Han pasado 20 años de 'Amelie', una de las películas más odiadas y amadas por todo el público. Su visión no admite un punto medio. O te encanta o la condenarías al fuego eterno y a todos sus seguidores. 'Amelie' destaca por muchas cosas, como el guion y la música, pero la fotografía de Bruno Delbonnel es lo que nos marcó a todos.

Es una película que me gusta, no lo puedo negar. La verdad que me ha dado vértigo darme cuenta de que ya han pasado 20 años desde que la vi por primera vez. Fui al cine porque el universo del director me encantaba desde que descubrí 'Delicatessen' (1991). Y quería ver más después de 'La ciudad de los niños perdidos'(1995) y 'Alien resurreccion' (1997).

La propuesta me enganchó desde el primer fotograma. El guion puede levantar ciertos recelos por la inocencia de la propuesta. Pero cada fotograma es una obra maestra de la composición y del color. El trabajo del director de fotografía es irreprochable plano por plano.

Y eso es lo que vamos a analizar. En cierta manera su trabajo recuerda a la forma de trabajar de Vittorio Storaro, el maestro italiano que utilizó el color para entender la evolución de los personajes.

La magia de la fotografía de 'Amelie'

'Amelie' es la historia de una mujer que, tras un hecho fortuito -encontrar una caja escondida de un niño en el momento en el que comunican la muerte de lady Di-, decide dedicar su vida a hacer el bien a los demás. El problema es que, como todos nosotros, primero tiene que tratar de arreglar su vida.

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A lo largo de todo el metraje la fotografía está muy presente, porque ella de pequeña tiene una cámara que cree que provoca accidentes. Y el amor de su vida es un coleccionista convulsivo de imágenes perdidas de fotomatón. Y aparece un enano de jardín que viaja por todo el mundo con una polaroid para contar su periplo.

Pero la dirección de fotografía es una maravilla y es la que consigue llevarnos de la mano plano tras plano. Una profesora una vez nos dijo que cada fotograma de la película es una obra de arte por sí solo.

El director de fotografía Bruno Delbonnel consiguió fama y notoriedad con este trabajo. Así llego a Hollywood para trabajar con los hermanos Coen ('La balada de Buster Scruggs') o el mismo Tim Burton en 'Big Eyes' o 'Sombras tenebrosas'.

¿El color de la esperanza?

El color es el protagonista absoluto. La paleta de colores, basada en los rojos y los verdes (dos complementarios en el círculo cromático), viene de una técnica que se llevaba mucho en los tiempos de los carretes, que era revelar las diapositivas con los químicos de los negativos de color.

Además, como Storaro, se sirve de lo que expresan estos colores para orientar al espectador. La esperanza, la alegría y la pasión se expresan gracias a los tonos elegidos en cada momento.

Toda la película destaca por el uso de la luz suave, gracias a la difusión tan grande de los enormes focos que utilizó para lograr ese contraste suave en el que los personajes parecen irradiar luminosidad, sobre todo la protagonista

Los encuadres de 'Amelie'

Además, tenemos que valorar el encuadre de cada una de las escenas. Gracias al manejo de la cámara por parte del director de fotografía, la historia vive a pesar de las dos horas de duración. Los movimientos de cámara, los encuadres llamativos y los juegos simétricos nos ayudan a fijarnos una y otra vez en la narración.

Como podemos ver en este vídeo, la simetría está presente en todo momento, desde que la cámara está fija en el rostro de un personaje hasta los momentos en los que inicia un travelling. Si te gusta el cine seguro que esta forma de elegir los planos te recuerda a uno de los directores más importantes de la historia: Stanley Kubrick.

El uso de la simetría y el color en un solo fotograma

Efectivamente, Stanley Kubrick, un gran fotógrafo también, dejó como seña de identidad los planos simétricos para conjugar la narrativa de la historia con el poder visual del cine. Y es una forma de mirar que está presente en 'Amelie' y en todo el cine de Wes Anderson, por poner un ejemplo más actual.

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Mucha gente no soporta esta película. Pero seguro que si tratan de olvidarse de la historia y se centran en cada uno de los momentos desde el punto de vista fotográfico, descubrirán otra forma de verla. Y seguro que cambia su percepción. Han pasado 20 años, seguro que merece una oportunidad ¿Qué pensáis?

Los que amamos la fotografía estamos en racha si nos fijamos en el mundo del cine. De nuevo tenemos a una fotógrafa de protagonista en otra película española. En este caso nos encontramos con 'Chavalas', de Carol Rodríguez Colás, que podremos ver en los cines a partir del 3 de septiembre.

Hace poco hablábamos del papel de Penélope Cruz en la última de Almodóvar. Ahora nos encontramos con una opera prima en la que la protagonista es una fotógrafa que tiene que volver a su barrio de toda la vida después de intentar triunfar en el mundo de la imagen.

Marta es una chica de barrio que reniega con vergüenza de su pasado y que debe enfrentarse a la realidad. Estamos ante una comedia que ha ganado el Premio del Público del último festival de Málaga. Y esto seguro que es una garantía para disfrutar en el cine y olvidarnos durante un rato de nuestros problemas.

Afortunadamente no vamos a encontrar los tópicos de siempre que tantas veces hemos visto en las series, películas y videos musicales sobre la vida en el extrarradio de las grandes ciudades.

La fotografía en 'Chavalas'

Como podemos leer en la página de la Academia de Cine:

Marta, Desi, Soraya y Bea, amigas inseparables en la adolescencia, vuelven a reencontrarse en el barrio para revivir una auténtica y tragicómica amistad. Una realidad que las obligará a enfrentarse a aquellas adolescentes que fueron y a las mujeres que quieren ser. Casi sin darse cuenta, se ayudarán a tomar decisiones importantes en sus vidas. El paso del tiempo y lo distintas que son no será excusa para que su amistad prevalezca sobre todo lo demás.

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La protagonista, Vicky Luengo ('Antidisturbios') pierde su trabajo y tiene que volver a casa de sus padres. Ella es fotógrafa y no ha logrado triunfar. Aparentemente ha cambiado y ya no se ve parte del barrio.

Pero no le queda más remedio que aceptarlo y volver a levantarse. Ella, que creía que iba a comerse el mundo, parece que le cuesta aceptar trabajar como fotógrafa de bodas, bautizos y comuniones en la tienda de un personaje interpretado por José Mota.

Fotograma del tráiler

Por lo que se adivina en el tráiler entran, en clave de comedia, en muchas de las facetas de la fotografía, como la dificultad de triunfar, la difícil cruz de los proyectos y los visionados o el mundo de las bodas, bautizos y comuniones.

Una nueva comedia con fotógrafos

Parece que está más cercana a aquella maravilla que era 'Barrio' (1998) o 'El bola' (2000) que a esa serie que vino después de '7 vidas', 'Aída'.

Es la primera película de Carol Rodríguez Colás. De hecho, después de leer una entrevista en la revista 'Fotogramas', nos encontramos con una película que tira mucho de notas de su vida. Nació y se crio en el barrio de Cornellá. Se licenció en Comunicación Audiovisual y ha ganado premios con sus series fotográficas, dedicadas a la vida en el barrio.

