Otro screencast para la colección. En este caso, muy básico, echamos un vistazo al desenfoque gaussiano. Primero para darle un toque a un retrato suavizándolo. Y posteriormente hablamos sobre el desenfoque selectivo.

Notad que especialmente en el tercer ejemplo (encontrado aquí), al igual que a lo largo del vídeo (disculpas, cosas del directo), uso frecuentemente la palabra desenfoque cuando lo más correcto sería utilizar efecto (refiriéndome al efecto que os enseñamos hoy con Photoshop).

¡Disfrutad!

Resumiendo:

• Disparamos en RAW con espacio de color Adobe RGB.
• Editamos en RAW y lo sacamos a Photoshop en SRGB (el espacio de color que mejor interpretan los navegadores web).
• Guardamos el archivo en JPEG, tomando precauciones para evitar el uso fraudulente de nuestas imágenes.

En este vídeo veremos hasta que punto es sencillo añadir un coloreado a nuestras fotografías. Una vez sepamos como hacerlo, las posibilidades creativas son ilimitadas. Probadlo, es realmente entretenido.

Por cierto, como podréis apreciar, estamos empezando a darle caña al tema de los vídeos en XatakaFoto. Si queréis ver algún tutorial en concreto, pedidlo, que a poco que podamos os lo traeremos.

Vídeo | zappinternet

En este screencast os enseño una manera alternativa de hacer fotografías de Alto Rángo Dinámico, más comunmente conocidas como HDR. A estas siglas hay asociadas muchas ideas erróneas en cuanto a lo que la estética ya que programas automáticos como Photomatix han arrojado a la web millones de fotografías artificiosas que inundan webs como Flickr.

En el video trataré de presentar un método vía Photoshop con capas, que nos permitirá un mayor dominio sobre la imagen, permitiendo que nuestra subjetividad y buen criterio hagan una foto a nuestra medida.

Aquí podéis observar el resultado final de la foto en cuestión tras realizar unos sencillos ajustes de color

Ya hemos comentado por aquí que fotografiar no es más que pintar con la luz, y tenerlo siempre en mente puede dar como fruto alguna actividad creativa a la hora de hacer fotos.

Un ejemplo de ello es la actividad de Light Doodles, una pareja muy creativa que se dedica a hacer fotografías donde literalmente pintan con la luz. Utilizan unos pinceles con leds de colores en sus puntas para hacer dibujos en el aire mientras fotografían con largas exposiciones. Sus dibujos son simples, pero a su vez simpáticos y seguramente bastante difíciles de conseguir (no me imagino la cantidad de veces que deben haber repetido alguna foto hasta conseguir resultados satisfactorios).

Pero es que además de recomendaros echar un vistazo a sus obras, os remitiré a un tutorial donde ellos mismos explican como construir las herramientas que utilizan (compartir es lo que realmente me hace amar internet), que de hecho, es donde los he conocido. Justo debajo de estas líneas podéis ver los pinceles que os comento.

Tienen la peculiar característica de que solo se iluminan mientras se mantiene pulsado el botón, que además está perfectamente situado para ser utilizado con el dedo índice. ¡Ergononomía al poder! No parece muy complicado fabricarlos, la única habilidad necesaria (como si no fuera poco) es saber soldar unos cables y una resistencia. A mi ya se me están ocurriendo cosas interesantes que hacer con estas divertidas herramientas…

Si alguien se anima y los construye, podríais comentárnoslo por aquí.

Más información | Light Doodles | Galería en flickr | Tutorial pinceles de luz en Instructables

En este caso os explicamos como añadir un marco a una fotografía. Existe para ello una opción en dicho programa, pero al final del vídeo os enseñamos otro método que, particularmente, me parece mejor y os razonamos el porqué.

Pues nada, a disfrutarlo, y no os cortéis en pedir tutoriales en vídeo, ya sean con el Photoshop u otros programas. En la medida de lo posible intentaremos satisfacer vuestros intereses.

Dos métodos son los que os mostramos y son muy fáciles de aplicar, no saber cómo hacerlo ya no te servirá como excusa. ¡Pero no abuses! Recuerda que utilizado con gusto y como un retoque discreto, le puede añadir un aire bastante interesante a las fotos donde lo apliquemos.

Sin más, os dejamos con el vídeo.

Es posible que a más de uno y una de vosotros esta pequeña manualidad le parezca una parida. Pero a mi solito estas cosas no se me ocurren y esta manualidad me ha abierto las puertas a otro mundo (sí, tiendo a exagerar).

Quizás te pase como a mi, que tienes tu trípode guardado en el maletero del coche y casi nunca lo utilizas. Es incómodo de transportar, no quieres comprarle una bolsa (estás ahorrando para un buen objetivo) y tu mochila no tiene un apartado para llevarlo. Pues con unos pocos ingredientes (tres) y barato barato, te montas tu correa para llevar el trípode a cuestas.

Simplemente necesitarás ir a la ferretería de tu barrio y comprar dos anillas metálicas (las mismas que las de los llaveros), y unas bridas o abrazaderas de nylon (si las tienes en casa mejor, porqué en una bolsa hay decenas y a lo sumo necesitas dos). Presupuesto total (en mi ferretería que es cara) 3,5 euros. Finalmente necesitas una correa como por ejemplo la de la bolsa del portátil. Es necesario que sea de las que tienen ganchos. Sobre estas líneas puedes ver la lista de la compra.

