Las sociedades fotográficas empezaron a proliferar nada más presentarse la fotografía en 1839. La más antigua de todas es la Royal Photography Society. Se formó el 20 de enero de 1853 y el 3 de marzo de aquel año empezó a publicar su boletín. A partir de ahora, desde aquel primer número hasta el último de 2018 podremos leerlo gratis en internet.

La Royal Photographic Society Journal es la publicación periódica fotográfica más antigua del mundo. El primer número apareció, como hemos dicho, el 3 de marzo de 1853 y se ha publicado desde entonces con ligeros cambios en su frecuencia y formato.

Ahora tenemos al alcance de nuestro ratón o nuestro dedo, según donde lo miremos, toda la historia de la fotografía británica, y una parte muy importante de la historia de la fotografía mundial.

Los primeros números

Eso sí, tenemos que saber inglés para disfrutar de toda la información. Aunque siempre podemos copiar y pegar el texto y buscar algún traductor. O simplemente poner en marcha la inteligencia artificial de nuestro móvil y que nos traduzca el texto en un solo gesto.

Un trabajo titánico de la Royal Photographic Society

Hay que tener mucho tiempo para encontrar los artículos que más nos interesan. O mejor aún, podemos utilizar el buscador para encontrar referencias a nuestros fotógrafos preferidos. He puesto William Fox Talbot, uno de los padres del arte de la luz, y tengo más de 1800 referencias.

Pero si me voy al continente americano y busco Richard Avedon hay más de 100 artículos donde le nombran. Y como no podría ser de otra manera, si quiero información del británico Martin Parr encontramos más de 400 artículos...

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Cómo inventar luces de colores en nuestras fotografías con Adobe Photoshop sin complicaciones

Este tipo de trabajo es el que deberían poder hacer todas las instituciones con un legado semejante. Digitalizar todos sus archivos y ponerlos al alcance de todos los internautas para evitar que esos trabajos se pierdan. Como siempre hace falta dinero y pocos quieren facilitarlo...

Una página de las últimas revistas

Es increíble encontrar en el número 134 referencias a uno de los mejores libros de revelado que he tenido nunca, el manual de impresión de Tim Rudman: 'The master photographer's lith printing course'; junto con el anuncio del libro de Cristina García Rodero 'España oculta' donde dicen que muestra un país intrigante y misterioso.

Son 150 años de historia que suman más de 30.000 páginas con las que podremos conocer todo acerca de la fotografía y practicar nuestro inglés.

Más de 30,000 páginas de información

Si tienes tiempo y ganas puedes hacer un estudio avanzado de cómo cambian las técnicas a la hora de trabajar con Adobe Photoshop, por ejemplo... Si eres nostálgico te encantará ver cómo cambian los paneles y ventanas del popular programa y descubrir que cada vez se hace más complejo.

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'Las meninas': qué aprendemos los fotógrafos de la pintura

Es la forma perfecta de ver la evolución de un arte, forma de expresión o como queramos llamarlo desde el elitismo de los primeros años hasta un mundo digital 100%. Lo mejor de todo es que puedes estudiar tendencias, formas de mirar y cómo cambia la sociedad a lo largo de tres siglos. Desde luego un tesoro al alcance de todos nosotros.

Está claro que la fotografía callejera está de moda (o sigue de moda, más bien), y hay muchas cosas que lo demuestran. Por supuesto los muchos aficionados al género, y también los distintos colectivos en los que muchas veces se agrupan. Y también proyectos como Eyeshot una revista en formato tanto online como en papel de reciente aparición y que aspira a convertirse en un referente de este ámbito fotográfico.

Nos la presentó David Fidalgo “Bricks”, un fotógrafo callejero que fue cofundador del colectivo La Calle es Nuestra y es coordinador y responsable de ventas de Eyeshot Magazine. Y nosotros, como nos pareció interesante, queríamos que la conocierais. Y para ello qué mejor que charlar directamente con David para que nos cuente de qué va Eyeshot:

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“Es muy difícil vivir exclusivamente de este tipo de fotografía, pero yo lo estoy intentando”, Pau Buscató, fotógrafo callejero

Muy buenas David. Gracias por atendernos y presentarnos la revista. Para empezar, cuéntanos brevemente ¿qué es Eyeshot y cuál es su objetivo?

Sé que suena pretencioso pero Eyeshot aspira a convertirse en un referente a nivel mundial en street photography. Hemos creado un concepto de publicaciones en papel temáticas, pero siempre manteniendo el concepto de “foto de calle”, en la que autores de todo el mundo pueden optar a ser publicados.

Cada trimestre hay un numero nuevo, nosotros los llamamos “Issues”, pero son fotolibros en toda regla. La idea es documentar de una manera física el panorama street actual y que no caiga en el olvido de los cientos de imágenes genéricas de Internet. Además, en la web tratamos de promocionar e impulsar a artistas de todo el mundo, publicando sus trabajos de forma continuada.

¿De dónde surge la idea de crear este proyecto? ¿Por qué pensastéis que una revista en formato papel era buena idea?

Mi papel en el proyecto es el de colaborador y responsable de ventas. Todo este tinglado es idea de Marco Savarese, fotógrafo de calle italiano que, tras la experiencia de crear un portal web llamado Hyde Park Photography, vio la necesidad y el potencial de dar una vuelta de tuerca al panorama de la fotografía de calle actual.

