Técnica Fotográfica

Todos sabemos cuáles son las bondades de trabajar en RAW, pero casi todos hemos dudado antes de dar el paso de disparar en JPG, a poner la cámara en RAW y sacarle más provecho a nuestra cámara y a nuestros archivos.

Vamos a repasar las dudas que nos pueden surgir si nos decidimos a disparar en RAW, cuáles son los problemas más habituales y cómo solucionarlos de manera sencilla.

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La fotografía en blanco y negro usa, en la cámara, los filtros de color para controlar el contraste y el tono de los colores. Con Adobe Photoshop podemos prescindir de los filtros físicos y aplicar los filtros de color al convertir nuestras fotografías a blanco y negro.

Los filtros de color aplicados a la fotografía en blanco y negro, con Adobe Photoshop, son el rojo, el amarillo, el azul, el verde y el naranja. Los podemos aplicar en paisajes con cielo azul, paisajes marinos, atardeceres, retratos y texturas, como piedra o madera, iluminadas por el sol.

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Muchos de vosotros conocéis la fotografía panorámica, su espectacularidad y lo interesante que es ampliar el ángulo de visión de nuestras fotografías. En una sola fotografías vemos lo mismo que si desde el lugar de la toma, moviéramos la cabeza a derecha e izquierda. Dando al espectador de la foto una sensación de amplitud.

Empezar en la fotografía panorámica es fácil. Muchas de las cámaras de hoy en día nos dan asistencia para realizar tomas múltiples y, en pocos pasos, podemos juntarlas en el ordenador. Pero podemos ir mas allá e interesarnos por esta disciplina de la fotografía. Conozcamos con qué ayudas podemos contar a la hora de sacar nuestras fotos panorámicas.

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El color. Empezaré con una pequeña queja, hay gente que cuando se relaciona fotografía con pintura, parece que le molesta. Es algo que he oído en distintos foros y círculos. No entiendo porqué. La pintura es una disciplina artística de la cual ha de beber un buen fotógrafo, así como de otras muchas. Al menos en mi opinión. El manejo de la luz, perspectiva y profundidad de los grandes maestros pintores te puede ayudar muchísimo como fotógrafo.

¿Qué es la composición por color? Veamos un ejemplo para empezar a entenderlo. Cuando llega la pintura barroca, la forma comienza a definirse principalmente por el color. También por el movimiento y la luz, pero principalmente por el color. Se comienzan a adoptar nuevas perspectivas y volúmenes. Pero sobre todo hay un cambio grande en cuanto al color. Comienzan los degradados de color. El color se degrada según se alejan los objetos, esto provoca una sensación de profundidad en el espectador. Si no sabes a qué me refiero fíjate en el conocido cuadro de Las Meninas, de Velázquez.

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Tom Ang, afamado fotógrafo inglés delimita la fotografía en apartados: retrato, desnudos, paisajes, naturaleza, fauna, moda, viajes, deportes, arquitectura, fotografía artística, documental. Para todos sigue una misma estructura, muy clara, ordenada y que ayuda al lector enormemente a aprender como ya os comentaba mi compañero Aitor Carbajo el mes pasado sobre otro de sus libros titulado: “El fotógrafo completo”.

Lo primero que me ha venido a la cabeza para describir este libro es que es conciso y muy claro en todos los conceptos. Y esto se agradece muchísimo, pues una de las cosas de las que me he cansado hace tiempo es la “palabrería” que en muchas ocasiones encontramos en algunos autores de fotografía y, que tras leer, el capítulo correspondiente te quedas pensando: “pero … si no ha dicho nada en 30 páginas”. Pero no, en este libro poca paja encontrarás así que, al grano. Si estás empezando en esto de la fotografía te lo recomiendo. Si llevas unos cuanto años, también. Si establecemos nivel básico, medio, avanzado y experto, yo clasificaría este libro “Fotografía digital paso a paso” de Tom Ang adecuado hasta un nivel básico-medio-avanzado de conocimientos, apto para todos los públicos.