Ahora debes añadir las dos anillas que servirán de puntos de anclaje de la correa. Evidentemente esto deberá ser en ambos extremos del trípode. Y necesitarás la abrazadera si no puedes insertar la anilla directamente. Echa un vistazo a la foto anterior y deja que me explique mejor.

Yo he necesitado una abrazadera para colocar la anilla cerca de la zapata para la cámara, pues el lugar donde está agarrada es demasiado grueso para hacerlo directamente. Mientras que en la parte inferior, tengo un espacio que además es lo suficientemente fino como para poder colocarla anilla sin necesidad de otra ayuda. Ojo: es muy importante que el punto de anclaje inferior se realice en la barra central y no en una pata. Si no, mientras transportes el trípode se abrirá, con la incomodidad que ello conlleva.

Ahora ya solo falta poner la correa y colgarte el trípode a la espalda. Puedes ver el resultado final junto a estas líneas.

Seguro que la cantidad de tus fotos nocturnas y panorámicas aumenta.

Vía | Instructables

El tema del color en la fotografía es apasionante. Ya has podido leer los dos capítulos que le hemos dedicado al respecto en nuestro curso (primera y segunda parte), pero entre vosotros y yo… el tema del equilibrio de los colores es algo complicado.

Una de las mejores opciones que tenemos es imitar a aquellas personas (o sus obras) que muestran un control en dicho parámetro para mejorar nuestras fotografías. Nos sirven las fotos y por supuesto, las pinturas.

¿Quién mejor para ayudarnos que Van Gogh? ¿O Monet? ¿O Botticelli? Pues de una manera sencilla a más no poder gracias a Photoshop podemos dotar de mayor armonía nuestros retratos, paisajes, macros, etc. Veamos cómo.

El retoque es sencillo a más no poder. Deberemos cargar en nuestro Photoshop dos imágenes. La fotografía que queramos retocar y la imágen que te servirá de guía. Lo primero seleccionar tu foto y duplicar el fondo en nueva capa sobre la que trabajarás. Ahora deberás ir a Imágen > Ajustes > Igualar color y te aparecerá el siguiente cuadro de diálogo:

Lo primero que debes hacer es abrir el desplegable señalado en la captura de pantalla con un 1 y selccionar la imágen de la obra de arte que tenemos abierta. Asegúrate de tener marcada también la opción de previsualización (número 2) para poder ver los resultados en tu foto a medida que vayas configurando los distintos parámetros del cuadro.

Las barras de desplazamiento que puedes ver nos sirven para lograr el efecto que deseemos. Por ejemplo, la barra señalada con el número 3, Transición es la que nos permite, por decirlo de alguna manera, marcar la gradualidad de la integración de los colores de la obra de arte a nuestra fotografía, donde el valor 0 es una integración a lo bruto y 100 es una integración tan discreta que ni se nota.

La barra señalada con el número 4, Intensidad del color es la saturación de los colores, mientras que la número 5, Luminosidad... pues su título lo dice todo.

Os recomiendo que los valores de dichas barras sean discretos si no queréis obtener una foto excesivamente irreal. Pero en el juego entre ambas están los buenos resultados. Os dejo con una imágen de ejemplo:

Aunque utilices este curioso método para lograr un mejor equilibrio en tus fotos, deberías saber que existen otras maneras mejores, como por ejemplo retocar el equilibrio de colores (Imagen > Ajustes > Equilibrio de colores) o las omnipresentes curvas. Aún así, este método es una ayuda para comprender mejor el mundo de los colores y alfin y al cabo es tan válido como cualquier otro.

Si quieres saber donde encontrar las grandes pinturas de la historia de la humanidad para poner en práctica lo leído, puedes visitar allPaintings.

Vía | unfocusedbrain
Fotografía | Flickr de josef.stuefer

Si hace dos días os mostrábamos la creatividad con una lente ojo de pez, hoy no queremos dejar pasar la ocasión de mostraros dos truquitos para construirse uno mismo esta lente. Especialmente dedicado a las personas a las que no les sobra el suficiente dinero como para comprarse una lente de este tipo.

Tenemos dos manualidades, para una cámara réflex y para una compacta. Curiosamente la primera es más sencilla que la segunda. Simplemente se necesitan las gafas viejas de la abuela. ¿Y porqué de la abuela? Sencillo, funcionará mejor con gafas para ver de cerca. Un poquito de cinta aislante y a pegarlo a tu objetivo. Recomendamos enfocar antes de pegar la lente y una vez hecho, no utilizar el zoom. Puedes ver unas fotos del invento si sigues este enlace.

Para la cámara compacta mejor os dejaremos con un vídeo muy ilustrativo, aunque os avisamos que es algo más elaborado (pero no complicado).

Expand Your View – Make A Wide-Angle And Fish-Eye Photo Lens – For more funny movies, click here

Si quieres hacer este tipo de fotos, ya no tienes excusa.

Más información | Photojojo | Foto Microsiervos | Instructables
Fotografía | Hecha siguiendo el primer método por melissa lawson

¡En buen momento os traemos esta utilidad para Flickr, con todo el jaleo montado por la posible compra de Yahoo! por parte de Microsoft!

Por un momento vamos a olvidarnos de toda esta historia (ya hablaremos de ello) y centrémonos en algo que puede interesarnos más, almenos a corto (inmediato) plazo. Se trata de un bookmarklet que noas permitirá geolocalizar de manera sencilla las fotografías de nuestra cuenta de Flickr.

