Durante el confinamiento que vivimos el año pasado y todo lo que llevamos de pandemia os estuvimos mostrando proyectos de todo tipo que surgieron y las fotos de quienes podían aventurarse por las calles vacías de las ciudades para captar escenas insólitas en circunstancias normales. Pero siguen saliendo nuevos proyectos como ‘The City that finally sleeps’ de Mark Seliger, un retrato de la "ciudad que nunca duerme" cuando no le quedo otra que hacerlo y que ha materializado en un libro con fines solidarios.

Un proyecto que define como "una celebración de resiliencia y esperanza" que se compone de imágenes de las calles prácticamente vacías de New York que el fotógrafo Mark Seliger (un norteamericano con una larga carrera que se ha destacado sobre todo en el campo del retrato y ha trabajado para revistas como Rolling Stone, Vanity Fair, Vogue y GQ), recorrió cámara en mano allá por marzo y abril de 2020, en los peores tiempos del COVID-19.

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Si en el futuro queremos recordar cómo fue la pandemia siempre podremos mirar el ‘Archivo Covid’

El resultado son unos paisajes urbanos de una belleza inquietante, como seguro estarán de acuerdo todos los que hayan visitado alguna vez la gran manzana, una urbe (casi) siempre bulliciosa y llena de gente. Sin embargo, dadas las circunstancias, en las imágenes apenas hay personas lo que provoca un profundo desasosiego en el espectador e, incluso, en los propios neoyorkinos que probablemente no lleguen a reconocer algunos de los lugares así tan vacíos.

Unas imágenes bellas y angustiosas al tiempo que, como decíamos, se han volcado en un libro homónimo que se puede comprar en esta web y cuyos beneficios están destinados a la ONG New York Cares, que está ayudando a los que más han sufrido las consecuencias de la pandemia.

Mark Seliger | Página web | Instagram

Fotografías de Mark Seliger reproducidas con permiso del autor para este artículo

No es muy conocido en España pero durante las décadas de 1960 y 1970 este fotógrafo se dedicó a retratar a personajes tan conocidos como Frank Sinatra, Jackie Kennedy, Elvis o Elizabeth Taylor, que hoy día son auténticos iconos. Pues bien, Lannoo Publishers publica el fotolibro ‘Icons by Oscar’ que incluye las mejores instantáneas extraídas del archivo personal de más de 300 mil fotografías íntimas de Oscar Abolafia.

'Elizabeth Taylor. 1967, New York City'. Foto de Oscar Abolafia

Este fotógrafo norteamericano (nacido en una familia descendiente de judios españoles) trabajó para algunas de las mejores revistas del momento como People, Vanity Fair y Harper’s Bazaar gracias a las que tuvo la oportunidad de conocer a muchísimos famosos. De hecho, llegó a tener relaciones personales con muchas de las estrellas que fotografió.

'Michael Jackson. 1984, New York City'. Foto de Oscar Abolafia

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‘Gold. Sebastião Salgado’, un fotolibro en edición de lujo que rememora uno de los trabajos que consagró al fotógrafo brasileño

Esto explica, en buena parte, que la colección de fotos recoja instantáneas de momentos muy íntimos de tantos y tantos famosos. Sin duda una excelente oportunidad para ver a algunos de ellos en situaciones cotidianas o en actitudes que nunca hubiésemos pensado.

'Muhammad Ali. 1971, New York City'. Foto de Oscar Abolafia

'Andy Warhol. ca. 1989, New York City'. Foto de Oscar Abolafia

'Bette Davis. 1973, New York City'. Foto de Oscar Abolafia

'The Rolling Stones. 1981, New York City'. Foto de Oscar Abolafia

'Jack Nicholson. 1969, New York City'. Foto de Oscar Abolafia

'Robert Redford. 1977, Arnhem (The Netherlands)'. Foto de Oscar Abolafia

'Salvador Dalí. 1967, New York City¡. Foto de Oscar Abolafia

'Frank Sinatra. 1971, New York City'. Foto de Oscar Abolafia

Más información | Lannoo Publishers | Oscar Abolafia

Foto de portada | 'Elvis Presley, Frank Sinatra and Fred Astaire. 1969, Las Vegas at opening night party'. Todas las fotografías de Oscar Abolafia reproducidas con permiso para este artículo

