Sin duda, la natación sincronizada es uno de los deportes más estéticos que existen (de hecho también se conoce como "natación artística"), pero aún puede serlo más si se capta desde la perspectiva correcta: desde arriba. Eso es lo que nos muestra ‘Water geomaids’, un trabajo que nos enseña esta disciplina en plano cenital gracias al uso de un dron lo que resulta en unas imágenes espectaculares.

Su autor es Brad Walls, quien fue finalista en los recientes Sony World Photography Awards 2021 en dos categorías y de quien ya os hemos mostrado anteriores trabajos que también explotaban la perspectiva aérea y una idea similar: mostrar la belleza de las cosas desde arriba. En este caso su idea es "invitar al público a experimentar otra experiencia íntima y una perspectiva única de la natación sincronizada".

Para ser justos hay que decir que la natación sincronizada sí que suele mostrarse en esta perspectiva en las retransmisiones deportivas de las televisiones, pero ¿cuántas veces se puede disfrutar de esto más allá de los Juegos Olímpicos? Además, no es lo mismo verlo en directo que poder paladear instantáneas como las que muestra este proyecto. De hecho, cuando se le ocurrió la idea, a Brad le sorprendió la escasez de imágenes que capturasen las formas y patrones que crean los nadadores sincronizados.

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Las réflex han muerto... ¡Vivan las réflex!

Por eso se puso manos a la obra y contactó con un equipo de natación sincronizada de Sydney cuyas coreografías corren a cargo de Katrina Ann, una ex-nadadora que compitió en los Juegos de la Commonwealth y en múltiples campeonatos mundiales. La colaboración entre Katrina y Brad dio lugar a una serie de dibujos y formas geométricas que pasaron del papel a la piscina a través de las nadadoras del equipo.

Todas las tomas fueron planificadas meticulosamente, aunque reconocen que aproximadamente un 20% del resultado fue fruto de la improvisación ya que, tal y como comenta el fotógrafo, "no importa la cantidad de planificación que se requiera, siempre habrá algo no planificado que se ve increíble y no podría haber sido planeado".

El resultado son unas tomas de gran belleza que permiten apreciar el duro trabajo detrás de la natación sincronizada. Y es que, tal y como cuenta Katrina, “los nadadores artísticos pasan muchas horas todos los días trabajando para alcanzar la perfección. Con el ojo de Brad para los detalles, la perspectiva y la creatividad, pudimos mostrar nuestro arduo trabajo que a menudo se pierde a simple vista".

Brad Walls | Página web | Instagram

Fotografías de Brad Walls reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hoy toca la segunda parte de la serie dedicada a la fotografía en blanco y negro fine art. En esta ocasión vamos a fijarnos en lo más importante para conseguir el mejor resultado posible en este mundo de fantasía que estamos creando en escala de grises: las selecciones. Cuánto más perfectas sean mejor será el resultado. Es el paso más difícil, largo y complejo pero una vez superado, todo será mucho más fácil.

Las selecciones siempre son una asignatura pendiente para los fotógrafos que nos enfrentamos al revelado digital. Antes, en la época química era imposible la precisión salvo que trabajaras con hojas de acetato recortadas y dedicaras un tiempo interminable a cada imagen. Ahora queremos ser tan perfectos que estamos también encadenados al tiempo.

Pero si queremos profundizar en este estilo no nos quedará más remedio que dominar todas las herramientas y conocer todos los trucos que se pueden hacer para lograr llevar a buen puerto nuestra fotografía fine art. Vamos a hablar de dos métodos fundamentales para conseguirlo. Más viene bien recordar que ninguno de los dos son rápidos y perfectos. Hay que llenarse de paciencia.

Fotografía original

Así que la clave es el tiempo que le dediquemos a las selecciones. Tienen que ser muy precisas para conseguir el efecto que estamos buscando y evitar los halos que malogran el resultado. Eso, o comprar el panel de Joel Tjintjelaar para hacerlo de forma automática.

Las herramientas para la selección

No hay una herramienta perfecta para todo. Nosotros tenemos que saber, según la fotografía, cuál es la herramienta que dará mejor resultado. Y para la fotografía fine art tenemos que dominar la herramienta Pluma de curvatura, la herramienta Lazo poligonal y Selección rápida. Así que vamos a descubrir el funcionamiento de cada una de ellas y un truco que podemos ver en el famoso libro de más de 400 páginas de Joel Tjintjelaar y en sus vídeos.

Lazo poligonal

Es la herramienta más rápida en el caso que estemos trabajando solo en fotografías con líneas rectas, con imágenes arquitectónicas. Su funcionamiento es idéntico al Lazo que todos conocemos pero solo permite trabajar con líneas rectas.

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Para trabajos sencillos puede que no haya nada más fácil. Su barra de configuración es idéntica a la de la herramienta madre. Lo más cómodo es elegir siempre Añadir a la selección y listo. Pero tiene un problema grave, si nos equivocamos en un punto no hay forma de corregir.

