Seguramente alguna vez has oído mencionar el término "fotografía matemática", pero quizá no sepas qué es porque no es una disciplina muy conocida fuera de los ámbitos académicos. No se trata de que sea algo aburrido, como algunos piensan que son las matemáticas, sino más bien de que se suele incluir en otras manifestaciones como la fotografía abstracta, minimalista o arquitectónica, incluso en eso tan popular que conocemos como fotografía de patrones.

Curiosamente, como decíamos, en el ámbito educativo, sobre todo en los institutos de educación secundaria, es una disciplina ampliamente practicada (muchas veces en forma de concurso) ya que es una herramienta didáctica que facilita el aprendizaje sobre una materia de la que, generalmente, se tiene una visión hermética.

Foto de Gayatri Malhotra

Por el contrario, gracias a la fotografía matemática se puede constatar que las matemáticas están por todas partes. Y con una cámara en las manos, la mente abierta y unos pocos consejos que nos proponemos daros, esta disciplina también puede ser un interesante aprendizaje para jóvenes que se inician en fotografía.

En Xataka Foto

Técnicas avanzadas de composición que a lo mejor no conocías

¿En qué consiste?

Pero lo primero es lo primero así que antes vamos a concretar qué entendemos por “fotografía matemática”. Se trataría de la fotografía cuyo contenido tiene que ver, de forma clara y evidente, con algún aspecto de las matemáticas como la geometría, la aritmética, el cálculo numérico o la estadística.

Foto de Paweł Czerwiński

Así, una imagen que muestre figuras geométricas o simétricas, mosaicos, numeraciones, series, líneas, puntos, ángulos, curvas o fracciones ya entraría dentro de lo que podemos considerar fotografía matemática. Por tanto, queda claro que esta manifestación se puede encontrar en cualquier parte, empezando por los edificios en los que vivimos que no hubieran sido posibles sin matemáticas.

Sin embargo, si habláramos de fotografía matemática en su sentido más purista, tendríamos que referirnos a imágenes que tratan de reflejar de una manera lo más directa posible algún concepto matemático, que sería por ejemplo lo que un profesor requeriría a sus alumnos si les pidiera hacer fotos de este tipo.

Foto de Alan Levine

Es decir, que no se limitaran a buscar y retratar algo que contenga elementos relacionados con las matemáticas, sino que expliquen exactamente qué es lo que muestra la foto. Nosotros, sin embargo, lo vamos a ver de una forma más artística, limitándonos a hablar de cómo conseguir mejores fotografías matemáticas primando por encima de todo la estética.

¿Hace falta una cámara especial?

Pero antes de hablar de esto vamos a intentar resolver esta pregunta que quizá alguno os estáis haciendo. Lo cierto es que, en general, no hace falta ningún equipo especial, porque lo más importante es la creatividad y el ojo del fotógrafo. Aún así, es cierto que puede haber alguna recomendación de cámaras y/u objetivos más interesantes para este tipo de fotografía.

Foto de Jose Antonio Salgueiro

Sirve cualquier tipo de cámara, por supuesto un smartphone, pero sin duda es mejor contar con un equipo medianamente avanzado y al que se le pueda cambiar el objetivo. Por ejemplo porque es recomendable tanto contar con un teleobjetivo como con una óptica macro.

Con este último podremos adentrarnos en el apasionante mundo de la macrofotografía, un ámbito en el que encontraremos multitud de cosas que contienen patrones naturales y elementos geométricos como las plantas y las flores o los insectos. Con lo primero, un teleobjetivo, estaremos en disposición de aislar elementos dentro de un contexto más amplio.

Por lo demás, si nos proponemos dedicar mucho tiempo a esta práctica sería recomendable llevar en nuestra mochila un buen trípode, por si hay que disparar a una baja velocidad, y quizá un flash.

Foto de Jodie Walton

En cuanto a la técnica adecuada, estamos hablando de una práctica en la que los ajustes deberían depender más de la situación lumínica que del tipo de foto a realizar, aún así sería aconsejable utilizar una amplia profundidad de campo, para garantizar un alto nivel de detalle dentro del cuadro.

¿Cómo encontrarla?

Ya hemos dicho que hay matemáticas por todas partes, desde las cosas cotidianas que tenemos alrededor hasta el entorno natural, por tanto pueden ser interiores o exteriores... Cualquier escenario es válido pero evidentemente sí podemos hablar de ciertos lugares o situaciones dónde encontrar elementos para lograr una buena fotografía matemática.

Foto de Pierre Châtel-Innocenti

Pero hacerlo puede no ser una tarea tan sencilla como pensamos, bien porque están “camuflados” o bien porque nuestro ojo no tiene el suficiente entrenamiento. Por eso, el mejor consejo que se puede dar para encontrar fotografías matemáticas es estar muy atentos a lo que nos rodea.