Tan fácil y tan sencillo como pinchar en el enlace del bookmarklet (que está en la página que te damos al final de este post) y arrastrarlo a la barra de herramientas de marcadores de tu navegador. Ya lo tienes disponible para usar. Dirígete a tu cuenta de Flickr y ya puedes empezar a jugar. Tan solo deberás abrir la foto que quieras geolocalizar y pulsar en el botón del bookmarklet. Verás que en lugar de tu fotografía aparecerá en pantalla un pequeño mapa de Google Maps y un cuadro de diálogo que te pedirá que escribas la dirección donde tomaste la fotografía. Le das lo que pide y… ¡voilá! Ya tienes la foto geolocalizada y geoetiquetada.

Entonces aparecerá un enlace bajo tu foto que te llevará a la página de loc.alize.us donde podrás ver otras fotos tomadas en lugares cercanos a donde tomaste tú la tuya.

Peeeero a lo mejor te estás preguntando… ¿aparecerán mis fotos en los mapas del mundo de Flickr? Pues la respuesta es que no. Pero esto tiene una sencillísima solución. Al tener las fotos geoetiquedas gracias al bookmarklet, tan solo debes pedirle a Flickr que importe estos datos a los mapas. ¿Cómo? Pinchando en este mismo enlace.

A geolocalizar todos, que luego, cuando vamos a hacer un viaje, agradecemos encontrar taaantas fotos de los lugares que visitaremos, ¿no?

Actualización: Según nos cuenta JesusDQ, con utilizar el bookmarklet para geoetiquetar las fotografías hay suficiente para que Flickr las coloque en sus mapas, aunque he sido incapaz de comprobarlo personalmente.

Más información | Sumaato blog

Post rápidito de leer y para comenzar a experimentar. Se trata de una pequeña lista de enlaces de las webs para aprender fotografía oficiales de fabricantes de cámaras.

¿Quién mejor que el fabricante para enseñarte los entresijos de sus cámaras? ¡Ojo! Todos ellos están en inglés.

Nikon Digital Learning Center. Colección de truquitos para todo tipo de situaciones fotográficas. Incluye un glosario interesante que nos sirve independientemente de la cámara que utilicemos, además de un enlace al grupo correspondiente de flickr.

Nikon Digitutor. Aquí encontraremos un buen número de vídeos divididos por modelos de cámara donde se nos explicarán las funciones de éstas. Son, por lo general, bastante instructivos. Atentos al fondo musical, estilo teletienda.

Canon Digital Learnig Center. Ojo al enlace, cantidad de información y documentos, ya sean vídeos, pdf, entrevistas, concursos, etc, sobre software de Canon, cámaras, eventos Canon, objetivos, flashes… Obscenamente completo.

Olympus Learning Center. Lecciones y truquitos, de materia fotográfica o sobre los modelos de esta marca. Bastante información también.

Sony Learning Center. Contenido insultántemente pobre. A veces Sony hace cosas raras que no termino de entender. Hay algunas explicaciones sobre cómo hacer algunas fotografías y poca cosa más. ¡Buuh! Sony, los xatakafoteros te suspendemos.

Kodak Tips and Projects Center. Bastante información interesante en la página de Kodak. Mucha nos sirve independientemente de la cámara que tengamos (modelo o marca).

Pentax Learning Studio. Dividida en lecciones y trucos. Poco contenido y en general muy superficial, Pentax no se ha esforzado demasiado, la verdad…

Por lo general muchas de las cosas que leas, menos las que se refieran a modelos concretos de cámaras, te servirán sea cual sea la tuya. Ahora es tu turno de estudiar y perder unas horitas leyendo…

Vía | Fotohacker

Al que aquí nos referimos es a la clave alta (“high key”), donde las altas luces son el tono dominante y no existen negros puros, sino grises suaves. Es habitual en retratos donde se quiere crear un ambiente peculiar, suave y armonizado. Todos hemos visto retratos de mujeres y niños (muy habitual en blanco y negro) con esta técnica, con ese toque etéreo que le confiere un aspecto peculiar.

Pues os vamos a dar algunos sencillos consejos para lograr este tipo de imágenes.

• Requiere planear bien la toma, ya que todos los elementos deben estar bien iluminados.

• Para lograr enfatizar el blanco es recomendable usar la compensación de la exposición, incrementándola hasta lograr el más adecuado.

• También podemos utilizar el flash, pero con mucha precaución para no sobreexponer (mejor que sea indirecto o suavizado).

• Si disponemos de iluminación natural, hay cuidar que sea suave y atenuada, evitando una luz fuerte.

• Hay que tener muy en cuenta el histograma. Hacer pruebas y mirar que contenga la gama completa de tonos, aunque predominen las altas luces, tenemos que evitar que algún elemento de la imagen quede sobreexpuesta (algo que no podremos arreglar ni en la posterior edición).

• Para lograr una correcta iluminación hay que tomar una buena medición de luz, por lo que es recomendable personalizarla para cada toma, hacerla puntualmente y no dejar que la máquina lo haga de forma automática. Una buena solución, que se ha utilizado con cámaras analógicas, es medir la luz sobre una cartulina gris.

• Es necesario que en la composición tengamos en cuenta incluir algún elemento en tonos bajos, es decir, oscuros para lograr el contraste adecuado.