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Hoy empezamos un nuevo capítulo de esta serie sobre composición. En él empezaremos a abordar algo más el tema de líneas como os comentábamos en la anterior entrega: líneas horizontales y verticales, triángulos, simetría, asimetría y patrones. Y es que el cerebro humano acostumbrado sin querer a la geometría, busca todo tipo de formas a la hora de descomponer una imagen. Por eso es tan importante el buscar este tipo de geometrías a la hora de componer.

Respondiendo a una persona que preguntaba si hay que tener todos estos elementos en la cabeza. Mi respuesta es que no. Pero debemos aprender a identificar dichos elementos a la hora de componer nuestras fotografías. No quiere decir que en una composición tengamos que meter todos los elementos de todas las reglas ni mucho menos. No. Tienes muchas combinaciones y posibilidades. Usa unas y contradice en otras, experimenta y crea pero con sentido. No vale cualquier cosa.

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En el capítulo anterior hemos hablado de dos reglas fundamentales que son la archiconocida regla de los tercios y la proporción áurea. También pudimos ver como “casi” inconscientemente las fotografías de Cartier-Bresson se llevaban bien con las reglas. Si mirásemos más fotografías de los grandes maestros nos daríamos cuenta de eso mismo.

Las reglas de composición no son obligaciones, son orientaciones. Estas reglas están estudiadas y provienen de años y años de experiencia en la fotografía pero no por ello hemos de dejar de innovar. Las reglas pretenden tener su efecto positivo sobre nuestra percepción visual de una fotografía. Hoy vamos a hablar de la importancia del equilibrio y de las líneas tanto en el retrato como en el paisaje para seguir en el próximo capítulo hablando de líneas horizontales y verticales, triángulos, simetría, asimetría y patrones.

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Hemos hablado en nuestro curso de fotografía sobre este tema y también en algunos artículos anteriores. Hoy empezaremos a darle una vuelta de tuerca al tema e iremos profundizando en este asunto. En principio las reglas de composición fotográficas nos ayudan a mejorar las tomas. Son una serie de “consejos” no obligatorios en sí mismos pero sí una guía de referencia a la hora de conseguir esa composición “técnicamente perfecta”. El buen fotógrafo debe conocerlas y tenerlas grabadas a fuego en su cabeza pero no debe dejarse guiar únicamente por ellas limitando su propia creatividad, su propio ojo fotográfico.

Aunque no debemos olvidar una de las máximas que deberemos conjugar con la composición fotografía: la fotografía es luz. Por muy buena composición que logremos si la luz no aporta lo que tiene que aportar: fuerza, suavidad, frescura o cualesquiera otra sensación, compositivamente la imagen podrá ser buena, pero probablemente no funcione. De igual manera, si la luz de nuestra fotografía resulta ser una distracción para la composición que hemos buscado, no funcionará. Evidentemente hay muchos más factores en juego, pero nos centraremos en esta serie en la composición. Comencemos por el principio.

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Recientemente me vi en la situación de tener que hacer unos bodegones, concretamente de repostería, con más bien pocos medios. Así que, ahora que estamos ahondando también en el microstock, se me ocurrió compartirlo con aquellos que podáis estar interesados.

Sin trípode, ni focos o flashes de ningún tipo y únicamente disponiendo de mi cámara con un objetivo 50 mm., me las tuve que ingeniar para sacar adelante el trabajo con los medios caseros disponibles e improvisados.

Partimos de la base de siempre, la fotografía es luz, y por tanto si queremos modificar o construir una escena – nuestro bodegón – lo haremos utilizando y modificando la luz, paso a paso. Pero esto no significa que tengamos que usar necesariamente carísimos equipos de iluminación, los cuales por supuesto que nos hacen la vida más fácil, sino que también podemos hacer grandes cosas con bien poco.

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