El color está de moda. En el último año han aparecido por lo menos tres libros dedicados a este tema desde distintas perspectivas. En Xataka Foto hemos contado cómo trabajar con las armonías del color en Adobe Photoshop para conseguir resultados profesionales. En esta ocasión vamos a controlar la armonía del color sin salir de Capture One.

El color es mucho más difícil que el blanco y negro. No es fácil conseguir en una fotografía que sus tonos sean armónicos. Una imagen en color es una partitura donde todo tiene que estar sincronizado, un poema donde todo tiene que rimar.

Por este motivo, igual que controlamos la luz en el revelado a partir de la información que hemos captado, tenemos que dedicarle tiempo al color para que rime perfectamente. Hasta ahora lo hemos hecho siempre con Adobe Photoshop pero después de un tiempo trabajando he conseguido desarrollar un método propio en Capture One.

Antes de empezar

La referencia en este campo es Jesús García Flores pero he buscado un método más sencillo, menos 'científico', más basado en la intución y en la percepción que propone Tino Soriano en su libro. Porque las armonías del color deberían conseguirse en el momento justo del disparo. E igual que con la luz, el programa solo debería servir para definir lo que hemos visto, siempre y cuando sea el estilo que nos guste, claro está.

Las armonías de color es un tema apasionante. Si trabajamos con Adobe podemos hacer ajustes más salvajes pero en Capture One dependemos mucho del archivo original. No podemos hacer cambios radicales y precisamente por esto puede ser muy interesante para muchos fotógrafos.

Así que voy a escoger una fotografía y le voy a ajustar las armonías del color con la ayuda de Adobe Color para tener las referencias numéricas y Capture One.

Ajustar las armonías del color con Capture One

Antes que nada aprovechamos este artículo para anunciar que la ventana Temas de color de Adobe desaparece de todos los programas de la casa, pero la aplicación sigue activa. En el mercado encontramos muchas otras aplicaciones para las armonías del color pero yo seguiré fiel a Adobe Color.

Recomiendo, como flujo de trabajo, revelar primero la fotografía con el decálogo que tantas veces recomiendo. Luego podemos seguir trabajando por zonas para conseguir la luz que queremos. Y para el final dejaremos el trabajo del color que vamos a ver a continuación:

En Xataka Foto

Cómo manipular las luces en Photoshop con capas de curva invertidas

• Lo primero que tenemos que hacer es identificar cuál es el color principal de nuestra fotografía. En este caso creo que el rosa de la bicicleta es lo más importante (cada uno tendrá una interpretación distinta).
• Creamos una capa de ajuste llena en Capa>Añadir capa de ajuste llena y la llamamos Color.

El editor de color es fundamental para este tutorial

• Vamos al panel Color, abrimos la herramienta Editor de color avanzado y con Seleccionar corrección de color pinchamos en la bicicleta. Así conseguimos ver los valores de ese color, tanto en RGB como en HSB.
• Este último, HSB, es un modo de color que nos da los valores de Tono, Saturación y Luminosidad. Y es fundamental para poder ajustar las armonías del color en Capture One.

El trabajo en Adobe Color

Ahora vamos a nuestro navegador favorito y abrimos Adobe Color, la aplicación gratuita de Adobe para el control del color. No olvidéis los datos HSB del color seleccionado.

• En Adobe Color tenemos que hacer clic en el color base, que es el que está marcado con un triángulo. Y en la parte inferior izquierda elegir el modo de color HSB.
• Ahora solo tenemos que escribir los tres valores que hemos memorizado en ese color base. Y ahora empieza la magia.
• Si os fijáis, a la izquierda de Adobe Color, vemos todas las armonias del color: Triada, Complementarios, Análogos... Nosotros solo tenemos que ir pinchando en cada uno para ver qué colores armonizan con el principal que hemos elegido. No tenemos que buscar, simplemente marcamos la que más se acerque a los colores que tenemos en la imagen.

Adobe Color

• La fotografía se adapta perfectamente a una triada. Si queremos podemos modificar algún que otro color (porque estamos creando, no estamos haciendo ciencia). En este caso el verde que proponen lo voy a hacer menos amarillento.
• El único dato importante es el Tono (H). Así que apuntamos ese valor de todos los colores que queramos modificar.

Los últimos pasos

Y llegamos ya al punto final. Es el momento de ajustar la armonía del color a nuestro fotografía. Igual que hemos hecho con la luz toca hacerlo con el color. Vamos a verlo.

• Creamos una capa llena en Capa>Añadir capa de ajustes llena y le ponemos de nombre el valor de Tono que nos ha dado Adobe Color. Por ejemplo, para el Azul 210.
• Con la herramienta Editor de color Avanzado y Seleccionar Corrección de color pinchamos en el azul del cielo para seleccionarlo y vemos que el valor H de ese punto es 215.

La fotografía final

• Solo tenemos que jugar con el parámetro Matiz hasta lograr ese valor de 210 que nos hemos propuesto. Y listo. El azul ya está armonizado. Por supuesto podemos jugar con la Saturación y la Luminosidad hasta dar con el aspecto que estamos buscando.

En Xataka Foto

Una forma rápida de blanquear los dientes en Adobe Photoshop

Tendremos que hacer lo mismo con todos los colores que queramos ajustar. Parece largo y complicado pero es muy sencillo una vez tienes la rutina. El único problema es que si no hemos hecho nuestra fotografía pensando en las armonías del color poco podremos hacer en Capture One. Es un programa que exige fotógrafos experimentados en estas lides para lograr buenos resultados... pero qué resultados.

Capture One es uno de los mejores programas del mercado. Es una competencia directa para los programas de Adobe por su calidad a la hora de revelar los archivos RAW y por su facilidad para trabajar con él cuando aprendes todas sus funciones. Hoy vamos a conocer el método más sencillo para copiar y pegar los ajustes de una fotografía a otras imágenes similares.

Imagínate que has hecho muchas fotografías de una misma situación, con la misma luz e idéntica exposición. Y quieres revelar una de las imágenes y darle los mismos ajustes a todas las demás. Pero tienes claro que, por ejemplo, el recorte no será el mismo. ¿Cómo podemos copiar unos parámetros y otros no? Esto es lo que vamos a ver a continuación.

La fotografía principal revelada

Copiar y pegar ajustes es una de las funciones más útiles para los fotógrafos de estudio, de bodas y de todas aquellas disciplinas en las que puedes hacer varios dísparos con la misma exposición. El ahorro de tiempo es importante y el resultado final es muy consistente porque todos los parámetros son idénticos.

Copiar y pegar en Capture One Pro

En este caso vamos a trabajar con unas cuantas fotografías que hice desde el aire hace mucho, mucho tiempo. Todas tienen prácticamente la misma exposición. Así que voy a revelar una en blanco y negro y posteriormente aplicaré los cambios a todas las demás para decidir cuál es la mejor.

Es una de las mejores formas de agilizar el revelado, con la enorme ventaja de poder variar más tarde los parámetros de forma individual. Así que vamos a ver cómo hacerlo:

En Xataka Foto

Los ajustes preestablecidos gratuitos de blanco y negro del fotógrafo Greg Noire para Adobe Lightroom

• Revelamos la fotografía principal tal como hemos visualizado. Como siempre recomiendo mi flujo de trabajo de diez pasos.
• Una vez terminado el revelado seleccionamos todas las fotografías similares con la tecla Ctrl (Cmd) y haciendo clic en todas los archivos seleccionados.
• La fotografía principal, o variante principal, quedará remarcada con más intensidad de blanco.
• Hacemos clic en el icono Copiar ajustes (Ctrl+Mayús+C) para copiar los ajustes. El icono, si no lo encontramos, podemos colocarlo después de hacer clic derecho en el ratón en la zona de herramientas, dar a Personalizar y elegir Copiar y aplicar.
• Después de dar a Copiar ajustes, vamos a la pestaña Detalles y elegimos la herramienta Portapapeles de ajuste. Aquí es donde podemos marcar qué queremos copiar para conseguir que nuestros revelados conjuntos sean más rápidos.
• Una vez marcados solo nos queda dar a Aplicar ajustes (Ctrl+Mayús+V) para que todas las fotografías tengan el mismo revelado.