• Hay que insistir que una imagen de clave alta correcta dispone de textura e incluye todos los tonos, por lo que para lograrlo no hay que desaturar para perder detalle, sino darle prioridad a los tonos altos. Hay que distinguirlas de las imágenes de alto contraste.

• Con las herramientas de edición digital podemos lograr este efecto partiendo de, prácticamente, cualquier fotografía, pero siempre el proceso y el resultado será más satisfactorio si partimos de una fotografía bien planteada en clave alta. Próximamente os daremos algunas indicaciones para lograrlo en Photoshop, pero es necesario practicar primero realizando fotos de este tipo, lo que nos ayudará a un mejor tratamiento posterior.

Probar a realizar este tipo de fotos que son muy interesantes, a pesar que requieran un esfuerzo en su planteamiento. Aunque son más comunes en retratos de mujeres y niños en interiores, también se pueden probar en exteriores. En una próxima ocasión hablaremos de las fotografías en clave baja, que son las opuestas.

Fotos | Incinerator y tdl
Grupos en Flickr | High Key Society y High Key Child Photography
Técnicas | Lighting Techniques for High Key Portrait Photography, de Norman Phillips

Estaba leyendo que desde hace poco es posible manejar curvas de color con Picnik, aunque sólo para usuarios de pago. Fuí a probarlo y lo primero que se me ocurrió fue hacer un proceso cruzado a una de mis fotos, y caí en la cuenta de que en Xataka Foto aún no me hemos hablado de ello. ¿Qué es un proceso cruzado?

En fotografía analógica, cuando se revela un negativo de color hay que seguir un proceso químico llamado C-41, y cuando se revela una diapositiva se hace según el C-6 E-6. Pues bien, no sé sabe si fue alguien que se confundió o alguien muy creativo el que cruzó esos procesos. Para un negativo de color una diapositiva usó el proceso de revelado destinado a una diapositiva un negativo y los resultados fueron más que vistosos. Aumenta el contraste, las sombras se vuelven azuladas, los cielos claros se vuelven amarillentos, y aumenta el grano.

También se puede hacer el proceso contrario. Pero el proceso cruzado más usado es el resultante de “confundir” el C-41 como el E-6, o revelar un negativo con el proceso químico de una diapositiva o revelar una diapositiva con el proceso químico de un negativo.

Os voy a mostrar como llevar este proceso a nuestras fotografías digitales con Photoshop. También lo podéis probar con cualquier otro programa que permita manejar curvas por colores, como GIMP, o Picnik.

El efecto es más notable cuando lo hacemos con fotografías donde las sombras tienen detalle o no están demasiado empastadas, y si está un poco sobrexpuesta mejor que mejor. Yo voy a usar la siguiente como muestra:

1. Abrimos la fotografía. Creamos una nueva capa de ajuste de curvas.
Capa>Nueva Capa de Ajuste>Curvas

2. Seleccionamos el canal rojo y llevamos el extremo de arriba de la curva un poco hacia la izquierda, luego creamos dos puntos en la curva para darle una forma de S, tal y como vemos:

3. Ahora lo hacemos con el canal verde, y describimos una S para dar más contraste, con especial pronunciación en las luces altas:

4. Y con el canal azul jugamos con la zona más alta y más baja de la curva. Desplazamos el extremo de las luces hacia abajo, y el extremo de las sombras hacia arriba:

5. Dejamos la curva RGB sin tocar en esta capa y pulsamos aceptar.

6. A esta capa de curvas que acabamos de crear le cambiamos el modo de fusión a modo Color. Ya que lo que buscamos es preservar la luminosidad de la foto original, y los contrastes que hemos hecho con las curvas de color sólo afecten a los colores de la foto.

7. Si lo que buscamos es una luz más contrastada, creamos una nueva capa de ajuste de curvas y describimos una S con la curva RGB.

Y cambiamos el modo de fusión a Luminosidad.

8. Por último vamos a crear una nueva capa de relleno de color sólido, y escogemos un color entre amarillo y verde. Le bajamos la opacidad a un 10%.
Capa>Nueva Capa de relleno>Color Sólido

Se acabó, ya tenemos nuestra fotografía con proceso cruzado.

Hay muchas formas de imitar el proceso cruzado en digital, pero a mi ésta es de las que más me ha convencido, sobre todo por su sencillez. También podéis probar a darle más contraste, añadirle ruido, o sobresaturarlas para acercar aún más los resultados a los de una fotografía analógica. Sentíos libres de mover las curvas como queráis y conseguir otros resultados.

Más información | Wikipedia

En principio no debería diferenciarse del grano que se produce en la fotografía analógica o química. Pero lo cierto es que ese grano de las películas es menos molesto. Es más, es uno de los rasgos diferenciadores y el resultado que le confiere es interesante, por esa atmósfera y textura, llegando a ser utilizado como recurso artístico. Lo que es un “defecto” intrínseco al proceso químico de la película fotosensible se convirtió en un valor añadido.


Soy de los que gustan de ese efecto, de fotografías que tienen “grano” y quizás sea porque vengo de la fotografía analógica. Hoy día es fácil encontrar gran rechazo al grano entre los fotógrafos actuales, que se han iniciado en la era digital. Por ello, y para que cada uno valore en su justa medida ese efecto, paso a indicar algunos consejos para reducirlo y otros para añadirlo en el edición digital.