Soy muy lanzado para estas cosas, y cuando Marco me comentó lo que tenía entre manos me subí al barco de inmediato. Siempre te surgen dudas al aceptar nuevos retos, pero recuerdo hace unos meses cuando el primer volumen de Eyeshot llegó a mi casa… Sentí que estaba ante algo muy grande.

¿Qué es lo más novedoso? ¿Qué ofrece Eyeshot que no existiera antes?

Aunque suene contradictorio o anacrónico, la novedad es el papel. Vivimos en un momento de la fotografía marcado por la inmediatez: Vemos fotografía en diminutas pantallas y, encima, en lugares poco propicios como el autobús, un descanso del trabajo… ¡incluso en el WC!

Pensemos una cosa: ¿Cuánto tiempo tardamos en ver una foto? Seguro que la mayoría no dedica mas de 10 segundos por cada imagen que aparece en su Instagram. Poder tener un buen libro en papel que degustar en casa sin prisas, marca la diferencia. Queremos que se analice, que se dedique tiempo a cada página y, sobre todo, que se valoren esos momentos únicos que sólo la foto de calle sabe captar.

¿A qué tipo de público está dirigida?

El target principal, obviamente, es gente a la que le guste la fotografía de calle, sin embargo y dada la calidad de la propuesta, cualquier persona que disfrute de un buen fotolibro en papel debería, al menos, darle una oportunidad. Estoy seguro de que no se iba a arrepentir.

¿Cómo es eso que dices de que cualquiera puede participar? Cuéntanos cómo es el proceso

Cada uno de los números de Eyeshot viene definido por un tema. Por ahora llevamos dos (Surreal y Flashgun, que acabamos de lanzar) más un especial de Navidad. Unos meses antes de publicar el siguiente número colgamos en la web un formulario para que todo el mundo que tenga una foto acorde a la temática pueda participar y, si tiene suerte, será publicada.

Al final tratamos un poco de llevar esas menciones en cuentas temáticas de Instagram un poco más allá. Está bien que uno de esos perfiles punteros coja una foto tuya y la cuelgue en la red, pero si te digo que con Eyeshot puedes ver tu foto impresa junto a otros muchos fotógrafos de renombre… La cosa mejora ¿no?

Se puede conseguir en formato digital, pero ¿cómo se puede obtener en versión papel? ¿sólo se puede comprar a través de vuestra web o la estáis distribuyendo en algún lugar concreto?

A través de nuestra web puede conseguirse tanto en digital como en papel. Estamos tratando de intentar llegar a más medios, pero es complicado debido a las políticas de distribución y los márgenes con los que juegan los intermediarios. No debemos olvidar que Eyeshot es un proyecto alternativo, y de momento no tenemos financiación proveniente de publicidad o terceros.

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Fujifilm XF10, análisis: Discreta y sencilla pero capaz de convertirse en una “buena amiga” de los fotógrafos callejeros

¿Qué acogida estáis teniendo? ¿Habéis vendido más copias en digital o en papel? ¿Podéis darnos alguna cifra?

Diría que de los dos primeros números tenemos vendidos un 80 - 85% aproximadamente. En cuanto la acogida, estamos encantados con la cantidad de mensajes a nivel mundial que estamos recibiendo. Mucha gente se está subiendo al carro de Eyeshot y eso nos ha permitido, entre otras cosas, ser colaboradores oficiales del Italian Street Photo Festival que se celebra a finales de abril en Roma.

Por supuesto tenemos más cositas en marcha… pero no podemos decir nada.

¿Qué participación tiene España en el proyecto? ¿Y cuál el colectivo ‘La Calle es Nuestra’?

Hay varios fotógrafos españoles que han aparecido tanto en las ediciones impresas, como en las menciones que hacemos en la web. Así de memoria recuerdo a grandes compañeros como Antonio E.Ojeda, Bambi o Andrés César.

Un instante del workshop impartido en EFTI. A la izquierda de la imagen David Fidalgo, a la derecha Rodrigo Roher.

Mi aportación para Eyeshot va en paralelo al proyecto de La Calle Es Nuestra; No obstante, para la presentación del primer número conté con la colaboración de Rodrigo Roher en un workshop que impartimos en la escuela EFTI sobre surrealismo y fotografía de calle.

Háblanos de ti ¿Cómo empezaste? ¿Qué es lo que te llevo a convertirte en fotógrafo? ¿Por qué te especializaste en fotografía de calle?

Desde pequeño me ha gustado hacer fotos, pero llegó un momento que me empezó a interesar también analizar y degustar fotografías de otros autores. Fue entonces cuando encontré a clásicos como Harry Gruyaert o Elliott Erwitt, pero también a gente rompedora, en cierto modo “gamberra”, del panorama actual callejero como la gente del colectivo In Public.

A riesgo de parecer un bohemio con lo que voy a decir, o “intenso”, como les llaman en mi pueblo, la street photography me parece una de las formas mas puras de fotografía que hay, puesto que el foco está únicamente en buscar el momento. Nada se planifica. En cierta manera, es la escena la que te busca a ti y no al contrario, tan sólo tienes que entrenar el ojo para encontrarla.

Foto de David Fidalgo "Bricks"

También valoro, y esto es algo que otros tipos de fotografía no han sabido darme, ese punto de descaro de ir cámara en mano sin vergüenza ninguna. Cuando empiezas en esto da miedo acercarte a la gente y fotografiarla, pero una vez le coges el punto es un pequeño chute de adrenalina y un incentivo para ponerte nuevos retos: ¿Cuánto más cerca puedes llegar?

