Una visión general de las redes sociales es que se han transformado en una ventana donde las personas quieren mostrar una vida emocionante y exitosa dando visibilidad a lo más llamativo de su vida. Un proyecto de dos artistas europeos busca cambiar eso, dándole un nuevo significado a las redes sociales y cambiando el enfoque de lo que estas presentan. Así es mi:nu:ti:ae.

Minutiae se presenta como una red ‘anti-social’. Los usuarios de la plataforma no pueden seguir a nadie o ver el feed de manera tradicional. La plataforma solo se puede usar durante un par de minutos al día. Con esto, el factor social de la app elimina la necesidad de sobrepensar fotos para conseguir likes, nos enseña a buscar el momento y aceptar lo mundano de la vida.

La app manda una notificación y una alarma al azar a la misma hora en todo el mundo, independientemente de la zona horaria. Cuando suena, los usuarios tienen 60 segundos para abrir la app y capturar una imagen de lo que sea que estén viendo y viviendo en ese momento. Luego de la captura tienen otros 60 segundos para ver su feed personal o ver el feed de alguien con quien han sido conectados al azar. Luego de ese tiempo, la app se apaga y no puede ser abierta hasta que vuelva a sonar la alarma del día siguiente.

En este sentido, esta app es la red social definitiva para el fotógrafo (en especial para los amantes del street photography y la búsqueda del instante). Al solo tener 60 segundos, nuestra mirada debe ser ágil en descubrir lo más llamativo de nuestro alrededor. Un ejercicio bastante interesante a nivel fotográfico, pero también un ejercicio muy llamativo a nivel personal.

La idea es que los usuarios van a capturar cada minuto de un periodo de 24 horas, 1440 fotografías. Ya que la aplicación solo se puede abrir una vez al día, esto es un proyecto que toma en completar casi cuatro años enteros. Como reporta PetaPixel, alrededor de 40% de los usuarios originales están terminando su primer ciclo.

Lo más hermoso del proyecto es que cuando se finaliza el proyecto, los usuarios pueden comprar un fotolibro edición especial con las 1440 páginas o una versión estándar dividida en dos tomos. El libro especial tiene un precio de 1440 dólares y solo está disponible en cantidades limitadas (quedan 62 hasta la fecha). El libro versión estándar es de 144 dólares más 50 dólares de envío. Sin embargo, quienes lo deseen podrán descargar todo el feed de imágenes una vez hayan completado el ciclo.

Este gran proyecto de arte nos hace repensar las redes sociales. Como dicen los fundadores, “Nuestra tesis no es que las redes sociales sean ‘malas’, solo que nos hacen ver al mundo y documentar nuestras experiencias de una manera muy particular”. Esta manera es la de nosotros como consumidor de experiencias y la de sobreproducir el momento. ¿Qué pasaría si nos pudiéramos liberar de esa construcción?

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Minutae está disponible para dispositivos iOS desde la App Store. Para usarla, requiere un pago mensual de 0.99 € o un pago único de 16,99 €.

"¿Alguna vez te has preguntado cuánto te cuesta la comida a domicilio? Te metes en tu app para pedir tu comida favorita, eliges el plato para hoy y en unos 30 minutos lo tienes en la puerta de tu casa. Rápido, simple y sencillo. ¿Realmente es así?" Con esta premisa se presenta ‘What´s the Price?’, una serie fotográfica de Iñaki Pierola que pretende recordar y concienciar sobre la cantidad de plástico que inconscientemente producimos a cambio de la comodidad del food delivery.

Lo que te llega

El proyecto ha surgido ahora que lo de pedir comida para que nos la traigan a casa está más de actualidad que nunca por las circunstancias que todos conocemos, pero la idea ya "la tenía en mente desde hace tiempo, aunque no sabía cómo reflejarlo" nos cuenta Iñaki, español de Vitoria-Gasteiz que actualmente vive en Shangai: "Desde hacía ya años me parecía muy absurdo el excesivo uso del plástico en la mayoría de productos para el día a día. En los últimos años ha habido un cambio brutal en todo el mundo con los servicios de comida a domicilio y especialmente aquí en China, que es un país que se desarrolla a una velocidad que da miedo".