Para evitar el ruido es aconsejable:

• Utilizar la sensibilidad más baja posible. Un valor ISO de 100 evita su aparición en la mayor parte de las ocasiones.
• Ojo con la temperatura. Hay que evitar el sobrecalentamiento de la cámara. Cuanto más calor hace en el ambiente o más grados trabaja la máquina, el ruido aumenta considerablemente.
• Bajando la resolución se logra reducir el nivel de ruido, sobre todo si tenemos que aumentar la sensibilidad.
• En el procesado posterior de la imágenes podemos utilizar varios métodos para reducirlo. Uno habitual es aplicar un ligero desenfoque selectivo en las zonas más oscuras que tendrán más ruido.
• Otra forma es aplicar (en Photoshop) el filtro Blur en el canal del azul, que es el que suele presentar más ruido.
• Existen otros métodos, entre los que destaca el explicado en el artículo “Ruido Cero” de Javier Azurmendi o cómo utilizar la calibración de la imagen (en inglés) desarrollado en Photo.net.
• Para los más sibaritas en el tema, existe software avanzado para tratar el ruido en las imágenes digitales. Uno de ellos es AKVIS Noise Buster. Acaba de sacar la versión 5 y también está disponible como plug-in para Photoshop (Mac y Windows), por un precio de 39 euros y en español.
• En Xataka Foto ya hablamos de Digital Camera Enhancer, al que podemos añadir otro software bien valorado como es Noise Ninja. Pero además, hay otros habituales entre los profesionales como son Neat Image Pro o Picture Cooler (todos con precios muy asequibles).

Para añadir ruido:

• Utilizar sensibilidades altas en los últimos modelos de cámaras con sensores avanzados. Cada vez más, el ruido se va pareciendo más al grano de las películas fotosensibles.
• El método más conocido, en la edición posterior, es el filtro Añadir Ruido de Photoshop. Es configurable y utilizado con moderación puede resultar aceptable en muchos casos.
• Otra opción con un efecto más natural es el siguiente: en una capa nueva, rellenar de Gris al 50% en modo Superponer, añadir el filtro de Ruido en un porcentaje alto, aplicar Desenfoque Gaussiano (con un radio bajo). Estos pasos se pueden repetir para experimentar. Y, por último, podemos reducir la Opacidad de esta capa hasta lograr el resultado que más nos guste. Funciona mejor con imágenes en blanco y negro o monocromáticas.

Seguramente existen otras formas de añadir ruido de forma eficiente y con buenos resultados. Si conoces alguno nos lo indicas. Desde aquí reivindico el valor del “grano” en la fotografía para que no se pierda y esperemos que dentro de pocos años tengamos cámaras capaces de lograr que el ruido sea inapreciable o se parezca lo más posible (salvando la distancia entre ambos procesos) al de la fotografía analógica.

Comparativa de software de reducción de ruido | hugorodriguez.com
Fotos | iordanke y Steve Asenjo (© 2006)

En contra de lo que muchos creen, cuando queremos hacer una foto en blanco y negro, en fotografía digital, es mejor hacer la foto en color y una vez en el ordenador, convertirlas a BN con un programa de edición.

Pasar una foto a blanco y negro, en principio, parece una tarea fácil, sin embargo, hacerlo bien requiere de un buen conocimiento del programa de retoque que usemos, para así, intentar emular el tan bien valorado virado fotográfico.

Leo en Caborian una recopilación muy interesante de métodos para convertir vuestras fotos a Blanco y Negro. Indispensable para todos aquellos que os guste esta fotografía llena de encanto.

Os dejo con los 14 métodos que ha recopilado Nightrain en el foro. ¿Conocéis alguno más?

Métodos “básicos”

1. Imagen-Ajustes-Desaturar
2. Imagen-Ajustes-Tono y saturaciòn. Saturación = -100%

Si después de hacer saturación = -100% se clickea sobre “colorear”, se pueden hacer virados muy facilmente, jugando con la saturación y el tono. Para el tono, el deslizador va de 0 a 360º según este espectro:

Los sepias andan por 40º, más o menos.

3. Imagen-Modo-Escala de grises

4. Selección de un canal

Seleccionar alguno de los canales R, G o B, y luego Imagen-Modo-Escala de grises

5. Pasar a modo LAB

Imagen-Modo-Color LAB
Seleccionar el canal Luminosidad
Imagen-Modo-Escala de grises

6. Estilo de capa “superposición de colores”

ALT + doble clic sobre la capa fondo para desbloquearla y convertirla en capa 0.
Doble clic sobre la capa, para pasar al cuadro de dialogo “Estilo de capa”
En “superposición de colores” elegir un HSB = 0,0,50 y modo de fusión “color”.

7. Rellenando de gris al 50% en modo superponer

Duplicamos la capa.
En la capa duplicada hacemos saturación = -100%
Creamos una nueva capa, completamente vacía, en modo superponer.
La rellenamos con Edicion-Rellenar, de 50% gris y en modo color.
Si en esta última capa pintamos en negro, oscurecemos.
Si pintamos en blanco, aclaramos. Opacidad recomendada < 20%
Recordad que pulsando la D se hace que los colores frontal y de fondo sean el negro y el blanco, y que con la X se intercambian.

8. Variaciones (no válido en 16 bits)

Filtro-Convertir para filtros inteligentes

(o también Capa-Objetos inteligentes-Convertir en objetos inteligentes)

Imagen-Ajustes-Variaciones

Seleccionamos saturación, y con escala más bien basta que fina, clickeamos sobre la imagen “desaturar” hasta desaturar por completo la imagen.