En escenarios artificiales estos elementos son muy abundantes, sobre todo en las ciudades, donde la arquitectura y el urbanismo tiende a la creación de volúmenes, a la repetición de figuras o a la ordenación de elementos en líneas geométricas.

Foto de Grégoire Hervé-Bazin

Por su parte, en la naturaleza es más sencillo encontrarlos formando parte de la fisonomía de plantas y flores o animales. Una "simple" flor puede ser un excelente ejemplo de simetría, pero también hay matemáticas en la estructura de árboles y plantas, en las curvas de un río que atraviesa un paisaje montañoso o incluso la piel de un animal (como por ejemplo la de una cebra).

¿Cómo sacarle partido?

Aquí es donde entra lo que decíamos al principio, de que ese tipo de imágenes tienen mucho que ver con los patrones, la fotografía abstracta, minimalista o arquitectónica. Por eso, muchos de los consejos que hemos dado en los artículos publicados sobre estas disciplinas podrían ser perfectamente válidos aquí, pero vamos a repasarlos.

Foto de CALIN STAN

Para empezar, es muy importante cuidar la composición. Algo que es clave en cualquier fotografía aquí se convierte en crucial. Como sabréis, componer una foto no es otra cosa que ordenar los elementos de la manera que queramos que aparezcan (o no) en una imagen.

Foto de Video LUT App

Esta necesaria composición es la que puede ayudarnos a mostrar, a través de muestras fotos, las relaciones entre los elementos de la imagen de forma matemática. Un ejemplo claro y sencillo es la simetría, que no sería posible si no compusiéramos la foto de manera que los elementos no estuvieran equilibrados.

Otro aspecto clave para este tipo de fotografía lo tenemos en la necesidad de aislar elementos. Esto, que podemos llevar a cabo acercándonos a los objetos o mediante un teleobjetivo, permite discriminar una parte de un todo y resaltar los posibles elementos relacionados con las matemáticas que hay en un conjunto más grande.

Foto de Canon in 2D

Por último, también es interesante cuidar otros aspectos básicos en fotografía como son el juego de luces y sombras, que puede ayudar mucho a resaltar volúmenes o formas, o el ritmo, un aspecto que puede ayudarnos a conseguir una buena foto ya que la repetición rítmica de líneas y formas es algo que resulta agradable para la visión del espectador.

En Xataka Foto

Juegos fotográficos para introducir a los niños en la fotografía

Se trata, en definitiva, de buscar elementos relacionados y saber plasmarlos de una manera creativa. El resultado puede ser lograr una fotografía que tenga una función didáctica, pero también que ofrezca una visión de las matemáticas también como fuente de belleza.

Foto de portada | Paul Bergmeir

“Correlaciones y conversaciones metafísicas entre los pintores surealistas: René Magritte, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Giorgio de Chirico, Vladimir Kush y el fotógrafo Cristóbal Carretero Cassinello”. Así es como el crítico de arte Josep Fàbrega Agea define ‘Analogías Surrealistas’, una serie fotográfica que nos confirma que el arte visual puede tener innumerables conexiones, incluso en géneros aparentemente diversos como la fotografía de calle y la pintura abstracta.

La serie, como hemos apuntado, es obra de Cristóbal Carretero Cassinello, un profesor de economía, diseñador gráfico y fotógrafo (de origen gallego pero almeriense de adopción) que cuenta con un amplio currículum y cuyas fotografías han sido seleccionadas y publicadas en pasadas ediciones de los Magnum Photography Awards y los Lensculture Street Photography Awards. Cristóbal nos hizo llegar su interesante trabajo y nos contó cómo la idea surgió “de la forma más inesperada y espontánea”.

“Como fotógrafo —nos comenta— trabajo varios géneros fotográficos indistintamente, street photography, fotografía conceptual y minimalista. Este crisol de estilos diferentes, me ha permitido agudizar la mirada y desarrollar una percepción de la realidad en su conjunto, que me han llevado a realizar proyectos fotográficos desde una profunda reflexión sobre la interacción y correlación entre imágenes aparentemente inconexas que, unidas, proyectan nuevos universos”.

En Xataka Foto

Imitando fotos famosas (con imaginación y mucho sentido del humor) para sobrellevar la cuarentena, por Vincent Morla

Además, Cristóbal es aficionado a jugar con cosas como “el trampantojo visual, efectos de perspectiva, superposición y comprensión de planos, que concluyen en yuxtaposiciones visuales surrealistas”. Quizá por eso, continúa, “un día por casualidad me puse a visionar la obra de René Magritte y de repente llegó la inspiración.”