No queda más remedio que terminar la selección y luego solucionar el fallo como acostumbramos con la opción Restar de la selección. Eso sí es muy cómodo trabajar al 100% e ir moviendo la fotografía (Espacio+clic en el ratón) para que la precisión sea máxima.

Pluma de curvatura

La herramienta Pluma de curvatura es la herramienta vectorial que deberíamos utilizar todos los fotógrafos, por encima de la veterana Pluma que tanto nos ha hecho sufrir a muchos de nosotros. Se comporta igual que Lazo pero con la precisión de una herramienta vectorial.

En Photoshop podemos trabajar con imágenes de mapa de bits (rasterizadas) y vectoriales. Las primeras son fotografías y las segundas son imágenes compuestas de formas y trazados que pueden cambiar de tamaño sin perder calidad:

Las imágenes rasterizadas (o de mapa de bits) se describen mediante un conjunto o mapa de bits dentro de una cuadrícula rectangular de píxeles o puntos. Las imágenes vectoriales se describen mediante líneas, formas y otros componentes gráficos de imagen almacenados en un formato que incorpora fórmulas geométricas para interpretar los elementos de la imagen.

Una herramienta vectorial no tiene problemas a la hora de hacer una selección precisa porque no depende de los píxeles y evita los bordes dentados en las diagonales y curvas. El funcionamiento de la herramienta Pluma siempre ha sido complejo.

Por este motivo presentaron hace dos o tres versiones la Pluma de curvatura, la pluma de los fotógrafos con prisas. Solo tenemos que ir marcando los puntos precisos y automáticamente se irá ajustando al contorno que queremos seleccionar.

Es verdad que tiene una locución adjetiva que parece indicar que no sirve para líneas rectas, pero solo con dar a la tecla Alt/Opt (o doble clic) permite dibujar líneas rectas.

Además es posible hacer un trazado rápido y luego ajustar cada punto de ancla al sitio exacto. Y si lo queremos quitar, solo hay que marcarlo y dar a la tecla Supr.

Cuando terminemos, tendremos que convertir el trazado en una selección. Tan fácil como dar al botón derecho del ratón y elegir Hacer selección. En la ventana que se abrirá poner en Interpretar>Radio de desvanecimiento 0 o 1 píxel para que todo sea perfecto.

Selección rápida

Esta herramienta sirve para lo que su propio nombre indica: una selección rápida siempre y cuando sea posible porque el contraste está muy marcado y la separación de elementos es muy sencilla. Por ejemplo un cielo blanco frente a un primer plano definido.

Selección precisa

No tiene más misterio que pinchar en la zona que queremos seleccionar y mover el ratón para que se seleccionen todos los píxeles con la misma luminosidad.

Cómo hacer selecciones para fotografía fine art

Como se puede leer en el libro de Joel Tjintjelaar lo más importante no es hacer selecciones, sino conseguir que se relacionen perfectamente entre sí para evitar espacios vacíos entre ellas. Ese es el motivo por el que muchas veces nos encontramos con halos durante el revelado en fine art.

Así que vamos a tomar la sencilla fotografía de ejemplo para entenderlo. La clave es aprovechar todo lo que aprendimos en nuestra más tierna infancia:

• Añadir a la selección significa sumar.
• Restar a la selección significa restar.
• Intersecar con la selección significa que solo se selecciona lo que coincide entre dos o más selecciones.

Vamos a entenderlo mejor trabajando con la fotografía de ejemplo:

• Hago una selección precisa con la herramienta Pluma de curvatura del edificio.
• Cuando termino y compruebo todos los puntos doy al botón derecho del ratón y marco Hacer selección.
• Después voy a Selección>Guardar selección y le doy un nombre descriptivo.

Selección de la banda vertical del edificio

Ahora es el momento de seleccionar el cielo. La forma de hacerlo es muy importante. No debemos partir de una selección nueva, sino aprovechar lo que tenemos... Así que vamos al menú Seleccionar>Invertir y la guardo de la misma forma.

Imaginaos que ahora quiero guardar la banda vertical como una selección porque quiero darle una luz distinta. ¿Cómo lo hacemos?

Imagen final

En este caso voy a la ventana Canales, hago Ctrl+clic para cargar la selección de la casa. Y a partir de ella resto, elimino, todo lo que nos sobra, con la herramienta Pluma de curvatura. Lo más importante es partir siempre de las selecciones que tenemos para que se solapen perfectamente.

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En el próximo artículo vamos a ver cómo pasamos la fotografía a blanco y negro y cuántas capas distintas tenemos que hacer para conseguir una auténtica fotografía fine art.

Capítulo 1

La fotografía fine art en blanco y negro está de moda. Solo hace falta darse una vuelta por las redes para encontrar fotografías con esta estética. La idea es conseguir un disparo con unas características determinadas y luego procesarlo por zonas para conseguir una interpretación de la realidad. La intención es jugar con las luces y las sombras, con la luminosidad del archivo hasta llegar a la imagen final. Este será el primer artículo de la serie dedicada al fine art en blanco y negro.