Fotograma del tráiler

De hecho el guion de la película está firmado por su hermana Marina, lo que convierte a esta película en una fuente inagotable de recuerdos para los que han nacido fuera del centro de las grandes ciudades. Y de paso, una buena manera de mirar de otra forma a la fotografía...

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Porque no hay nada tan triste como no poder reírse de uno mismo... Y para muchos de los que van con la cámara al hombro será un buen motivo para no tomarse tanto en serio. El día 3 de septiembre intentaré estar al lado de una taquilla para ser feliz.

Ayer llovió mucho y como no podíamos salir a dar una vuelta nos quedamos viendo 'El resplandor' de Stanley Kubrick. El concepto de terror ha cambiado. Yo no aguanto los pasillos de los hoteles por esta película pero las nuevas generaciones la ven de otra forma. Para superar mis miedos me fije mucho en las cámaras y las fotos que aparecen, además del tema técnico. Así que vamos a olvidarnos del miedo y centrarnos en lo que la fotografía aporta a la historia de terror por excelencia.

'El resplandor' (1980) de Stanley Kubrick es la respuesta del genio del Bronx al fracaso comercial de 'Barry Lyndon'. Quería contar una historia de miedo habitada por fantasmas. Quería sentar las bases del terror como hizo con la ciencia ficción en '2001. Odisea en el espacio' (1968).

El mítico director de cine fue también uno de los fotógrafos más interesantes a finales de los años 40. No podemos olvidar que entró en la plantilla de la revista 'Look' con 16 años. Así que esa educación visual está presente en todas sus películas.

De hecho, John Alcott, el mítico director de fotografía, con el que hizo cuatro películas, dijo una vez que Kubrick:

... lo cuestionaba todo y se involucraba en los aspectos técnicos de la producción, incluidos la posición de la cámara, la composición de la escena, la selección de lentes... e incluso llegaba a operar él mismo la cámara. Era la cosa más parecida a un genio con la que he trabajado nunca, con todos los problemas que un genio conlleva...

Siempre amó a la fotografía. Y en la película de 'El resplandor' hay muchos detalles que solo podía tener alguien que había vivido con la cámara de fotos al hombro. Así que vamos a inspeccionar la película para encontrar esos momentos.

La importancia de la fotografía en 'El resplandor'

Todos los que amamos esta película hemos leído y visto decenas de artículos donde se analizan todos los aspectos técnicos que hicieron posible semejante maravilla.

Que si fue una de las primeras películas en las que se utilizaron con fluidez los movimientos de la Steadicam, el nuevo invento de Garrett Brown; que si la importancia de la simetría en muchos planos, la utilización de la luz en una película de terror y el color rojo como presencia constante del horror.

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Todo tiene sentido en cada uno de los planos. Por este motivo muchos quieren ver cosas que probablemente ni el mismo Kubrick llegó a pensar, como referencias encubiertas a la llegada del hombre a la luna o que en realidad es una denuncia sobre el infierno nazi...

Kubrick y Nicholson

La película, aunque tiene el sello de Kubrick, prescinde de algunas de sus características señas fotográficas, como el uso y abuso del angular y del zoom. Se limita, por ejemplo, a hacer dos planos para acercarse el rostro de Jack cuando destroza la puerta con el hacha.

Y frente al naturalismo de 'Barry Lyndon', en 'El resplandor' John Alcott abusó de luces artificiales, debidamente justificadas, para que en todo momento la luz fuera protagonista absoluta:

Por ejemplo, en el salón principal y el salón de baile había candelabros de 25 luces que contenían lámparas FEP de 1000 vatios y 240 voltios (las mismas lámparas que se utilizan en las Lowel-Lights). Cada cinco de las lámparas estaban conectadas a un atenuador de 5 kilovatios, de modo que podía ajustar cada lámpara de araña a cualquier configuración que deseara, y todo esto se hizo desde un tablero de control central fuera del escenario. Los pasillos de servicio, que estaban fuera del vestíbulo del hotel y del salón principal, estaban iluminados con tubos fluorescentes.

Hasta entonces el terror siempre estaba lleno de sombras y oscuridad. Y aquí por primera vez se ve con todo lujo de detalles. No hay efectos especiales salvo el plano en el que se ve la mesa de trabajo de Jack en el tramo del Sábado. Primero se rodó toda la sala totalmente iluminada, luego se apagaron las luces y se encendió el fuego y se pasó dos veces la película por la Arriflex 35 BL que se utilizó.

Y por supuesto, en un artículo como este, debería hablarse profusamente de las escenas rodadas con Steadicam con el niño recorriendo el hotel con su triciclo. Como era muy cansado seguirle, el propio director diseñó una silla de ruedas para Garrett Brown, con diversas plataformas y artilugios para tumbarse en ella o colocar más elementos.

El papel de la fotografía en la historia de 'El resplandor'

En el guion de 'El resplandor' la fotografía aparece varias veces. Es cuestión de estar atento y haber visto la película varias veces para percatarse. Lo ideal sería verla en una pantalla gigantesca en el cine, pero los que puedan la verán en sus pantallas 4K de sus casas para poder fijarse en más cosas.

Las gemelas Grady son un homenaje a Diane Arbus

Diane Arbus, una de las mejores fotógrafas de la historia, estudió con Stanley Kubrick y se hicieron amigos. Ella se suicidó en 1971 y él no dudó en homenajearla en esta película de fantasmas inspirándose en la fotografía 'Identical Twins, Roselle, New Jersey, 1967'.

Las temidas gemelas

Las niñas de la película (una de mis pesadillas juveniles) posan igual que las gemelas de Arbus. No llevan los mismos trajes porque no son de la misma época. Pero con su mirada logran crear una sensación de desasosiego que nos acompaña durante todo el metraje.

El hotel está lleno de fotografías

Al principio de la película cuentan que se construyó en 1907 en los terrenos de un cementerio indio. Es tierra sagrada. Todo estará maldito e inspirará a otros clásicos como 'Poltergeist' (1982). Y las paredes del edificio están plagadas de fotografías.

Los pasillos aterradores

Y puede que sea otra teoría alocada, pero algunos nativos del continente americano estaban convencidos de que las cámaras robaban el alma, según cuentan las crónicas y la historia del etnógrafo Guido Boggiani. ¿Puede que todos los fantasmas que vemos vivan realmente en esas pequeñas fotos que pueblan literalmente las paredes del hotel?

Wendy lleva colgada una Polaroid cuando recorre el laberinto

Aquí podemos leer muchas teorías, referencias al mito de Minotauro. La madre y el hijo se adentran en el laberinto del hotel, tan importante para el final de la historia. Y tan diferente a lo que podemos leer en la novela original de Stephen King.

El laberinto

Durante el trayecto, ella lleva una cámara Polaroid blanca que no utiliza nunca. Además no vuelve a aparecer en todo el metraje. Podría haberla utilizado para no perderse...

En el hotel hay una exposición de fotografías

Cuando volví a ver la película me fijé en un cartel en el que nunca había caído. Aparece en dos lugares distintos. Anuncia una exposición de fotografía. No sé si alguien podrá verlo con más claridad en una pantalla 4K pero en él podemos leer claramente 'Camera walk'.