La clave fue la pintura ‘La gran guerra’, donde Magritte muestra “a una elegante señora con un vestido blanco y un ramo de flores que oculta su cara. Al ver la pintura con incredulidad, en ese momento mi subconsciente explotó y me transportó súbitamente a mi fotografía ‘Él Oráculo’, una misteriosa anciana permanece inmóvil en un banco, sin rostro, mientras que el tiempo se detiene por un momento, el pañuelo que lleva en la cabeza comienza a convertirse en la cabeza de un pájaro.”

En ese momento el autor se dio cuenta de que había “una serie de analogías de contenido, de pensamiento y estética surrealista entre fotografía y pintura.” Esto fue el punto de partida para crear ‘Analogías Surrealistas’, la cual llevó a cabo “reflexionando sobre mi fotografía y realizando una investigación sobre los diferentes pintores surrealistas que me apasionan (Magritte, Dalí, Giorgio de Chirico, Picasso y Vladimir Kush), fui trabajando el proyecto a modo de dípticos, descubriendo potentes diálogos metafísicos sobre la sutil relación de fotografía y pintura surrealista, encontrando nuevos universos evocadores y oníricos, producto de la interrelación, lenguaje visual y hermanamiento de ambas artes.”

El resultado son estas imágenes que estáis viendo, en donde se aprecian las analogías, con elementos que interactúan entre cada cuadro y fotografía. Algunas son más que evidentes, otras menos, por lo que es recomendable fijarnos en los detalles y observarlas “profundamente, no de la manera ultrarrápida y compulsiva, que muchas veces se observan las fotografías en las redes sociales”. Sin duda un proyecto interesante ¿no os parece?

Cristóbal Carretero Cassinello | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Cristóbal Carretero Cassinello reproducidas con permiso del autor para este artículo

“Mi intención es capturar en un solo lapso de tiempo la belleza del vuelo de las aves, haciendo visible lo invisible” así resume (a grandes rasgos) Xavi Bou su trabajo ‘Ornitografías’. Se trata de un proyecto fotografíco surgido gracias a la pasión por las aves de este artista catalán y en el que juega con el movimiento convirtiéndolo en algo poético.

De hecho, aunque pudiera parecerlo, Xavi deja claro que su serie “se aleja del análisis puramente científico del movimiento que proporciona la cronofotografía”, ese ámbito que acerca el cine y la fotografía y se popularizó en el Siglo XIX de la mano de fotógrafos como Eadweard Muybridge. ‘Ornitografías’ es “un equilibrio entre el arte y la ciencia, un proyecto de divulgación naturalista y, al mismo tiempo, un ejercicio de poesía visual”.

El origen de la idea, tal y como cuenta Xavi (fotógrafo catalán que trabaja en fotografía de moda y publicitaria), se remonta a muchos años atrás: “Nace de la mirada inocente y curiosa del niño” y de su admiración “por la naturaleza y, en especial, por las aves” que surgió de niño “gracias a los largos paseos que hacía acompañado de su abuelo […] Desde entonces el interés del fotógrafo por las aves no ha dejado de crecer, hasta el punto de transformarse en el motivo central del proyecto”.

En Xataka Foto

‘Coloreando’, Andrés César le “saca los colores” a los carnavales de Las Palmas de Gran Canaria

Así, con ‘Ornitografías’ pretende “captar aquellos momentos que nos pasan desapercibidos” y “cuestionar los límites de la percepción humana. Por ello el propio Xabi (que estudió Geología además de fotografía) concluye que es “un equilibrio entre arte y ciencia, un proyecto de divulgación naturalista y a la vez un ejercicio de poesía visual. Pero es, ante todo, una invitación a que todos percibamos el mundo con la misma mirada curiosa e inocente del niño que un día fuimos”.

Lo cierto es que las imágenes resultan evocadoras y al tiempo extrañas, porque en algunas de ellas parece fácil saber qué son esos curiosos patrones y otras navegan directamente en el terreno de la fotografía abstracta. Interesantes en cualquier caso ¿no os parece?

Xavi Bou | Página web | Instagram | Facebook

El realismo en fotografía es algo natural, básicamente porque este arte nos permite capturar cualquier escena que tengamos ante nosotros con un realismo que puede llegar a ser sorprendente. Sin embargo, captar la realidad tal y como es no siempre es la mejor manera de expresarnos. A veces, reducirla a formas abstractas puede ser una excelente manera de desarrollar nuestra creatividad de una forma mucho más libre.

Hablamos de la fotografía abstracta, una disciplina quizá no de las más populares pero que desde luego tiene gran atractivo y que, además, es más accesible que nunca en estos tiempos digitales. Sea como fuere, podemos decir que una fotografía abstracta es aquella que huye del realismo, que busca ofrecer al espectador una “sugerencia de realidad” en lugar de una reproducción fiel, para lo cual se puede recurrir a distintas técnicas y recursos.