La comida que contiene

"Al principio me negué a usarlo —continúa— pero cuando me mudé a Shanghai, una ciudad con más de 24 millones de habitantes, distancias largas, más trabajo... al final caes en la comodidad de estos servicios. Me bastó hacer un par de pedidos para ver que la cantidad de plástico (y basura en general) que estaba generando no era normal y quizás no valía la pena".

Todo el plástico utilizado para esta comida

"Durante estos años también he estado viajando bastante por todo Asia, que es maravilloso, pero claro, he podido ver también cómo nos estamos cargando las playas y los océanos. Esto para mi está bastante conectado con esta época de comodidad, rapidez y «usar a tirar» en la que vivimos y me pareció un buen mensaje para lanzar, ya que creo que con temas como este realmente SÍ podemos hacer algo y el impacto puede ser brutal (para bien, claro)".

Así que se puso manos a la obra y creó ‘What´s the Price?’, una serie fotográfica que muestra "7 días, 7 platos. 7 comidas contaminadas por el plástico." para reflexionar sobre lo fácil que es "olvidarse de la naturaleza cuando se vive en una gran urbe y muchas veces ignoramos cómo nuestras acciones cotidianas pueden afectar el mundo exterior más allá de nuestras habitaciones, oficinas o escuelas". Siete series de fotografías, una para cada día de la semana, acompañadas de un pregunta similar que gira sobre la misma idea, y una reflexión final: "¿Merece la pena? Pensadlo después de ver las fotos".

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Un proyecto sin duda muy interesante, con un mensaje de denuncia muy relevante y que, aunque en este caso se aplique al gigante asiático, está extendido en todo el mundo. De hecho Iñaki quiere recalcar que no es algo que ocurra únicamente en el país donde vive actualmente: "aunque ahora esté en China, esto no es únicamente un problema de aquí. Esto pasa en todos y cada uno de los países del mundo y si viviese en otro país lo hubiese hecho igualmente [...] que nadie caiga en la tentación de señalar solo a uno o dos países, porque esto es un problema de todos/as."

Y si os estáis preguntando por cómo se hizo el proyecto, os interesará saber que fue "con muy poquito material. Mi equipo es una Canon EOS 800D con un Sigma 18-35 f1.8, que es «mi pequeña gran bestia» y da unos resultados muy buenos. Casi nada de equipo profesional, como podéis ver [...] con un invento que me hice en casa para colgar los plásticos, todo muy rudimentario con unos cartones para poner el fondo bien liso y el tenderete de ropa para poner los hilos de nylon".

Una imagen del "cómo se hizo"

Por si fuera poco hay que saber que compró la cámara "hace solo tres años" porque Iñaki aún es sólo aficionado a la fotografía y ‘What´s the Price?’ es su primer proyecto. De hecho, aunque le auguramos un buen futuro como fotógrafo (si él quiere), de momento le tira más la música: llevo unos cinco años componiendo música, he compuesto la banda sonora para un mini-juego que se llama Tiki-Tiki y está en Steam y también estoy en un grupo de música con el que el año pasado, en Septiembre, estuvimos en Corea 10 días de gira [...] además también estoy creando la música original para un musical que se llama 'Someone'".

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Sea como fuere, un excelente trabajo fotográfico que aúna una buena idea con una adecuada realización para denunciar un problema, el del abuso de los envases de plástico en la comida a domicilio, que no puede ser más actual y nos toca a todos. Por cierto, que Iñaki concluye con algo esperanzador: "me contactaron hace unos días de una pequeña empresa que acaban de formar aquí en Shanghai y quiere expandirse que están ya distribuyendo un tipo de plato o tupper reusable".