Todo revelado de golpe

• Y listo. Podemos deseleccionar todas las fotografías y ajustar individualmente cada una para conseguir un resultado perfecto.

En Xataka Foto

Así es el poco ortodoxo pero efectivo revelado del fotógrafo Derek Forss con Lightroom

Pocas cosas hay tan sencillas en este programa. Podemos elegir los ajustes necesarios, convertir todos los cambios es un Estilo, seleccionar todas las herramientas... Como siempre, Capture One permite trabajar como necesitemos en cada momento.

Capture One es el nuevo rey. Está ganando más adeptos en todos los terrenos. Es un programa que permite trabajar de forma directa con el archivo RAW. Su motor de revelado es revolucionario y permite una calidad de imagen muy alta. Adobe mira desde su trono pero hace pocos movimientos. En las redes cantan sin cesar al que consideran el nuevo dios. ¿Pero de verdad Capture One merece el cielo y Adobe caer al olvido? Vamos a analizarlo.

Cada vez leemos más que Capture One es el mejor programa del mercado. Que su trabajo con el color es impresionante y que consigue cosas imposibles para Adobe. Podemos llegar a leer que Adobe Camera RAW destroza los archivos RAW de Sony y que no nos queda más remedio que irnos a Capture One si queremos calidad de verdad.

No me gustan las afirmaciones rotundas. Me gusta dudar de tales cosas. Una cosa es una expresión popular para decir que algo te gusta mucho entre los amigos pero otra cosa es querer convencer a la sociedad fotográfica de algo sin aportar pruebas.

Fotografías en bruto. A la izquierda siempre está Adobe Camera RAW

Si hacemos personalmente las comprobaciones pertinentes si podríamos decidir cuál es el programa que mejor nos viene. Creemos que no está bien afirmar algo sin probarlo. No se puede caer en la figura paródica del cuñado o del cliente de la barra que todo lo sabe a raíz de lo que ha oído en una tertulia o en las redes sociales.

En Xataka Foto

Cómo evitar fotos borrosas aprendiendo a elegir el modo de enfoque correcto

La prueba con un archivo RAW de Sony

El test que vamos a hacer en esta ocasión es muy sencillo. Solo hay que confrontar a los dos contendientes en igualdad de condiciones en los dos programas:

Reveladas siguiendo el mismo flujo de trabajo

• Tomamos como punto de partida un mismo archivo
• Lo contemplamos sin modificación alguna en ambos programas.
• Lo comparamos después de aplicar el mismo revelado, siguiendo el mismo flujo de trabajo.

Pueden pasar muchas cosas: que no haya diferencias, algo que dudamos; que un programa sea claro vencedor y que se vean las miserias de una forma clara del otro, algo difícil; que cada uno de nosotros tenga su favorito y empiece una pelea mítica tipo Canon vs Nikon, VHS vs Beta o tortilla con cebolla vs sin cebolla.

El archivo que hemos elegido para esta prueba está hecho con una Sony A7 III y un FE 24-70 ZA OSS en la bella isla de Sicilia. Dominan los colores suaves pero observamos rojos y azules saturados; el ambiente es suave, sin grandes contrastes. Y sobre todo destaca su nitidez.

Para revelar vamos a trabajar con las últimas versiones de ambos programas. Por un lado Adobe Camera RAW y por otro Capture One. En ambos casos enseñamos la fotografía directa, sin ajustes y con ellos.

Y también la enseñamos después de revelarla siguiendo mi decálogo de revelado:

1. Ver la fotografía

2. Leer el histograma

3. Corregir los problemas ópticos del objetivo

4. Reencuadrar la fotografía

5. Elegir la dominante de color

6. Ajustar la luminosidad de la fotografía

7. Contraste

8. Arreglar las luces de la fotografía

9. Arreglar las sombras

10. Aumentar la acutancia

Ampliadas al 100% sin revelar. A la izquierda ACR

Para comparar las fotografías utilizaremos Adobe Photoshop mostrando las dos a la vez, al 100% para poder comparar sin problemas. No hemos aplicado máscaras de enfoque pero sí que hemos trabajado la acutancia con Textura en ACR y Claridad en C1.

Al 100% después de reveladas. A la izquierda ACR

Es verdad que puede haber sutiles diferencias por la compresión de la imagen. Y como siempre, en caso de duda, podemos hacer nosotros la misma prueba para llegar a una conclusión personal.

Los resultados de la prueba

Después de años utilizando y trabajando con ambos programas conozco sus virtudes y sus problemas. Y la conclusión a la que he llegado es que con los dos podemos hacer exactamente lo mismo -hablando siempre en el sentido clásico del revelado- por diferentes caminos.

Capture One es un programa mucho más orgánico, más natural si se me permite la expresión. El motor de revelado consigue un punto más de nitidez de entrada, pero tampoco para despreciar sistemáticamente a su adversario.

El color en bruto. A la izquierda ACR

La gestión del color es mucho mejor en el programa de Phase One. Aquí no hay discusión, pero no porque Adobe no pueda o esté limitado... Capture One asigna directamente un perfil ICC a nuestras fotografías y Adobe trabaja con un espacio de trabajo como Adobe RGB o sRGB.

Es mucho más directo Capture One pero nosotros podríamos comprar una carta de color y hacer un perfil para nuestra cámara sin ningún problema para conseguir exactamente lo mismo en Adobe Photoshop.

Reveladas al 100%. A la izquierda ACR

Como bien señala José Pereira en un interesante artículo sobre el tema:

¿Cómo podemos explicar el milagro del Capture One en términos de reproducción del color? La respuesta a esta afirmación no podemos encontrarla entre los datos colorimétricos obviamente, pero sí en base al argumentum ad populum, es decir, si muchos usuarios dicen que será mejor, probablemente lo sea! 


Al final todo depende de nuestra apreciación, de nuestra profesionalidad (no es lo mismo un ojo entrenado que otro), de nuestro monitor... Creo que decidirse por uno o por otro es muy subjetivo. Si tuviera que dar mi opinión creo que Capture One es un poco mejor a la hora de juzgar la nitidez de un archivo RAW de Sony.

Y a cada uno de nosotros nos corresponde probar los archivos de nuestras cámaras para decidir por nosotros mismos. Nunca debemos hacer caso de lo que nos dicen u oímos sin haber probado nosotros según nuestras necesidades.

Capture One es más dinámico y ágil en bastantes aspectos. Por ejemplo, estoy enamorado de la función Refinar máscara, algo de lo que carece Adobe Camera RAW... pero este programa tiene la mejor solución para limpiar la suciedad del sensor y enlace directo con las posibilidades casi infinitas de Photoshop.

¿Cuál es la mejor? A la izquierda ACR

Quizás llegas antes al resultado definitivo con Capture One una vez que sabes manejarlo. Adobe Photoshop tiene demasiados caminos que llevan al mismo destino. En Capture One solo encontramos una gran avenida en la que hay que saber circular y respetar todas y cada una de las normas. En Photoshop hay amplios autopistas, caminos pedregosos al sol y agradables sendas retorcidas por bosques umbríos...

En Xataka Foto

Así puedes aumentar la resolución de tus fotos con la nueva herramienta de 'Súper Resolución' de Adobe Camera RAW

Y tenemos que saber cuál elegir en cada momento. Y a mi muchas veces me gusta perderme por donde no hay nadie... Lo único es que hay que andar más. Esa es la diferencia entre ambos programas.

Al final, como hemos dicho, es cuestión de probar todos los programas y ver cuál se adapta a nuestras necesidades. Estos dos están por encima de los demás. Lo mejor sería trabajar con ambos pero siempre hay que elegir si no quieres gastar dinero de más.

Y después de ver las muestras ¿con qué programa te quedas? ¿Cuál es el que mejor resultado da? ¿Con qué programa está revelada la fotografía que abre el artículo? Yo he hecho la prueba con 10 personas y me he quedado igual que antes... Hay empate.