¿Cómo definirías la fotografía callejera?

Nadie se pone de acuerdo, y no me atrevería a dar una definición exacta, pero lo que sí tengo claro es que no debe haber preparación previa de la escena, eso que los ingleses llaman Candid Photography.

Al final, hacer foto de calle es un poco un juego y un reto personal; No importa si la escena está nítida o bien encuadrada, lo más importante es ser rápido y tener la habilidad de ver lo que nos rodea con otros ojos. Así que también podría definirlo como el arte de mirar la ciudad de manera diferente.

¿Qué te parece el auge de la street photo que estamos viviendo en los últimos años?

Hablando claro ¡me parece cojonudo! En un momento en el que impera el selfie, la foto de postal y el retoque extremo, que haya una comunidad tan grande revindicando la belleza de, simplemente, captar el momento se me antoja hasta necesario.

Foto de David Fidalgo "Bricks"

Antes de dedicarme plenamente a este estilo solía meterme mucho a foros de marcas de fotografía, de esos que acaban en “istas.com”, y en ellos la mayoría de la gente se preocupaba de tener el sensor de cámara mas grande, o de borrar digitalmente elementos de la escena porque sobraban en fotos perfectas. La comunidad de street es muy diferente: Se habla de autores, movimientos, se hacen quedadas para ver exposiciones… Es otro rollo.

Al publico que acude a los Workshops no le interesa qué cámara llevas o con qué software editas las fotos, únicamente quiere entrenar su ojo para hacer clics mejores. En resumen, todo lo que sea fomentar una fotografía mas pensada y honesta, por mí, cuanto más mejor.

Para lograr una buena foto… ¿Dirías que el elemento más importante es la improvisación o estar preparado para captar el momento?

Es muy curioso que, cuando empiezas en fotografía de calle, sueles posicionarte en una de esas dos posturas por instinto, pero poco a poco deja de ser algo tan radical. Una vez entrenas el ojo, al final lo que buscas es impactar al espectador y para ello simplemente tienes que ser rápido para pillar un instante que te acaba de sorprender, o bien seguir tus corazonadas si piensas que debes de quedarte un poco más en algún lugar en concreto esperando ese “algo” que te haga volver a casa con una foto.

En Xataka Foto

Auschwitz y la insoportable levedad de las redes sociales

¿Eres de lo que llevas siempre una cámara contigo a todas partes?

Pese a que son herramientas muy buenas para el callejeo, ya que siempre están en tu bolsillo, no me llevo nada bien con las cámaras de los smartphones ¡me faltan diales y botones por todos los lados! Por eso, en bastantes ocasiones he estado condicionado a no poder llevar la cámara encima todo lo que me gustaría.

Sin embargo, recientemente he adquirido una Ricoh GR III, que cabe en un cualquier lado, con el objetivo de no perder ni un momento del día… ¡Nunca sabes cuándo llegará “la foto”!

¿Qué opinas de las redes sociales como medio para difundir el trabajo de los fotógrafos?

Las redes sociales son estupendas si se usan con cabeza, pero a la vez pueden ser muy destructivas. Por ejemplo, me encanta Instagram porque me permite ver y descubrir cientos de fotos de gente que me chifla, y gracias a sus histories sé más de su vida, de las cámaras que usan, de sus talleres, sus gustos… Y encima no hay nada que me impida contactar con ellos para tener buenas conversaciones o hablar de futuros proyectos.

Como punto negativo, debes abstraerte un poco de likes, comentarios y seguidores, puesto que pueden condicionar tu trabajo. Al final tienes que darte cuenta de que eres fotógrafo, que estás en esa herramienta para disfrutar con la fotografía y hacer un poco lo que te apetezca, no para ejercer de influencer.

¿Te gustaría contar algo más a los lectores de Xataka Foto?

Simplemente agradecer la oportunidad de dar a conocer este proyecto. A los lectores decirles que brujuleen un poco por nuestra web y que no sólo le den una oportunidad a la revista (el número nuevo 'Flashgun', es brutal), si no que se la den a ellos mismos enviando contenido cuando se abran las inscripciones del siguiente número. Saludos a todos y… ¡nos vemos en las calles!

Portada del último número de Eyeshot

Pues muchas gracias David por contarnos vuestro proyecto para el que, por supuesto, os deseamos toda la suerte del mundo.

Eyeshot | Página web | Instagram | Facebook | Twitter

Hace poco que National Geographic, sin duda una de las publicaciones de referencia a nivel mundial en el campo de la fotografía, cumplió 125 años y lo celebró, entre otras, con una colección de edición limitada denominada 'National Geographic. La Vuelta Al mundo En 125 Años', donde hacía un repaso conjunto por la Tierra y su historia a través de los contenidos de la popular revista durante esos años.

Claro que aquella colección, que contenía tres volúmenes, sólo se podía adquirir de forma conjunta, lo que hacía que su precio fuera elevado. Por esta razón, ahora Taschen ofrece este mismo contenido pero en varios volúmenes separados y con un precio más interesante. Eso sí, de momento sólo han presentado dos: ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Europa’ y ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Asia & Oceanía’.