Berenice Abbott es una de las fotógrafas americanas más importantes del siglo XX. Salió de sus país natal para encontrarse con la modernidad del París de los años 20. Allí descubrió la figura de un clásico imperecedero, Eugene Atget. Y se llevó su trabajo a los EEUU para enseñar el camino y volcar todo lo aprendido en su visión de la sociedad americana. Esta retrospectiva la podemos ver en la Fundación Mapfre durante PhotoEspaña 2019.

'Berenice Abbott. Retratos de la modernidad' es una de las exposiciones más esperadas de este verano madrileño, dentro de la programación de PhotoEspaña 2019. Como se ha olvidado la temática en común es posible juntar a fotógrafos tan dispares como la misma Berenice Abbott con William Klein o con el mexicano Nacho López. Y si así se juntan semejantes genios es un auténtico placer para el visitante.

La exposición, después de su paso por Barcelona, estará en Madrid del 1 de junio al 25 de agosto en la sala Recoletos de la Fundación Mapfre, en la calle del mismo nombre, al lado de la sala habitual para exposiciones fotográficas. Es una buena ocasión para conocer a una de las fotógrafas más inquietas y que fue capaz de llevar a su país natal la obra de un fotógrafo fundamental para la historia: Eugene Atget.

Eugène Atget, 1927 33 × 26 cm International Center of Photography, Purchase, with funds provided by the Lois and Bruce Zenkel Purchase Fund, 1984 (115.1984) © Getty Images/Berenice Abbott

Muchos solo la conocen por su relación con Atget. Y solo por este motivo merecía un puesto en la historia. Pero ella fue capaz de encontrar su estilo con la figura del francés. Y llevar una forma de pensar, de fotografiar a los Estados Unidos y dejar una marca indeleble en todos los fotógrafos que vinieron después. Nadie había mirado como ella antes la modernidad.

La vida de Berenice Abbott

Nació en 1898 en una de las muchas ciudades americanas que responden al nombre de Springfield. En este caso en el estado de Ohio, donde empezó a estudiar periodismo, carrera que terminó abandonando. Su destino estaba en Greenwich Village, en Nueva York, en contacto con los artistas e intelectuales de la época.

Desde allí vuela a París, la ciudad del arte. Allí da rienda suelta a su pasión por la escultura. En 1924, después de un breve periodo en Berlín, se reencuentra con Man Ray quien le ofrece un puesto de ayudante en su estudio. Allí aprende todos los rudimentos de la fotografía. En 1925 se instala en su propio estudio en los que retrata a grandes intelectuales como James Joyce o Jean Cocteau para revistar como Vogue o Vu.

George Antheil, 1927 17,3 × 12,4 cm The Miriam and Ira D. Wallach Division of Art, Prints and Photographs, Photography Collection. The New York Public Library, Astor, Lenox and Tilden Foundations © Getty Images/Berenice Abbott

Durante estos años, y gracias a Man Ray, conoce a Eugene Atget. El fotógrafo que obsesionaba a todos los surrealistas (publicaron fotografías suyas en Minotaure) marcó para siempre la carrera de Berenice Abbott. Gracias a él encontró su estilo. Fue capaz de reconocer a un genio, que no quería serlo, y cambió para siempre su forma de ver las cosas.

Logró hacerle dos fotografías. Pero nunca pudo enseñárselas pues falleció. Ella decidió comprar, de su propio bolsillo, el archivo de Atget para llevarlo a EEUU.