Una de las técnicas más placenteras de cualquier programa de edición es el dodge&burn. Es muy sencilla pero exige mucho tiempo para conseguir un buen resultado y mucha práctica para lograr un trabajo redondo. Así que cuando hemos visto esta técnica, basada en los estilos de capa de Adobe Photoshop, hemos decidido probarla enseguida para incorporarla a nuestro flujo de trabajo.

Adobe Photoshop permite hacer tantas cosas de tantas formas distintas que nos podemos llegar a perder. Cada uno de nosotros tenemos que elegir cuáles son las técnicas que más nos interesan según nuestro estilo y dominio del programa. Y ser capaces de detectar los métodos infalibles para pasar más tiempo haciendo fotos que trabajando delante del ordenador.

Fotografía original

La técnica viene, otra vez, de uno de los mejores divulgadores de Youtube, Unmesh Dinda. Es impresionante todo lo que cuenta y ofrece y está a la altura de muchos de nuestros youtubers, desde luego (no olvidemos la técnica que nos propuso Fotógrafo Digital). Vamos a añadir una profundidad y dimensión increíbles a la piel de nuestros modelos utilizando la técnica "mezcla de zonas" con Photoshop.

Cómo dar volumen a nuestros retratos

En un revelado siempre deberíamos buscar iluminar las zonas con luz y oscurecer los lugares donde no incide para modelar. Es algo que siempre se ha hecho en el cuarto oscuro y que podemos hacer con mucho más detalle en Adobe Photoshop.

Y desde luego podemos hacer lo contrario si es necesario, siempre y cuando mejore nuestro disparo. Hay muchas formas de hacerlo... Las formas clásicas son cuatro:

En Xataka Foto

Cómo retocar un retrato en Adobe Photoshop (I)

1. Con las herramientas Sobreexponer y Subexponer. Es la forma más ágil pero también la más destructiva.
2. Con dos capas de Curvas y sus respectivas máscaras de capa en negro para pintar luego sobre ellas con el Pincel con el Flujo al 1%.
3. Mediante selecciones con la herramienta Lazo.
4. Con una capa gris.

Estos métodos los hemos visto en Xataka Foto a lo largo de todos estos años. Pero el sistema que vamos a contar hoy es totalmente nuevo y permite trabajar de forma automática, pues podemos crear hasta una acción cuando lo dominemos totalmente. Vamos a ver los pasos:

• Creamos tres capas de Curvas en Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas. La primera la denominaremos Luces, la segunda Medios Tonos y la inferior Sombras... El orden no es importante en este caso.
• En la capa de Curvas Luces marcamos el punto central de la curva y lo subimos hasta que nos guste cómo quedan las zonas iluminadas del rostro de la modelo.

Ajustes de la capa y de los Estilos de capa en Luces

• Con esta capa marcada, vamos al menú Capa>Estilo de capa>Opciones de fusión>Fusionar si es y en la Capa subyacente (la única palabra de español culto que encontramos en la traducción de este programa) llevamos el deslizador de Negros hacia la derecha y con Alt+clic lo rompemos para hacer la transición más suave y conseguir que solo se vean afectadas las luces.

Efecto recortado por un mal ajuste en la capa subyacente

• Es muy importante ajustar bien el deslizador para evitar que se vea la transición. Es lo más complicado de todo el proceso, ajustar bien los deslizadores.

Ajustes en la capa Medios Tonos

• En la capa de Curvas Medios tonos bajamos el punto central según las necesidades de la fotografía y cuando abrimos el Estilo de capa ajustamos los dos deslizadores, el blanco y el negro, hacia el centro para dejar solo a la vista el efecto en los medios tonos. Y por supuesto con Alt+clic los rompemos para suavizar la transición.

Ajustes en la capa Sombras

• Llegamos a la última capa de Curvas, la de Sombras. El procedimiento es idéntico, solo que en la Capa subyacente tenemos que modificar el deslizador blanco y llevarlo a la izquierda. Y por supuesto romperlo con Alt+clic para que la fusión sea perfecta.

Antes/después

Para rematar el proceso tenemos que:

• Agrupar las tres capas de Curvas en el menú Capa>Agrupar capas.
• Así podemos añadir una máscara de capa para que solo afecte a la piel después de hacer una selección en Selección>Sujeto.
• También será posible bajar la Opacidad, en la ventana Capas, en el caso de que el efecto sea muy intenso o para poder pintar en Negro con el Pincel para eliminar el resultado en zonas donde no queremos que se note.

Resultado final

Las posibilidades son muchas. Puede ser perfecto para dar un dodge&burn rápido a muchas fotografías o para finalizar un trabajo después de ajustes manuales. Y también, si exageramos los parámetros, es perfecto para descubrir dónde tenemos que hacer el dodge&burn manual de un solo vistazo.

En Xataka Foto

Trece ideas y consejos para hacer retratos diferentes (o al menos más originales)

Ya nos contaréis qué tal os quedan vuestras fotografías, tanto de retrato como de paisaje. Sinceramente creemos que es una de las técnicas más interesantes que hemos visto en los últimos años en este terreno.

Cuando aprendimos a revelar con Adobe Photoshop muchos teníamos miedo a las Curvas y siempre nos quedábamos con los Niveles, mucho más fáciles e intuitivos a la hora de controlar la luminosidad y el contraste de nuestras fotografías... Pero la realidad es que las Curvas son mucho más versátiles y permiten mejores resultados. Vamos a conocer todas sus ventajas en Adobe Photoshop (y por extensión en los demás programas).

Siempre he utilizado los Niveles. Desde que leí los primeros libros de fotografía digital, el primero de Scott Kelby o el de José María Mellado, empecé con ellos porque era más sencillo. Solo tres deslizadores y listo. Es de primero de revelado digital.

Si nos gusta este mundo y queremos aprender más, la evolución lógica es pasar a las Curvas. De hecho, cada vez tengo más claro enseñar a mis alumnos las curvas desde el principio y recordarles que hay una herramienta más simple si van con prisas.

Pero ni siquiera eso, porque en las Curvas de Adobe Photoshop podemos ver el histograma y tenemos los mismos controles que ofrecen los Niveles. No podemos olvidar que los Niveles es una de las cosas que pueden hacer las Curvas.

Así que, animados e inspirados por el video de Piximperfect, vamos a desgranar las seis razones por las que nos deberíamos olvidar de los Niveles y abrazar las Curvas (él habla de ocho pero creo que se pueden resumir en seis).

Las seis razones para usar las Curvas antes que los Niveles

Por supuesto que cada uno es libre de hacer lo que quiera, faltaría más. Pero si queremos tener más control, ir más rápido y conseguir mejores resultados las Curvas deberían entrar en nuestro flujo de trabajo.

La única ventaja de los **Niveles es que son más sencillos de comprender y utilizar**. Y puede que ahí esté su magia y el motivo por el que tantas personas siguen confiando sus fotografías a esta herramienta. Pero si queremos más precisión, las Curvas son la mejor opción.

En Xataka Foto

Los seis errores más comunes que pueden cometer los fotógrafos que empiezan a disparar en modo manual

Los Niveles son un resumen de las Curvas

Con Niveles puedes ajustar los Negros, los Blancos y los Tonos medios. Con el deslizador Negro, el de la izquierda, ajustamos el negro absoluto, el nivel 0. Con el deslizador Blanco, a la derecha, controlamos los detalles de las áreas brillantes.

Exactamente igual que con los deslizadores Negro Y Blanco de las Curvas si los desplazamos hacia la derecha y la izquierda respectivamente.

Los niveles salen perdiendo

Los niveles también tienen un deslizador central que sirve para subir la luminosidad de los tonos medios, si lo llevamos a la derecha, y para bajarlos si lo desplazamos a la izquierda. Es lo único que podemos hacer.

Sin embargo en las Curvas ese punto central lo podemos situar donde necesitemos para personalizar totalmente el resultado de cualquier fotografía. Eso sí, si queremos que haga exactamente lo mismo solo tenemos que situarlo en el punto 128, 128 y desplazarlo en la horizontal.