Lo vemos cuando les enseñan el hotel el primer día que llegan y momentos antes de que Wendy descubra que Jack se ha vuelto definitivamente loco cuando lee su novela y su famosa frase:

'All work and no play makes Jack a dull boy' (Trabajar y no jugar hacen de Jack un chico aburrido)

Hace referencia a una exposición de fotografías dentro del hotel o puede que sea una salida fotográfica por los alrededores del hotel, una de las actividades que se pueden hacer en esos lugares... Seguro que se puede leer con más detalle pero por ahora seguirá en el misterio...

La fotografía final

Es uno de los grandes misterios de la película... Al final vemos otra pared llena de fotografías y con un travelling vemos con detalle una fotografía en la que aparece Jack.

Poco a poco se acerca y nos llevamos la sorpresa de la fecha. El 4 de julio de 1921. ¿Qué es lo que pasa? La historia se desarrolla en los años 80, los fantasmas parecen de los años 20. ¿A pesar de su fracaso lo han aceptado como uno de los suyos?

La fotografía final

La fotografía original la encontraron publicada en un libro de 1985 llamado 'The Complete Airbrush and Photo-Retouching Manual' y es de 1923.

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Seguro que se pueden encontrar más cosas que relacionen nuestra pasión con la película. Incluso nos podríamos poner a hablar de los espejos como imagen... Pero lo que está claro es que 'El resplandor' es una de los mejores filmes de la historia y que la fotografía es uno de sus misterios.

Era uno de los mejores directores de fotografía de la historia. Está detrás de algunos de los títulos más importantes de Fellini, como 'Amarcord'; y de Visconti, con quien rodó 'Rocco y sus hermanos' o 'El gatopardo'. También rodó una de las mejores películas de la historia 'All that jazz' de Bob Fosse. Ha muerto esta semana con 97 años y desde Xataka Foto queremos recordar su mirada.

Los buenos directores de fotografía son capaces de dar forma a la imaginación de los directores. Cuando la comunión es perfecta, las películas perduran en la historia. 'El gatopardo' de Visconti, 'Amarcord' de Fellini y por supuesto 'All that jazz' de Bob Fosse son películas que los cinéfilos tenemos guardadas en nuestras retinas.

¿Quién no recuerda el baile bajo la niebla de los amigos que sueñan con tener una novia? ¿El baile de Burt Lancaster en la sala de los Espejos de un palacio de Palermo? ¿Las coreografías del espectáculo de Broadway que nunca se llega a realizar? Solo por estos planos todos los amantes de la fotografía deberíamos recordar la figura de Giuseppe Rotunno.

Con su querido Fellini

Estuvo nominado al Oscar por la película de Bob Fosse; ganó un premio BAFTA, dos David de Donatello, participó en 13 películas presentadas en el festival de Cannes... Un verdadero profesional que empezó desde abajo hasta llegar a codearse con los grandes maestros europeos y estadounidenses.

Vida y obra de Giuseppe Rotunno

Nació el 19 de marzo de 1923 en la ciudad de Roma. Entró muy joven a trabajar en los famosos estudios Cinecittá de la capital italiana pero le sorprendió la II Guerra Mundial. Fue reclutado para trabajar como reportero en Grecia pero en 1943 cayó prisionero de los alemanes. Fue liberado por los estadounidenses en 1945.

Volvió a los estudios y logró ser director de fotografía en 1955. Desde entonces no paró de colaborar con diversos directores italianos. Llegó a filmar cinco películas con Luchino Visconti y siete con Federico Fellini. Su fama llegó a oídos de la industria de Hollywood, donde rodó con John Houston, Robert Altman o Mike Nichols.

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No recibió muchos premios pero fue reconocido por uno de los mejores directores italianos de la historia a la altura de Tonino Delli Colli o el gran Vittorio Storaro. Como curiosidad una de sus labores más reconocidas es la restauración de algunas de las obras maestras del cine italiano como la ya nombrada 'El gatopardo' o 'Roma' de Fellini.

Como ocurre muchas veces entró en el cine por necesidad. Al morir su padre no tuvo más remedio que buscar trabajo en la Italia fascista y solo encontró un puesto de ayudante de laboratorio en los míticos Cinecittá. Allí le dejaron una Leica para experimentar qué era eso de la fotografía en sus ratos libres. Y se enganchó a la luz para siempre.

Y era tan bueno que enseguida ascendió y se pudo colocar como operador de cámara. Pero la guerra retrasó su progresión en el oficio. No volvió a trabajar en este mundo hasta hasta los años cincuenta. Y logró el puesto de director de fotografía por la muerte de uno de sus maestros, Aldo Graziati, mientras rodaba 'Senso' de Visconti. El director apostó por él para terminar la película.

Y confió en él desde entonces. Visconti le enseñó todo lo que sabía, como grabar con tres cámaras a la vez para tener ángulos distintos y no perder la intensidad de la interpretación con los continuos cortes para cambiar el plano (es algo muy útil pero que solo se podía hacer en grandes producciones). Además obligaba a trabajar con pocas luces.

La vida con Fellini

Esta es la colaboración que más se recuerda. Es curioso porque Fellini siempre había sido muy teatral y Rotunno más documental por todo lo que había aprendido de Visconti. Pero se terminaron entendiendo a la perfección. Al final colaboraron en 7 películas: 'Satyircon', 'Roma', 'Casanova'... y sobre todo una de mis películas favoritas del director italiano 'Amarcord'.

Es un homenaje a los primeros años de Fellini en su pueblo natal. Un universo que casi parece mágico lleno de historias imposibles con personajes indescriptibles con un trasfondo real. Es un canto al tiempo ido lleno de melancolía. Y la fotografía acompaña en todo momento.

Es el ejemplo perfecto del director de fotografía que se adapta a la visión del director. Un profesional que hace a la perfección lo que le mandan, sin dejar aparentemente una marca personal. Es decir, lo contrario de Storaro, por poner un ejemplo claro como el agua.

Una de las frases que mejor define su trabajo lo podemos encontrar en la entrevista que le hicieron en 'American cinematographer' en 1999:

Tienes la luz clave, la luz de relleno y la luz de fondo, con las que puedes crear infinidad de resultados. La luz es como un caleidoscopio, pero esas tres luces mezcladas son más delicadas que el caleidoscopio. Es difícil preguntarle a un pintor ¿Cómo pintaste el cuadro? Yo voy con mis ojos y mi intuición. Me gusta mucho la luz y no puedo parar. Cuando filmaba con Fellini, siempre estaba iluminando la siguiente toma, porque tenía miedo de perder la idea de la luz.

La vida después de Fellini

Trabajar con el maestro le abrió las puertas de Hollywood. Y puede que le permitiera rodar la que es su mejor película. 'All that jazz' o 'Empieza el espectáculo' de Bob Fosse, uno de los mejores musicales de la historia del cine.

Una película casi autobiográfica del propio director que recurre al truco felliniano de escenificar su pensamiento. No vemos sus ideas sino que representa sus pensamientos. Nos permite entrar dentro de su cabeza. Y Rotunno consigue recrear como nadie las luces de la cabeza de Fosse, en un momento en el que estaba extenuado por el trabajo de crear el musical 'Chicago' y su película 'Lenny'.

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La fotografía de esta película es puro teatro, auténtico musical. Vemos más allá del escenario. La luz cambia según estemos dentro o fuera de la cabeza de J. Gideon. Y es posible por el talento de Giuseppe Rotunno. Es un maestro al que podemos recordar siempre gracias a sus películas. Descanse en paz.