Ambos libros pretenden enseñarnos y maravillarnos “con sus asombrosas fotografías e ilustraciones y con apasionantes historias procedentes de todos los rincones del planeta. Combinando temáticas de viajes, vida salvaje, ciencia, historia, cultura y conservación, la revista pionera sigue animando a millones de lectores a explorar y cuidar el planeta que habitamos”.

Foto de Steve Mc Curry. India (1993). En la página 101 del libro ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Asia & Oceanía’.

Las cientos de imágenes que contienen provienen, cómo no, de los archivos históricos de National Geographic y abarcan “desde la edad dorada del Kodachrome hasta la era digital” organizadas geográficamente, trazando “un viaje a través del tiempo y el espacio”. Una “inversión cultural para disfrutar y compartir”, según la nota de prensa.

Foto de Thomas Nebbia. Gales (1964). En la página 155 del libro ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Europa’

‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Asia & Oceanía’ contiene 392 páginas y más de 250 fotografías de “viajes, vida salvaje, ciencia, historia, cultura y conservación […] Un homenaje imponente a las maravillas caleidoscópicas de Asia y Oceanía”. Como os podéis imaginar, el contenido es variado y se nutre de fotógrafos de reconocido prestigio como Steve McCurry o Frans Lanting.

Por su parte, ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Europa’, incluye 336 páginas y más de 200 fotos, 40 de ellas inéditas, que pretender ser un “homenaje imponente al espíritu y diversidad de Europa […] Un viaje fundamental por las maravillas y facetas ocultas del continente” con fotos no menos interesantes.

Foto de Otis Imboden. Grecia (1963). En la página 312 del libro ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Europa’.

Precio y disponibilidad

‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Europa’ y ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Asia & Oceanía’ se presentan en tapa dura y con unas medidas de 26,9 x 37,4 cm. Ambos estarán disponibles el próximo mes de noviembre a un precio de 49,99 euros cada uno.

Foto de Horace Bristol. Japón (1946). En la página 257 del libro ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Asia & Oceanía’.

Más información | Taschen

En Xataka Foto | ‘Steve McCurry: Afganistán’, el libro que repasa el trabajo del famoso fotógrafo en su país talismán

Foto de portada | David Alan Harvey. España (1991). En la página 238 del libro ‘National Geographic. La vuelta al mundo en 125 años. Europa’

Las ganas de difundir las técnicas, procesos y resultados de la fotografía son tan antiguas como la propia fotografía. Estas son algunas de las primeras publicaciones que decidieron apostar por este tipo de contenidos.

Las primeras revistas de fotografía surgieron en Francia, algunas copiaron el creativo y arriesgado concepto y supusieron una revolución en el panorama periodístico que, hasta la fecha, utilizaba la fotografía como complemento para sus noticias, no como hecho noticiable en si mismo.

Graphos ilustrado

Portada y contraportada nº1 de la revista Graphos. Enero de 1906

Antonio G. Escobar dirigió esta publicación que constaba de 32 páginas, fueron 24 ejemplares dirigidos tanto a profesionales como a aficionados que se publicaron en dos tomos, 12 correspondientes al primer año y otros 12 al segundo, por lo que tuvo dos números uno.

Como vemos, ideas como la de Flickr no son tan originales y novedosas en cuanto a concepto se refiere, ya que esta publicación comparte ciertos principios con la página web, entre sus artículos los lectores de la época podían encontrar además de las ilustraciones y grabados de grandes maestros y autores y fotografías tanto de estudio como instantáneas, una parte pedagógica sobre la fotografía, artículos sobre teoría y técnica, lecciones, consejos, fórmulas, materiales, novedades, extractos de publicaciones extranjeras, etcétera.

Páginas de la revista Graphos Ilustrado. Nº1. 1906

Al igual que ahora en publicaciones como la nuestra, los editores de Graphos Ilustrado se dieron cuenta de la necesidad de que sus lectores pudieran consultar sus dudas y crearon un buzón para publicar las consultas. La publicación llegó incluso a organizar alguna exposición de fotos. Asimismo, incluía anuncios comerciales del sector y una lámina fuera de texto.

Portada y buzón del nº1 Tomo II de la revista Graphos Ilustrado. 1907.

La Unión Ilustrada

La unión ilustrada es considerada como la mejor revista gráfica andaluza del primer tercio del siglo veinte y fue el máximo exponente del periodismo gráfico que en Madrid venía desarrollándose a través de revistas como Blanco y negro (1891), Nuevo mundo (1894) o Mundo gráfico (1911).

Esta publicación traspasa fronteras y sus ejemplares pudieron encontrarse también en América.

Portada y página interior del Nº1 del semanario La Unión Ilustrada. 5 de septiembre de 1909

A diferencia de la publicación de la que hablamos antes, La Unión Ilustrada no tenía un formato fijo: era una revista semanal pero no salía siempre el mismo día, el número de sus páginas variaba. No se dedicaba a la difusión de técnicas fotográficas pero daba mucha importancia a estas, de hecho sus dieciséis páginas centrales las dedicará íntegramente a la información gráfica.

Podríamos decir que fue una de las revistas que más importancia dio a la fotografía desde el inicio, a partir del 25 de febrero de 1912 introducirá el color en los fotograbados de su cubierta y a partir de 1930 distribuye fotografías también por todas las páginas de la revista.

Galería. Revista internacional de Fotografía

A principios de la década de 1930 surgió en Austria una revista de fotografía llamada Die Galerie, tan solo cinco años después José Ortiz Echagüe (1886-1980) coordinó la edición española que llevaría por título Galería.