Un collage de las siete comidas a domicilio

"El sistema es como te lo puedes imaginar: «cajas» más durables, materiales biodegradables que se usan, se limpian, se devuelven... así explicado a lo rápido. Lo bueno es que me han explicado cómo funciona y es que tiene un coste de mantenimiento casi nulo y ahorra bastante dinero a los restaurantes, que no tendrían que comprar tuppers u otros utensilios desechables, y esto podría ser un aliciente para ellos, sin duda".

Y todo el plástico que se utilizó en ellas

Iñaki Pierola | Página web | Instagram

"Una fotografía nunca refleja el profundo horror de una tragedia, pero sin ella carecemos de la prueba que documente nuestra memoria histórica". Así se presenta ‘Pandemia. Miradas de una tragedia’ un proyecto en el que 24 fotógrafas y fotógrafos latinoamericanos y españoles se unen para ofrecer su testimonio visual de lo ocurrido durante la pandemia y recaudar fondos con un fin solidario.

Artistas de la talla de Cristina García Rodero, Isabel Muñoz, Juan Manuel Castro Prieto o Gervasio Sánchez participan en un proyecto materializado en el libro homónimo cuyos gastos de edición y producción se cubrirán con la compra de ejemplares a través de la campaña de mecenazgo que se ha puesto en marcha para hacerlo realidad.

Foto de Cristina García Rodero

Los beneficios irán íntegramente destinados a ayudar a familiares de fotógrafos fallecidos mientras realizaban la cobertura informativa de la pandemia, y que se hallan en riesgo de exclusión social. Un proyecto sin duda loable que además pretende "crear una memoria documental y visual sobre una crisis sanitaria universal" en un libro que "es el reflejo de instantes y miradas de la mayor catástrofe que ha asolado el mundo de forma global en el siglo 21".

'Cuarentena proyecto' de Lorena Velasco

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Los participantes en el proyecto son 12 mujeres y 12 hombres de Latinoamérica y España: Rodrigo Abd (Argentina), Guillermo Arias (México), Óscar B. Castillo (Venezuela), Sandra Balsells (España), Felipe Dana (Brasil), Fabiola Ferrero (Venezuela), Cristina García Rodero (España), Ricardo García Vilanova (España), Diego Ibarra Sánchez (España), Andoni Lubaki (España), Isabel Muñoz (España), Darcy Padilla (Estados Unidos), Juan Manuel Castro Prieto (España), Anita Pouchard Serra (Argentina), Moisés Saman (Perú), Gervasio Sánchez (España), Sylvia Izquierdo (Perú), Laura León Gómez (España), Nuria López Torres (España), Jacky Muniello (México), Santi Palacios (España), Víctor Peña (El Salvador), Lorena Velasco (Colombia), Susana Vera (España) y un relato fotográfico del artista y fotógrafo Miguel Río Branco (Brasil).

Foto de Ricardo García Vilanova.

El libro ‘Pandemia. Miradas de una tragedia’ tendrá un formato de 220 mm x 275 mm, 304 páginas en color y cartoné, y será editado y producido en febrero de 2021 por la editorial Blume, una vez que haya finalizado la campaña de mecenazgo, y "siempre en función de la situación actual provocada por la pandemia".

Foto de Isabel Muñoz

Si quieres participar, hasta el 21 de diciembre puedes conseguir una copia del libro desde 36 euros (incluyendo tu nombre en la página de colaboradores y en la web del proyecto), aunque hay otras posibilidades de colaboración.

Más información | Blume

Foto de portada | 'Petare COVID' de Óscar B. Castillo

Llegamos ya al último capítulo de la serie dedicada al mundo de los proyectos fotográficos según la propuesta de José Manuel Navia. Después del primer y segundo paso llegamos aquí. La edición es el paso en el que nos convertimos en fotógrafos. Y si no lo superamos solo seremos portadores de cámaras.