La fotografía fine art se puede traducir como fotografía de bellas artes, un tipo de imagen que depende totalmente del revelado fotográfico y en este caso, de la luminosidad. La fotografía como espejo de la realidad no tiene ningún sentido aquí. Cualquier parecido con lo que vimos es poco menos que una ilusión.

Pero es una forma de hacer fotografía que llama cada vez más la atención. Es un delirio técnico, por la cantidad de tiempo que exige. El resultado de esta técnica, de esta forma de ver, es muy llamativo. Y depende de nosotros el grado de irrealidad que consigamos o busquemos.

Peñas Blancas @ferfoto.es

Como siempre en estas series que presentamos, vamos a ir de menos a más. Conoceremos su orígenes, buscaremos sus referentes actuales y explicaremos un método para conseguir de la forma más sencilla los mejores resultados. Pero no todas las fotografías de nuestro archivo sirven para el fine art.

Los orígenes del fine art

La fotografía fine art en blanco y negro es la interpretación de la realidad a partir del uso de la técnica. Para muchos puede parecer excesivo y para otros es simplemente una forma de ver. El antecedente más claro es la fotografía pictorialista de mediados del siglo XIX y principios del XX (aunque es España aguantó hasta bien entrados los años 60).

La fotografía pictorialista se sostiene con la técnica, sin la cual carece de sentido. Cualquiera de los autores de esta corriente invertían más tiempo en el revelado de la imagen que en la planificación. Y sus obras eran únicas. Ahí tenemos a Henry Peach Robinson que creaba fotografías a través del collage de varios disparos; Ortiz Echagüe, Oscar Gustave Rejlander que destacaban por el impresionante despliegue técnico antes que por la temática, manida y copiada del prerrafaelismo pictórico.

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Como comentamos en un artículo dedicado al pictorialismo, Peter Henry Emerson, uno de los popes del pictorialismo escribió:

Las fotografías de calidad artística tienen individualidad, al igual que otras obras de arte, y podríamos hacer apuestas sobre la identidad del autor de cada una de las pocas fotografías que se envían a nuestras exposiciones. Lógicamente el artesano común no tiene individualidad, como tampoco la tiene el reproductor de dibujos arquitectónicos o mecánicos. Pero donde un artista use la fotografía para interpretar la naturaleza, su trabajo siempre tendrá individualidad, y la fuerza de esta individualidad variará, como es lógico, en proporción a su habilidad.

La fotografía fine art en la actualidad

En los últimos tiempos se ha puesto de moda la fotografía fine art en blanco y negro de temática arquitectónica. También podemos encontrar fotografía de naturaleza. Lo que prima en esta resurrección de la fotografía de bellas artes es el uso de la luz. Todo se sostiene con luces imposibles que parecen más cercanas a un cuadro tenebrista de Caravaggio que de lo que podemos ver un día por la calle.

En la actualidad podemos hablar de Michael Kenna como uno de los ejemplos más claros de la fotografía fine art. Su trabajo con cámaras de formato medio es más realista aunque se basa en largas exposiciones y composiciones minimalistas.

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Pero los referentes más importantes son Joel Tjintjelaar y Julia Anna Gospodarou. Sus fotografías arquitectónicas en blanco y negro son fuente de inspiración continua para todos los que miran quieren imágenes con cielos negros, nubes borrosas y luces imposibles.

Esa imagen del skyline de una ciudad, la del puente blanco contra el río, la del embarcadero al infinito, la de los rascacielos picados... las han hecho ellos primero. Solo hace falta darse una vuelta por su página para descubrirlo.

Su libro de más de 400 páginas y sus vídeos lentos y sosegados son la referencia de todos los artículos que veréis por las redes. Podría decirse que son unos de los fotógrafos más influyentes de la actualidad. Yo he leído su libro 'From Basics To Fine Art' y he visto sus vídeos una y otra vez intentando descubrir sus secretos.

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Y al final he decidido crear, a partir de sus propuestas, un método más sencillo y realista para crear fotografía fine art. De hecho, mi flujo de trabajo de blanco y negro está inspirado en ellos. Intento que sea más natural y creíble. Pero aquí vamos a llegar hasta el final.

Fotografía de partida

Y lo primero que vamos a buscar es una fotografía que nos permita conseguir una imagen fine art. Seguro que dentro de vuestro archivo tenéis esa imagen anodina de un día recorriendo la ciudad. Un disparo en el que las líneas sean muy sencillas y se adivinen luces y sombras más o menos separadas.

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En el próximo artículo empezaremos a revelar nuestras fotografías para llegar a un trabajo fine art. En mi caso apuesto por la de la estación de Atocha. No hay nada que destaque en ella, pero seguro que os llamará la atención el resultado final. Nos vemos en el siguiente artículo.