Fue una publicación dirigida al público español e hispanoamericano, y que contaba con otras ediciones en Dinamarca, Francia, Holanda, Inglaterra, Italia o Checoslovaquia.

Portada del Nº1 de la revista La Galería y extracto del artículo publicado previamente por Pierre Liercourt en la edición austríaca. 1936.

Su editorial tenía un corte de tendencia pictoralista pero sin que objetara de la fotografía moderna o vanguardista de la década de los treinta.

Revista Galeria Nº1, 1936. Paginas Interiores.

En octubre de 1935 salió a la luz el número cero de la edición española, pero el único ejemplar del que se conserva una copia en la Biblioteca Nacional de España corresponde al número uno fechado el 15 de enero de 1936. La revista publicó seis números y tuvo que interrumpir su publicación al estallar la guerra civil española.

Fuente | Hemeroteca Biblioteca Nacional Española

Matthew Rolston es un fotógrafo de moda y director de videoclips estadounidense, reconocido por su particular estilo para fotografiar a las celebrities de Hollywood. Siendo estudiante, su carrera comenzó cuando Andy Warhol lo apadrinó para que realizase retratos para el magazine 'Interview', una tarea que ha continuado desde entonces, en una carrera de más de 30 años y que lo ha llevado a las portadas de las revistas de moda más reconocidas del mundo y a más de 100 portadas de la Rolling Stone.

Vida y estudios

Los inicios de su interés por la fotografía nos lleva hasta mediados de los 70, donde estudió la técnica fotográfica de 1976 a 1978. Como caído del cielo, Rolston fue apadrinado durante sus estudios por Andy Warhol, que le encargó una serie de retratos para el magazine 'Interview'.

Gracias a esta oportunidad, Rolston dio el pistoletazo de salida a una provechosa carrera profesional que lo llevó a producir vídeos comerciales y videoclips para muchísimos clientes como Beyoncé, Madonna, Eurythmics o Miley Cyrus desde finales de los 80 hasta nuestros días, además de los retratos a las celebrities por los que es conocido.

Johnny Depp, fotografiado por Matthew Rolston

La fotografía de moda de los 80

Gracias a la teta proverbial de Warhol, Rolston siempre se ha caracterizado por un estilo uniforme en sus trabajos que no ahonda tanto en lo psicológico como sus compañeros Bruce Weber y Annie Liebovitz.

En sus trabajos, especialmente durante los 80 y los 90, podemos apreciar la preferencia por la verticalidad en sus retratos y el uso de una iluminación atmosférica cenital, glamurosa y muy suave. Desde los 2000, su trabajo tiende a buscar nuevas posibilidades, con más fotografías horizontales, apostando por usar el color como un elemento narrativo más en sus retratos.

Su trabajo bebe del realizado en los 50 y 60 por Richard Avedon aunque buscando más el glamour y la sofisticación en contraposición del retrato puramente psicológico como los del maestro Avedon, que empleaba otras técnicas de iluminación para dotar de mayor dramatismo a sus imágenes.

Trabajos y reconocimientos

Sus trabajos han sido profusos, siendo el autor de numerosas portadas en las revistas de moda más prestigiosas del mundo como Vogue, W Magazine, Vanity Fair o The New York Times. Además, su estrecha colaboración con la revista Rolling Stone le ha dado más de 100 portadas en la publicación. De entre las más recientes, seguro que todos recordaréis esta del número de Septiembre del 2012 con los protagonistas de la serie 'True Blood'.

Portada de la Rolling Stone de Septiembre de 2012 por Matthew Rolston

Como curiosidad, Rolston quedó profundamente entristecido por la muerte del cantante Michael Jackson, con el que había trabajado en numerosas ocasiones desde los inicios de su carrera. Matthew Rolston fue oficialmente el último en realizarle una sesión fotográfica al Rey del Pop el 24 de Septiembre de 2007 para el magazine 'Ebony'.

Al autor se le han dedicado tres monografías de sus trabajos: 'Big Pictures, A Book of Photographs' en 1991, donde se recogen sus primeros trabajos contando con una introducción por Tim Burton; 'Beauty/Light, Pictures at a Magazine' en 2008,por motivo de sus 20 años de carrera; y la más reciente 'Talking Heads: The Vent Haven Portraits' en 2012, que repasa su carrera hasta nuestros días.

Sitio Oficial | Matthew Rolston

Si hay una publicación de referencia para todos aquellos que amamos la fotografía, esa es National Geographic. En las estanterías de mi selecta biblioteca aún puedo encontrar algunos ejemplares comprados hace unos cuantos años, mucho antes quizá de que dedicase mis horas a esta disciplina, mucho antes seguramente de haber dejado a un lado el género de paisaje para adentrarme en otros quehaceres menos vistosos e imperfectos.

Porque la fotografía que engalana las páginas de esta mítica publicación es perfecta. 125 años avalan una revista que nos ha hecho viajar por el mundo sin apartar la vista de sus hojas. Que nos ha hecho volar, navegar y adentrarnos en las profundidades (recuerdo un número publicado con imágenes en 3D del Titanic sumergido) gracias a reportajes que ya forman parte de la historia, de nuestra historia.