Todo el recorrido que hemos hecho culmina aquí. Todo tiene sentido cuando nos sentamos en una mesa o frente al ordenador con todas las fotografías que hemos hecho. Es nuestro material, la culminación de un trabajo que abre las puertas de la comunicación. En este momento vamos a contar nuestra historia.

La edición, como se decía en los viejos tiempos, es la selección de las fotografías. Elegir una u otra para articular la idea que nos llevó a disparar nuestra cámara. Cuando tenemos todas las palabras elegidas para escribir un cuento, la forma literaria más parecida al arte de la luz.

Si todo ha ido bien en los dos pasos anteriores, este paso será mucho menos complicado. Si todo ha ido sobre ruedas, el último puerto es un placer. Así de sencillo. Y si no hemos trabajado bien, lo descubriremos -y sufriremos- justo en este momento.

Lisboa @ferfotopuntoes

La edición es difícil. Cuesta mucho llegar al final con un trabajo perfecto. Y si logramos algo puede que sea flor de un solo día, como les ha pasado a tantos fotógrafos que se creyeron inmortales con un solo fotolibro. Antes de terminar, hay que ir pensando en el siguiente.

La selección de las fotografías

Estoy convencido de que el destino final de las fotografías es el libro. Un buen libro de fotografía, uno que te quieras llevar a tu rincón favorito, con tu música y tal vez una copa de buen vino o la botella de agua de la nevera. Qué más da. Lo importante es lo que vas a ver.

Por lo tanto, como conocemos la sensación de quedarnos sin habla delante de unas páginas, tenemos que intentar lograr esa sensación con nuestro proyecto fotográfico. Y para conseguirlo no queda más remedio que distinguir el grano de la paja, lo bueno de lo malo.

Lisboa @ferfotopuntoes

Y no es fácil. En absoluto. Si alguien os lo dice es que no sabe lo que dice. Es el momento de decidir cómo queremos contar nuestra historia. Aunque parezca una contradicción lo mejor es trabajar con mucho material. Mejor 200 que 100 fotografías desparramadas por la mesa o colocadas en la interfaz del programa de turno.

Hay muchas formas de hacerlo. Pero os voy a contar cómo lo hago yo:

1. Trabajo con el módulo Biblioteca de Adobe Lightroom. En este momento tengo todas las fotografías del proyecto en una carpeta. O mejor aún, con una palabra clave común. La idea es ver todas con solo mover la rueda del ratón.
2. Las veo una y otra vez. No basta con una sola. Iremos viendo más claro cuáles son las buenas y cuáles irán al baúl de recuerdos (alguna vez saldrán).
3. Cuando las tengamos grabadas en la cabeza empezaremos a marcar las mejores con una estrella. Solo una, con el teclado numérico. No hace falta ser muy exigente en este punto. Solo queremos quitar las malas, la mayoría.
4. Luego, mediante los filtros, veremos solo las elegidas. Y seguiremos marcándolas con 2 estrellas... luego 3 estrellas.... La idea es quedarse con un número manejable para el siguiente punto.
5. Todas las fotografías marcadas con 3 estrellas las vamos a imprimir en pequeño formato. Lo más cómodo es meter dos en una hoja de 10x15. No hace falta ir al laboratorio más caro. Mejor al de la esquina, porque estas fotografías van a sufrir.

Estamos llegando al principio del fin en este preciso momento. Si hemos partido de doscientas fotografías, puede que tengamos impresas unas 30. Si vemos que nos faltan es que deberíamos haber trabajado más en el segundo paso. Si notamos que no tienen sentido lo mejor es volver a repasar el primer paso.

Qué hacer con la selección final

Ni mucho menos hemos terminado. En todos los pasos anteriores seguro que hemos encontrado las primera y última fotografías. Y nos hemos dado cuenta de que una casa muy bien con otra. Pues eso es lo que tenemos que hacer ahora con las copias en papel.