Tenemos también los Niveles de Salida con dos deslizadores más. Permiten hacer las zonas oscuras más brillantes y las zonas claras más oscuras. Para conseguir lo mismo en las Curvas solo tenemos que subir en la vertical el deslizador negro y bajar el deslizador blanco.

Y hasta aquí todo lo que tienen en común. A partir de este momento las Curvas empiezan a adelantar y hacer cosas que lo Niveles ni sueñan, como controlar las luces y las sombras sin tener que hacer selección alguna.

La herramienta de arrastre no existe en Niveles

Esta herramienta, de nombre larguísimo en la ventana Curvas, está representada por el icono de una mano con dos flechas. Yo siempre la he llamado Ajuste de destino, tal como viene en Adobe Camera RAW (pero igual no es el nombre correcto).

Solo tenemos que activarla, ponernos encima de la zona de luminosidad de la fotografía que queramos cambiar, hacer clic con el ratón y subir para aclarar y bajar para oscurecer. Y podemos hacerlo en todos los puntos que queramos.

Herramienta de arrastre

¿El secreto? Ajustes moderados para que la imagen quede perfecta. Salvo casos puntuales, los ajustes con la curva siempre quedarán mejor si no hacemos cambios agresivos.

Aumentar el contraste sin perder detalles en luces y sombras es imposible en Niveles

Si el original ya tiene contraste es muy difícil aumentarlo si solo trabajamos con Niveles. Si al final lo hacemos enseguida perderemos detalle en las sombras y las luces. Y conseguiremos contraste pero perderemos información importante en ambos extremos.

Sin embargo, al trabajar con Curvas solo hacen falta dos puntos. Uno para subir los blancos sin tocar el valor 255, 255, 255; y otro para bajar las luminosidades oscuras sin perder la información del negro absoluto. Es la famosa curva en s que tan buenos resultados da.

Contraste extremo con una sola curva

Incluso podemos hacer una doble curva en s para dar contraste a las sombras y a las luces por separado en una única Curva...

Las curvas permiten crear efectos especiales de una forma más rápida

Es muy difícil crear efectos especiales con los Niveles. Pero no solo me refiero a solarizaciones como se hacían en los años 20, sino algo tan cómodo como los virados para las fotografías de blanco y negro.

Curva extrema

Con la herramienta Dibujar para modificar la curva podemos crear una curva a mano y observar el resultado en la fotografía. Dibujar una Z, hacer el logotipo de la M de la famosa cadena de hamburguesas, etc... Si investigamos igual creamos un efecto al que podemos bautizar con nuestro nombre.

La herramienta más versátil para ajustar el color de las fotografías

Hasta ahora solo hemos hablado del control de la luminosidad de la fotografía. Pero con las Curvas tenemos un control muy fino del color, mucho más que lo que podemos hacer con los Niveles.

Control de color

Con la teclas Alt+3, 4 y 5 podemos acceder a las curvas de color. Y ajustar todo lo que necesitemos recordando las combinaciones que ya nos enseñaron en el colegio. Por ejemplo, si queremos una tonalidad naranja, solo tenemos que subir la curva del Rojo y bajar la del Azul para tener Amarillo. Rojo más Amarillo igual a Naranja.

Controlar una herramienta avanzada es mucho más eficaz

Como bien recuerda el youtuber, es más fácil enseñar una herramienta sencilla. Pero luego es más difícil quitar vicios adquiridos... Por este motivo os animamos a olvidaros de los Niveles y apostar directamente por las Curvas.

Cuando dominamos las Curvas realmente dominamos Adobe Photoshop o cualquier otro programa que trabaje con ellas, aunque sea internamente. Es verdad que supone un esfuerzo inicial extra pero con el tiempo lo agradeceremos.

En Xataka Foto

Cómo exponer correctamente en fotografía digital

Es la herramienta más versátil para los fotógrafos y la que ofrece resultados más profesionales. Por lo tanto, os animamos a perderles el miedo y buscar la forma de integrarlas lo más rápidamente posible en nuestro flujo de trabajo.

¿De verdad hace falta aumentar la nitidez de nuestras fotografías en los programas de revelado? Mucha gente todavía lo confunde con enfocar la imagen, algo que solo se puede hacer en el momento del disparo. Aumentar la nitidez consiste en ajustar el contraste de la imagen para que la percibamos con más detalle. Vamos a conocer las cuatro formas de ajustar la acutancia (así se llama) con Capture One Pro.

A veces se dice erróneamente que los programas de revelado nos ayudan a enfocar la imagen. Lo único que pueden hacer es aumentar la sensación de nitidez. ¿Y cómo lo hacen? Simplemente aumentando el contraste de forma controlada en los tonos medios. Y dependiendo del método elegido, con más o menos precisión.

La única forma de enfocar una fotografía es teniendo cuidado durante la toma, eligiendo un buen objetivo, colocando la cámara en un trípode y enfocando correctamente de forma automática o manual. En el ordenador solo podemos trabajar con el enfoque que tenemos y tratar de aprovechar toda la información que ha generado. De donde no hay no se puede sacar nada.

En Capture One tenemos hasta cuatro formas de aumentar la nitidez de nuestras fotografías. Tal como nos recuerda Kasia Zmokla en uno de sus interesantes vídeos tenemos cuatro posibilidades de aumentar la acutancia en función de la fotografía. Y estos métodos prácticamente se pueden volcar sin problemas en Adobe Lightroom o Adobe Photoshop, así como en cualquier otro programa que tenga tantas funciones como estos que hemos nombrado.

Las cuatro formas de aumentar la nitidez

Seguro que muchos ya conocéis las posibilidades que vamos a explicar aquí. Pero hemos pensado que será muy útil para todos tenerlas agrupadas, para resolver dudas a los que empiezan y tener un pequeño recordatorio para los que llevamos un tiempo trabajando con Capture One.

La fotografía elegida

Iremos de la más sencilla a la más compleja. Dependerá sobre todo de nosotros, pero también de la fotografía. No es lo mismo aumentar la nitidez de una fotografía llena de detalles que de una levemente trepidada. Así que manos a la obra.

Y lo más importante, para juzgar si estamos dando la acutancia necesaria a nuestra fotografía es imprescindible aumentar el zoom al 100% para poder juzgar bien el resultado. Y si tenemos una pantalla 4K podemos subir hasta el 200%.

En Xataka Foto

‘Esa fotografía puedo hacerla yo’

1. Contraste

Solo con aumentar el contraste de nuestras fotografías ganaremos detalle en las zonas donde la separación de las luces y de las sombras es más evidente. Podemos utilizar el parámetro Contraste de la herramienta Exposición o ir directamente a la herramienta Curvas y hacer una curva en forma de s.

Curva de contraste

Afectará a toda la fotografía. El efecto de la acutancia se nota sobre todo cuando el contraste es alto por defecto. En algunas ocasiones es muy efectivo crear un intervalo de Luma para que solo se aplique el contraste en los tonos medios.

Creamos una Capa de ajuste llena, le damos una curva y con Intervalo de Luma solo seleccionamos los tonos centrales. Tan sencillo como efectivo. De hecho es lo que hago siempre con mis archivos cuando los revelo en Adobe Photoshop con el panel de Tony Kuyper.

2. Claridad

La herramienta Claridad es mi favorita para dar acutancia a la fotografías. Tiene cuatro métodos diferentes y dos parámetros de ajuste: Claridad y Estructura. Y ahora vamos a fijarnos en el primero.

Para conseguir lo que estamos buscando en este artículo siempre subo 20 puntos el valor de Claridad. Su función es modificar la apariencia de la transición entre claros y oscuros. Y Claridad afecta sobre todo a las transiciones de mayor escala.

Con Claridad

Es decir, afecta al contraste de zonas amplias de la fotografía. Sería adecuado para un retrato, donde no queremos aumentar el contraste en la piel. Pero creo que es efectivo para conseguir ese aumento general de la nitidez que estamos buscando.

3. Estructura

Este es el segundo parámetro que encontramos en la herramienta Claridad. Su función es la misma pero en vez de afectar a una frecuencia mayor como Claridad, afecta a las bajas frecuencias de contraste. Es muy útil para subir la acutancia de las imágenes con detalle.

Estos dos parámetros hay que utilizarlos con precaución. Los valores altos no son aconsejables en la mayoría de los casos y los valores negativos consiguen el efecto contrario que estamos buscando aquí.

Con Estructura

También podemos elegir cuatro métodos distintos para modificar el comportamiento de ambos parámetros, tal como comentamos en su momento:

1. Natural: aplica un contraste local muy suave y evita la aparición de colores falsos.
2. Intensidad: da un contraste más fuerte y además aumenta la saturación de la fotografía de una forma muy suave.
3. Neutro: exactamente igual que Intensidad pero evita la subida de la saturación.
4. Clásico: el primer método de Claridad que consigue, a pesar de sus años, un contraste suave y un aumento leve de la saturación.

4. Herramienta Enfoque

Antes he señalado que siempre utilizo el parámetro Claridad para aumentar la nitidez de mis fotografías. ¿Por qué? Porque por defecto Capture One siempre aplica automáticamente una máscara de enfoque en función de la cámara que detecte en los metadadatos.

Es una pequeña trampa y el motivo por el que creo que basta y sobra con subir a 20 la Claridad. Pero si queremos conseguir la máxima nitidez en nuestras fotografías lo mejor que podemos hacer es utilizar manualmente la herramienta Enfoque. El único problema es que es mucho más lenta que cualquiera de las otras opciones y depende, mucho, de la salida del archivo.

Con herramienta Enfoque

No es lo mismo ajustar una imagen que va a ir a las redes sociales que otra que se va a imprimir a gran tamaño. Esto es algo que deberíamos tener en cuenta y por lo que puede ser interesante intentar ajustar en una capa nueva para poder cambiar los parámetros de esta herramienta. De hecho la herramienta es compatible con las capas.

Tenemos cuatro parámetros en la herramienta que encontramos dentro del panel Detalles (aunque ya sabéis que podemos ubicarla donde queramos):

1. Cantidad
2. Radio
3. Umbral
4. Supresión de Halo

Vamos a ver los pasos para conseguir el mejor resultado:

• Ampliamos la fotografía al 100%
• Creamos una capa nueva llena en el menú Capa>Añadir capa de ajustes llena.
• Vamos al panel Detalles>Enfoque.
• Todos los parámetros están ajustados por defecto según la cámara. Los llevamos todos a 0 (Radio se queda siempre en 0,2).
• Subimos Cantidad a 600-800 para ajustar con precisión Radio.
• Bajamos a Radio y lo subimos, con la rueda del ratón, décima a décima hasta que los halos comiencen a hacer acto de presencia en las zonas de más contraste. En la fotografía de ejemplo lo dejo en 0,5.
• Bajamos Cantidad a 0 para empezar a subirlo poco a poco hasta ver la fotografía nítida (según nuestro gusto). Recomiendo subir y bajar rápidamente el deslizador e ir delimitando hasta encontrar el punto exacto. Hemos puesto 400 en esta ocasión.
• El Umbral ayuda a controlar la presencia del ruido en las zonas sin detalle. Es decir, elimina el contraste en estas zonas. Si no observamos ningún problema será mejor no tocarlo.
• Supresión de halo solo tendremos que utilizarlo si notamos que a pesar del cuidado que hemos tenido en todos los demás pasos vemos que hay halos en las zonas de contraste.

En Xataka Foto

Lo importante es la fotografía, ¿qué más da la cámara?

Y estas son las cuatro opciones que tenemos para enfocar una fotografía en Capture One. Si tuviera que elegir un método u otro me quedaría con Claridad sin lugar a dudas. El resultado es perfecto en la mayoría de los casos y permite trabajar en cadena. Pero si queremos la mayor precisión no queda más remedio que acudir a la herramienta Enfoque.

A todos nos ha pasado alguna vez que tengamos una imagen que nos gustaría que tuviera una perspectiva más amplia, manteniendo el sujeto principal pero "ampliando sus horizontes". Pues bien, gracias a Adobe Photoshop es posible “estirar” de una manera muy sencilla el fondo de la foto, convirtiéndola de vertical a horizontal o de horizontal a panorámica, sin distorsionar el sujeto principal. Veamos cómo hacerlo.

Ya sea porque en el momento de hacerla no se nos ocurrió girar la cámara y hacer otra toma, porque no teníamos la óptica adecuada o no podíamos acercarnos o alejarnos, o simplemente porque al ver la imagen en pantalla se nos ocurren nuevas posibilidades, es posible que queramos modificarla y ampliar el fondo a nuestro antojo. Y esto es algo que se puede hacer de forma bastante sencilla, cumpliendo eso sí una serie de condiciones.

Y es que, como podemos imaginar, no es una técnica que funcione con cualquier foto. Lo ideal es que el sujeto principal esté situado bien centrado y que su figura se acerque lo menos posible a los bordes derecho e izquierdo de la imagen. Además, es importante que el fondo sea lo más homogéneo posible y tenga poco detalle, para lograr buenos resultados, porque si no es así no funcionará. En cualquier caso vamos a ver cómo hacerlo con una serie de ejemplos.

En Xataka Foto

Cómo preparar las fotografías para la web con una secuencia de comandos gratuita para Adobe Photoshop

Ejemplo 1: de vertical a horizontal

Es el proceso más complicado porque normalmente algunas partes de la figura protagonista (como manos y brazos), estarán relativamente cerca de los bordes derecho e izquierdo de la imagen, lo que hará que la técnica resulte difícil de aplicar. Sin embargo, si el fondo es muy homogéneo como en el caso de la foto de esta modelo, los resultados pueden ser buenos siguiendo los pasos que damos a continuación.

La imagen de partida en formato vertical.

Estos son realmente sencillos y aptos para todos los públicos, aunque no se tenga mucha experiencia con Adobe Photoshop, así que cualquiera puede llevarlo a cabo. En primer lugar, una vez abierta la foto en la herramienta, nos alejaremos de la fotografía ampliando el área de trabajo (lo cual se puede hacer de varias formas, principalmente recurriendo al menú Vista/ Reducir) teniendo la herramienta Recortar seleccionada.

Aumentando el tamaño del lienzo

A continuación usaremos esta opción para hacer más grande el lienzo de la imagen, moviendo la ventana a derecha e izquierda para que quede más o menos centrado y hasta el tamaño que queramos (aunque esto se puede cambiar posteriormente).

Tras pulsar Intro para aplicar los cambios, iremos al menú Editar para elegir, del menú desplegable, la opción Escala según el contenido (Content-Aware Scale en la versión inglesa del programa). Una vez hecho veremos que tenemos la opción de agrandar la imagen a nuestro gusto, "tirando" de sus lados. Lo haremos del de la derecha y del de la izquierda, a gusto del consumidor, fijándonos en cómo va quedando el efecto.

Aplicando la herramienta "Escala según el contenido"

Si hemos elegido bien la foto, podremos estirarla hacia los lados hasta un cierto punto sin que se deforme el elemento central, pero llegará un momento en el que empezará a hacerlo. Es en ese instante cuando debemos parar y pulsar Enter para aplicar los cambios realizados. Seguramente aún no habremos llegado a las dimensiones que queríamos, así que el truco está en repetir la operación de nuevo, las veces que sea necesario hasta que el resultado sea el esperado.

El resultado final ya con el fondo "estirado"

Como decíamos, funciona de forma muy diferente según sea la imagen de la que se parte. Si por ejemplo lo intentamos con esta otra foto de abajo, cuyos márgenes incumplen totalmente las condiciones que hemos apuntado, veremos que el resultado es inaceptable y tendremos que desechar el uso de esta técnica. Eso sí, teniendo en cuenta lo fácil que es realizarlo, siempre podemos ir probando con distintas fotos que queramos retocar para ver si se puede usar o no.

Un ejemplo de fotografía donde esta técnica no sirve.