1888 fue el año clave en el cual empezó todo. Desde ese momento, no han dejado de sucederse hitos para esta revista, muchos de los cuales vienen a nuestra memoria gracias al vídeo resumen publicado en la página de National Geographic. Desde las primeras imágenes de animales en la noche gracias a la fotografía nocturna, a la inmesión ya comentada al Titanic por James Cameron, pasando por el reportaje del descubrimiento de Machu Pichu o la icónica mirada de la chica afgana captada por McCurry.

Un poco de historia sobre National Geographic

Esta Sociedad, fundada en Estados Unidos el 27 de enero de 1888 a cargo de 33 hombres, fue presidida por primera vez a cargo de Gardiner Greene Hubbard quien fue sucedido por su yerno, el mismísimo Alexander Graham Bell, diez años más tarde. La primera revista no fue publicada hasta octubre de ese año, aunque apenas contaba con fotografías e ilustraciones. En ese primer momento su preocupación divulgativa se centraba en la geografía, y a ello se han ido añadiendo otros temas de corte científico y culturales en lo que viene a ser una de las publicaciones más completas en cuanto al ser humano y su medio se refiere. Como dato curioso, la primera portada ilustrada con una fotografía fue publicada en 1960, hasta entonces sólo contenía texto.

En 1997 lanzó su canal internacional de televisión, gracias al cual, vía satélite, podemos disfrutar de su programación centrada en viajes y demás experiencias que tienen que ver con las materias llevadas a cabo en la revista. Además, su oferta se ha ido completando estos años, aparte de la implementación con la revista de Historia y la de Viajes, también con la apertura de tiendas, sin ir más lejos la ubicada en la Gran Vía madrileña, la cual ya nos ha regalado varias charlas de corte fotográfico desde que abrió su puertas.

Ahora están celebrando el billón de visitas en Youtube, y para ello han montado el vídeo que os adjunto. Han sabido adaptarse siempre a los nuevos tiempos, ya vimos hace unos meses, coincidiendo con la fecha de su aniversario, cómo habían creado un nuevo Tumblr Found. Sin lugar a dudas, un medio excepcional para dar a conocer muchas de sus históricas fotografías que ha ido ampliando sus publicaciones desde que se puso en marcha, y que nos dejará pegados a la pantalla del ordenador durante un buen rato.

El poder de la fotografía, número especial de la revista en octubre

Los fotógrafos usan sus cámaras como herramientas de exploración, pasaportes a santuarios internos, instrumentos de cambio. Sus imágenes son la prueba de que la fotografía importa, ahora más que nunca.

Así reza el texto de este número especial publicado por la revista National Geographic en la versión americana en el cual se hace una recopilación de sus imágenes más significativas desde sus primeros números publicados hace 125 años. En el vídeo de cabecera se hace un resumen donde podemos ver el paso de nuestra historia a través de las icónicas fotografías que nos han ido regalando en estos últimos dos siglos.

Desde las primeras fotografías de George Shiras III a imágenes de la Guerra del Golfo, pasando por imágenes del Mar Muerto, osos polares y leopardos, la gran cantidad de instantáneas tomadas y publicadas que han poblado sus páginas, nos hablan de nuestro mundo, del afán por cuidarlo y concienciar a las generaciones futuras.

En resumen

Felicitamos a National Geographic, cuya labor de divulgación sigue presente, como podemos obsevar cada día. Entre los últimos hitos conseguidos, la búsqueda y posterior descubrimiento de la cápsula del tiempo enterrada por Steve Jobs en 1983, en la cual se ha encontrado una cámara Kodak entre otros objetos. Y así por muchos años más.

Información | National Geographic

Si de algo sirvió el coloquio en FNAC de Callao donde participaron Alberto García-Alix, Alberto Anaut y Nicolás Combarro como actividad dentro del mes de la fotografía organizado por La Fábrica, fue, aparte de contar con las palabras de uno de nuestros premios nacionales de fotografía, poder recordar una de las revistas que marcaron una época dentro la comunidad artística en nuestro país.

"El canto de la tripulación" fue una publicación donde se congregaron un grupo de artistas y fotógrafos bajo la mirada de Alberto García-Alix en una suerte de laboratorio de ideas y poesía visual al estilo de la Factory de Andy Warhol. Con la libertad como bandera, fueron en total diez ejemplares de culto que vieron la luz entre 1989 y 1997.

Alejada de los cánones de estilo de las revistas al uso y, buscando temas afines a Alberto tales como el anarquismo, los tatuajes, las mujeres y las motos e incluso la muerte, lo que allí se congregó con textos de Cesare Pavese o Ramón Gómez de la Serna, fue un canto a la libertad en una época de cambios y, sobre todo, de ilusión por utilizar el arte como medio reivindicativo.

Todo ello nos lo explica su creador en este vídeo para notodo. Lo que significó aquello, los problemas de la autofinanciación y la añoranza de unos años en los que como dice, existían unos ideales y un compromiso por intentar cambiar el panorama en España. En definitiva un sueño y una forma de vida para aquellos que formaron parte de aquella tripulación de creadores.

Ahora que el crowdfunding está tan de moda, echar la vista atrás y conocer que aquellos tripulantes se nutrían con las ideas de unos y de otros, todo ello con un objetivo común, es ciertamente inspirador. Forma parte del pasado, pero también es el presente y el futuro, porque en los tiempos que corren las ideas se agudizan y nos necesitamos para dejar a un lado los individualismos como autores y producir un arte colectivo.