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Las podemos colocar en una mesa. Pero lo mejor es colocarlas en la pared con un imán. O comprar esa pintura imantada maravillosa que he visto en alguna que otra escuela del este de Madrid. Decidir las secuencias no será labor de un día. Nos llevará cientos de horas. Y es fundamental tenerlas siempre a la vista. Par aprovechar hasta los tiempos muertos en los que esperamos poder pasar al baño para limpiarnos los dientes antes de acostarnos.

Lisboa @ferfotopuntoes

Las mejores imágenes destacarán sobre las demás. Algunas caerán derrotadas, otras subirán desde el baúl de los recuerdos porque conjugan perfectamente con una que se ha quedado sola en la selección final. Seguro que nos pasará...

En la edición la clave es que fotografía tras fotografía, página tras página, no haya saltos. Que la secuencia sea lógica en el lenguaje fotográfico. Que las fotografías estén encadenadas por el color, por las líneas y las formas. Es difícil que ordenarlas cronológicamente, como siempre se ha hecho en casa, funcione bien.

Lisboa @ferfotopuntoes

Esperamos que esta introducción de cuatro artículos os sirva para adentrarse en este mundo donde todo lo tenemos que decir sin palabras. Hay mucho más pero así empezaremos con buen pie. Buena suerte.

Llevamos demasiado tiempo sin tocar esta serie dedicada al proyecto fotográfico. En esta ocasión vamos a analizar con más profundidad el segundo paso del proyecto fotográfico: el desarrollo. Es el momento de trabajar con la cámara al hombro y dejarnos llevar por nuestra intuición.

El primer paso, la idea, es fundamental para ponerse a trabajar sin descanso. Sin una idea disparar se convierte en algo mecánico. En una mera sucesión de postales bonitas inconexas. Aunque si siempre hacemos el mismo tipo de fotografía lo podemos llegar a convertir en una serie.

Para este segundo paso tenemos que tener muy claro el camino que hemos construido. No quiere decir que no podamos salir nunca de las indicaciones que hemos colocado. Pero siempre será una referencia perfecta por si alguna vez nos perdemos.

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Siempre es bueno tenerlo todo claro en la cabeza o apuntado en una libreta. Pero estamos creando y siempre podemos improvisar por el camino porque nos damos cuenta de que nos hemos equivocado al elegir el viaje hasta nuestro destino. Esto es algo que iremos aprendiendo en los sucesivos proyectos en los que nos embarquemos.

Cómo pasar al desarrollo del proyecto fotográfico

Cuando tengamos todo apuntado y estemos preparados mentalmente para empezar a trabajar, será el momento de ir al segundo paso. No antes ni después. Durante el desarrollo de la idea será bueno hacer fotos para experimentar que todo funciona perfectamente.

Esto quiere decir que la técnica debemos tenerla tan interiorizada que casi lleguemos a actuar mecánicamente, como un autómata que no duda a la hora de hacer un giro u otro. La técnica fotográfica se da por supuesta en una persona que quiera llegar a serlo.

No es el momento de preguntarse cómo conseguiré ese efecto que tanto me gusta que he visto en las redes. O quién narices son los Becher si vamos a fotografiar todos los silos de Castilla. Es el momento más irracional de todo el proceso del proyecto fotográfico. Y precisamente por esto tenemos que ser profesionales.

México @ferfotopuntoes

Muchas veces nos encontramos con cámaras nuevas que no sabemos manejar. O dudamos con el tema del diafragma. O queremos disparar con el flash y queremos competir con el sol con un flash económico... Todas estas cosas deben estar analizadas y superadas.

Cuántas veces nos hemos encontrado con gente que quiere hacer fotografías de paisaje al estilo de los grandes clásicos con sus objetivos del kit... Conocer el material del que disponemos y sus limitaciones es primordial para llegar a buen puerto.

México @ferfotopuntoes

Una vez aclarados todos los aspectos técnicos es la hora de lanzarnos. El proyecto nos espera.