Puesto que se trata de un filtro inteligente, se comporta de forma similar a una capa de ajuste, de forma que podemos visualizar el efecto o no, en función de que esté visible el ojo o no, y podemos hacer doble clic sobre “variaciones”, y modificar el alcance del efecto o anularlo.

[ Recordad que ALT convierte “cancelar” en “restaurar” ]

Además el filtro inteligente se crea, por defecto, con máscara asociada. Seleccionando esa máscara y pintando en negro, podemos crear esos efectos tan horteras en que una zona concreta no está desaturada y el resto si, y marcando o no el ojo, podemos ver el efecto o anularlo.

9. Método de las 2 capas

Crear una capa de ajuste de tono y saturación, sin cambiar ningún parámetro. Ponerla en modo de fusión “color”.
Crear otra capa de ajuste de tono y saturación, en modo normal, poner saturación = -100%.
Hacer doble clic sobre la miniatura de la primera capa de ajuste creada, y cambiar los parámetros de tono y saturación hasta conseguir el efecto deseado.

10. Ajuste individual de la luminosidad de los colores

Imagen-Ajustes-Tono y Saturación
Saturación = -100%
Sin cerrar el cuadro de dialogo de tono y saturación, con CTRL 1, 2, 3, 4, 5 ó 6, seleccionamos cada color y ajustamos su luminosidad con el deslizador correspondiente.

11. Máscara de luminancia invertida

Pasar a modo LAB
Seleccionar el canal Luminosidad
Pasar a modo escala de grises
Ctrl + Clic sobre la miniatura del canal gris nos genera una máscara de luminancia
Invertimos la selección
Volvemos a modo RGB (por supuesto esto no recupera el color)
Creamos una nueva capa, vacía, en modo multiplicar.
Creamos una máscara en esa capa, con lo cual nos carga la selección ya hecha (listo que es el CS3).
Seleccionamos la miniatura de la capa y rellenamos de gris al 50% en modo color con EdicionRellenar.

[ Probad a rellenar con un HSB 42,53,71 y tendréis un virado guapo guapo ]

12. Comando Blanco y Negro (nuevo en CS3)

Imagen-Ajustes-Blanco y negro

Con los deslizadores se puede jugar con la luminosidad de cada color.

[ Recordad que ALT convierte “cancelar” en “restaurar” ]

Pero lo más fácil es situarse sobre la imagen, pulsar CTRL y luego deslizar el cursor a derecha para iluminar ese color o a izquierda para oscurecer.

Si marcamos “matiz” podemos hacer un virado, sin más que seleccionar el tono (una vez más en grados en el espectro circular) y la saturación.

13. Mapa de degradado

Imagen-Ajustes-Mapa de degradado (o mucho mejor aun, crear una capa de ajuste de mapa de degradado)

El degradado que aparece indica lo siguiente:

– A la izquierda de la barra, el color con el que se verán afectadas las sombras – A la derecha de la barra, el color con el que se verán afectadas las luces

Por defecto ya sale un degradado negro/blanco, pero clickeando sobre la barra, nos aparece un cuadro de dialogo “Editor de degradado” con degradados “de colorines”, y muchas más cosas que sí son útiles.

Por ejemplo se puede “suavizar” el degradado.

O también incluir “detenciones”, es decir, ponerle a ese degradado negro/blanco, algún color intermedio para los tonos medios. Para ello basta con clickear sobre la barra. Probad a elegir un color LAB 59,0,6 en el 50%.

También se pueden desplazar los deslizadores negro y blanco para jugar con el contraste.

14. Mezclador de canales

Imagen-Ajustes-Mezclador de canales (o mucho mejor aun con una capa de ajuste)
Marcar “monocromo”

Jugar con los deslizadores procurando que sumen 100.

Vía | Caborian – Post

Ahí va un tutorial para convertir imágenes en Blanco y Negro mediante Photoshop. Hay decenas de metodos para hacer esta conversión, pero este es de los que más me gusta para mis fotografías, sobre todo porque consigue una textura especial que recuerda a las fotografías analógicas.

Este metodo nace de la inquietud de Greg Gorman, afamado fotógrafo de Hollywood, por conseguir fotografías digitales en blanco y negro que se asemejasen lo más posible a las que obtenía cuando trabajaba con fotografía analógica. Y fue Rob Carr, experto en retoque digital, quien dió con la solución. Ahora os voy a enseñar el metodo propio de Rob Carr, y en otro momento os hablaré del metodo modificado que usa Greg Gorman.

Recomiendo crear una acción para tenerlo siempre a mano.

1.-Abrimos la fotografía a retocar, y si tenemos un ordenador que lo aguante, la convertimos a 16Bits. Es mejor en 16Bits pero no necesario.
Imagen>Modo>16 Bits/Canal

2.-La convertimos a modo de color LAB.
Imagen>Modo>Color Lab

3.-Ahora vamos a la paleta de canales. Si no la tenéis abierta, recordad buscarla en el menú Ventana. Y en esa paleta seleccionamos el canal Luminosidad. Y convertimos la imagen al modo de color Escala de Grises. Si nos pregunta si queremos descartar los otros canales le decimos que sí.
Imagen>Modo>Escala de Grises

4.-En la paleta de canales ahora sólo tenemos el canal Gris, manteniendo pulsado el Ctrl (Command en Mac) hacemos click en la imagen en miniatura del canal, y veremos como se hace una selección en la imagen original. Ahora vamos al menú Seleccionar y le damos a Invertir.
Seleccionar>Invertir

5.-Con la selección activa, volvemos a cambiar el modo de color a Color RGB.
Imagen>Modo>Color RGB

6.-Seguimos manteniendo la selección y creamos una Nueva Capa de Relleno de Color Sólido. Buscamos un color preferiblemente oscuro. Un negro o un marron oscuro por ejemplo.
Capa>Nueva Capa de Relleno>Color Sólido

7.-En la paleta de capas tenemos la nueva capa creada. Ajustamos su opacidad a nuestro gusto, podemos comenzar con un 50%.

8.-Añadimos una Nueva Capa de Ajuste de Niveles o de Curvas. A gusto de cada uno, y vamos probando resultados para conseguir el contraste que queremos.
Capas>Nueva Capa de Ajuste> Niveles o Curvas

9.-Seleccionamos la primera capa que teniamos, la capa de fondo, y la duplicamos.
Capas>Duplicar Capa

10.-Y a la nueva capa le aplicamos un filtro de Paso Alto con una cantidad de radio de 10.
Filtros>Otros>Paso Alto

11.-A esta capa le cambiamos el modo de fusión a Luz Dura. Opción que tenemos en la paleta de Capas, arriba a la izquierda de la opacidad.

12.-Y por último le quitamos opacidad a esa última capa creada, comenzando por un 25% de opacidad, hasta dejarla a nuestro gusto.

Al final tenemos 4 capas, y 3 de ellas las podemos seguir modificando para conseguir diferentes resultados. Hay que poner especial atención en la capa de relleno, que será la encargada de dar el tono a nuestra foto, pudiendo ir desde tonos grises a tonos sepia. Y eso es todo, sólo nos queda guardar nuestra fotografía.

Que percibamos el color de los objetos se lo debemos a la complejidad del ojo y a su capacidad para captar las diferentes longitudes de onda de la luz. Ya hemos hablado de ello, pero permitidme que reitere el dato de las longitudes de onda y que os pida que lo recordéis por unos segundos.

Pese a su perfección, el ojo no es capaz de percibir todas las longitudes de onda. Sólo percibe las ondas con longitudes que van entre los 380 y los 780 nanómetros, rango que conocemos como espectro visible. Por debajo de él están los rayos x y los ultravioleta. Por encima, los infrarrojos. El ojo humano no es capaz de percibir ninguno de ellos.

La fotografía infrarroja es aquella que usa los rayos infrarrojos como principal fuente de energía para la exposición. Captura lo que el ojo no ve y lo hace visible para nosotros, ofreciéndonos una visión de la realidad que desconocemos.

Podemos hacer fotografía infrarroja con cualquier cámara siempre usando película adecuada (infrarroja),tratada con productos químicos para reaccionar ante las longitudes de onda superiores a los 780 nm. Para las cámaras digitales existen filtros especiales para este fin. Los fabrican las marcas más conocidas (Hoya, B+W, etc.), aunque tienen el inconveniente de ser bastante complicados de encontrar, además de caros.

Una particularidad de este tipo de fotos en digital, es que debido al filtro necesitan bastante tiempo de exposición y, por tanto, un trípode o una bean bag.

Si te apetece experimentar los resultados de la fotografía infrarroja antes de comprarte los filtros para hacerlo en condiciones, apunta esta sencilla recetita de Photoshop con la que podrás simular sus resultados:

• Abre tu foto con Photoshop
• Duplica la capa fondo (CTRL+J) y llámale a esa nueva capa de alguna manera identificativa. ¿”Capa IR”?
• Ahora, con la capa nueva seleccionada ve a Capa > Nueva Capa de Ajuste > Mezclador de Canales o Layer > New Adjustement Layer > Channel Mixer si lo tienes en inglés.
• Marca MONOCROMO y lleva el nivel de VERDE hasta algún lugar entre el 160% y el 200%, el de AZUL hasta algún lugar entre el -160% y el -200%. Toca el ROJO mínimamente para lograr un resultado a tu gusto.

Ya tenemos nuestra imagen con look IR. Pero todavía podemos perfeccionarla.

• Combina las capas visibles. Capa > Combinar visibles. Layer > Merge Visibles. El atajo es SHIFT+CTRL+E
• Duplica de nuevo esa capa que te ha quedado como fondo. Recuerda, CTRL+J
• Ahora haz un pelín más grande que la capa fondo esta capa nueva que acabas de crear. Para ello necesitarás transformarla. Usa CTRL+T y aparecerán los manejadores que te dejan hacer más grande la capa. Si mantienes pulsados ALT+SHIFT a la vez que tiras de uno de ellos, no sólo la harás más grande sino que lograrás que se respete la relación de aspecto (con el SHIFT) y que se amplíe por los cuatro costados por igual, sin perder el centro (con el ALT). Eso es lo que queremos. Por cierto, esto de ALT y SHIFT es aplicable a casi todo en Photoshop. Selecciones, transformaciones…
• Selecciona esta nueva capa un poquito más grande y, en modos de fusión (en la paleta de capas, donde pone NORMAL) elige TRAMA. Ahora baja la opacidad de la capa (donde pone 100%) por debajo del 60%, en algún punto donde quede bien para tu imagen.
• Es el momento de que apliquemos un poco de grano a esta capa, para darle el look IR total. Vamos a Filtros > Artísticos > Grano de Película. Filter > Artistic > Film Grain. Lo llevamos hasta el 6, aproximadamente. Ojo, porque si estás trabajando sobre una imagen de 16 bits, los filtros artísticos no funcionarán. Puedes cambiar eso en Imagen > Modo > 8 bits | Image > Mode > 8 bits.
• Ajusta las curvas de la capa fondo (Capa > Nueva Capa de Ajuste > Curvas | Layer > New Adjustemente Layer > Curves) hasta que la imagen tenga el look que buscas. LISTA!