El pasado martes salimos de dudas y conocimos a los nominados a los Oscar 2019. La entrega de premios será dentro de un mes y conoceremos entonces quiénes se llevan el gato al agua. Las favoritas son 'Roma' y 'La favorita' con diez nominaciones. Como no podía ser de otra forma estas dos películas tienen su respectiva nominación a la mejor fotografía. Vamos a conocer a las nominadas para 2019 en este apartado.

Siempre digo que las buenas películas tienen una buena imagen por definición. Es una condición sine qua non. Es difícil encontrar una película inolvidable con una mala fotografía. Es lo que se nos queda en el recuerdo. Hace poco hablamos de las películas que tienen la mejor fotografía a juicio de los propios profesionales. Y todas son estudiadas en las escuelas de cine como monumentos.

Siempre insistiré que la fotografía debería ser uno de los premios más importantes, a la altura de los clásicos cinco: Película, Director, Actor, Actriz y Guion. Se considera un mero reconocimiento técnico más que una parte fundamental. Pero creo que si nos vemos de nuevo las mejores películas de la historia, la imagen siempre será sobresaliente para comunicar la idea que tuvo el director.

Roma

Este año creo que es la primera vez en mucho tiempo (desde los tiempos de la época clásica del blanco y negro) que al menos dos películas nominadas huyen del color para contar una historia: 'Roma' y 'Cold War' quedarán para siempre en nuestra retina como dos trabajos perfectos a la altura de 'La noche del cazador' o 'La lista de Schindler'.

'Cold war'

Yo ya tengo mi favorita. Y espero que el día de la entrega reciba el merecido premio. Pero nunca se sabe. Todo depende del jurado, de la promoción y de tantas cosas que hay veces que se premia todo lo que está alrededor más que el propio trabajo. Ya veremos qué pasa, pero hasta entonces vamos a conocer a los nominados.

Películas nominadas a la mejor fotografía

Seguro que no está la que esperabas, o te indigna ver que una que te decepcionó está entre las nominadas. No podemos olvidar que no es más que una lista. Y no la podemos cambiar (tampoco es tan importante). Así que tenemos que elegir entre las presentes para saber cuál sera la flamante ganadora y la que recordará todo el mundo durante unos meses hasta que el tiempo ponga las películas en su sitio.

'Cold war' de Lukasz Zal

El director de 'Ida', Pawel Pawlikowski, vuelve con esta historia que ya ha ganado el premio a la mejor dirección en Cannes. El director de fotografía es Lukasz Zal, el mismo que dio forma a la inolvidable mirada de 'Ida'. Es la clásica historia de amor imposible que empieza y termina durante la Guerra Fría.

Como podéis ver es en blanco y negro. Todo está medido, perfecto, al servicio de la historia. Quizás no alcance las altas cotas que vimos en la historia de la monja. Pero es una obra de arte visual plano por plano. Huye de las grandes tecnologías, de los formatos alargados y se centra en el acertado uso de la luz.

Lukasz Zal ya demostró su valía en 'Ida', una película que debería estudiarse plano por plano por su composición en las escuelas de fotografía. Incluso el formato cuadrado tenía pleno sentido. En 'Cold war' todo parece menos medido pero la luz es la que dirige la mirada del espectador en todos los planos.

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'La favorita' de Robbie Ryan

Valga la redundancia, es la otra favorita de los premios de este año. Tiene diez nominaciones. Cuenta la historia de Abigail Masham, una criada que va poco a poco cumpliendo todas sus ambiciones en la Inglaterra del siglo XVIII. Un drama de época, de los que gustan en Hollywood de la mano de Yorgos Lanthimos, el director de 'Canino' o 'Langosta', las películas más irreverentes de los últimos años.

La fotografía de 'La favorita' corre a cargo de Robbie Ryan. Estaba nominado ya a varios premios por esta película. El Oscar es el reconocimiento más llamativo. Su trabajo es impresionante que combina la iluminación contrastada del interior de los palacios, la luz natural del campo y el tenebrismo de las noches iluminadas por las velas.

Si recordamos sus colaboraciones con Ken Loach, uno de los estandartes del cine social, entendemos que sabe como nadie mostrar la luz que vemos todos los días, y no es fácil. Aquí tiene más medios a su disposición y los aprovecha para situar en todo momento las actitudes de todos y cada uno de los personajes.

'La sombra del pasado' de Caleb Deschanel

Una de las grandes desconocidas de estas nominaciones, al menos para el que escribe. Es la nueva película del director de la maravillosa 'La vida de los otros', Florian Henckel von Donnersmarck. En este caso cuenta la historia de amor entre dos estudiantes de arte y cómo el padre de ella trata de impedirlo. Pero ninguno sospecha que su historia está conectada por un crimen del pasado.

El director de fotografía es Caleb Deschanel, uno de los grandes veteranos del gremio. Tiene 74 años y ha trabajado con los grandes como Cassavetes, David Lynch en tres capítulos de la mítica serie 'Twin Peaks', Mel Gibson en su mejor versión, cuando dirigía películas como 'La pasión de Cristo'... Ha tenido ya cinco nominaciones a estos premios, lo que le convierte en el nuevo Roger Deakins. Y parece que lo seguirá siendo...

'Roma' de Alfonso Cuarón

La gran favorita en todas las quinielas. A su favor tiene Netflix y toda la campaña que orquestarán alrededor. Pero con eso no basta para triunfar. Su historia es puro realismo, pura vida. La verdad de la vida hecha película. Es la historia de la sirvienta de una familia de la colonia Roma durante los primeros años convulsos de la década de los 70.

Alfonso Cuarón la imaginó desde el principio en blanco y negro. Pero en un blanco y negro perfecto, del siglo XXI. Con una textura y profundidad digital, imposible de conseguir hasta ahora. Tiene la mirada de su director de fotografía fetiche, Emmanuel Lubezki, pero sin sus movimientos de cámara.

'Ha nacido una estrella' de Matthew Libatique

Es la nueva revisión de la historia que inmortalizaron ya Barbra Streisand o Judy Garland de la mano de George Cukor. La película de Bradley Cooper no trae nada nuevo. Pero nos lo cuenta adaptado a los nuevos tiempos. Y si tienes la tarde triste es la mejor película que puedes ver.

La fotografía es de Matthew Libatique. Seguro que los más cinéfilos recuerdan sus trabajos junto a Darren Aronofsky. Suya es la atmósfera desasosegante de 'Cisne negro' o 'Réquiem por un sueño'. Llama la atención que después de realismo de esta película de enamorados haya presentado también este año 'Venom'.

'Ha nacido una estrella'

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En esta película se olvida de los ambientes oscuros para llevarnos al infierno. Solo los utiliza para reflejar el dolor que puedes sufrir por el daño que deja el amor y la nostalgia por los primeros pasos del enamoramiento.

Son cinco películas que el tiempo dejará en su sitio. Algunas las recordaremos. Otras se quedarán en el baúl de los recuerdos. Pero quizás las volveremos a ver en la televisión al cabo de los años porque los cines desaparecerán de la faz de la tierra. Y puede que nos quedemos con la boca abierta. Ya veremos que pasa la noche de la entrega.