Todos sabemos que, por culpa del coronavirus, no es el mejor momento para las artes escénicas, pero eso no significa que nos olvidemos de ellas ni que podamos disfrutar de su belleza, aunque sea de otra manera. Por ejemplo, a través de las elegantes fotografías de bailarinas de ballet creadas por Levente Szabó.

Levente es un fotógrafo húngaro, afincado en Moscú y especializado en fotografiar bailarinas. Comenzó en el año 2013 haciendo foto de viaje, retrato, producto y alimentos pero, nos cuenta, “siempre sentí que necesitaba hacer algo más artístico. En 2015 me invitaron a tomar unas fotos de bailarinas en San Petersburgo, y fue cuando me me di cuenta de que me encantaba el tema.”

“Me mudé a Moscú —continúa— que es un gran lugar para artistas y fotógrafos. Ahora estoy trabajando con bailarines famosos en Rusia y Ucrania, y también enseño fotografía y retoque (vía online) tanto a principiantes como profesionales.”

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Tratando de “crear algo artístico y único”, el fotógrafo define sus imágenes como “un reflejo de mi mundo interior”. Sea como fuere, quizá te interese saber que sus sesiones suelen ser improvisadas “en la mayoría de los casos”, que utiliza una Sony A7R III, y que sus fotos pasan por un proceso de retoque que, para él, “es una gran aventura […] mi actividad favorita de tiempo libre.”

Para Levente, el secreto del éxito de un fotógrafo que se dedica a esto es conseguir un estilo propio que le defina, algo que a nuestro parecer, por lo que vemos en las fotos, está consiguiendo ¿No os parece?

Levente Szabó | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Levente Szabó reproducidas con permiso del autor para este artículo

La fotografía es una afición maravillosa. Y muchos tenemos una profesión estupenda. Es una forma de expresarse y de contar cómo vemos el mundo. Nunca es una verdad absoluta, por supuesto. Pero al menos tendríamos que poder decir que lo que captamos en la fotografía pasó. Sobre todo si nos dedicamos a la fotografía periodística.

La fotografía es la única manifestación artística que te obliga a estar presente en el sitio que inmortalizas. Al menos era así antes de la época digital, en la que los montajes no eran tan relativamente sencillos...

El tema es que la mentira en la fotografía, el montaje, está presente desde tiempo inmemorial. Pero es ahora, cuando todos tenemos una cámara, cuando es más fácil encontrar el fraude en este mundo. Y ya lleva tiempo sonando la alarma sobre la deriva en la que se está convirtiendo nuestra afición.

La supuesta realidad en el mundo de la fotografía

Cuando vemos una fotografía en un periódico confiamos en que nos cuente la verdad, lo que está pasando en el lugar de la noticia. O que el espectáculo natural que estamos viendo es real... Pero en algunos casos no es cierto. Y cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia.

Después de muchos años dando clases, viendo fotos y sobre todo hablando con fotógrafos que han tenido la suerte de viajar a los lugares más recónditos del mundo, me doy cuenta de que muchas de las imágenes que pueblan las redes son escenificadas. No hay ningún problema salvo que se avise. O a lo mejor no hace falta. Eso es lo que me gustaría saber. ¿Tienes que contar con pelos y señales cómo has hecho tu trabajo o no hace falta?

¿Esto hay que explicarlo si trabajas para la agencia Magnum?

Cada vez es más popular hacer viajes fotográficos en los que te llevan a los sitios más famosos del lugar en el mejor momento, a la hora perfecta. Y te enseñan cómo hacer la fotografía en cuestión que vemos colgada en todos los sitios. ¿O creéis de verdad que el pescador de cormoranes de barba blanca siempre está ahí con su farolillo esperando a que los peces lleguen? ¿A lo mejor está ahí para que los turistas le hagan unas fotos?

El pescador de cormoranes

¿De verdad creéis que los niños monjes están saltando siempre por los templos o que tienen la sana costumbre de pasear siempre con un elegante paraguas por las calles? ¿No es más probable que alguien les dé unas cuántas monedas para pasearse de semejante forma?

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En los carísimos viajes de una prestigiosa revista te llevan, junto con decenas de fotógrafos más, a los lugares más fotogénicos y recónditos del mundo. En principio vas de la mano de uno de sus importantes fotógrafos... La realidad es que te llevan a la hora indicada a los monumentos o paisajes y luego, si tienes suerte, te puede ver una foto dicho fotógrafo. La mayoría de las veces lo hacen sus ayudantes que solo te programan la cámara para que la técnica sea perfecta...

Parece que nadie tiene ya tiempo para experimentar. Solo lo tenemos para ganar dinero para comprar las mejores cámaras. Aprender es algo del pasado. Muchos aficionados no quieren saber quiénes son los fotógrafos del New Deal, quieren hacer la foto que han visto en las redes en el fin de semana que tienen libre.