En Xataka Foto

Cómo romper la regla de los tercios de forma “aceptable”

Ejemplo 2: de horizontal a panorámica

Otra opción interesante es convertir una foto de formato horizontal a panorámico, algo que haremos exactamente de la misma forma: alejando la vista del escritorio de Photoshop, agrandando el lienzo hasta las dimensiones que queramos que tenga la foto final y usando Escala según el contenido las veces que consideremos necesario. El resultado puede ser una imagen como la que os ponemos de ejemplo.

La foto de partida

En este tipo de imágenes también es importante que el fondo sea lo más uniforme posible y con detalle más bien escaso, pero como es probable que haya más espacio entre los bordes de la foto y el sujeto principal puede ser más fácil de conseguir que en el caso anterior. Tanto que se puede tener la impresión de que es fácil estirar el fondo de forma indefinida y, sin embargo, obteniendo un resultado casi perfecto.

Y aquí el resultado final.

Adobe se dio cuenta hace mucho tiempo del rumbo que iba a tomar la fotografía. Primero nos presentó Adobe Lightroom Mobile hace cinco o seis años. En 2017 cambió el nombre a Adobe Lightroom, directamente. Y se convirtió en uno de las aplicaciones más interesantes para hacer fotografías, gestionarlas y por supuesto, revelarlas. Vamos a aprender a configurar Adobe Lightroom en el móvil para sacarle todo el provecho.

El nombre elegido no es muy afortunado. Después de años dando clases me he encontrado con muchos alumnos que se han apuntado a este programa pensando que era la versión de toda la vida, la que ahora llaman Classic. Y son dos programas distintos.

Las diferentes opciones

Vamos a resolver las dudas a la hora de elegir una versión u otra y después explicaremos cómo configurarlo para que todo lo que hagamos en el teléfono móvil podamos tenerlo en el ordenador sin problema alguno de sincronización.

¿Qué versión nos compramos de Adobe Lightroom?

La versión Classic es el programa que funciona con catálogo, es decir, una copia de los archivos originales que ayuda a una mejor gestión de tus imágenes y evita manipular los originales. Lightroom 'a secas' trabaja sin este catálogo.

A la hora de entrar en la Creative Cloud tenemos que ir al Plan Fotográfico, donde nos ofrecen distintas posibilidades: Plan Fotografía (20 GB), Lightroom (1 TB) y Plan Fotografía (1 TB). Los dos primeros valen lo mismo 12.09€/mes y es ahí donde empiezan las complicaciones.

En Xataka Foto

José María Mellado: "la cámara del móvil es un regalo para los fotógrafos"

• El plan de fotografía de 20 GB incluye las dos versiones de Lightroom pero solo 20 GB en la nube, lo que no debería ser un problema como vamos a ver.
• La opción Lightroom (1 TB) solo te da acceso a la aplicación móvil para instalar en el ordenador y el teléfono y 1 TB de espacio en la nube.
• El plan de fotografía 1 TB cuesta el doble que el plan de 20 GB a cambio de ofrecer 1 TB de capacidad.

Cada uno de nosotros tiene que elegir cuál es la opción que más nos interesa. Creemos que lo mejor es tener acceso a las dos pero al final depende del uso que le vayamos a dar... Si solo trabajas con el teléfono móvil la más interesante es Lightroom (1 TB).

Las diferentes opciones

Pero si quieres profundizar en el revelado, conseguir la mejor reproducción del color y tener un control más preciso no te queda más remedio que apostar por trabajar con la aplicación en el ordenador.

El catálogo es mucho más versátil a la hora de organizar y catalogar nuestras fotografías pero como siempre depende de las necesidades, de las fobias y las pasiones de cada uno.

La configuración de Adobe Lightroom en el móvil

Adobe Lightroom se puede instalar de forma gratuita en el móvil. Solo tenemos que crear un Id en la Creative Cloud y listo. Pero perderemos la oportunidad de sincronizar nuestros archivos en el ordenador y algunas funciones interesantes, que llaman Premium, como el Pincel corrector o los ajustes selectivos.

Una de las grandes bazas de la aplicación móvil es que permite hacer fotografías. Y lo mejor de todo, si tu móvil es compatible, te permitirá disparar en formato DNG con todas las ventajas que supone acceder a toda la información de la captura.

Disparar en DNG

Una vez instalada la aplicación en el teléfono tenemos que ir al icono que nos encontramos en la esquina superior izquierda de nuestro móvil y revisar cada una de las opciones que nos ofrece. No vamos a detenernos en todas porque algunas se sobrentienden, como por ejemplo Funciones premium, donde señala todo lo que puedes hacer si tienes la versión de pago. Así que vamos a empezar.

Preferencias

• Activar adición automática sirve para importar las fotografías que tengamos en el smartphone del formato que queramos.
• Vista gente sirve para organizar nuestras fotografías en función de las personas que aparecen. Lo más llamativo de esta función es que no funciona con las imágenes cargadas en Illinois.
• Opciones de importación nos ayuda a elegir la configuración predeterminada de las imágenes RAW que importemos.
• Enviar datos de uso nos da la opción de no compartir nuestra información con Adobe del uso que estemos dando al programa.

Las diferentes opciones

• Descargar solo previsualizaciones inteligentes sirve para bajarse durante la importación una versión de baja resolución del original para ahorrar espacio en el móvil.

Almacén y dispositivo

En este apartado veremos el espacio que nos queda libre en el teléfono. Además nos permite usar la tarjeta de memoria para almacenar la información.

Otra función interesante de este apartado es que si vamos a Información del dispositivo veremos rápidamente si nuestro terminal es compatible con la captura en DNG y las capturas HDR.

Una vez vistos estos puntos podemos empezar a trabajar con Adobe Lightroom en el móvil. Solo nos falta la configuración de la cámara.

La configuración de la cámara de Adobe Lightroom

La cámara de Adobe Lightroom de Android no tiene muchas funciones. Y depende siempre del modelo que tengamos entre manos. Pero para todos los que tengamos un móvil de gama media puede ser muy interesante trabajar con esta aplicación. Tengo un Xiaomi Mi A3 y he conseguido mejores resultados que con la cámara original.

Solo tengo que dar al icono de la cámara para empezar a hacer fotografías. En la parte superior central tenemos la opción de elegir el formato de grabación y dos iconos, uno para activar el flash y otro para trabajar con la cámara selfie.

En la parte inferior tenemos los dos modos de trabajo:

• Automático para no tener que elegir ningún parámetro.
• Profesional para poder controlar todos los parámetros de una toma, desde la sensibilidad hasta el equilibrio de blancos.

En Xataka Foto

Cómo tener todo nuestro catálogo de Lightroom Classic en la versión móvil del programa sin ocupar espacio en la nube

Y ya hemos terminado. Con estos pasos tendremos Adobe Lightroom en nuestro smartphone listo para empezar a trabajar. La calidad final de las fotografías dependerá exclusivamente del teléfono que tengamos. Y el rendimiento del programa también pero si seguimos este artículo la configuración será perfecta para conseguir el mejor resultado posible.

En un artículo anterior hablamos de cómo digitalizar nuestros negativos y diapositivas rápidamente. Hoy vamos a describir, paso por paso, uno de los mejores métodos que existen: fotografiar nuestros negativos con una cámara digital para ganar rapidez y calidad.

El método que vamos a explicar a continuación se ha popularizado con el paso del tiempo. Lo utilicé por primera vez en 2010 de forma rudimentaria, pero poco a poco lo fui perfeccionando con toda la información que encontraba y a base del conocido método de ensayo error.

En 2015 apareció un artículo sobre la maleta mexicana y los pasos que siguieron para escanear todos esos negativos enrollados. Me sirvió para confirmar que iba por el buen camino. Ahora todo el mundo habla de este proceso porque se ha demostrado que tiene una serie de ventajas sobre los demás:

• Rapidez (36 fotografías se pueden escanear en menos de 10 minutos)
• Calidad del escaneado (nuestros negativos están siempre en formato RAW)
• Relación calidad/precio

El negativo fotografiado

Pero como todo método profesional, hay que seguir escrupulosamente los pasos que vamos a indicar para que el resultado sea perfecto. Siempre costará empezar, pero con los medios adecuados el resultado permitirá dar una segunda vida a todo nuestro archivo analógico.