Foto de Oscar Condés

En Xataka Foto

Trucos para conseguir fotografías creativas que parecen hechas con Photoshop (pero no es así)

Las fotos abstractas no son difíciles de identificar precisamente por lo contrario: Porque es complicado saber con precisión qué es lo que estamos viendo. Es decir, al huir del realismo, las imágenes abstractas ofrecen un aspecto alejado (en mayor o menor medida) de lo convencional con lo que, en principio, el espectador tenderá a preguntarse qué es lo que representa la imagen.

Porque la fotografía abstracta es, de alguna manera, interpretar la realidad de otra manera o buscar elementos en ella que resulten especialmente sugerentes. La razón principal para hacer este tipo de fotos es la que ya hemos adelantado, estimular nuestra creatividad, pero es que además practicarla puede ayudarnos mucho a comprender más sobre las relaciones entre la luz y la sombra, las combinaciones de colores o cómo interactúan las formas entre sí.

Foto de Mathias Appel

Elementos básicos en fotografía abstracta

Hay algunos elementos fundamentales en los que centrarse a la hora de tratar de buscar la abstracción: Forma, color, textura, luz y sombra. Todos ellos forman parte de los elementos esenciales de semántica visual y, por tanto, son recursos básicos con los que contamos los fotógrafos para transmitir a través de nuestras imágenes.

Foto de Oscar Condés

El primero, la forma, es un elemento primordial de una imagen abstracta. Ya sean los detalles de una superficie o la simetría de una serie de elementos arquitectónicos, jugar con las formas es quizá la mejor manera de conseguir la abstracción. Y cuando decimos “jugar” lo hacemos, evidentemente, en el más amplio sentido de la palabra porque, como hemos dicho, se trata de conseguir resultados no realistas (es decir, no identificables fácilmente). Así, la forma ni siquiera tiene que tener una presencia física, ya que perfectamente pueden ser ondas de luz reflejadas o humo que se evapora inmediatamente.

Foto de rawpixel

Otro elemento básico para conseguir la abstracción es el color, un ingrediente que sirve para delimitar formas, agregar contraste a la imagen y conducir el ojo del espectador (entre otras muchas posibilidades). Además, usándolo adecuadamente podemos dar a nuestra imagen una serie de cualidades que, como sabéis, suelen venir asociadas a los distintos tonos de color.

Por su parte, la textura es un elemento que por sí solo puede convertirse en protagonista de una imagen abstracta. Al acercarnos lo suficiente a los objetos podemos descubrir texturas desconocidas que se pueden interpretar como abstractas al no ser capaces de identificar fácilmente su procedencia. Además, la textura nos permite agregar definición a las formas y dar contraste a los colores de nuestra composición abstracta.

Foto de Oscar Condés

Por último, no hay que olvidar que todos ellos son elementos estrechamente ligados a la luz y la sombra, ya que a través de ellas podemos manipular el aspecto de una textura, delimitar las formas o resaltar un determinado color.

En Xataka Foto

Tik Tok, la nueva red social de moda que también sirve para aprender fotografía

Donde y cómo buscar la abstracción

La belleza de lo abstracto puede estar en cualquier parte. En las cosas cotidianas que nos rodean, en lugares desconocidos, en interiores o exteriores... Cualquier escenario es válido porque, en casos como éste, está claro que lo más importante es la experimentación. Por eso ya en este artículo de hace unos años decíamos que al no hablar de algo concreto o definible, sino más bien de conceptos, era difícil establecer consejos sencillos para dar a quien quiera practicar este tipo de fotografía.

Foto de Rodion Kutsaev

Por su propia idiosincracia no existen normas ni técnicas específicas, pero sí que es cierto que podemos citar algunos “procedimientos” que se pueden usar para lograr imágenes abstractas. Empezando por la práctica de acercarnos a las cosas para captar detalles que formen parte de un objeto mayor pero que, aislados, tengan un sentido abstracto. Lo cual, llevado al extremo, nos conduce a la macrofotografía.

Lo cierto es que aislar detalles de un todo es una de las formas más sencillas pero también efectivas de iniciarse en fotografía abstracta. Algo que nos exige ser exhaustivos y observadores, y que nos permitirá fijarnos más en detalles como las texturas de los objetos y los patrones de luz. Además, si lo hacemos habitualmente pronto lo asimilaremos y nos daremos cuenta de que, a la hora de hacer fotos, pensamos de una manera distinta y más creativa.