Es otra forma, perfectamente válida, de entender la fotografía. Aquí lo importante es la técnica, conocer la receta para lograr algo que les gusta. Y aunque es una filosofía que no comparto, es buena si sirve para disfrutar. Sobre todo porque es pura afición.

El problema de la mentira en la fotografía

Pero todo esto se complica cuando vemos que los autores de las fotografías son profesionales. Y más todavía cuando entregan sus trabajos como periodísticos. Ahí está el matiz y el gran problema de la fotografía actual.

Cada uno puede hacer lo que quiera con su cámara y su ordenador. Pero si cobras por tu trabajo, si tu función es documentar la realidad tienes que partir de la honestidad. Un periodista escribe como ve la realidad, va al lugar del conflicto, encuentra fuentes y teclea las crónicas en cualquier habitación de hotel.

El fotoperiodista hace lo mismo. Pero habla con su cámara. Y sus lectores conocen lo que está pasando al lado de su casa o a mil kilómetros de distancia. Pero si escenifica la escena, igual que puede hacer un fotógrafo que no vive de sus disparos porque no se lo debe a nadie, está mintiendo.

Cómo me gustaría saber la historia real

Esto lo que pasa con un prestigioso fotógrafo que todos conocemos. Al parecer, después de descubrirse que en sus fotografías se borran objetos con la ayuda de sus becarios photoshoperos, dice que él nunca ha hecho fotoperiodismo sino fotografía de autor. Solo a partir de este momento cambió su forma de explicar a los demás este mundo.

Personalmente ha sido duro enterarse de que muchas de sus fotografías de la India, donde los hombres visten elegantes frente a un muro azul o en las que pulcros maquinistas llevan un tren de vapor delante del Taj Mahal, realmente podrían ser escenas preparadas, montadas y escenificadas, para ilustrar un libro turístico para promocionar la zona...

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El mundo no es perfecto pero los fotógrafos lo intentamos ver así. Al igual que cualquiera que quiera contar cómo ve las cosas que le rodean. Y se puede hacer de muchas formas. Pero enseñando todas nuestras armas. Y siendo sincero al mostrarlas.

Yo creo que todos nos sentiríamos decepcionados si viéramos a Jimmy Page tocando en play back... Pues así es como me siento yo ahora cuando veo las fotografías de Steve McCurry. Creía que era genial, ahora no lo sé.

“Invitar al público a experimentar desde otra perspectiva, fresca e íntima, la cautivadora belleza del ballet”; así define Brad Walls su proyecto ‘Ballerine de l'air’, una serie de fotografías realizadas desde el aire gracias a un dron que nos muestra esta manifestación artística de una manera poco convencional (pero muy estética).

A Brad ya os lo presentamos el verano pasado a propósito de un trabajo sobre piscinas, que también hizo con drones y con un evidente sentido minimalista. En esta ocasión, la idea surgió a partir de una foto clásica de 1935, 'Teacup ballet' de Olive Cotton, una imagen en donde el juego de la luz y la sombra consigue convertir unas tazas de té en casi en bailarinas.

'Teacup Ballet' de Olive Cotton. Foto compartida en Wikimedia Commons con licencia de dominio público.

Partiendo de esa imagen el autor empezó a explorar y a "fijar ideas en un tablero de inspiración virtual que consistía en sombras, formas y tutús". Y es que, tal y como nos cuenta, "la mayoría de la gente había visto escenas de ballet fotografiadas de forma tradicional, y aunque esas fotos son innegablemente hermosas, quería reescribir la composición, centrándome exclusivamente en las formas de este arte, potenciadas por la luz y las sombras."

Es decir, pretendía ofrecer una visión alternativa del ballet, algo que se ha convertido en la base de su trabajo; "sin embargo —continúa— había fotografiado a personas desde arriba, incluidos atletas olímpicos y modelos, y aunque esas tomas eran muy convincentes, sabía que combinar una forma de arte tan prestigiosa con una vista alternativa sería realmente una forma de mostrar lo mejor de mi arte”.

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Así que se puso en contacto con Montana Rubin, miembro del cuerpo de ballet del prestigioso Australian Ballet quien, por culpa de la pandemia, en ese momento no tenía ningún tipo de actuación. Por ello, la idea de Brad le pareció genial, convencida por la "estética limpia y la atención al detalle" de sus trabajos anteriores. Por este motivo, se mostró encantada de "ver cómo nuestros dos mundos podrían encajar [...] El punto de vista único de Brad también me dio la oportunidad de ver mi forma de arte literalmente desde una perspectiva diferente”.

Para llevar a cabo las fotos, que por cierto salieron a la luz el pasado 29 de octubre, Día Mundial del Ballet se usaron dos localizaciones. La primera fue un almacén con suelos de hormigón, "que contrastaban con los suaves movimientos de las bailarinas", y la segunda un espacio para eventos privados con pintorescos mosaicos en el suelo, "que complementaban la estética visual del tutú de la bailarina".