Primeros pasos para digitalizar nuestros negativos y diapositivas

Una de las mayores ventajas de fotografiar nuestros negativos es que no necesitamos invertir grandes cantidades de dinero en accesorios específicos. Siempre tenemos una cámara en casa y solo necesitaremos comprar un objetivo macro (el mayor desembolso) que podemos usar en otras situaciones sin problemas.

Siempre me preguntan si se puede utilizar cualquier tipo de sensor. Por comodidad recomiendo utilizar una cámara de formato completo para poder trabajar sin recortar. Siempre podemos jugar con los diferentes aumentos que nos permiten otras cámaras de sensores más pequeños en combinación con diferentes objetivos.

Algunos autores proponen trabajar con sensores más pequeños por el tema de la profundidad de campo pero considero que no hace falta siempre que utilices un sistema, como el que propongo, que permita poner totalmente paralelos ambos planos, el del negativo y el sensor. Incluso si el objetivo es profesional, podemos cerrar a f11 sin miedo a perder calidad.

En Xataka Foto

Estos son los diez mejores sensores fotográficos del mercado (Sony domina y no hay ni uno de Canon) según DxOMark

Pero si nuestro material es de 35 mm, la mejor opción posible es el FF para trabajar más rápido. Si necesitamos recortar siempre lo podemos hacer en el momento del revelado. Como siempre vamos a trabajar con trípode, en RAW y con el ISO nominal, da igual el tipo de sensor que tengamos porque la calidad será muy alta.

Mi objetivo macro

Otro tema es el objetivo, lo más importante dentro de este proceso. Tendremos la calidad que nos de a partir de la información original. Al fotografiar el negativo va a pasar por un segundo objetivo y que no queremos perder nada.

El objetivo ideal para este trabajo será un macro, con una relación 1:1, es decir, que 1 cm del negativo será 1 cm en el sensor. Algunos usuarios jugarán con una ampliación mayor pero nunca he visto la necesidad de trabajar con otras relaciones.

Cómo preparar la sesión

En este punto es donde más cambios podemos ver en las propuestas que se leen en las redes y que presentan en los cursos: la iluminación y la colocación y sujeción de los negativos y diapositivas.

Para iluminarlos tenemos bastantes opciones pero es importante recordar que necesitamos una luz uniforme, blanca y constante. Lo más cómodo es una antigua mesa de luz pero en el mercado encontramos opciones muy interesantes que tienen que cumplir estos requisitos:

• La luz tiene que estar difuminada para dar una iluminación uniforme. Es lo más sencillo, si la luz no está tamizada siempre podemos alejar el dispositivo de los negativos
• Un CRI mayor que 90 para evitar problemas de reproducción del color. Es tan fácil como mirarlo en las instrucciones. Si no lo indica simplemente no lo compres.
• Que no genere calor. Algo muy importante para evitar el deterioro del material y estar cómodos a la hora de trabajar.

Diapositiva iluminada por una fuente de luz de 5000 K

Yo tengo una clásica mesa de luz Reflecta, pero ya he mirado una antorcha LED con CRI 95. En todo caso hay que colocar bandas negras para que solo se ilumine la superficie del negativo.

En muchos tutoriales hablan de mesas de reproducción y diversos técnicas para asegurar que tanto el sensor de la cámara como el negativo estén totalmente paralelos. Pero la mejor opción, para evitar todos los problemas, es un duplicador de diapositivas que se enrosca al frontal del objetivo.

Kaiser Fototechnik Digital Slide Duplicator - Visor de Diapositivas, Negro

Hoy en Amazon — 106,03 €

El precio podría variar. Obtenemos comisión por estos enlaces

Es sorprendente cómo han subido de precio al cabo de los años, pero es uno de los mejores accesorios para digitalizar diapositivas y negativos con un objetivo macro. Si no tienes ningún soporte para negativos y diapositivas es imprescindible que compres un par. Y si tienes una Nikon D850 siempre te puedes comprar el adaptador que sacaron, con la ventaja de aprovechar la conversión directa. El problema es que solo trabaja en jpeg...

Es el momento de empezar a disparar

En principio todo está listo, pero nos faltan dos cosas más para conseguir resultados profesionales:

• La limpieza del negativo.
• El programa que vamos a utilizar.

Los negativos y diapositivas pueden estar muy sucios si no los hemos guardado bien. Es imprescindible trabajar con guantes de algodón y tener a mano una perilla de aire para quitar todo el polvo una vez colocado el negativo en su soporte.

Otra opción es el aire comprimido, pero siempre a una distancia prudencial para evitar condensaciones. No recomendaría nunca frotar el negativo con paños de microfibra. Si no quedara más remedio (por la suciedad acumulada) podríamos bañarlos de nuevo en agua pero sería una locura si no tenemos una cabina de secado o un lugar estanco donde dejarlos... aunque los más viejos del lugar no dudábamos en dejar los negativos al aire después de revelarlos.

Pera de aire

En los últimos años trabajo con la cámara conectada con Capture One. No es imprescindible trabajar en thetering pero sí tienes más control.

Así que vamos a ver los pasos a seguir para conseguir el mejor resultado:

1. Colocamos la cámara en un trípode y la fuente de luz en paralelo.
2. Por supuesto disparamos en formato RAW. Necesitamos registrar todo el rango dinámico del negativo o de la diapositiva.
3. Ajustamos el ISO nominal.
4. Cerramos el diafragma a f8 para conseguir la máxima nitidez y una buena profundidad de campo. Por esto es importante colocar correctamente los dos planos.
5. La velocidad de obturación dependerá de la fuente de luz. Lo importante es conseguir que las luces se registren sin quemarse, colocando el histograma a la derecha.
6. Lo ideal es trabajar en Manual para poder ajustar la velocidad con cada negativo según su densidad.
7. Es importante tomar una fotografía de una zona del negativo sin exponer para poder calcular el equilibrio de blancos.
8. Colocamos la tira de negativos en su soporte y limpiamos con la pera de aire cada negativo. Si fuera necesario utilizaremos con mucho cuidado el aire comprimido como última opción. Si queremos evitar al máximo los reflejos debemos poner el negativo al revés, por la zona no brillante.
9. A la hora de enfocar tenemos que hacerlo en modo Manual y servirnos del focus peacking de nuestras cámaras si lo tienen. Es importante lograr la nitidez más alta.
10. Hacemos la fotografía con disparador remoto, desde el ordenador si hacemos thetering o con el autodisparador. En este caso, como tenemos el duplicador no es tan importante evitar tocar la cámara, pero siempre ayudará.

Parece algo tedioso, pero si te organizas bien puedes hacer más de diez carretes en un día con una calidad inmensa.

El revelado final

Para revelar recomiendo sin duda Capture One. El tratamiento del color es similar en Adobe Photoshop y Capture One, pero en este último es mucho más ágil.

Las diapositivas no suponen problema alguno pero todo se complica con el revelado de los negativos de blanco y negro y por supuesto los de color. En estos últimos la capa naranja supone un paso complejo en muchas ocasiones. Pero nada que no se pueda resolver con un uso correcto de las curvas.

Después de muchos años digitalizando archivos he tenido problemas muy graves con aquellos negativos mal revelados y conservados. Y sobre todo con alguna que otra marca que ahora no viene al caso...

Vamos a ver un revelado básico con Capture One de un negativo en blanco y negro:

• Abrimos la fotografía.
• Hacemos las correcciones ópticas necesarias.
• Recortamos la imagen y enderezamos si es necesario.
• En Características base marcamos el perfil ICC de nuestra cámara y como Curva elegimos Respuesta lineal.