El fin del segundo paso

Es la hora de volverse loco. Con un guion establecido pero con ganas de perder los papeles. Es como dar una conferencia. Si estamos preparados y dominamos el tema, hablaremos sin parar, asociaremos ideas, responderemos con fluidez a los presentes.

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Si no estamos muy seguros de lo que decimos, acudiremos constantemente a las coletillas, a los lugares comunes... Diremos siempre lo mismo de otra forma una y otra vez. Es como una conversación forzada en la que siempre que te ves con esas personas notas que una y otra vez hacen los mismos comentarios en el mismo orden.

Es el momento de hacer cientos de fotografías con cabeza, no por el mero hecho de llenar tarjetas. Sino porque es nuestro objetivo mejorar hasta encontrar sentido a cada una de nuestras fotografías. Todo tiene que estar relacionado.

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Es hora de no dejar de mirar ni un instante. Ya vendrá el tercer paso en el que tendremos que sentar la cabeza de nuevo. Pero ahora es el momento de disfrutar. Habrá días que haremos solo una foto y momentos que no queremos que se acaben nunca. Este es el oficio de fotógrafo.

'Smoke' es una de las mejores películas de los años 90. Siempre se puede volver a ella una y otra vez para encontrar matices o para encontrar a los viejos amigos de siempre, los papeles que interpretan los actores llenos de vida. La famosa escena del proyecto del personaje de Harvey Keitel nos cuenta cómo deberían ser los proyectos fotográficos.

Ahora que en muchas escuelas están terminando los cursos de fotografía ha llegado el momento de entregar el proyecto, los deberes de fin de curso. Lo que demuestra el camino que decidido seguir en el mejor de los casos o el que te han terminado imponiendo. Se notará quién ha trabajado durante todo el año y quién lo ha hecho en el último segundo, en el último minuto por la temida falta de tiempo.

Muchos alumnos habrán descubierto su pasión, otros se lo pensarán dos veces antes de decir que todo se reduce a dar un botón. Otros querrán olvidar a su profesor y algunos le estarán eternamente agradecidos. Y espero que la gran mayoría de los alumnos que en el mundo han sido quieran no solo hacer fotos durante las vacaciones, sino no dejar de hacerlas nunca.

La mejor lección es que para mejorar como fotógrafos no queda más remedio que trabajar con una idea, un objetivo. La cámara sirve para expresarnos, no solo para hacer fotos bonitas. Y que la técnica es importante, pero solo para poder utilizarla para alcanzar lo que queremos contar.

La técnica es nuestra gramática, nuestro diccionario. Algo imprescindible. Pero si siempre los estamos consultando, nos perderemos muchas cosas importantes. Y solo nos hace más inseguros. La técnica y las cámaras son herramientas para dar forma a las ideas. Sin ellas no podríamos hacer nada pero solo son una parte de la cadena. Y jamás mejorarán una mala idea.

La importancia del proyecto

Pero hoy hemos venido a hablar de 'Smoke'. Y de la escena en la que Harvey Keitel enseña a William Hurt su proyecto fotográfico. Una fotografía de su esquina, de su estanco todos los días del año. A la misma hora. Con una cámara que obtuvo en una increíble historia narrada por el gran Paul Auster, guionista de la película y escritor imprescindible.

Paul Auster con Harvey Keitel y Wayne Wang

Todo viene de un cuento que publicó Paul Auster en New York Times 'Cuento de Navidad de Auggie Wren'. El director Wayne Wang le pidió el guion de una película solo para poder contarlo en imágenes. Bendito cine.

Es tan buena que estoy pensando seriamente ponerla en todos y cada uno de los cursos de fotografía. Nos habla de la fotografía considerada como parte de la vida misma, de la vida de los que siempre llevamos una cámara al hombro. Después de verla parece natural añadir a los tópicos -tener un hijo, plantar un árbol y escribir un libro-, hacer realidad un proyecto.