En estos espacios Brad capturó a Rubin en una serie de posiciones de ballet tradicionales, y también experimentó con algunas no tradicionales, especialmente ideadas para las tomas aéreas. “Era imperativo rendir homenaje al arte del ballet y, al mismo tiempo, añadir un giro nuevo y moderno que incorporaba posiciones y formas que fueran más allá de la forma de arte tradicional”, concluye Walls. El resultado, como estáis viendo, es de lo más estético y original ¿no os parece?

Brad Walls | Página web | Instagram

Fotografías de Brad Walls reproducidas con permiso del autor para este artículo

“Originalidad, experimentación e imaginación” son las tres premisas del certamen Siena Creative Photo Awards, un concurso que fomenta el uso creativo del medio fotográfico en todas sus formas y cuyos premios nos muestran un puñado de imágenes espectaculares.

Se trata de un proyecto del concurso internacional Siena Photo Awards, dedicado a premiar la originalidad, la experimentación y la imaginación al fomentar el uso creativo del medio de fotografía en todas sus formas: “Buscamos artistas y almas únicas que respiren y vivan por la creatividad” dice la organización de este concurso (vinculado a los Siena International Photo Awards) que busca fotógrafos que experimenten con diferentes técnicas o enfoques creativos sin limitación.

'Shadow of Sin' de Hasan Rahmani, finalista en categoría Conceptual de los Siena Creative Photo Awards 2020

Se trata de premiar a quienes hacen realidad sus ideas más creativas, incluidas las abstractas y conceptuales, sin limitaciones técnicas: “Todos son libres de usar cualquier técnica. Solo el efecto final cuenta. Rompemos todas las reglas y queremos que las rompas con nosotros creando nuevas tendencias en el arte […] Lo que importa es su visión única y sus habilidades para traducir esa visión en un trabajo excepcional y original”.

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Cómo presentarse a un concurso de fotografía

Tan original como la foto que habeís visto en portada y que fue la ganadora absoluta del certamen. Se titula ‘Ping Pong Training’, es obra del indonesio Hardijanto Budiman y muestra un entrenamiento del deporte favorito del artista reinterpretado a través de su visión creativa.

'A Pencil Worker' de Leka Huie, tercer puesto en categoría Product de los Siena Creative Photo Awards 2020

Pero esta sólo es una de las deslumbrantes imágenes premiadas de las aproximadamente 24 mil, de un centenar de países diferentes, que se presentaron a concurso en 16 categorías. Como casi siempre, os dejamos con las principales premiadas (las ganadoras y subcampeonas de cada una de las categorías) y os recomendamos una visita a la web para ver más llamativas fotografías.

Premiados en los Siena Creative Photo Awards

Photo of the year: ‘Ping Pong Training’ de Hardijanto Budiman

Categoría Conceptual:

Ganador: Ralph Gräf por ‘The Observing Collective’:

Subcampeón: Dasha Art por ‘Geometry’:

Categoría Abstract:

Ganador: Stephen Hayes por ‘Rush’:

Subcampeón: Alexandru Crișan por ‘City of Depraved Souls’:

Categoría Nature & Landscape:

Ganador: Robert Lie por ‘Morning View in Situ Patenggang’:

Subcampeón: George Digalakis por ‘Winter Bird’:

Categoría Nudes:

Ganador: Paul Veron (Amazilia Photography) por ‘Body Ballet’:

Subcampeón: Elena Litvinova por ‘Primavera’:

Categoría Wedding:

Ganador: Gianfranco Bernardo por ‘Wedding Dress’:

Subcampeón: Fabio Mirulla por ‘Family Love’:

Categoría Architecture:

Ganador: Mohammed Shajahan por ‘Qurantain Life’:

Subcampeón: Ibrahim Salah por ‘Bozell’:

Categoría Animals/Pets:

Ganador: Pedro Jarque Krebs por ‘Arctic Wolf’:

Subcampeón: Hardijanto Budiman por ‘Who Owns The Fish’:

Categoría Portraiture:

Ganador: Carloman Macidiano Céspedes Riojas por ‘The Same Sky’:

Subcampeón: Justine Tjallinks por ‘The Sisters’:

Categoría Still life:

Ganador: Boyz Bieber por ‘Synthetic Seas’:

Subcampeón: Cosimo Barletta - Mayda Mason por ‘Italian Pasta’:

Categoría Experimental:

Ganadora: Gloria Marco Munuera por ‘Ashes’:

Subcampeón: Hardijanto Budiman por ‘Hiroshima’:

Categoría Open theme:

Ganador: Mikhail Potapov por ‘ArtWork’:

Subcampeón: Hardijanto Budiman por ‘Lost in Spaces’:

Categoría Beauty:

Ganador: Fang Liu por ‘Shanghai Image’:

Subcampeón: Bodo Gebhardt por ‘Denisa’:

Categoría Fashion:

Ganador: Peyman Naderi por ‘Amadeus’:

Subcampeón: Jaime Travezán por ‘Fashion Campaign’:

Categoría Product:

Ganador: Andre Boto por ‘Car’:

Subcampeón: John Grusd por ‘Speed Freak’:

Categoría Food&Beverage:

Ganador: Elena Otvodenko por ‘Black on Black’:

Subcampeón: Cosimo Barletta - Mayda Mason por ‘Orange and Blue’:

Categoría Series:

Ganador: Cara Louwman por ‘ROOTING - becoming roots’:

Subcampeón: Mohammad Rakibul Hasan por ‘The Last Savings’:

Más información y fotos | Siena Creative Photo Awards

Foto de portada | ‘Ping Pong Training’ de Hardijanto Budiman. Photo of The Year en los Siena Creative Photo Awards 2020

Una vez más os ofrecemos los resultados de un concurso internacional de fotografía, en este caso del Fine Art Photography Awards (FAPA), un certamen anual de origen norteamericano que pretende premiar la fotografía artística y descubrir talentos emergentes de todo el mundo.

Se trata de la sexta edición de un concurso que busca “artistas y almas únicas que respiren y vivan para la creatividad”. Y lo hacen en (nada menos que) veinte categorías distintas que, además, se desdoblan entre al apartado dedicado a los profesionales y el de los amateurs. A todas ellas se presentaron este año 4300 imágenes provenientes de 89 países de todo el mundo.

'Modern farm' de Carlos Morales Rodríguez. Genador en categoría 'Amateur/Arquitecture' de los FAPA

Unos números que no están nada mal, como tampoco lo está el premio principal que consiste en tres mil dólares en metálico, además del título ‘Professional Fine Art Photographer of the Year’, Honor que fue a parar este año a la holandesa Ewa Cwikla por la foto ‘Candy Smoke’.

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Estas son las imágenes ganadoras del World Press Photo 2020 y las fotos periodísticas más impactantes del año

Tampoco está mal el premio que se lleva el ganador en la competición de aficionados: tres mil dólares, más el título ‘Amateur Fine Art Photographer of the Year’, que fueron a parar a la griega Ioanna Natsikou por la imagen titulada ‘Interlude in Blue’ que habéis visto en portada.

Por lo demás, destacar los españoles que han sido premiados: Joaquín Luna y Miguel Monasterio, ganadores en las categorías profesionales Street Photography y Fine Art (respectivamente), y a Carlos Morales Rodríguez por vencer en en categoría Amateur/Arquitecture. Como siempre, les felicitamos y os dejamos con algunas de las fotos ganadoras, emplazando a su web para ver muchas más.

Ganadores Fine Art Photography Awards

‘Professional Fine Art Photographer of the Year’: Ewa Cwikla por ‘Candy Smoke’:

‘Amateur Fine Art Photographer of the Year’: Ioanna Natsikou por ‘Interlude in Blue’:

Categoría Abstract

Ganador: Randy Fullbright

Subcampeón: Songquan Deng

Tercer puesto: Tom Putt

Categoría Architecture

Ganador: Tom Leighton

Subcampeón: Luca Taukert

Tercer puesto: Masaya Akamatsu

Categoría Cityscape

Ganador: Marcin Giba

Subcampeón: Manna Young

Tercer puesto: Vitaly Golovatyuk

Categoría Conceptual

Ganador: Ewa Cwikla

Subcampeón: Natalie Karpushenko

Tercer puesto: Ali Ghafouri

Categoría Fashion

Ganador: Tonya Polskaya

Subcampeón: Natalia Pipkina

Tercer puesto: Katherine Brook

Categoría Fine Art

Ganador: Miguel Monasterio

Subcampeón: Dasha Pears

Tercer puesto: Anna Buczek

Categoría Landscape

Ganador: Deryk Baumgärtner

Subcampeón: Robert Canis

Tercer puesto: Patrick Ems

Categoría Nature

Ganador: Kevin Krautgartner

Subcampeón: Draco Wong

Tercer puesto: Maja Strgar Kurecic

Categoría Night Photography

Ganador: Dean McLeod

Subcampeón: Miller Yao

Tercer puesto: Jan Šmíd

Categoría Nudes

Ganador: Mati Gelman

Subcampeón: Sergey Afanasiev

Tercer puesto: Adrián Markis

Categoría Open Theme

Ganador: Shira Gutgold

Subcampeón: Michelle Caron-Pawlowsky

Tercer puesto: Mauro Serra

Categoría Panoramic

Ganador: Tom Putt

Subcampeón: Craig Bill

Tercer puesto: Jan Šmíd

Categoría People

Ganador: Ted Lau

Subcampeón: Roguet Philippe

Tercer puesto: Roberto Salgo

Categoría Photojournalism

Ganador: Lucas Urenda

Subcampeón: Czuko Williams

Tercer puesto: Ada Trillo

Categoría Photomanipulation

Ganador: Nick Pedersen

Subcampeón: Lillian Liu

Tercer puesto: Yong Lin Tan

Categoría Portrait

Ganador: Roberto Ricci d`Andonno

Subcampeón: Peyman Naderi

Tercer puesto: Karolina Pyrek

Categoría Seascape

Ganador: Philippe Marchand

Subcampeón: Paolo Lazzarotti

Tercer puesto: Frank Peters

Categoría Street Photography

Ganador: Joaquín Luna

Subcampeón: Leng UNG

Tercer puesto: Lionel Hug

Categoría Travel

Ganador: Donell Gumiran

Subcampeón: Xiao Yi Sun

Tercer puesto: Pygmalion Karatzas

Categoría Wildlife/Animals

Ganador: Nadia Aly

Subcampeón: Francesca Ciri Capra

Tercer puesto: Hannah Assil

Más información y fotos | FAPA 2020

Foto de portada | ‘Interlude in Blue’ de Ioanna Natsikou, Amateur Fine Art Photographer of the Year en los FAPA

Promoción del arte sigue ofreciendo material para fotógrafos enfocados al sector artístico, en esta ocasión pone al alcance de todos una guía que formó parte del taller que Castro Prieto y Chema Conesa impartieron hace unos meses. En dicho curso quisieron promocionar el trabajo de jóvenes autores guiándoles en el desarrollo de sus proyectos personales.

La guía para proyectos fotógrafos recoge, en apenas menos de 20 folios, los puntos claves para que un fotógrafo pueda dar salida a su obra. Ya hemos hablado en diversas ocasiones sobre los distintos formatos con los que podemos presentar nuestras series fotográficas, los cuales vienen también señalados en el pdf que se ha puesto a disposición del público en la red.

[...] la Guía para proyectos fotográficos, escrita por Juan Manuel Castro Prieto y Chema Conesa, se ofrece como una herramienta más para el ámbito de la fotografía, una publicación donde se exponen diversos aspectos sobre los que reflexionar a la hora de abordar el desarrollo o puesta en marcha de un proyecto fotográfico.

A través de conceptos como el desarrollo de una idea, las preguntas que nos hacemos sobre el soporte fotográfico que queremos generar y el soporte formal materializado en fotolibro, portfolio e internet, se explican de manera concisa dichos aspectos que, a nivel general, pueden ayudarnos a comprender mejor cómo un fotógrafo gestiona su trabajo y cómo nosotros también podemos abordarlo.

La guía está disponible a través de la web del Ministerio de Cultura y ofrece textos tan interesantes para tener en cuenta como los que adjuntamos a continuación. Por ejemplo sobre la diferencia entre elegir trabajar en analógico o en formato digital. O sobre cuestiones tan obvias que no todo el mundo tiene en cuenta a la hora de presentar un portfolio.

Digamos que de alguna forma la fotografía digital obliga de alguna manera a intervenir en postproduc ción de forma más activa que si empleamos la fotografía analógica, puesto que esta ya nos da claves estéticas más firmes y asentadas según cada producto empleado. Aun así, es evidente que también la fotografía analógica termina atravesando una digitalización en el proceso de difusión, por lo que también es factible de intervención a posterior.

No es conveniente mezclar géneros fotográficos en el mismo portfolio, no vale mezclar reportaje, retrato, paisaje y desnudo o moda como en paella. Funciona mucho mejor enseñar una o dos vertientes del trabajo en fotos o folletos separados y claramente diferenciados.

Todo ello para terminar con un párrafo muy significativo sobre que lo complicado es el hecho de tener algo que decir, que en conclusión es ese discurso que separa a los que simplemente hacen fotos de los que exponen en lugares de relevancia porque han creado una teoría que funciona.

En definitiva, todos somos capaces de fotografiar, lo que es más complicado es tener algo que decir sobre cualquier tema de forma relevante. En definitiva solo una mente interesante puede producir fotografías interesantes, y solo alguien con voz propia puede desarrollar un proyecto continuado.

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Stephen McMennamy es el nombre del responsable de 'ComboPhoto', un divertido proyecto que nos propone jugar con la estética de las fotografías para, a través de dípticos, combinarlas y crear yuxtaposiciones que llaman poderosamente nuestra atención.

El poder de combinar dos fotografías

No es difícil adivinar que las fotografías de Stephen no son difíciles de realizar, sino que la dificulad la encierra principalmente encontrar y yuxtaponer dos elementos parecidos. A través de un par de fotografías y un toque de Photoshop, McMennamy es capaz de abstraernos y divertirnos con sus fotografías. Si nos apetece seguir investigando el trabajo de Stephen, podemos echar un ojo a ComboPhotoFail, donde ha colgado versiones alternativas y 'caras b' de algunas de sus fotografías.

Sitio Oficial | Stephen McMennamy en Instagram

Fotografía de portada | Stephen McMennamy en Tumblr