Alberto García-Alix y el fotolibro

Pero además, durante la charla, y así aprovechamos para hablar de los libros de fotografía, Alberto nos regaló varias perlas, porque aunque escueto, cuando habla también le sale poesía de sus labios. Se habló de lo complicado que es sacar adelante un libro, más allá de una exposición. Para él una publicación debe entenderse como una partitura visual. Tiene que existir un diálogo entre las fotos y por supuesto un ritmo donde puede que existan altibajos, pero ante todo que contenga emoción y mantenga despierto al lector y espectador.

Ahora, como nos contó, está trabajando en un fotolibro de autorretratos. Su trabajo más complicado, pero a su vez una biografía donde verse reflejado como fotógrafo. Una publicación en la cual está trabajando a todos los niveles, no sólo con el texto del prólogo sino con la elección de material, diseño y disposición de las imágenes. Particularmente, soy una admiradora de sus propios retratos, por lo que esperaré impaciente a que de luz.

Por el momento, seguiremos disfrutando de su fotografía, de su eterna libertad como creador que es fuente de inspiración para aquellos que nos dejamos atrapar por la obra de autor. Porque su facilidad para emocionar visualmente está constadada y porque sigue siendo uno de nuestros grandes maestros de esta disciplina. Os aconsejo echar un vistazo a las publicaciones de "El canto de la tripulación" a través de la web de la editorial Cabeza de chorlito.

Fotógrafo | Alberto García-Alix Vídeo | Youtube En Xataka Foto | Alberto García-Alix, premio PHotoEspaña 2012 al reconocimiento artístico de su obra

Hablar de David Drebin es hablar de una fotografia moderna, una fotografia actual, una fotografia con sello propio. Este fotógrafo nacido en Toronto (Canadá) y graduado en la escuela Parson de diseño de New York, no ha hecho más que acrecentarse desde 1996, año en el que termino sus estudios.

Su fotografia enfocada sobre todo a la moda y la publicidad, no nos suele dejar indiferentes gracias a su buen hacer tanto en la elección de las localizaciones, como en la elección argumental de todas sus tomas. Es por eso, que muchas de sus obras tengan cierto aspecto cinematográfico en cuanto a la luz, pero con un toque muy caracteristico. Tintes épicos o dramáticos, hacen que lo que podria ser una fotografia de moda normal, acabe yéndose a un historia con un perfecto guión de cine.

En estos últimos años David Drebien, ha sacado al mercado cuatro libros, en los que reune dos de sus pasiones, las mujeres y los rascacielos. Un juego sin duda rompedor a los que este fotógrafo ha sabido añadirle un gran toque personal, para darle un total toque sentimental a todas y cada una de sus imágenes, que está muy cerca del juego de Femme Fatale. Fotografia muy chocante y muy a contrarriente, que se ha ido haciendo un hueco cada vez mayor, hasta ser muy valorada por numerosas personalidades del mundo, tanto del sector artistico como fuera de el.

David, es un declarado admirador de dos grandes fotógrafos, como son Guy Bourdin y Richard Avedon, ha tomado de ellos el interés de transmitir, a la par de tener con ello, una imagen impactante. Por esto y por todo ello, se ha declarado a este canadiense uno de los fotógrafos con mayor crecimiento, en el sector publicitario y de moda de estos últimos años.

Ha trabajado con marcas como American Express, Mercedes Benz, Nike, MTV, Virgin Airlines o Sony (entre otras) y publicado en revistas tales como GQ, Harpers Bazaar, Rolling Stone, ESPN Magazine Vanity Fair etc... a la par de todo esto realiza producciones de video sobre todo de caracter comercial y publicitario.

En definitiva, ante nosotros tenemos a uno de los artistas dentro del sector publicitario fotografico más emergentes del momento, con un estilo muy definido, y con una imagen muy actual; pero sin dejar de lado uno de los aspectos más importante de la fotografía: realizar tomas que transmitan algún sentimiento o impacto al verlas. Este último apunte, es justo una de las cosas sobre las que David Drebin habló al presentar uno de sus libros hace un tiempo

Algún tipo de respuesta emocional al ver mis fotografías sería ideal ... para mí las fotografías más apasionantes son divertidas y sexys, sexys y tristes..

Y es que sin lugar a dudas, la fotografía puede ser un negocio y nuestra creatividad puede ser limitada; pero lo que está claro, es que hay algo que es muy difícil de limitar, y es nuestra capacidad para transmitir nuestra esencia fotográfica.

Sitio Oficial | David Drebin

La emblemática revista Vanity Fair celebra sus 100 años, para ello presenta una exposición con sus mejores fotografías. La exposición llamada “Master of Photography” (de carácter público) expondrá hasta el próximo 8 de enero de 2011, en la galería Ivory Press una colección con las portadas de su revista fundada en 1913.Vanity Fair es una revista estadounidense de cultura, moda y política, publicada mensualmente por Condé Nast Publications.

Tiene en su haber retratos de gente tan conocida como Gary Cooper, Marlene Dietrich o George Clooney. Además presentara una colección de 100 fotografías de los grandes fotógrafos como Cecil Beaton o Annie Leibovitz.

Junto a la exposición se ha editado un libro “Vanity Fair 100 Years: Masters of Photography” con parte del trabajo expuesto. Así que si estáis por Madrid y podéis, pasaros que seguro que no os arrepentiréis.