La fotografía nos gusta mucho. Y si encima la podemos ver 24 veces por segundo, por lo menos, mucho más. El cine y la fotografía estarán siempre hermanados y en esta ocasión hemos buscado escenas en las que la fotografía tiene algo que decir en la trama de las películas. Es el momento de coger las palomitas, la manta que ya se acerca el frío y disfrutar.

Siempre se habla de la fotografía en el cine para alabar el trabajo de gente de la talla de Storaro, Alcaine, Deakins, Almendros, Aguirresarobe, Toland... o para hablar sobre los fotógrafos en el cine como protagonistas: 'Apocalypse Now', 'La ventana indiscreta', 'El ojo público', 'Pecker'... pero en esta ocasión nos vamos a fijar en escenas en las que la fotografía en sí tiene una parte relevante dentro del argumento o simplemente cuenta verdades como puños sobre el arte de la luz. Como siempre puede que nos dejemos alguna escena en el tintero, así que agradeceremos cualquier sugerencia para el uso y disfrute de todos los que gustamos de cualquier referencia a la fotografía.

'Smoke' (1995)

Empezamos con uno de los grandes títulos del cine. 'Smoke' de Wayne Wang, con guion de Paul Auster, gira alrededor de las historias de los clientes de un estanquero de Brooklyn, interpretado por el gran Harvey Keitel.

En esta ocasión nos centramos en la escena en la que enseña a Paul Benjamin (William Hurt) su gran proyecto fotográfico. Todos los días fotografía a la misma hora la esquina de su estanco. Ahí está la historia de su vida, día a día. Con frío y con calor. Esas imágenes, que parecen todas iguales, es una de las series que todos pagaríamos por ver. Y es una lección única para todos los fotógrafos que solo piensan en hacer fotografías bonitas.

La gran belleza (2013)

Una de las películas de Paolo Sorrentino que tuve la mala suerte de no poder ver en el cine. Un día, encendí la televisión y ahí estaba. Me dejo sin palabras. Yo soñé con ser el rey de la mundanidad, pero me conformo con hacer alguna vez una buena serie fotográfica. Jep Gambardella es un escritor y periodista que pasa su vida devastada entre fiestas y entrevistas. En una ocasión tiene que entrevistar a un artista que cuenta su vida sirviéndose del paso del tiempo.

El padre del artista empezó a fotografiarle todos los días desde que nació. Él, siguiendo la tradición de su padre, decidió autorretratarse en la misma línea día tras día desde los 14 años. El resultado es el que puede verse en ese palacio romano contenedor del paso del tiempo. Por cierto, es una escena llena de efectos especiales. Esas paredes nunca tuvieron fotografías colgadas.

Regreso al futuro (1985)

La existencia depende de la memoria. Y la memoria reside muchas veces en la fotografía. Si no salimos no existimos. Bajo esta sencilla premisa Marty McFly lleva en el pasado la fotografía de su familia para confirmar que en el futuro seguirá existiendo. Solo sabemos si las cosas están saliendo bien viendo el estado de la fotografía.

Es una fotografía lenticular. Cambia según como se mire. Si no consigue que en el baile de graduación sus padres se besen él desaparecerá de la imagen. De nuevo estamos siendo testigos del paso del tiempo y de la importancia que tiene hacernos fotos para saber que existimos.

Los otros (2001)

La gran película de Alejandro Amenábar jugaba con el miedo a los fantasmas. Nunca sabremos si la coincidencia con 'El sexto sentido' le benefició o le hizo perder el efecto sorpresa. Pero a muchos les hizo descubrir la fotografía post mortem, la fotografía de muertos. Es la primera pista que reciben de la realidad.

Como curiosidad hay que señalar que en una de las fotografías que vemos encontramos al propio director español posando con sus amigos como si estuvieran muertos. Como bien dicen, era una forma de recordar a los que se fueron.

El extraño caso de Angélica (2010)

Una película de fantasmas de un director de cine, Manoel de Oliveira, que empezó a rodar cuando el cine era mudo. Es una película lenta, muy lenta. Sale un fotógrafo con su cámara telemétrica. Y debería bastarnos a los fotógrafos. Pero habla de la relación del amor con la muerte. Y da la sensación de que la fotografía puede resucitar a los muertos.

Curiosamente es una película que no gustó a Carlos Boyero. Pero está llena de metáforas, de tiempos y es casi un testamento fílmico de uno de los directores más longevos del cine mundial. Murió con 106 años en 2015. Esto quiere decir que rodó esta película con más de 100 años a su espalda.

Espero que si no habéis visto estas películas en su momento las busquéis por todas las plataformas posibles y os paséis unos cuantos días disfrutando de las historias que nos puede contar el cine con la ayuda de la fotografía.

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33 películas y documentales con, de y para fotógrafos

Ayer se presentó la nueva película de Mario Casas 'El fotógrafo de Mauthuasen'. Aprovechamos para recordar la figura de Francisco Boix que ayudó a condenar la barbarie nazi gracias a las fotografías que sacó del campo de concentración y que sirvieron de prueba durante los juicios de Nuremberg.

Ya hemos podido ver el primer tráiler de la esperada película de Mario Casas, una de las últimas estrellas del cine español. Es verdad que podemos apreciar los abdominales del actor y que parece que hay escenas de cama, pero seguro que aprenderemos historia y se convertirá en una habitual de las típicas listas de las películas que los fotógrafos no nos podemos perder. Y esperamos que se convierta en una imprescindible, a la altura de 'Ciudad de dios' o 'Bajo el fuego'.

La vida de Francisco Boix bien merece ser conocida y respetada. El año pasado se le rindió homenaje en París. Su cuerpo se trasladó al principal cementerio de la ciudad. Un acto al que asistieron pocas autoridades públicas. Al menos sí leyó unas palabras la alcaldesa parisina Anne Hidalgo:

Hoy honramos a un hombre, Francisco Boix, que marcó la historia con su valor, con su lucha contra el franquismo y contra el fascismo. Vivimos en un momento distinto del que conoció Boix. Pero también observamos con preocupación la forma en que la intolerancia y la desigualdad se expanden en toda Europa. Estamos aquí para mantener la promesa siempre inacabada de la libertad, la igualdad y la fraternidad, una promesa por la que Boix luchó toda su vida.

Vamos a conocer la vida y obra de un personaje clave en la historia del siglo XX. Y ya veremos cómo cuentan su historia en la película 'El fotógrafo de Mauthausen'.

El fotógrafo que guardó las fotografías del horror del campo de concentración de Mauthausen

Su vida empezó a ser conocida para el gran público gracias al documental 'Francisco Boix: un fotógrafo en el infierno' de Llorenç Soler. Él descubrió su historia y su archivo en 1974 peor no pudo rodar el documental hasta el año 2000. Quedará en la historia como el único testigo español que participó en el juicio de Nuremberg. Las fotografías que logró esconder fueron una prueba irrefutable de los horrores nazis.

Empezó en la fotografía gracias a su padre, un sastre de Poble Sec aficionado a la fotografía. Con 17 años fue como voluntario al frente para luchar contra los golpistas. Como colaboraba con el periódico 'Juliol', más que empuñar las armas disparaba con su cámara. Al terminar la guerra civil española se vio obligado a exiliarse y cruzar la frontera francesa, donde lejos de encontrar la paz muchos españoles encontraron la muerte.