El antes y el después

• El Equilibrio de blancos lo obtenemos después de pinchar con la herramienta en una zona sin exponer del negativo... Entre dos fotogramas o al principio o al final de la tira.
• En Exposición ajustamos este valor si fuera necesario pero normalmente no hace falta tocarlo.
• Ajustamos el contraste con Curva. En este negativo en blanco y negro prefiero la Curva Luma.
• Con Niveles y Alto rango dinámico ajustamos el punto negro y el blanco. Es muy importante ajustarlos bien porque luego tenemos que invertir.

El resultado final

• Es el momento de volver a las curvas e invertir. Es muy sencillo, solo tenemos que pinchar en el punto negro y subirlo en el eje Y y el punto blanco y bajarlo en el eje Y. No hace falta nada más.

En Xataka Foto

Estas son las ventajas de las cuerpos de cámara profesionales (más allá del sensor) y por qué merecen la pena

Una vez revelada la fotografía recomiendo hacer una copia en TIFF para no confundirse con los parámetros que, a partir de este momento, estarán invertidos. El proceso es largo pero os aseguro que darle una segunda vida a nuestros negativos y diapositivas merece la pena.

Hoy toca la segunda parte de la serie dedicada a la fotografía en blanco y negro fine art. En esta ocasión vamos a fijarnos en lo más importante para conseguir el mejor resultado posible en este mundo de fantasía que estamos creando en escala de grises: las selecciones. Cuánto más perfectas sean mejor será el resultado. Es el paso más difícil, largo y complejo pero una vez superado, todo será mucho más fácil.

Las selecciones siempre son una asignatura pendiente para los fotógrafos que nos enfrentamos al revelado digital. Antes, en la época química era imposible la precisión salvo que trabajaras con hojas de acetato recortadas y dedicaras un tiempo interminable a cada imagen. Ahora queremos ser tan perfectos que estamos también encadenados al tiempo.

Pero si queremos profundizar en este estilo no nos quedará más remedio que dominar todas las herramientas y conocer todos los trucos que se pueden hacer para lograr llevar a buen puerto nuestra fotografía fine art. Vamos a hablar de dos métodos fundamentales para conseguirlo. Más viene bien recordar que ninguno de los dos son rápidos y perfectos. Hay que llenarse de paciencia.

Fotografía original

Así que la clave es el tiempo que le dediquemos a las selecciones. Tienen que ser muy precisas para conseguir el efecto que estamos buscando y evitar los halos que malogran el resultado. Eso, o comprar el panel de Joel Tjintjelaar para hacerlo de forma automática.

Las herramientas para la selección

No hay una herramienta perfecta para todo. Nosotros tenemos que saber, según la fotografía, cuál es la herramienta que dará mejor resultado. Y para la fotografía fine art tenemos que dominar la herramienta Pluma de curvatura, la herramienta Lazo poligonal y Selección rápida. Así que vamos a descubrir el funcionamiento de cada una de ellas y un truco que podemos ver en el famoso libro de más de 400 páginas de Joel Tjintjelaar y en sus vídeos.

Lazo poligonal

Es la herramienta más rápida en el caso que estemos trabajando solo en fotografías con líneas rectas, con imágenes arquitectónicas. Su funcionamiento es idéntico al Lazo que todos conocemos pero solo permite trabajar con líneas rectas.

En Xataka Foto

Cómo utilizar la herramienta Upright de Adobe Camera RAW

Para trabajos sencillos puede que no haya nada más fácil. Su barra de configuración es idéntica a la de la herramienta madre. Lo más cómodo es elegir siempre Añadir a la selección y listo. Pero tiene un problema grave, si nos equivocamos en un punto no hay forma de corregir.

No queda más remedio que terminar la selección y luego solucionar el fallo como acostumbramos con la opción Restar de la selección. Eso sí es muy cómodo trabajar al 100% e ir moviendo la fotografía (Espacio+clic en el ratón) para que la precisión sea máxima.

Pluma de curvatura

La herramienta Pluma de curvatura es la herramienta vectorial que deberíamos utilizar todos los fotógrafos, por encima de la veterana Pluma que tanto nos ha hecho sufrir a muchos de nosotros. Se comporta igual que Lazo pero con la precisión de una herramienta vectorial.

En Photoshop podemos trabajar con imágenes de mapa de bits (rasterizadas) y vectoriales. Las primeras son fotografías y las segundas son imágenes compuestas de formas y trazados que pueden cambiar de tamaño sin perder calidad:

Las imágenes rasterizadas (o de mapa de bits) se describen mediante un conjunto o mapa de bits dentro de una cuadrícula rectangular de píxeles o puntos. Las imágenes vectoriales se describen mediante líneas, formas y otros componentes gráficos de imagen almacenados en un formato que incorpora fórmulas geométricas para interpretar los elementos de la imagen.

Una herramienta vectorial no tiene problemas a la hora de hacer una selección precisa porque no depende de los píxeles y evita los bordes dentados en las diagonales y curvas. El funcionamiento de la herramienta Pluma siempre ha sido complejo.

Por este motivo presentaron hace dos o tres versiones la Pluma de curvatura, la pluma de los fotógrafos con prisas. Solo tenemos que ir marcando los puntos precisos y automáticamente se irá ajustando al contorno que queremos seleccionar.

Es verdad que tiene una locución adjetiva que parece indicar que no sirve para líneas rectas, pero solo con dar a la tecla Alt/Opt (o doble clic) permite dibujar líneas rectas.

Además es posible hacer un trazado rápido y luego ajustar cada punto de ancla al sitio exacto. Y si lo queremos quitar, solo hay que marcarlo y dar a la tecla Supr.

Cuando terminemos, tendremos que convertir el trazado en una selección. Tan fácil como dar al botón derecho del ratón y elegir Hacer selección. En la ventana que se abrirá poner en Interpretar>Radio de desvanecimiento 0 o 1 píxel para que todo sea perfecto.

Selección rápida

Esta herramienta sirve para lo que su propio nombre indica: una selección rápida siempre y cuando sea posible porque el contraste está muy marcado y la separación de elementos es muy sencilla. Por ejemplo un cielo blanco frente a un primer plano definido.

Selección precisa

No tiene más misterio que pinchar en la zona que queremos seleccionar y mover el ratón para que se seleccionen todos los píxeles con la misma luminosidad.

Cómo hacer selecciones para fotografía fine art

Como se puede leer en el libro de Joel Tjintjelaar lo más importante no es hacer selecciones, sino conseguir que se relacionen perfectamente entre sí para evitar espacios vacíos entre ellas. Ese es el motivo por el que muchas veces nos encontramos con halos durante el revelado en fine art.

Así que vamos a tomar la sencilla fotografía de ejemplo para entenderlo. La clave es aprovechar todo lo que aprendimos en nuestra más tierna infancia:

• Añadir a la selección significa sumar.
• Restar a la selección significa restar.
• Intersecar con la selección significa que solo se selecciona lo que coincide entre dos o más selecciones.

Vamos a entenderlo mejor trabajando con la fotografía de ejemplo:

• Hago una selección precisa con la herramienta Pluma de curvatura del edificio.
• Cuando termino y compruebo todos los puntos doy al botón derecho del ratón y marco Hacer selección.
• Después voy a Selección>Guardar selección y le doy un nombre descriptivo.

Selección de la banda vertical del edificio

Ahora es el momento de seleccionar el cielo. La forma de hacerlo es muy importante. No debemos partir de una selección nueva, sino aprovechar lo que tenemos... Así que vamos al menú Seleccionar>Invertir y la guardo de la misma forma.

Imaginaos que ahora quiero guardar la banda vertical como una selección porque quiero darle una luz distinta. ¿Cómo lo hacemos?

Imagen final

En este caso voy a la ventana Canales, hago Ctrl+clic para cargar la selección de la casa. Y a partir de ella resto, elimino, todo lo que nos sobra, con la herramienta Pluma de curvatura. Lo más importante es partir siempre de las selecciones que tenemos para que se solapen perfectamente.

En Xataka Foto

¿Tiene sentido derechear la exposición hoy en día?

En el próximo artículo vamos a ver cómo pasamos la fotografía a blanco y negro y cuántas capas distintas tenemos que hacer para conseguir una auténtica fotografía fine art.

Capítulo 1