Si hay un fotógrafo documentalista en la actualidad al que podemos calificar de un auténtico artista, sin duda, para mí ese es Gregory Colbert. Estoy seguro de que muchos conocéis su obra y estaréis de acuerdo conmigo en mayor o menor medida.

Pero claro, es que estamos hablando de un cineasta y fotógrafo canadiense bastante especial. ¿Por qué especial? Resulta que el bueno de Gregory, empezó en el cine haciendo documentales sociales muy bien valorados y después de haberse encaminado hacia la fotografía artística y tenido ya éxito exponiendo en el Museo de Elysée de Suiza, tuvo la maravillosa idea de irse de viaje, durante diez años, a un montón de sitios en países africanos, asiáticos e incluso a la Antártida para documentar gráficamente la interacción entre el hombre y los animales.

Sólo con haberos contado esto, creo que ya os podéis imaginar el potencial de esa triple combinación explosiva: un tío que es un genial cineasta documentalista, que se pasa a la fotografía artística con tanto o más éxito y que encima se va nada menos que a recorrer los lugares más increíbles del planeta con un proyecto sumamente prometedor e interesante. Esto por si sólo creo ya tiene bastante mérito, pero es que encima de echarle narices, resulta que le salió muy bien. Claro, le salió bien porque se lo trabajó y porque es un fuera de serie. Pero bueno, sigamos.

En sus numerosas expediciones, fotografió y filmó a un sinfín de especies animales diferentes relacionándose con seres humanos (como monjes o tribus indígenas), desde águilas y halcones hasta ballenas y elefantes, pasando por felinos de gran tamaño, cocodrilos o babuinos, entre otros muchos. Lo hizo desde el respeto más profundo a esos seres y con un rigor documental impecable, y no sólo eso, sino que además lo hizo muy bien y lo hizo de una manera artística. Y lo hizo durante diez años, sin mostrar al mundo absolutamente nada en todo ese tiempo.

En el año 2002, y después de ese largo período de trabajo, se plantó en Venecia y presentó su obra Ashes and Snow, considerada como una de las mayores exposiciones de un único autor. Pero es que no conforme, por si todo esto no fuese lo suficientemente bueno y grande, resulta que construyeron un museo itinerante para llevar la exposición alrededor del mundo, el Museo Nómada, que desde 2005 hasta la actualidad pasó por Nueva York, Santa Mónica (California), Tokio y la Ciudad de México.

Ashes and Snow es una obra impresionante – que yo mataría por visitar en persona – simplemente por su valor y su calidad, pero además es la exposición de un artista vivo más visitada de la historia, con una asistencia de más de diez millones de personas. Y no me extraña, porque no todos los días tiene uno la posibilidad de visitar un bestiario – como él mismo lo denomina – tan interesante como éste.

Las fotografías y vídeos de Ashes and Snow nos muestran escenas de perfecta armonía entre los animales salvajes y los seres humanos, conviviendo en paz y calma. Son imágenes profundamente líricas que desprenden serenidad y que buscan situar al espectador en un punto de vista diferente, el de los propios animales.

Nada más ver una fotografía de este señor, nos choca mucho ese preciosismo visual exacerbado, que a unos nos puede entusiasmar, como a mí, y a otros todo lo contrario. Y no dudéis de que hay mucha gente que le critica por ello, aunque probablemente hay otra tanta o más que le admira y felicita. En cualquier caso, lo que no podemos negar es que tiene un estilo tan propio que cualquiera puede reconocer al autor al ver una obra suya, y eso es lo difícil y lo que todo el mundo valora.

Para los más curiosos, aclarar que según el autor ninguna de las imágenes se ha manipulado de forma digital para parecer un collage o está superpuesta, sino que las imágenes registran lo que el artista vio a través del objetivo de su cámara, y ese acabado tan especial es fruto de un proceso encaústico sobre papel japonés hecho a mano.

Por supuesto que todas las opiniones son igual de válidas, pero me gustaría destacar el contexto en el que Colbert utiliza este recurso estético, y es que si no es apropiado para esta temática y en este tipo de trabajo, ¿cuándo lo es? Entiendo que se critique, por ejemplo, el preciosismo de Sebastiäo Salgado por el tipo de temáticas que él aborda, ya que se le puede achacar que adorne y embellezca una realidad que es desgracia y miseria de otros seres humanos. Pero en el caso de Gregory, al menos en mi opinión, incluso cumple una misión de defensa y reclamo en favor de la preservación de algo tan maravilloso como él nos lo presenta.

Al explorar las sensibilidades poéticas y el lenguaje compartidos por todos los animales, con mi trabajo busco redescubrir esa tierra común que una vez existió cuando las personas vivían en armonía con los animales. Las imágenes muestran un mundo que no tiene ni principio ni fin, ni un aquí ni un allí, ni pasado ni presente.

No sé vosotros, pero yo ante este señor me quito el sombrero y sinceramente no puedo hacer otra cosa que admirar su trabajo y a él mismo. Así que, tanto si os gusta la fotografía documental como si os gusta la fotografía artística (o ambas), os recomiendo sin ninguna duda que conozcáis su obra porque es muy probable que os entusiasme y os inspire.

Página oficial | Ashes and Snow

Todos los que nos gusta la fotografía en algún momento soñamos en tener una Leica en nuestras manos si no lo hemos hecho ya. En esta última aventura sobre el espíritu de la marca alemana seguimos a Bruce Gilden en Puerto Príncipe, Haití. Un país que como, desgraciadamente sabemos, fue totalmente devastado y aún se encuentra en proceso de recuperación. A veces mejor que soñar, debemos reflexionar.

Bruce Gilden ha viajado 19 veces a dicho país y el año pasado, en febrero y marzo, repitió para ser testigo de primera mano de lo que había sucedido a raíz del terremoto. Lo que encontró fue destrucción y la más absoluta pobreza pero gente con orgullo y ganas de recuperarse. En Septiembre de este año ha vuelto a documentar los campamentos de refugiados que han surgido a en las calles desde el Palacio Presidencial al centro de Puerto Príncipe, recreando todos los elementos de la vida haitiana actual, como si la gente supiera de inmediato que esos asentamientos temporales serán sus hogares a largo plazo. La fotografía también ha de ser solidaria. Y lo más importante, documentar lo sucedido para no olvidar.

En Xataka Foto:

• Bruce Gilden, y la fotografía callejera en Nueva York

• Bruce Gilden fotografiando las calles de Nueva York

Via | Leica

En nuestra línea de intentar mostrar que con la fotografía se puede llegar a intentar cambiar el mundo, o al menos mostrar al mundo qué debemos cambiar, os mostramos este vídeo de Soichiro Koriyama. Se trata de ‘Vanishing Village’, un ensayo fotográfico que aborda una pequeña parte de las consecuencias de un desastre como el incidente nuclear de Fukushima en Japón.

En estas imágenes Soichiro Koriyama se centra en cómo afectó la explosión en la central nuclear de Fukushima a la zona más próxima. En concreto, en una comunidad de granjas productoras de leche en Namie, el distrito de Fukushima, a unos 30 kilómetros de la planta nuclear. Y precisamente por su proximidad, los niveles de radiación fueron muy elevados, como queda patente en el vídeo.

Este pequeño lugar, popular por sus vacas y su gran producción de leche se vio muy afectada también al prohibir el gobierno la distribución de la leche producida. Y ello sin aportar ninguna solución o compensación, con las duras consecuencias para las personas que se ganaban la vida con ello. Durante dos meses, los ganaderos siguieron cuidando de sus vacas, sin romper con la rutina habitual, con el ordeño, con el cuidado y sufriendo el miedo a la contaminación. Lo más duro que intenta retratar Koriyama es cómo todo esto fue en balde, ya que en julio todos tuvieron que vender su ganado por casi nada y la ciudad sufrió una evacuación. Nadie vive en la zona y las granjas están abadonadas.

Sin buscar el efectismo ni el dramatismo fácil, Koriyama retrata el entorno y sus protagonistas. El día a día, el miedo, la muerte de las reses… Resulta conmovedor este trabajo del fotógrafo documental japonés, que vivió de cerca el desastre y que con sus fotos ha conseguido evitar que todo se olvide pronto.

Como mera curiosidad apuntar que este trabajo lo realizó con una Leica M8.2.

Vía | invisiblephotographer
Web oficial | Koriyamaxphoto
En Flickr | Galería de Soichro Koriyama

El diario Público ha comenzado el año 2009 con un especial énfasis en el mundo de la fotografía. Desde hace unos días, con la edición del domingo se puede adquirir un ejemplar de la nueva colección “Maestros de la fotografía”. Y, para completar la colección, los martes, miércoles y jueves el diario incluye una lámina de 18×24cm con una fotografía de alguno de estos grandes maestros.

La colección de libros está formada por 22 volúmenes de tapas blandas, cada uno con un precio de 2€, al comprarlo junto al periódico. Pese a ser muy cortos, de entre 30 y 40 páginas, la colección completa puede merecer la pena. Cada ejemplar aborda un tema concreto, desde la perspectiva de varios fotógrafos diferentes, incluyendo una breve introducción al tema de dos o tres páginas, un resumen de la biografía de cada autor y fotografías muchas fotografías, a un tamaño generoso y con un pie de foto explicativo.

Por ahora ya se han lanzado los dos primeros números, uno sobre la Guerra Civil Española, con fotografías de Robert Capa, David Seymour, Agustí Centelles y Gerda Taro, y otro sobre Paisajes, con fotografías de Ansel Adams, Edward Weston y Josef Koudelka. Si aún no te habías enterado de la colección o, si eres tan despistado como yo y no has llegado a tiempo al kiosko alguno de los dos domingos anteriores, no te preocupes, que Público dispone de un teléfono para pedir números atrasados de sus colecciones.

Para que te hagas una idea de si te puede interesar o no el coleccionable, aquí tienes un listado de las temáticas que abordará:

• La guerra civil
• Paisajes
• El siglo de las mujeres
• Arte y vanguardia
• Los años 60
• La revolución cubana
• Religiones y religiosos
• París, capital de la fotografía
• Grandes metrópolis
• Hollywood y el cine
• Trabajando
• La China de Mao
• El mundo de la infancia
• La pasión por el deporte
• La segunda guerra mundial
• Refugiados y minorías
• La España de Franco
• El mar
• Al Este de Berlín
• La India
• Los Estados Unidos
• Formas y espacios

Vía | La mesa de luz
Más información | Promociones Público

Cuando aparecen buenas oportunidades, hay que aprovecharlas. Pues precisamente eso es lo que encontramos en Nocturna, un taller gratuito de fotografía documental. Nocturna se llevará a cabo durante el mes de Marzo en Granada, con la colaboración del Instituto Andaluz de la Juventud.

A lo largo de cuatro sesiones semanales de dos horas de duración, los fotógrafos Pablo Trenor Allen y Pablo López García del Moral trabajarán con los participantes en la elaboración de una historia fotográfica nocturna. Durante el taller no sólo se repasará la historia reciente de la fotografía documental, sino que también se propondrán ejercicios prácticos y se introducirá a los alumnos en las herramientas del lenguaje fotográfico.

¿Los aspectos técnicos? Secundarios. En este taller lo importante es profundizar en el significado y el alcance de las imágenes, para cuestionarnos y comprender la realidad que reflejan.

El taller dispone de 12 plazas, destinadas a fotógrafos aficionados o profesionales mayores de 18 años, y el plazo de inscripción termina el 20 de Febrero.

Más información | Nocturna, taller de fotografía documental

Ya estaba enterado de que Gervasio Sánchez ganó el Premio Ortega y Gasset de Fotografía 2008 el pasado 7 de Mayo, por su trabajo “Vidas minadas” y su foto “Sofía y Alia”, con la que retrata (y denuncia) el uso de minas antipersona.

Sin embargo, fue hace tan sólo un par de días (¡Gracias, Tere!) cuando pude leer el discurso que pronunció frente a políticos de todos los partidos y personalidades varias, en el que denuncia sin tapujos la exportación de armas españolas y se avergüenza de la hipocresía de sus cómplices.

Aquí os dejo un fragmento:

Señoras y señores, aunque sólo tengo un hijo natural, Diego Sánchez, puedo decir que como Martín Luther King, el gran soñador afroamericano asesinado hace 40 años, también tengo otros cuatro hijos víctimas de las minas antipersonas: la mozambiqueña Sofia Elface Fumo, a la que ustedes han conocido junto a su hija Alia en la imagen premiada, que concentra todo el dolor de las víctimas, pero también la belleza de la vida y, sobre todo, la incansable lucha por la supervivencia y la dignidad de las víctimas, el camboyano Sokheurm Man, el bosnio Adis Smajic y la pequeña colombiana Mónica Paola Ojeda, que se quedó ciega tras ser víctima de una explosión a los ocho años.

Sí, son mis cuatro hijos adoptivos a los que he visto al borde de la muerte, he visto llorar, gritar de dolor, crecer, enamorarse, tener hijos, llegar a la universidad.

Les aseguro que no hay nada más bello en el mundo que ver a una víctima de la guerra perseguir la felicidad.

Es verdad que la guerra funde nuestras mentes y nos roba los sueños, como se dice en la película Cuentos de la luna pálida de Kenji Mizoguchi.