Una vez en Francia se vieron confinados en campos de trabajo en muy malas condiciones. Pero lo peor estaba por llegar. Las tropas de Hitler avanzaban y entraron en París. Los refugiados de los campos de trabajo pasaron a ser prisioneros de los nazis en agosto de 1940. Todo se complicó para los españoles el 23 de octubre de 1940. En el famoso encuentro en la estación de Hendaya se decidió retirar la nacionalidad a los prisioneros republicanos y fueron llevados al campo de concentración de Mauthausen. Cerca de 8000 españoles perdieron allí toda esperanza.

Cartel de la película

Francisco Boix llegó al campo el 27 de enero de 1941 marcado como rotspanier (español rojo) con el número 5185. Y lo que le salvó fue saber alemán y ser fotógrafo. Estas dos cosas le permitieron tener ciertos privilegios, si se puede decir así, dentro del campo. Entró en el barracón 2, donde estaban los prisioneros que podían dar algún servicio a los nazis. Empezó como fotógrafo en 1943 gracias a otro fotógrafo español que ya trabajaba para ellos, Antonio García. Fotografiaba todo lo que le ordenaban. Y también revelaba todas las fotografías de los oficiales de las SS.

En un infierno donde todo rastro de vida se borraba en los crematorios quedaba la imagen, la fotografía. De todos los negativos que revelaba Francisco Boix se hacían tres copias: una para la Gestapo, la policia secreta nazi; otra para la Oficina Central de Seguridad del Reich y la última para el propio campo. Esas fotografías contarían al mundo la barbarie de los nazis.

La fotografía ayudó a enjuiciar a los nazis

Francisco Boix formaba parte de la organización del partido comunista dentro del campo. Su idea fue ganarse la confianza de los soldados para poder ayudar a los más desfavorecidos. Y fotografiar y revelar todo lo que acontecía allí, en el infierno.Hasta que tuvo una gran idea: sacar los negativos. Contactó con los miembros de su partido y después del desembarco de Normandía dieron el visto bueno.

Fotograma del tráiler

Encontraron contactos dentro y fuera del campo para lograr sacar los negativos después de hacer las copias. Parece ser que los escondían entre la ropa sucia y en los marcos de las puertas y ventanas. Para sacarlos del campo contaban con la ayuda de los poschacher, los hijos adolescentes de los presos republicanos. Ellos podían salir del campo para trabajar en empresas fieles al régimen. Y fueron los elegidos para llevar los negativos a Mme. Pointner, una señora del pueblo de Mauthausen.

Ella guardó todo el trabajo de Francisco Boix en su casa. El 5 de mayo de 1945 el campo fue liberado por los soldados americanos. Todos los que se habían organizado secretamente dentro del infierno tomaron las armas para defenderlo ante posibles represalias. Y nuestro protagonista decidió empuñar la Leica de los alemanes para fotografiar la liberación.

Fueron días convulsos. Pudo ir personalmente a casa de Mme. Pointner para recoger todos los negativos. Vivió momentos de felicidad pero también de horrible venganza como documentar el cruel interrogatorio del comandante del campo de concentración, Ziereis. Y sufrió de nuevo la incoherencia de los hombres sin cabeza con poder.

Stalin decidió que los comunistas que habían sobrevivido a los campos de concentración eran poco menos que traidores por no luchar hasta la muerte. Incluso se sugirió fusilar a toda la dirección comunista de Mauthausen. Vivieron la locura de los extremismos. Así que Boix, junto con sus compañeros, decidió guardar los negativos que demostrarían tarde o temprano la barbarie nazi.

El fin de la historia fotográfica de Francisco Boix

Él estaba convencido de la verdad de la fotografía. Y aunque sus compañeros más fieles le dijeron que se olvidara del tema decidió publicarlas en 'Regards'. Desde esta revista de izquierdas las fotografías conmocionaron al mundo.

Fotograma del tráiler

Gracias a la publicación le llamaron como testigo de cargo en el Juicio de Nuremberg de octubre de 1945. Gracias a su trabajo y a su testimonio condenaron a muchos responsables de la masacre nazi. Todo parecía tener un final feliz para nuestro protagonista. Se convirtió en un héroe y logró empezar a trabajar como fotógrafo de prensa en el París liberado. Y recorrer el mundo con la cámara al hombro... hasta 1948, cuando cubriendo el Tour de Francia sus riñones dicen basta y le llevan al hospital, donde muere con 30 años el 4 de julio de 1951.

Y desde entonces hasta 1974, cuando lo redescubre Llorenç Soler, no se volvió a saber nada de él. Espero que la película de Mario Casas ayude a conocer su historia y a no olvidar a uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Ya hablaremos de la película cuando podamos verla...

En Xataka Foto| John G. Morris, el editor gráfico que nos dio la crónica visual del siglo XX

Y por fin llegó el fin de semana de estreno de la segunda parte de una de las películas más importantes de la historia del cine. La sala de cine llena, un viernes por la noche, de espectadores ansiosos por descubrir una nueva mirada de aquel universo deprimente. La luz se apagó y empezamos a ver en la pantalla las primeras luces de 'Blade Runner 2049', la nueva obra maestra de Roger Deakins.

Esta madrugada, 5 de marzo de 2018, Roger Deakins se ha hecho por fin con el Oscar a la mejor fotografía. Porque el secreto de esta película de Denis Villeneuve es la dirección de fotografía de Roger Deakins. El aspecto visual es arrollador. Es capaz de mostrar una estética continuista del universo imaginado por el gran Jordan Cronenweth para la película original de Ridley Scott. Con hermosas referencias pero sin ser una vulgar copia. Seguro que no ha sido un parto fácil. La herencia recibida era muy fuerte y la presión debió de ser muy grande.

Pocas segundas partes son mejores que la primera. En este caso creo que no se ha conseguido. No es como 'El padrino II' o 'Terminator II', pero es una película que se recordará. Seguro. Pero es muy pronto para juzgarla. Mucha gente la considera una obra maestra, y muchos un auténtico fracaso solo después de verla.

Todos parecen olvidar que cuando se estrenó 'Blade Runner' fue considerada una mala película, incluso por los propios actores. La película triunfó ya cuando estaba en las estanterías de los videoclubs en formato VHS... No es fácil saber cuál será su contribución al séptimo arte. Igual se olvida, se convierte en una obra de culto o se reconoce como una lección magistral de fotografía cinematográfica.

La dirección de fotografía de 'Blade Runner 2049'

La película transcurre 30 años después de los sucesos acaecidos en 'Blade Runner'. Para comprender todo lo que ha pasado es necesario recordar el universo original y ver los tres cortometrajes que el propio Denis Villeneuve ha coordinado. Y recordar sobre todo una cosa. No estamos antes una película de acción. Es una película de ciencia ficción por el futuro distópico que presenta. Pero no es un cine de palomitas. Es cine negro, ni más ni menos.

Cine negro

Roger Deakins fue el elegido por el director para fotografiar este mundo distópico treinta años después. Estaba claro después de las dos colaboraciones entre ambos cineastas. Es uno de los mejores directores de fotografía de la historia. Sus trece nominaciones al Oscar lo confirman. Y parece que este año dejará de ser el DiCaprio de la fotografía para colocar la preciada estatuilla al lado de sus variados BAFTA.