Foto de Sofía Condés

Otra técnica muy apropiada para conseguir la abstracción se basa en jugar con el movimiento. En este caso, como ya imagináis, en reproducir el dinamismo de algo a través del desenfoque de movimiento (motion blur en inglés), una técnica muy atractiva (basada en utilizar exposiciones largas) a la par que imprevisible.

Un buen ejemplo son las estelas de luz que alguna vez todos hemos practicado. Y es que ¿quién no ha obtenido alguna vez una fotografía movida que, sin embargo, tenía gran atractivo por sus formas anárquicas y, cómo no, abstractas? Sin duda es una manera sencilla de conseguir abstracción aunque, como decimos, tiene la particularidad de ser totalmente imprevisible.

Foto de Colin Knowles

Una tercera vía podríamos encontrarla en el desenfoque, pero esta vez no de movimiento sino desenfoque propiamente dicho. Porque una imagen desenfocada puede tener una belleza diferente y especial, sobre todo si se combina con ciertos elementos. Es el caso por ejemplo de esas fotos de lugares con muchos focos luz que se convierten en puntos de colores cuando están totalmente fuera de foco.

Foto de Mathias Appel

También se pueden conseguir interesantes fotografías abstractas jugando con elementos muy concretos como el agua, el fuego y el humo, que producen formas también únicas e imprevisibles. Por último, hay otras técnicas o disciplinas que pueden ofrecer un mayor o menor grado de abstracción como las siluetas, el lightpainting, la niebla o neblina… Todas ellas pueden permitirnos obtener resultados muy atractivos, sin olvidar además que siempre se pueden combinar distintas técnicas para conseguir imágenes aún más abstractas.

En Xataka Foto

Consejos para comprar una cámara de segunda mano

Foto de portada | Ricardo Gomez Angel

Hasta el 17 de junio está abierta en el Centro Niemeyer una muestra que indaga en la trayectoria de Franco Fontana, un fotógrafo italiano muy conocido por sus imágenes de saturados colores empleados en paisajes que tienden al abstracto. Más de 60 fotografías, que datan desde 1967 hasta 2017, componen ‘Franco Fontana. Fotografía’, una muestra antológica para conocer a un artista del que apenas hemos hablado en Xataka Foto.

Sin embargo, casi seguro que habéis visto alguna de sus fotografías, porque han sido utilizadas en multitud de campañas publicitarias y en portadas de publicaciones como Time, Life, Vogue France o The New York Times. Del mismo modo, Fontana ha sido protagonista de numerosas exposiciones y su obra está expuesta en multitud de museos, con lo cual la presente muestra puede ser una buena oportunidad para descubrirle.

La exposición incluye obras de cuatro de sus series más famosas: ‘Paisaje’, ‘Paisaje urbano’, ‘Serie asfalto’ y ‘Fragmentos’, y además también se pueden ver trece imágenes “originales de época” tomadas en los 60 y 70, algo que los organizadores describen como “realmente excepcional y que permite comprender la evolución del proceso creativo que ha llevado a cabo este singular fotógrafo”.

Lo cierto es que la muestra permite conocer una obra realizada íntegramente en soporte químico centrada en el color y en la “armonía geométrica de la naturaleza, fruto de una estudiada composición de la escena y de una medición de la luz absolutamente magistral. Sin manipulación ni artificios, todas las imágenes parten del proceso analógico, lo que da idea del control técnico que este autor despliega a la hora de realizar sus fotografías”, según la nota de prensa.

El autor

Su trabajo puede gustar o no, pero no cabe duda de que Franco Fontana (Módena, 1933) ha sido uno de los fotógrafos italianos más importantes de la posguerra y que su trabajo supuso una reinvención del color. Un color “que utiliza como medio de expresión a través de un nuevo análisis, a veces provocador, del paisaje natural y estructurado con la intención de encontrar nuevos signos, estructuras y superficies cromáticas que se correspondieran a su imaginación creativa”.

Como os podéis imaginar, este uso del color surgió como reacción ya que los comienzos de Fontana en fotografía se remontan a 1961, una época en la que el blanco y negro y el clasicismo compositivo aún eran predominantes. Por eso, el autor quiso investigar y descubrir su propio estilo, un estilo en el que el color y la búsqueda de nuevos ángulos y encuadres diferentes se convirtió en protagonista y derivó en unas imágenes con un toque abstracto y minimalista.

No cabe duda de que, sin dejar de ser paisajes (aunque también tiene una faceta más urbana y otra de desnudos), sus fotografías “se sitúan en el límite entre la representación y la abstracción, a través de una gran sensibilidad cromática y una capacidad compositiva igualmente notable. Las formas naturales se convierten en fondos de color sorprendentes y la vista se transforma en visión”.

Para Fontana, “la creatividad en fotografía no debe reproducir sino interpretar: debe hacer visible lo invisible”. De modo que, a través del color y la cuidada composición, el fotógrafo trata de despertar en el espectador emociones y sentimientos exaltando “al objeto tal cual es pero, por encima de todo, lo transforma en un sujeto que puede vivir con su propia luz”.

‘Franco Fontana. Fotografía’

Del 13 de abril al 17 de junio de 2018

Centro Niemeyer

Precio: Tres euros (reducida 2,5 euros)

Avda del Zinc S/N

33490, Avilés (Asturias)

Página web

En Xataka Foto | ‘Archivo Paco Gómez. El instante poético y la imagen arquitectónica’, nueva exposición en la Fundación Foto Colectania

Fotografías de Franco Fontana reproducidas con permiso para este artículo

El quinto planeta del sistema solar, el planeta más grande y a la vez un desconocido del que empezamos a adivinar tanto su aspecto como su posible composición gracias a las fotos que ha publicado la NASA realizadas por la sonda espacial Juno.

El titular de este artículo no es, en absoluto, exagerado. Las imágenes capturadas por la Juno Cam, nombre del artefacto diseñado para la toma de imágenes en la sonda espacial, parecen cuadros abstractos, expesionistas que recuerdan al trabajo de pintores como Munch o Van Gogh.

Jupiter Cream Contrast

La falta de figuración, el parecido con la técnica del óleo o la abstracción son algunas de las características que comparten estas imágenes y aquellas pinturas. Ya sabíamos que las nubes de Júpiter le daban unos colores azarosos, pero el capricho con el que se mueven, sopladas seguramente por multitud de tornados, mezclan en una misteriosa y onírica paleta los colores.

Jupiter

La foto de inicio es una visión en color mejorada de las nubes de Júpiter, fue procesada por el científico Bjorn Jonsson usando datos del instrumento JunoCam en la nave espacial Juno de la NASA. La imagen destaca una enorme tormenta giratoria en el sentido contrario a las agujas del reloj que aparece como un óvalo blanco en el hemisferio sur del gigante de gas. Cuando se tomó la imagen, la nave espacial estaba a unos 14.000 kilómetros del planeta.

Auroras en Júpiter tomadas por la Juno Cam

Además de los conocimientos que los científicos extraen de estas imágenes, como que el campo magnético del planeta gigante es el doble de potente de lo que se creía o que hay enormes ciclones que giran en torno los polos del planeta, estas imágenes son espectaculares manifestaciones casi artísticas, ya que la Juno Cam no pretendía manifestar ningún sentimiento, pero evoca en (muchos de) nosotros sensaciones difíciles de explicar.

Las imágenes en RAW de JunoCam están disponibles para que el público pueda descargar y procesar

Más info | NASA

Fotógrafo. Pintor. El fantasma de Hopper vagando por las fotografías de Saul Leiter. Encuadres que delimitaban escenas. Colores que abren nuestros párpados. Elegancia. La calle. Los autobuses. Las miradas a través de ventanas. El espejo donde nos miramos cada día cuando buscamos estampas que él ya había atrapado hace tiempo. Un autor que sólo puede gustar. Nos deja. Pero no para siempre.

Ayer falleció uno de los fotógrafos más admirados por quienes viven apasionadamente la fotografía callejera. Su exposición "Una búsqueda de la belleza", ya el título prometía, visitó Valladolid hace más de un año, fue una ocasión excepcional para conocer 89 de sus imágenes a caballo entre la pintura y la fotografía. Hoy su obra seguramente sea más comentada que nunca. Y su documental, ese del que os hablamos que se estaba financiando por crowdfunding, estará siendo también más solicitado que nunca.

Una vida de fotografía en color

Habiendo comenzado con 12 años a fotografiar con una Detrola, a los 23 marchó a Nueva York interesado por la pintura abstracta y convencido de que quería ser artista, dejando así un futuro como rabino marcado por su familia. Allí, influenciado por W. Eugene Smith, comenzó con la fotografía en blanco y negro gracias a una Leica de 35mm para más tarde, en 1948, empezar con sus primeras instantáneas en color.

Me han descrito como un pionero. ¿Soy un pionero? No sé si lo soy. Quizá lo sea. Quizá no. No importa si lo soy o no.

La fama no era algo que le interesase demasiado, lo deja claro con estas palabras. Pero quisiera o no, fue pionero en el uso del color por encima de Eggleston y Stephen Shore puesto que comenzó a utilizarlo a finales de los años 40. Toda esa fascinación por el color le venía de su faceta como pintor. Incluso adquiría material caducado para experimentar con los tonos que surgían del paso del tiempo.

La abstracción fue otra constante en su obra. También muy propia de la pintura que le hizo destacar sobre sus contemporáneos ofreciendo un halo de modernidad que ha traspasado hasta nuestros tiempos. ¿Quién diría que sus creaciones son de mediados del siglo XX?

Un fotógrafo cuya obra ha cubierto las paredes de los grandes museos, que fotografiaba sus calles más cercanas por puro placer mientras se ganaba la vida como fotógrafo de moda, un visionario por su manera de ver en el color algo más que un tratamiento para encargos comerciales, dando así la espalda al blanco y negro canónico y haciéndonos comprender la belleza con imágenes más allá de las palabras.

Si tuviera dinero cubriría las paredes de mi salón con imágenes de Leiter, ahora lo voy a tener más dificil porque los costes se habrán elevado, me queda la imaginación y su recuerdo, construiré hologramas en su honor y dejaré caducar los carretes en mi vieja Rollei, quizá entre algún negativo resurja un leve suspiro que me recuerde al fotógrafo americano. Hasta el momento, esperaré que sus fotografías puedan verse de nuevo por estos lares. Me quedo buscando el documental sobre sus lecciones de vida. Descansa en paz, mago.

Fotógrafo Saul Leiter

A pesar de que no soy demasiado dado a fotografiar arquitectura, lo cierto es que jugar con las formas, colores, texturas, sombras y, sobre todo, buscar composiciones abstractas tiene su aliciente. Es un motivo que cuando se consigue una buena captura realmente satisface mucho y resulta estimulante. Por ello, vamos a repasar algunos consejos sencillos para los que quieran iniciarse en lograr imágenes abstractas con la arquitectura o aquellos que quieran sacar más partido a este tipo de fotografías.

Lo bueno es que no hace buscar demasiado. Motivos arquitectónicos tenemos abundantes a nuestro alrededor y con un poco de observación detenida podemos encontrar muchos espacios a los que sacarle partido. Además, que no necesitamos de ningún equipo especial, aunque todo depende del lugar y la luz, lógicamente (y la posibilidad de aproximarnos al motivo para captar el detalle abstracto). Además, es un ejercicio interesante para potenciar nuestra creatividad fotográfica.

Observar detenidamente es la clave

Parece muy obvio, pero entrenar nuestro ojo, mirar con pausa, escrutando los escenarios, los edificios, sus formas, desde la proximidad o alejados se convierte en algo esencial para encontrar lo abstracto en las formas arquitectónicas. Un edificio que solemos ver, si conseguimos escrutar todas sus posibilidades, con otras perspectivas, podemos sacarle mucho partido. Lo abstracto está ahí, sólo requiere que miremos hacia arriba, hacia abajo, en cada rincón, en cada forma.

Busca el detalle aislado del entorno

La abstracción se puede encontrar en paredes, ventanas, puertas, suelos, columnas, escaleras,… intentemos capturar esa porción y aislarla del entorno. La idea sería mostrar ese detalle sin que casi se pueda identificar a dónde pertenece. Recordemos que la abstracción es una forma de jugar con las formas y con las líneas, así que intentemos centrarnos en el motivo y sacarle partido. Si nos podemos aproximar a él, estupendo, y si no, pues necesitaremos de un teleobjetivo. Aunque recordemos que suele ser esencial el recorte para pulir la captura a la hora de procesarla.

Busca la simetría

Si a algo se presta la fotografía de arquitectura es a la simetría. Los edificios y su estructura están llenas de líneas, formas que presentan simetría. Con un poco de observación, encontrando el lugar idóneo, podemos sacar partido a esa simetría, que seguro nos da mucho juego abstracto. Es cuestión de encontrar líneas, formas que se repiten.

Juega con la luz

Un mismo edificio, ya sea desde el exterior o desde el interior, puede producir distintas sensaciones a diferente hora del día. Con una luz fuerte, la del mediodía de en una jornada soleada, puede acentuar el carácter abstracto de las formas, salientes, ventanas, columnas,… igualmente una captura al atardecer o incluso nocturna puede darnos otras interesantes posibilidades. En el interior, aprovechando la luz artificial en combinación con la luz natural que entre por ventanas también puede prestarnos escenarios abstractos distintos con el mismo motivo.

Juega con los ángulos

En la fotografía de arquitectura abstracta las posibilidades de manejar distintos ángulos (algunos impropios o inhabitables en otro tipo de fotografía) es otra de las muchas opciones. Así líneas paralelas, ya sean verticales u horizontales puede dar lugar a nuevas posibilidades si giramos la cámara y las captamos desde un ángulo acusado, convirtiéndolas en diagonales. Es sólo un ejemplo, probar distintos ángulos y perspectivas es otra forma estimulante de sacar partido a las formas abstractas.