Es verdad que las armas que circulan por los campos de batalla suelen fabricarse en países desarrollados como el nuestro, que fue un gran exportador de minas en el pasado y que hoy dedica muy poco esfuerzo a la ayuda a las víctimas de la minas y al desminado.

Es verdad que todos los gobiernos españoles desde el inicio de la transición encabezados por los presidentes Adolfo Suarez, Leopoldo Calvo Sotelo, Felipe González, José María Aznar y José Luis Rodríguez Zapatero permitieron y permiten las ventas de armas españolas a países con conflictos internos o guerras abiertas.

Es verdad que en la anterior legislatura se ha duplicado la venta de armas españolas al mismo tiempo que el presidente incidía en su mensaje contra la guerra y que hoy fabriquemos cuatro tipos distintos de bombas de racimo cuyo comportamiento en el terreno es similar al de las minas antipersonas.

Es verdad que me siento escandalizado cada vez que me topo con armas españolas en los olvidados campos de batalla del tercer mundo y que me avergüenzo de mis representantes políticos.

Pero como Martin Luther King me quiero negar a creer que el banco de la justicia está en quiebra, y como él, yo también tengo un sueño: que, por fin, un presidente de un gobierno español tenga las agallas suficientes para poner fin al silencioso mercadeo de armas que convierte a nuestro país, nos guste o no, en un exportador de la muerte.

Muchas gracias.

Philip Blenkinsop dice que “lo importante no es la imagen, sino lo que hay dentro de ella”. En este caso yo añadiría “y hasta donde se puede llegar con ella”. La fotografía puede ser un instrumento para denunciar injusticias y darle voz a muchos. Gervasio Sánchez lo sabe. ¿Lo sabemos los demás?

¿Qué mueve a un fotógrafo a dejarlo todo y marcharse a una zona en conflicto con su cámara, a dar testimonio de lo que allí ocurre, jugándose la vida? A menudo nos llega la imagen de personas frías, que fotografían sin pensar ni sentir, buscando simplemente la imagen más dura, que vaya a ocupar portadas de periódicos y revistas.

Al leer un artículo sobre Philip Blenkinsop, un fotógrafo australiano, he tenido una impresión totalmente “diferente” a esa imagen estereotipada.

Blenkinsop comenzó su carrera con 21 años trabajando para un periódico de Sydney. Sin embargo, pronto descubrió que ese trabajo era demasiado repetitivo para él y decidió dejarlo. Vendió su coche, compró una Leica con unos pocos objetivos, un billete para Tailandia, y comenzó a recorrer el Sudeste asiático como fotógrafo freelance. En 1989 conoció la tragedia de los campos de refugiados en la frontera entre Tailandia y Camboya. Desde entonces ha visitado países como Timor Oriental, Burma, Indonesia o Nepal, ha trabajado para diferentes agencias, ONGs, y ha ganado numerosos premios de prestigio.

A veces escribe con tinta sobre algunas de sus fotos, para añadir sus comentarios, sentimientos, experiencias. Como él mismo dice, “Lo importante no es la imagen, sino lo que hay dentro de ella”. Ver algunas de las cosas que dice y la manera en que afronta estos trabajos, hace que uno se cuestione muchas cosas:

“Lo que yo hice fue simplemente fotografiar lo que allí había; es la vida, que puede ser dolorosa e injusta. Yo simplemente he tratado de hacer fotografía que se centra en lo que es real. Quiero que el espectador sepa como debe de ser estar allí haciendo fotos. Quiero que sientan que – ya sea miedo, nerviosismo o cualquier otra cosa – deberían estar conmovidos por ello. Si lo aman, bien. Si lo odian, bien. Pero si les resulta indiferente, no siento que haya tenido éxito. Las imágenes deberían conmover a la gente.”

“Si pensara que el trabajo que hicimos pudo salvar la vida de tan solo una persona, o una familia, entonces pensaría que aquello supuso algo. Espero que cuando esté en mi lecho de muerte pueda mirar hacia atrás con orgullo. Si puedes hacer una pequeña diferencia, entonces todo es posible.”

No son sólo imágenes. No es sólo un fotógrafo. Es una forma de entender la fotografía, y ponerla al servicio de otros.

Os dejo con un video que nos muestra a Philip Blenkinsop de cerca. No deja de impresionarme una de las escenas iniciales, en que encara a un policía en Tailandia.

Más información | Artículo en inglés sobre Philip Blenkinsop
Vía | Dokumentary fotografr