Lo más difícil para Roger Deakins habrá sido intentar llevar su naturalismo fotográfico al expresionista mundo de los replicantes. Parece que no querían seguir la línea marcada por una película que ha sido el faro para las películas de ciencia ficción hasta 'Matrix'. Y que las referencias han sido otras dentro de la dirección de arte, que sí ha seguido la lógica de un mismo mundo treinta años más avanzado. Hace treinta años la naturaleza estaba destrozada y ahora vemos un muro que rodea la ciudad para evitar ser devorada por las aguas del océano. Todo es gris, como entonces, pero de repente puede nevar: son los efectos de un cambio climático evidente. Y lo han fotografiado como nunca se ha imaginado.

Vemos el frío de 'Fargo' pero sobre todo nos encontramos con los reflejos de neón de 'Skyfall' y las siluetas de 'El asesinato de Jesse James a manos del cobarde Robert Ford' y muchas más. Como él mismo dice en las entrevistas, él es incapaz de ver como Jordan Cronenweth, así que dejaron su trabajo de un lado y empezaron a buscar referencias.

En cada uno de los fotogramas está el color. Del gris plano a los destellos cálidos de su coche y la luz rojiza de la ciudad nuclear. La arquitectura brutalista de los años cincuenta llena de hormigón, como las famosas Torres Blancas de Madrid de Saénz de Oiza. También está presente la ciudad de Sidney inundada por una tormenta de arena... Y por primera vez Deakins utiliza el color como ya lo hizo Storaro en 'Apocalipsis now' o 'El último emperador'. El amarillo es la referencia a lo largo de las casi tres horas de película. Siempre lo veremos en los momentos importantes.

Torres Blancas de @ferfoto

Y no podemos olvidar las siluetas. Son perfectas para intentar entender el mundo de las ideas que propone el guion. Intentar entender quiénes somos en realidad. Si estamos hechos para amar o ser amados y si alguna vez entenderemos el motivo de nuestra existencia. Puede que abuse un poco de esta iluminación, pero pronto las veremos en esos vídeos en los que recopilan los momentos estelares del cine.

Potencia visual

Hay momentos únicos como la escena de amor holográfica, los claroscuros intermitentes de una sala de fiestas, la flor amarilla, la muerte en manos del creador... muchos han visto, con gran emoción por parte de Roger Deakins, la inspiración de Tarkovsky, pero entramos en un terreno muy complicado que algún día abordaremos.

La fotografía en 'Blade Runner 2049'

Quizás no hay tantas referencias a la fotografía como en la película original, pero siguen presentes las mismas historias. La fotografía como recuerdo. Todos recordamos que fuimos gracias a las imágenes, que tuvimos una infancia. Pero en este mundo distópico ya no es posible. Nadie recuerda el pasado por el Gran apagón. Todo fue borrado y nadie conserva las fotografías. Los datos digitales, los unos y los ceros, no aguantan el paso del tiempo igual que el papel. Es un aviso para navegantes.

El cartel

Y el fabricante de recuerdos parte de fotografías que poco a poco va animando. Todos esos recuerdos de replicantes tan valiosos parten de alguien que no los tiene. En esta película no dejan de ser fotografías animadas en tres dimensiones. En el pasado eran imágenes vetustas en blanco y negro. Pero ahora se mueven.

Y para los nostálgicos, la primera escena es un ojo que nos mira y al principio veremos una recreación de aquel escaneado mítico que todos siempre quisimos hacer. Si os gusta la fotografía no dejéis de verla y comentarla. Yo creo que por fin Deakins ganará el Oscar por ella...

En Xataka Foto| La fotografía en el cine: 'Blade Runner'

Lo bueno que tiene el verano es que en los cines al aire libre puedes ver las películas que te has perdido durante el año. He podido ver 'Déjame salir', la película de terror del año. Y la fotografía tiene mucho que ver en la historia.

La historia es de sobra conocida. Un viaje a casa de los futuros suegros que termina mal. Es Adivina quién viene esta noche en clave de terror. Un chico afroamericano va a pasar el fin de semana a casa de los blancos padres de su novia. Desde el principio todo es muy extraño. Hasta que el terror se manifiesta en su máxima expresión. Llega a ese punto en el que no puedes dar marcha atrás a pesar de darte cuenta de tu crudo final. Toda una metáfora sobre el racismo. Es una película pero, como muchas veces ocurre, cuenta una terrible verdad.

Es uno de los éxitos de la temporada. Con un coste de apenas 5 millones de dólares ha recaudado más de 200 millones. El director, el debutante Jordan Peele, es también el guionista de una historia que se recordará durante mucho tiempo. Creo que todos los espectadores entenderemos mucho mejor que se siente cuando un grupo de personas considera que tú por ser distinto eres inferior.

El protagonista es fotógrafo. Un fotógrafo de éxito, un fotógrafo de calle. De blanco y negro. Tiene toda su casa decorada con grandes ampliaciones de sus imágenes. He buscado por la red quién es el autor de las mismas. En los títulos de crédito aparece un tal Boogie. Y resulta que es un fotógrafo serbio afincado en Nueva York que trabaja para Puma, Nike, HBO... y encima tiene potentes trabajos personales que te dejan con la boca abierta.

Y esta forma de mirar es la que atrae a los malos de la película. Esa forma única de ver la ciudad que nunca duerme. Hay que ver la película para entenderlo. No estoy escribiendo esto para destripar la historia, faltaría más. Eso sí, el blanco y negro está siempre presente. ¿Quizás para hablar de una forma indirecta del racismo?

La dirección de fotografía en 'Déjame salir'

El director de fotografía de la opera prima de Jordan Peele es Toby Oliver, un australiano afincado en Los Angeles con una importante carrera dentro del mundo de la televisión y la cinematografía de su país, donde ha sido reconocido con varios premios como por ejemplo con Everynight...everynight (1994)

El terror es difícil de rodar. Y siempre se cae en los tópicos de la noche, los primeros planos angustiados, y las apariciones súbitas. En este caso ocurre lo mismo. Pero lo que más inquieta en 'Déjame salir es que muchas veces pasas miedo a plena luz del día. La ambientación y la luz también es inquietante.

Momento clave

Pero donde esté un primer plano de alguien realmente asustado, la luz tenue de una casa en la penumbra y una sombra que surge de la noche oscura que se quite todo lo demás. En esta película no se descubre la rueda de los ambientes terroríficos, pero la fotografía te sumergirá en una historia que te hará saltar. La verdad que en este sentido queda bastante lejos de Nosferatu (1922) o la fotografía de Los otros (2001) de nuestro genial Aguirresarobe.

La fotografía en 'Déjame salir'

En la película el protagonista tiene dos tipos de cámara, una Canon y el sempiterno móvil de la sociedad actual. Y lo que más me gusta es que por primera vez el fotógrafo no cae especialmente mal. En esta ocasión solo tiene un fuerte trauma infantil. Pero no es un ser desagradable y estaría encantado de tomarme una copa de buen vino con él.