Bueno esto es todo. Se puede ahondar mucho más en la parte técnica. Sobre qué tipo de objetivo usar, si es necesario un trípode,… pero eso lo dejamos para otra ocasión. Lo primero y esencial es entrenar nuestro ojo y experimentar con las formas. El tipo de toma, las características del disparo dependerán de muchos factores, pero lo más importante encontrar en la abstracción una nueva forma de explorar imágenes de la arquitectura.

Más info | Phototuts
En Xataka Foto | Ser creativo: fotografía abstracta
Fotos | milena mihaylova, seier+seier, mi flickr y Jucá Costa

La fotografía de abstracción no es exactamente macro-fotografía, pues en esta podemos mostrar completamente sujetos muy pequeños, como insectos. La fotografía de abstracción se caracteriza más bien por mostrar un sujeto en su forma más reducida y simple.

Para abstraer una escena, con la intención de hacer una fotografía, debemos seguir unos sencillos pasos: hay que procurar eliminar todo lo superfluo y captar la esencia del objeto/sujeto. Esto no quiere decir que tengamos que acercarnos mucho al sujeto, ya que hay muchas fotografías abstractas tomadas desde lejos. En lo que debemos centrarnos es en las formas, los colores, la estructura... acentuándolos y resaltando su valor.

Esto podemos conseguirlo de muchas maneras a la hora de tomar la foto. Bien podemos usar la regla de los tercios, técnicas de cámara o el post-procesado digital de las imágenes. La base para la creación de una fotografía abstracta es la selección de las partes más características del sujeto.

Aquí os dejo algunos consejos para hacer fotografías de Detalles sin Contexto:

Vía | Caborian

De entre los géneros fotográficos, la abstracción es uno de los menos frecuentes, quizás más practicado por artistas de la imagen y algunos pocos fotógrafos especializados. Pero, hoy día, gracias a las inmensas posibilidades de la fotografía digital y del posterior procesado en el ordenador, cultivar la fotografía abstracta es mucho más sencillo. Además, supone un enorme campo de experimentación, ideal para dar rienda suelta a la creatividad encorsetada que muchas veces no sabemos destapar.

En ocasiones, romper la reglas, probar nuevas composiciones, encuadres y velocidades de obturación, pueden conjugar resultados sorprendentes. Pero no basta con abandonarse al albedrío y esperar que el resultado, por fortuna, depare un resultado interesante. Hay que tener claro qué queremos transmitir, cualquier motivo vale, pero es importante que sea una forma de expresión, de comunicación con el espectador.

Podemos jugar con la luz, los colores, las formas, la composición, más aproximada a la realidad o más alejada, lo importante es que la imagen nos diga algo. La máquina suele ser importante, pero para transmitir un mensaje dentro de la abstracción no es necesario tener un completo equipo fotográfico. Desde la cámara de un teléfono móvil podemos lograrlo. Además, siempre tenemos la edición digital, para mejorar, potenciar efectos y lograr adecuarnos a nuestro objetivo.

Si nos convertimos en observadores pausados podemos encontrar a nuestro alrededor múltiples motivos que nos pueden ofrecer formas abstractas. No es necesario buscar en lugares indómitos o alejados, ni emplear horas en un procesado. La sencillez es siempre lo más efectivo. Por ello, mira a tu alrededor, observa detenidamente e intenta encontrar posibles imágenes abstractas en objetos reales y con formas conocidas.

Sin embargo lo abstracto a veces está en lo verídico. Un objeto común visto con otra perspectiva, iluminación o encuadre poco habitual puede darnos un resultado sorprendente y visualmente efectivo. Siguiendo ejemplos de grandes fotógrafos de la historia (Man Ray, Moholy-Nagy), podemos ver como daban total libertad a la subjetividad para transmitir un mensaje a través de una imagen, que no siempre tenía que ser un fiel reflejo de la realidad.

Observa, dispara, experimenta. Busca intencionalidad o no, pero intenta renunciar de la realidad cotidiana. Aléjate del objeto reconocible, de las perspectivas tradicionales, del detalle nítido o incluso de los colores fieles.

Como no estamos tratando de algo concreto o definible, sino más bien a un concepto no podemos establecer algunos consejos sencillos para lograrlo, se trata más bien de experimentar con una idea, dando igual el método y la forma de lograrlo.

Espero que esta divagación y aproximación a la abstracción sirva, al menos, para encontrar nuevas formas de trabajar con la fotografía digital, alejándonos de los convencionalismos. Un método útil para reflexionar sobre la imagen y poder encontrar un estilo propio. O no. Pero al menos jugar con nuestra cámara de formas distintas puede resultar extremadamente divertido.

Fotos | Mark Valentine y César Augusto