Emplear la fotografía infrarroja no es adecuado para todos los tipos de fotos. La práctica y nuestro amado método prueba-error te irán indicando cuáles son los temas que mejor quedan con ella. De entrada, para hacer tus pruebas más cómodas, quizás te apetezca crear una acción de Photoshop para aplicar el efecto.

Las acciones de Photoshop sirven para automatizar esos procesos comunes y repetitivos. Agregarlas a nuestro flujo de trabajo aligera la tarea de postproceso y la hace infinitamente más rápida.

Crear una acción consiste en grabar todos los pasos que damos para conseguir algo en Photoshop bajo un nombre, de forma que lo podamos aplicar tantas veces como queramos a cuantas fotos deseemos con un simple click.

Vamos a crear una acción que permita que preparemos para internet nuestras fotos ya retocadas:
1. Con una imagen cualquiera abierta en Photoshop, abre la paleta de Acciones con F9 o Ventana > Acciones.

2. Pulsa para crear una acción nueva

3. Con NOMBRE la puedes nombrar. En CONJUNTO la puedes guardar en una carpeta determinada, dentro de la paleta Acciones. Con TECLA DE FUNCIÓN puedes asignar un atajo de teclado a la acción que creas y, por último, con COLOR le asignas un color.

Llamaremos a nuestra acción XatakaFoto_INTERNET.

4. Es momento de meditar qué necesitamos que haga por nosotros nuestra acción. La foto ya está retocada, así que un redimensionado y una “Guardar para web” puede ser suficiente.

4. Pulsa el botón de GRABAR , que pasará a mostrarse activo , y lleva a cabo los pasos que hemos decidido – redimensionar y guardar para web – como lo haces normalmente.

5. Una vez hayas terminado, pulsa STOP, . Acabas de terminar tu acción.

Ya puedes probar tu acción con otra imagen. Reproducir las acciones es incluso más fácil que crearlas. Selecciona la acción XatakaFoto_INTERNET de la paleta, pulsa PLAY, , y verás que los pasos dados previamente se reproducen automáticamente en cascada y en pocos segundos tienes tu foto preparada para internet.

La foto de arriba la tomó el que escribe hace algo menos de un año. Aprovecho para disculparme por usar una foto propia como ejemplo, seguramente las hay más estéticas para ilustrar la técnica, pero esta la tengo a mano y lo cierto es que nos sirve perfectamente. Así que pasemos a destripar la técnica, que es lo que interesa, y pongámonos cuanto antes a dibujar con la luz.

Partimos de la base de que para lograr el efecto de la silueta con luz necesitamos un tiempo de exposición largo. En este caso fueron 30 segundos. El lugar era particularmente oscuro, así que 3.5 como valor de f fue suficiente para no quemar nada. El ISO estaba al mínimo, en mi caso, 200.

La foto no estaba planeada, así que no tenía trípode. Imaginación al poder! Improvisé una bean bag con mi bandolera. Al colocar la cámara cais a ras de suelo la dificultad estribó en el enfoque, pues o me tumbaba en el suelo húmedo para mirar por el visor, o enfocaba a ojo midiendo la distancia entre la lente y la chica. Un Xatakafotero se mojaría por hacer una foto, pero si se puede evitar… Lógicamente… no me mojé! Un poco de ojímetro y un par de repeticiones fueron suficientes para lograrlo y comprobar que tanto los valores de exposición como el enfoque eran los correctos.

Cuando estuve seguro de los parámetros, pedí a la chica que se moviese lo imprescindible para que quedase lo menos movida que fuera posible, pues 30 segundos dan para mucho movimiento, que por imperceptible que parezca dará como resultado una foto con blur. Tras disparar corrí a colocarme a su espalda móvil en mano. ¿Móvil en mano? Sí, no es que estuviera esperando una llamada, sino que usé el resplandor de la pantalla de mi móvil como “lápiz de luz”. Efectivamente, eso que véis a su alrededor es la luz que desprendía la pantalla de mi móvil.

El quid de la cuestión
Al tratarse de una exposición de 30 segundos, durante ese tiempo todo lo que ocurre delante de la cámara queda registrado. Especialmente el movimiento de cosas brillantes, como la pantalla de un móvil. Lo único que tuve que hacer es siluetear a la chica con el móvil dentro de esos 30 segundos, a una velocidad moderada para que en cada punto quedase bien expuesta la silueta de luz.

Si os animáis a hacer una prueba ya sea con palabras, siluetas, dibujos, etc. os recomiendo usar RAW, de forma que luego podáis tocar el balance de blancos para evitar las dominantes de color poco naturales que se producen en las largas exposiciones.

Ya me contaréis qué tal os funciona “la receta”.

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