La cámara es una sencilla y antigua Canon EOS 7D. Y el objetivo es un Canon que no llegué a reconocer, aunque me sorprende gratamente que no sea uno de la serie L. Y se ve que algo de fotografía sabía el actor pues utiliza la cámara como lo haría un profesional.

El galerista ciego

Eso sí, me cuesta creer que en una de las escenas donde actúa como un voyeur el zoom tenga tantísimo alcance para ver con detalle la mirada perdida de la extraña asistenta de la familia. Licencias que siempre veremos en las películas de fotógrafos... Eso sí, parece que está claro que Canon es uno de los inversores de la película. Su marca está siempre presente en todos y cada uno de los planos en los que aparece la cámara. Como en la conversación que mantiene el protagonista sobre el galerista ciego que admira su potente trabajo.

El móvil, que el autor utiliza con frecuencia, y que permite profundizar en la trama es un Windows Phone. Gracias a él se comunica con el exterior y le sirve para darse cuenta de muchas cosas con la entrometida ayuda del pequeño flash. No me quiero ni imaginar que hubiera pasado si aparece un flash de estudio en la trama...

Que sea fotógrafo es solo una anécdota, pero que lo sea le convierte en el elegido. Tendréis que ver la película para descubrir el porqué. Eso sí, siempre acompañados de unas palomitas y de alguien con quien asustarse.

En Xataka Foto| ¿Por qué los fotógrafos salen tan mal en el cine?

'La ventana indiscreta' es una de las mejores películas de Alfred Hitchcock, una de las que más disfruto. Por muchas cosas, desde ese beso ralentizado a que, por supuesto, el protagonista es un fotógrafo. 'La ventana indiscreta' es una película perfecta para las noches de verano fotográficas.

Además me gusta mucho porque nació el mismo día que yo, en este mes de agosto. Fetichista que es uno. Alfred Hitchcock era consciente del poder de la imagen, de la fuerza de la fotografía. ¿Quién, con un mínimo de cultura fotográfica, no reconoce su oronda figura? Es un icono del cine, una silueta en negro contra blanco de su perfil. Quién lo veía, sabía que algo iba a pasar, y no precisamente agradable.

En La ventana indiscreta un fotógrafo tiene la pierna rota por un accidente laboral. No le queda más remedio que guardar reposo durante un cálido verano. Como buen fotógrafo es un voyeur. Y para pasar el tiempo decide espiar a sus vecinos. Para ser sincero, es algo perversa esta costumbre. Investigar la vida privada de la gente que le rodea cuando no sabe qué hacer con la suya.

¿Por qué? Su novia es una periodista de moda que no para de pedirle que cambie de vida. Que deje sus viajes de fotógrafos y se meta en una oficina con ella. La quiere, casi la adora, pero le cuesta asumir la aburrida vida laboral que le espera si quiere seguir con Lisa Freemont, interpretada por la musa del director Grace Kelly.

Mientras vemos su vida, él contempla los quehaceres diarios de sus vecinos, desde la bailarina, los recién casados, o el matrimonio aburrido, hasta el pianista, la triste mujer solitaria y el matrimonio que siempre se pelea. Este último será el que concentre todo su interés, por la desaparición de la mujer y la actitud sospechosa del marido.

La dirección de fotografía en La ventana indiscreta

Podría ponerme a analizar de una forma más profunda la visión del voyeur, las relaciones de pareja, el apasionante mundo vecinal (del que recomiendo huir, si puedes, a toda prisa). Incluso del mundo del cine para el genial director, su forma de rodar,... pero aquí estamos en una página de fotografía. Y es de lo que he venido a hablar.

El director de fotografía es Robert Burks, uno de los colaboradores más famosos del director. Su trabajo en esta película es espectacular. Está rodado todo en un mismo plató. Y creó, con la ayuda de su equipo técnico, la sensación de estar viendo en todo momento un decorado real, donde amanece, llueve, hace sol o anochece con gran realismo. Esto fue posible por el largo tiempo de planificación que tuvieron antes de empezar a rodar.

Alfred Hitchcock depositó toda su confianza en Robert Burks, como demuestra la gran cantidad de películas en las que trabajaron juntos como Vértigo, Con la muerte en los talones, Atrapa un ladrón, ¿Pero quién mató a Harry?... Hacia tanto calor en el estudio que los actores no tuvieron que simular en ningún momento que estaban viviendo una ola de calor:

La película se rodó completamente en el plató 18 de los Estudios Paramount. El monumental decorado tenía 33 metros de ancho, 63 de largo y 10 de altura, con estructuras que se elevaban cinco y seis pisos. Fue el resultado de meses de planeamiento y construcción. Había 31 apartamentos, con la mayor parte de la acción transcurriendo en ocho habitaciones completamente amuebladas, además de un laberinto de escaleras de incendios, terrazas, un callejón, una calle y el fondo de la ciudad.

Se necesitaron más de mil arcos de luces gigantes para iluminar el plató desde arriba, mientras más de dos mil variedades de pequeñas lámparas se usaron para tener luz suplementaria. De hecho, «La ventana indiscreta» fue tan meticulosamente planeada y calculada antes de comenzar el rodaje en sí, que sólo fueron descartados al final unos pocos cientos de metros de película con tomas desechables. > >

No podemos olvidar que en aquella época las películas tenían muy poca sensibilidad, y seguramente utilizarían una de 25 ASA. Era tan poco sensible que obligaba a trabajar con gran cantidad de luz. Seguramente también emplearían filtros para simular las distintas temperaturas del día, por lo que la luz extra de esos mil arcos seguro que era bien recibida por la delicada emulsión.

La fotografía en La ventana indiscreta

Cuentan que la historia entre Lisa Freemont y L.B. Jefrries está basada en la historia de amor de Robert Capa e Ingrid Bergman de 1945, un romance que todavía no ha llegado a las pantallas. Un fotógrafo de guerra que va a Hollywood para trabajar al lado de su amada hasta que se da cuenta de que su vida está en el campo de batalla.

Robert Capa murió el mismo año del estreno de la película, en Indochina por culpa de una mina. La verdad que es triste pensar que la vida de los dos protagonistas de la película puede terminar igual. Como dice Ingrid Bergman en su biografía:

Decían que Capa tenía algo especial que los demás no tenían. Creo que se trata de algo que no tenía. No tenía miedo. Era valiente, demasiado valiente, inteligente, divertido, un romántico

Si es verdad la anécdota, hace que la película sea mucho más interesante para nosotros los fotógrafos. Aunque me cuesta imaginar a Robert Capa con la Exakta Varex VX que porta Jeff en toda la película, con el teleobjetivo Kilfitl 400mm f/5.6 Tele-Kilar. Esta cámara es especial por algo único: el disparador está a la izquierda. Es una cámara para zurdos.

Otro dato fotográfico es que el bueno de Jeff consigue, en un momento tenso de la película, defenderse a base de flashazos con aquellos flashes de un solo uso en forma de cubo. Parece un poco ridículo, pero en la oscuridad de la noche puede ser bastante molesto que alguien te dispare esos fogonazos.

Para el recuerdo queda el primer beso de la pareja y la insinuante iluminación de la aparición de Grace Kelly mientras va encendiendo, una a una, todas las luces del apartamento de James Stewart.

En Xataka Foto | "La ventana indiscreta" vista a través de un espectacular Timelapse panorámico

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