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No hace falta recorrer el mundo, levantarse a primera hora de la mañana o a última de la noche. Lo importante es la idea y saber cómo realizarla. Auggie Wren, el estanquero, tuvo una idea sencilla. Nada rebuscada. Pero con una profundidad pasmosa. Es la pura vida.

Algunas de las imágenes del proyecto

• Auggie: Nunca lo entenderás si no vas despacio, amigo mío. Vas muy deprisa, apenas miras las fotos.
• Paul: Pero… ¡son todas iguales!
• Auggie: Son todas iguales pero cada una es diferente de todas las demás. Tienes tus mañanas soleadas, tus mañanas oscuras, tienes tu luz de verano, tu luz de otoño, tienes tus días de diario y tus fines de semana… Ves a la gente con sus abrigos y botas de agua, la ves con camisetas y pantalones cortos… A veces es la misma gente, a veces otra diferente… A veces las personas diferentes se convierten en las mismas, y las mismas desaparecen. La tierra gira alrededor del sol cada día, la luz del sol golpea la tierra desde un ángulo diferente…
• Paul: Más despacio, ¿eh?
• Aggie: Es lo que recomiendo. Ya sabes cómo es: mañana y mañana y mañana… El tiempo nos arrastra a su ritmo sin fin.

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Y esto es lo que tenemos que hacer. No frustrarse por no tener la mejor cámara o el programa más potente. Hay que saber lo que es la vida. Y tener ganas de contarla. Todos tenemos experiencias, lugares en los que nos gustaría perdernos incluso. Solo hay que saber buscar. Auggie, y cualquiera de nosotros, tenemos siempre algo que decir. Y para nosotros la cámara es el mejor vehículo de expresión que tenemos a nuestro alcance.

La semana que viene empiezan las vacaciones de Semana Santa. Algunos han tenido la suerte de empezarlas este mismo fin de semana. Y vacaciones muchas veces es sinónimo de fotografía. En esta ocasión os queremos proponer un reto: contar una historia con la única ayuda de veinte fotografías.

Hasta ahora las vacaciones siempre han sido un cultivo fértil para la fotografía. Es el momento en el que muchos pueden cargar sus mochilas con mil cachivaches y lanzarse a la aventura. Un gato que pasa, una vaca que pasta, una puerta desvencijada, niño quítate de ahí que me estropeas la foto...

¿El comienzo de una historia?

Al final tenemos mil fotografías en las tarjetas en las que intentaremos encontrar esas fotos sueltas que justifiquen nuestra inversión en equipo. Algunos hasta enseñarán a sus compañeros de viaje ese disparo que justifica haber llevado ocho diarias el trípode colgado al hombro... Y ya, hasta el próximo viaje.

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Pero el reto que os propongo no es precisamente hacer fotos bonitas y ya está. Hacer unas cuántas fotografías para enseñarlas en la próxima reunión familiar o colgarlas sin más en las redes sociales. Como mucha gente piensa... seguro que si hago las mil fotos de rigor alguna será buena. Vamos a aprovechar los días de descanso para hacer otra cosa. Subir un escalón. Mejorar como fotógrafos.

El reto de la fotografía y las vacaciones

La fotografía requiere concentración. Necesita pensarse. No consiste en enseñar una mera sucesión de postales. Hay que ser capaz de contar una historia con ella. Los fotógrafos no nos parecemos a los pintores, somos más bien contadores de historias. Cuentistas, o a lo mejor novelistas. Pero siempre he creído que un cuento es lo más cercano a un buen trabajo fotográfico.

El reto es el siguiente. Hay que imaginar una historia que nos pueda pasar en nuestro viaje. Puede ser real o no. Algo histórico, o un poco de realismo mágico. O quizás mero costumbrismo. O una descripción detallada como si fuera 'La regenta'.

¿El lugar donde termina todo?

Y todo con solo veinte fotografías. