tuve la suerte de ver la serie en tres ciudades. Y no puedo quitármelo de la cabeza:

Fotografiaba al sujeto delante de una hoja de papel de unos tres metros de ancho por dos de alto fijada sobre un muro, un edificio, a veces sobre el lateral de un tráiler. Trabajaba en la sombra porque la luz solar crea sombras, reflejos, acentos sobre una superficie que parecen decirte dónde tienes que mirar. Quería que la fuente de luz fuera invisible para neutralizar su efecto en la apariencia de las cosas.

¿Qué es la fotografía para Richard Avedon?

Siempre digo que cualquiera con esos medios haríamos fotografías para el DNI, pero él sabía mirar dentro de cada uno. La fotografía no es solo disparar, contar con un equipo detrás de impresión y listo. La fotografía es tener cultura, vida propia y unas ganas locas de disfrutar de las cosas.

Parece que estoy diciendo lo que quieren oír los que empiezan en las escuelas de fotografía. Pero Richard Avedon subió a los altares al mismísimo Lartigue, el fotógrafo de la felicidad. Siempre sufrió por su hermana, una de las mujeres más hermosas que conoció jamás pero con una historia trágica que le marcó. Lucho contra todo tipo de injusticias y siempre estuvo al lado de los desfavorecidos, como demuestran sus muchos trabajos políticos.

Una cosa que pocos saben es que su vida está pasada al cine. Y que el actor que lo encarnó fue el mismísimo Fred Astaire. Esa película es Funny Face (Una cara con ángel). Richard Avedon trabajó codo con codo con Stanley Donen, el mítico director de la película. Y el gran bailarín captó todos los matices de un personaje que era capaz de emocionarse en cualquier momento y sacar una cámara para captarlo como nadie.

Un retrato no es una semejanza. En el mismo instante en que una emoción o un hecho se convierte en una fotografía deja de ser un hecho para pasar a ser una opinión. En una fotografía no existe la imprecisión. Todas son precisas. Ninguna de ellas es la verdad.

Él fue de los primeros que sacó a las modelos a la calle, fuera de los estudios fríos. Martin Munkácsi ya lo había hecho en los años 30, pero Richard Avedon construyó historias más vivas. Por primera vez las modelos dejaban de ser meros maniquies para convertirse en las futuras top models que hoy pueblan las revistas de moda.

Y de ahí a su universo particular. Consiguió ser un estilo propio. Nadie era importante hasta que él lo fotografiaba. Ese personaje tenía que estar dispuesto a ser desnudado por sus ojos, sin condiciones, sin tiempo establecido. Seguía las directrices de su mentor Alex Brodovitch

Tus fotos deben tener un discurso, pero grita, no susurres

Richard Avedon es uno de los fotógrafos más importantes de la historia. Para mi es un referente. Y estas líneas son un homenaje para alguien que cambió la forma de mirar. Feliz cumpleaños.

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