Eduardo B. Muñoz, Lucía Morate, María Platero y Arantxa Boyero, creadores de 10x15

10x15 es una fanzine online de fotografía contemporánea que nació en 2008 de la mano de cuatro jóvenes amigos. Sus nombres son Eduardo B. Muñoz, Lucía Morate, María Platero y Arantxa Boyero, y cada mes nos traen un nuevo número de su revista centrado en un tema distinto, al que se puede acceder de manera completamente gratuita desde su web.

La publicación reúne imágenes de fotógrafos reconocidos y desconocidos de cualquier nacionalidad, que ellos mismos buscan y seleccionan, convirtiéndose en una plataforma para gente con talento que lleva poco tiempo en el mundo de la fotografía o no ha tenido oportunidad para darse a conocer.

¿Qué referentes teniáis cuando comenzasteis a crear vuestro proyecto? ¿Cuál fue vuestra idea inicial? ¿Es distinta al 10x15 actual?

La idea inicial de Arantxa era un fanzine a la antigua usanza, fotocopiado en papel.

¿Qué función tenéis cada uno en el equipo? Al margen de 10x15, ¿qué relación tenéis cada uno con la fotografía?

Todos intentamos hacer un poco de todo, en gran medida porque es algo que hacemos en nuestro tiempo libre, y unas veces unos tienen más que otros, nos vamos turnando.

Todos somos fotógrafos profesionales y desarrollamos un trabajo personal: www.e-photo.es , www.arantxaboyero.com, www.mariaplatero.com, www.luciamorate.com

¿Dónde soléis descubrir las fotografías que luego publicáis en el fanzine? ¿Con qué criterios las escogéis?

La gran mayoría navegando por Internet. Pero cada número es una mezcla de artistas conocidos, con aficionados que cuelgan sus fotos en Flickr y gente que nos escribe proponiendo su trabajo.

Uno de vuestros bancos de imágenes son las fotos que os envían los propios lectores. ¿Recibís muchas al mes? ¿Suponen una parte significativa de la selección de imágenes en cada número?

Cada vez más. Nos encanta conocer trabajos nuevos. Depende del número, solemos incluir a alguno en cada número.

¿Cuáles son las mayores dificultades con las que os encontráis a la hora de afrontar cada número? ¿Alguno que os haya costado especialmente?

No saber cuántos artistas van a querer participar en el número o van a enviar las imágenes a tiempo. En ocasiones todos contestan a tiempo, pero limitamos el número de autores que publicamos.

Hace unos meses hicimos un número especial que dedicamos a imágenes inspiradas en El Jardín de las Delicias de El Bosco. Invitamos a la gente a mandar sus propuestas. Pensamos que recibiríamos más. Aunque estamos muy contentos con el resultado.

Hablemos ahora del formato 10x15, el rey de casi todos vuestros números (exceptuando el #10, que dedicasteis al formato 15x10, o el #19 I love your profile). ¿Por qué lo escogisteis? ¿Es un requisito para incluirlas en el fanzine?

10x15 es el formato de los álbumes que regalaban con cada revelado, al que nuestra publicación hace referencia.

Hasta ahora si lo ha sido. Muchos artistas adaptan amablemente sus imágenes a este formato. Pero no siempre es posible. Lamentablemente otros muchos se quedan fuera.

Estamos trabajando para mejorar esto.

Vuestras portadas tienen una estética común que consiste en la imagen de una persona de espaldas, e incluso tenéis un número dedicado específicamente a este tipo de fotografías, el #17 I love behind their backs. ¿Tiene algún significado?

Inconscientemente, como nos dijo Carmen Dalmau, quitamos el protagonismo al protagonista, subrayando que la publicación rechaza jerarquías y publica a artistas consagrados y noveles.

La vuestra es una publicación no comercial, ¿es por eso que optasteis por Internet como vía de distribución?

La opción on-line vino más bien dada por la inmediatez, y la mayor distribución, y claro, por lo barato que es.

¿Habéis utilizado alguna estrategia para promocionaros o todo ha sido el magia del boca a boca y de Internet?

Supongo que la estrategia inconsciente consiste en hacer algo fresco, distinto, y pasarlo bien. Pero adicionalmente, hemos tenido la suerte de estar presentes en sitios como Offlimits o La Casa Encendida (Emergencias), Festivales de fotografía como Emergent Lleida, o Ferias como Madridfoto.

¿Qué tipo de lectores soléis tener? ¿Es un espectro amplio, o no demasiado?

Sí, nuestro público es amplio y variado. Va desde especialistas en la materia a ... a mí madre le encanta.

Y a vosotros, ¿qué tipo de fotografía os gusta hacer?

Muchos de los temas que nos interesan están presentes en el fanzine. En general situaciones cotidianas. Y con sentido del humor.

¿Qué diferencia hay entre el ojo de un fotógrafo y el de un editor que escoge fotografías para una publicación?

El editor reinterpreta al fotógrafo, apropiándose de su trabajo para ilustrar lo que quiere contar.

Esta pregunta debe ser de difícil respuesta, pero, ¿podrías decir el nombre de unos pocos fotógrafos poco conocidos cuyo trabajo recomendaríais sin vacilar si alguien os preguntara?

Julio Galeote, Lola Guerrera, Jonay PMatos, Juan San Sebastián y Susanna Majuri.

Agradacemos a los cuatro el tiempo que habéis dedicado a contestar estas preguntas, y desde Xataka Foto os recomendamos a todos los lectores que os paséis a echar un vistazo al fanzine si no lo conocíais.

Web oficial | 10x15