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Las hojas de contacto tienen que volver

Volvió a Nueva York en 1929, en el comienzo de la gran crisis. Esto no le impidió empezar a fotografiar la ciudad que nunca duerme con un etilo propio e inconfundible:

Berenice Abbott es una de las fotógrafas que de forma más temprana y eficaz ha retratado Nueva York. La ciudad se convierte ante su objetivo en un ser vivo, el personaje extraordinario que el visitante actual puede rastrear durante el paseo por sus calles abarrotadas, mirando hacia arriba para tropezarse con la belleza moderna de sus rascacielos.

En dicha ciudad, en 1933, conoce a la que será su pareja de vida, la crítico de arte Elizabeth McCausland. El éxito le llega pronto, con una primera exposición en el museo de la Ciudad en 1934 y el puesto de profesora en la New School for Social Research of New York. Y por supuesto la publicación de su libro 'Changing New York', en el que vuelca todo su estilo.

Janet Flanner en París, 1927 Janet Flanner in Paris 25,4 × 20,3 cm The Miriam and Ira D. Wallach Division of Art, Prints and Photographs, Photography Collection. The New York Public Library, Astor, Lenox and Tilden Foundations © Getty Images/Berenice Abbott

Desde entonces no para de exponer, publicar libros didácticos relacionados con el mundo de la fotografía y entrar en nuevos campos como la fotografía científica. En estos años destaca su artículo 'It has to walk alone' en el que señala su forma de entender todo lo que le rodea en su profesión.

Murió en 1991, con tiempo para conseguir los más importantes premios y el reconocimiento de todos sus compañeros y alumnos. Y hasta el final tuvo en sus manos el legado de Atget, que terminó vendiendo en 1968 por 80000$ al MOMA de Nueva York.

La exposición

Como es costumbre en la **Fundación Mapfre, todas las imágenes de la exposición son copias vintage.** Es una forma perfecta de entender el trabajo de un autor y ver cómo concibió su obra. Y en el caso de Abbott nos maravilla con su calidad técnica, muy superior a la de artistas contemporáneos con mucho más renombre. Puede decirse que sus copias parecen modernas.

El recorrido de la exposición se divide en Retratos, Ciudades y Ciencia. En la primera parte reconocemos los primeros trabajos de Berenice Abbott. A través de la mirada de los intelectuales descubrimos la intención de reflejar lo moderno, de recordar a las mujeres que en aquella época eran las pioneras que deberíamos conocer hoy en día.

En Ciudades se siente la influencia de Atget en us forma de trabajar. Trató de contar lo mismo que hizo el francés en su París natal pero dándole la vuelta. Atget contó, sin pretensiones, solo con una visión antropológica, la ciudad que desaparecía. Ella contó la ciudad que surgía de la nada, la ciudad de los rascacielos.

Dentro de esta sección encontramos 11 fotografías de Eugene Atget que nos permiten encontrar un diálogo perfecto entre ambos. Y recordar el doble retrato que ella le hizo y que hemos podido ver al principio.

Panadería, Bleecker Street 259, Manhattan, 1937 Bread Store, 259 Bleecker Street, Manhattan 25,4 × 20,3 cm The Miriam and Ira D. Wallach Division of Art, Prints and Photographs, Photography Collection. The New York Public Library, Astor, Lenox and Tilden Foundations © Getty Images/Berenice Abbott

Al final muchos descubrimos la fotografía científica de Berenice Abbott. Allí están los efectos de los imanes, el movimiento y la particularidades de la luz. Muchas de estas fotografías documentan fenómenos físicos que ilustraron muchos libros escolares.

Así que ya tenemos otra exposición perfecta para pasar la canícula madrileña en medio de la temporada de PhotoEspaña 2019. No solo servirá para ver las últimas tendencias, sino para tener referentes que nos ayuden a conocer la historia y saber que es muy difícil ser realmente moderno si no conoces lo que hizo Abbott en la primera mitad del siglo XX.

• 'Berenice Abbott. Retratos de la modernidad'
• Fundación MAPFRE Sala Recoletos
• Paseo Recoletos, 23
• Entrada general: 3€ por persona. Entrada gratuita todos los lunes no festivos de 14 a 20 horas
• Lunes de 14 a 20 horas. Martes a sábado de 10 a 20 horas. Domingos y festivos de 11 a 19 horas

“Durante mi viaje a New York tuve la suerte de montar en helicóptero. Sin duda, una de las experiencias mas increíbles e importantes. Sobrevolar la ciudad y poder capturarla desde una perspectiva única fue sensacional”. Así nos presenta Juanma Jmse su serie ‘Nueva York’ donde nos muestra su particular visión de la Gran Manzana.

“Siempre que viajo llevo mi cámara tratando de mostrar aquello que más me llama la atención —continúa—. Esta serie de imágenes son un proyecto personal, simplemente quería recordar aquella estancia y tratar de impactar a los espectadores.” Y desde luego lo consigue con fotos como la que hemos puesto en portada, en la que une dos de sus temas fotográficos preferidos: Los viajes y las zapatillas deportivas.

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‘Viaje onírico por la piel de Venezuela’, de Arturo Macías, retratando lo que no sale en las noticias de este país sudamericano

Y es que, para situar a este fotógrafo (y diseñador gráfico) madrileño es importante conocer su vinculación con 25 Gramos, un portal sobre cultura y tendencias urbanas “que abarca arte, sneakers, música, diseño, moda, ocio y demás disciplinas metropolitanas”, gracias al cual Juanma Jmse ha tenido la oportunidad de viajar a distintos lugares y trabajar en numerosas producciones para conocidísimas marcas de ropa y complementos.

De ello ya os hablamos cuando le incluimos en nuestro listado de fotógrafos españoles a seguir en Instagram hace un par de años. Por entonces os contamos que tenía casi nueve mil seguidores en su cuenta de Instagram, y ahora son más de 13 mil. Esto, y sus imágenes, demuestran el buen hacer de este joven artista que ya hace tiempo que pasó de promesa de la fotografía a realidad.

Juanma Jmse | Instagram | Página web | Facebook

Fotografías de Juanma Jmse reproducidas con permiso del autor para este artículo

Fotografías de Nueva York hemos visto muchísimas, y timelapse unos cuantos también (algunos tan espectaculares como este), pero siempre es un placer volver a contemplar la Gran Manzana si es gracias a vídeos de la calidad de ‘Liberty - New York City Timelapse 4K’.

De hecho, su creador cuenta que este trabajo es “un viaje visual a través de la ciudad de Nueva York”. Se llama Michael Shainblum y es un especialista del género y viejo conocido de Xataka Foto (porque hace años ya os mostramos un par de vídeos suyos de este tipo). El caso es que él mismo cuenta como recuerda vivamente su primera experiencia en esta ciudad y cómo le marcó, hasta el punto de convertirse en una de las razones por las que se hizo fotógrafo.

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¿Te animas a realizar un timelapse? Consejos prácticos para iniciarse

Por eso, con ‘Liberty - New York City Timelapse 4K’ cumple el sueño de recrear ese sentimiento que tuvo de niño con su ciudad favorita del mundo en una pequeña película. Desde dar una idea al espectador de la sobrecarga sensorial que supone estar parado en una concurrida esquina de una calle, hasta la tranquilidad de estar en un rascacielos, "como si estuvieras en la cima del mundo".

Por eso, este vídeo en el que mezcla sabiamente el timelapse y el hyperlapse para que las imágenes “bailen” al ritmo de una estupenda música (obra de James Everingham), es recomendable tanto para quien nunca haya estado allí como para quien le apetezca recordar su visita a Manhattan. Un trabajo magnífico en cualquier caso para el que hicieron falta unas 15 mil fotografíasque fueron tomadas entre 2016 a 2018.

Michael Shainblum | Página web | Instagram | Vimeo

Stanley Kubrick es uno de los directores de cine más personales que ha habido en la historia, pero antes de eso fue fotógrafo tal y como os hemos contado en varias ocasiones. De hecho, con apenas 17 años se convirtió en fotógrafo de la revista Look, publicación para la cual se dedicó a documentar la vida cotidiana de Nueva York, su ciudad, en los años 40. Una selección de aquellas fotografías se ha recogido en ‘Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs’, un proyecto que aparece en forma de libro y también se va a exponer en la Gran Manzana.

El libro, editado por Taschen, recoge cerca de 300 fotografías, muchas de las cuales no habían visto la luz, así como reproducciones de algunas de las páginas de la citada revista, y coincide con la organización de una gran exposición en el Museo de la Ciudad de Nueva York que rendirá homenaje a la faceta fotográfica del gran genio del Bronx.

Según el editor, “Through a Different Lens revela la mirada aguda y evocadora de un genio creativo en ciernes por medio de sus imágenes y ensayos fotográficos que muestran desde gente corriente que acude a la lavandería hasta un día en la vida de una corista, una visita al circo o la Universidad de Columbia […] y celebran la vida cotidiana de Nueva York y sus habitantes”.

Stanley Kubrick, Stanley Kubrick with Faye Emerson from “Faye Emerson: Young Lady in a Hurry” (1950). Copyright: ©SK Film Archives/Museum of the City of New York

Lo que sí es cierto es que Kubrick tenía un talento innato para la imagen que ya se puede atisbar en estas primeras fotografías que, según la nota de prensa, “anuncian el genio artístico de un creador que iba a rodar algunas de las mejores películas de todos los tiempos”.

‘Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs’

El libro, que incluye una introducción del prestigioso crítico de fotografía Luc Sante, cuenta con una edición en tapa dura, con un tamaño de 26,7 x 33 cm y 328 páginas, y está editado en edición plurilingüe alemán, francés, inglés. Se puede comprar en librerias especializadas y en la web de Taschen por un precio de 50 euros.

Por su parte, la exposición se abrirá el próximo tres de mayo y permanecerá abierta al público hasta el 28 de octubre en el Museo de la Ciudad de Nueva York.

Stanley Kubrick, from “Shoeshine Boy” (1947) Copyright: ©SK Film Archives/Museum of the City of New York

Más información | Taschen

En Xataka Foto | ‘Instant Stories: Wim Wenders’ Polaroids’, una oportunidad para conocer la faceta fotográfica más íntima del cineasta

Foto de portada | Stanley Kubrick, from “Life and Love on the New York City Subway” (1947). Copyright: ©SK Film Archives/Museum of the City of New York

Normalmente cuando os mostramos vídeos timelapse o hyperlapse siempre pensamos que, para describirlo, lo mejor es recurrir a aquello de que “hay que verlo” (y por eso siempre ponemos el vídeo tras el primer párrafo). Esto le viene al pelo a este ‘NYC Layer-Lapse’, un trabajo que lleva mucho más allá el concepto de paso acelerado del tiempo creando uno nuevo, el de “layerlapse”, en el que el tiempo se combina en diferentes capas que se activan según un algoritmo haciendo que la ciudad “cobre vida” al ritmo de la música.

Puede que la música no sea digna de vuestras playlist (y desde luego no tiene nada que ver con la típica música épica que suele ser habitual en este tipo de vídeos), pero desde luego juega un papel fundamental para lograr el resultado final que, como decimos, abre una nueva vía en este campo. La idea es de Julian Tryba, responsable de Alinia Media, un estudio dedicado a la producción de vídeos y timelapses. Antes de dedicarse a ello Julian estudió ingenieria lo que es un dato crucial ya que el movimiento de capas que habéis visto, entre 100 y 300 capas en las escenas más complicadas, se realiza en base a un algoritmo matemático que se ejecuta gracias a scripts de After Effects.

Al parecer, Julian ya había hecho algo similar con la ciudad de Boston, trabajo que no tuvo mucha difusión pero sí que le animó a seguir adelante con su nuevo concepto y afrontar un nuevo e inmenso reto: crear uno de Nueva York. Según Julian, "los timelapses tradicionales están limitados por la idea de que existe un solo reloj universal. Pero en el espíritu de la teoría de la relatividad de Einstein, los layer-lapses asignan “relojes” distintos a cualquier objeto o partes de una escena. Cada uno de esos relojes puede empezar en cualquier momento y moverse a distinta velocidad". El resultado es ese efecto visual de dilatación del tiempo que habéis visto y que él denomina ‘layer-lapse’, algo así como "lapso por capas".

Sea como fuere, como os podéis imaginar, el tiempo invertido para crear este vídeo fue inmenso: 22 viajes a NY, más de 16.000 kilómetros recorridos, 352 horas de grabación y 232.000 fotos capturadas, a lo que hay que sumar todo el tiempo de postproducción que imaginamos fue mucho. En cuanto al equipo usado para la toma de imagen, Julian usó nada menos que seis cámaras: Sony A7R II, Canon EOS 5DS, EOS 5D Mark III, EOS 5D Mark II, EOS 6D Y EOS 7D.

Más información | Alinia Media

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‘Atmospheres of Aarhus’, otro espectacular timelapse 4K para quedarse pegado a la pantalla y conocer nuevos lugares

Sólo hace ocho años que nos dejó y este 2017 Irving Penn hubiera cumplido los cien. Para conmemorarlo y dar a conocer su legado, el Gran Palais de París acoge ‘Irving Penn’, una panorámica histórica sobre los setenta años de carrera del fotógrafo que protagonizó la edad dorada de la fotografía de moda del Siglo XX.

Esta exposición toma el relevo de la que ya se realizó hace unos meses en el Metropolitan de Nueva York, aunque la que ahora se celebra en la ciudad del amor no sólo nos pilla más cerca sino que incluye más fotografías que la primera. Hasta 240 instantáneas originales de Irving Penn que suponen la retrospectiva más completa realizada hasta ahora sobre el gran fotógrafo norteamericano.

Irving Penn. Girl with Tobacco on Tongue (Mary Jane Russell) [Jeune femme avec du tabac sur la langue (Mary Jane Russell)]. New York, 1951 épreuve gélatino-argentique 37,5 × 36,5 cm The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © Condé Nast

Irving Penn

Nacido en Plainfield, New Jersey, en 1917, su familia se mudó a Filadelfia donde Penn estudió en la Escuela de Artes Industriales. Uno de sus profesores era Alexey Brodovitch, un inmigrante ruso (como los padres de Penn) que se convertiría en director de arte de la revista Harper’s Bazaar. Brodovitch se fijó en las inquietudes artísticas de Penn y fue su principal valedor (como lo fue también de Richard Avedon). De hecho, Penn trabajó a las órdenes de Brodovitch durante algún tiempo como ilustrador y más tarde como ayudante cuando le nombraron director de arte de los lujosos almacenes Saks de Nueva York.

Pero Penn se independizó de su mentor marchándose a México, con la idea de dedicarse a la pintura, y sólo un año después volvió a la gran manzana y empezó a trabajar para Vogue USA publicando su primera portada ese mismo año (1943). Se trataba de un bodegón compuesto por un bolso, unos guantes, una tela gris, una lámina con cítricos y una nota al fondo que anunciaba los contenidos del número. Fue la primera de un montón de portadas para Vogue, revista con la que desarrolló la mayor parte de su carrera.

Lisa Fonssagrives-Penn, Irving Penn at Work in New Guinea [Irving Penn au travail en Nouvelle-Guinée] 1970. épreuve gélatino-argentique, vers 1974 19,4 x 19,4 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © The Lisa-Fonssagrives-Penn Trust

La fotografía de moda hecha arte

“Una buena fotografía es aquella que cuenta algo, toca el corazón y cambia al espectador después de haberla visto”. Así entendía Irving Peen su trabajo. Una filosofía que desarrolló junto a fotógrafos como Richard Avedon y Helmut Newton, con los cuales logró revolucionar la fotografía de moda gracias a un estilo que la elevó a categoría de arte.

Para él, cualquier cosa podía convertirse en algo artístico, ya fuera una estrella del mundo del cine (que tanto prodigó) o una simple colilla. Sus retratos suelen reconocerse por su elegante simplicidad, con el blanco y negro predominante, un escenario simple (“menos es más”) y unas poses bastante teatrales para retratar a los muchos personajes del momento que pasaron por su estudio.

Irving Penn, Spanish Hat by Tatiana du Plessix (Dovima) [Chapeau espagnol par Tatiana du Plessix (Dovima)] New York, 1949. épreuve gélatino-argentique 39,7 x 37,5 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © The Irving Penn Foundation

Personajes como Woody Allen, Alfred Hitchcock, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Joan Miró, Arthur Miller o Marlene Dietrich a los que inmortalizó en fotos icónicas. Claro que Penn también se fijó en otro tipo de personajes como los nativos de zonas como Perú, Camerún, Marruecos o Nueva Guinea a los que retrató con el mismo estilo que a las estrellas de Hollywood. Además, el maestro no se limitó a la foto de moda y los retratos sino que también cultivó otros géneros como los bodegones, los desnudos o las escenas de calle.

Buena parte de todo este trabajo se puede ver en la exposición que está organizada por el Grand Palais de París y el Metropolitan de Nueva York en colaboración con The Irving Penn Foundation.

Irving Penn, Picture of Self [Autoportrait] Cuzco, 1948. épreuve gélatino-argentique. 34 × 26,4 cm © Condé Nast

‘Irving Penn’

Del 21 de septiembre de 2017 al 29 de enero de 2018

Grand Palais

3 Avenue du Général Eisenhower

75008 París (Francia)

www.grandpalais.fr

En Xataka Foto | Nicholas Nixon en la Fundación Mapfre de Madrid: una magnífica retrospectiva

Foto de portada | Vista de la exposición 'Irving Penn'. Escenografía de Gare du Nord Architecture © Rmn-Grand Palais / Foto de Didier Plowy

Seguro que habréis visto mil videos sobre Nueva York, pero os aseguro que nunca habéis visto uno como éste. Y no ya porque muestre aspectos desconocidos de una de las ciudades más visitadas del mundo, sino porque nos lo enseña a través de un vídeo que mezcla las técnicas del timelapse y el hyperlapse de una forma absolutamente magistral y con un ritmo frenético que hace que el resultado sea sencillamente espectacular.

Los creadores de esta mini película son los austriacos de FilmSpektakel, a quien ya os presentamos a propósito de otro trabajo similar sobre la isla de Tenerife. Pues bien, en este caso, el equipo formado por Peter Jablonowski, Thomas Pöcksteiner y Lorenz Pritz se pasaron 10 días, con sus noches, en la que seguramente sea la ciudad con más apodos del mundo (la gran manzana, la ciudad de los rascacielos, la que nunca duerme…) allá por septiembre de 2016. Pues bien, un montón de hamburguesas, un paseo en helicóptero y miles de fotos después, se volvieron a casa con 65.000 imágenes (2.6 TB de espacio en disco duro) para producir el resultado final.

La verdad es que diez días no parece mucho tiempo así que imaginamos que el trabajo previo de planificación tuvo que ser serio. Tanto o más que el trabajo de montaje y postproducción que, como podéis comprobar, no tuvo que ser nada sencillo. Porque si por algo se caracteriza este trabajo es por un montaje milimétrico y que sólo podemos calificar como frenético de tal manera que en solo tres minutos se puede ver todo New York desde múltiples perspectivas.

De entre todas las secuencias destaca una dedicada a los famosos taxis neoyorkinos, que como sabéis son de un amarillo chillón, que se llevó a cabo tomando más de dos mil fotos de vehículos desde todos los ángulos posibles para montar un plano espectacular que llevó cinco días de trabajo en postproducción. Un ingente trabajo de postproducción que, por cierto, está magistralmente apoyado en el apartado sonoro por el fabuloso trabajo de Alex Clement en el diseño del sonido.

Por lo demás, poco podemos decir, vedlo y entenderéis que todos los adjetivos que podemos poner se quedan cortos. Es uno de esos vídeos que te hace mirar de otra manera tu propia ciudad y, quizá, intentar ser capaz de hacer algo diferente...

Por cierto, tampoco os perdáis la lista de equipo que usaron para rodarlo: Una Sony A7R II, una Sony a6300 y dos Canon EOS 6D con objetivos Canon 11-24mm ƒ4, Canon 24-105mm ƒ4, Tamron 150-600mm, Tamron 24-70mm ƒ2,8 y un Zeiss 24-70mm ƒ4, además de accesorios específicos para vídeos de este tipo (la lista completa la tenéis en su página de Vimeo)

Página web | FilmSpektakel

En Xataka Foto | ‘Nikon in Space’, un timelapse que nos traslada al espacio a través de las cámaras Nikon

Crear retratos únicos del maravilloso mundo del ballet y sus bailarines, capturando “El Arte del Movimiento”, es la idea detrás de NYC Dance Project, un proyecto creado por una pareja neoyorkina formada por Ken Browar, un reputado fotógrafo de moda, y Deborah Ory, una bailarina que tuvo que dejarlo por una lesión y se dedicó a la fotografía y el mundo editorial.

Un buen día esta pareja, relacionada desde siempre con el mundo del ballet, quiso decorar la habitación de su hija (estudiante de ballet) y se encontró con que no había fotos que merecieran la pena. Así, decidieron hacerlas ellos mismos para lo cual se pusieron en contacto con uno de los bailarines principales del American Ballet Theatre al que la idea le pareció genial.

Miriam Miller, New York City Ballet

Este fue el comienzo de un proyecto que pronto empezó a engordar con muchos más bailarines que la pareja fue fotografiando en su estudio de Brooklyn. Así, en octubre pasado ‘The Art of Movement’ se convirtió en un libro de gran éxito (tanto que ahora mismo está agotado en Europa ―hasta mayo― aunque siempre se puede comprar desde los EEUU o descargar en formato digital vía Amazon) que incluye fotos de más de 70 bailarines de diferentes compañias de nivel internacional.

Lo cierto es que las fotos son realmente bellas como podéis ver, y sin duda hacen honor a lo de captar el arte del movimiento. Por cierto que, como podeís imaginar, el proyecto no es sólo una colaboración entre los fotógrafos, sino que la relación con los sujetos fotografiados es muy impoprtante. Así, cada una de ellas está preparada con mimo como si fuese una producción de baile, con atención a cada detalle, a cada movimiento y, por supuesto, a la iluminación de cada fotografía. Sin duda un gran trabajo.

Michael Jackson Jr, Daniel Harder and Sean Aaron Carmon, Alvin Ailey American Dance Theater

Xin Ying, Principal, Martha Graham Dance Company

Zachary Catazaro, Soloist, New York City Ballet

Robert Fairchild and Tiler Peck, Principals, New York City Ballet

Holly Dorger, Principal, The Royal Danish Ballet

Charlotte Landreau, Soloist, Martha Graham Dance Company

Misty Copeland, Principal, American Ballet Theatre

NYC Dance Project | Página web | Facebook | Instagram

En Xataka Foto | 'Mujeres en el laberinto', el drama de las mujeres en el Congo por Concha Casajus y Paco Negre

Foto de portada: James Whiteside, Principal, American Ballet Theatre. Todas las fotografías de Ken Browar y Deborah Ory reproducidas con permiso de los autores para este artículo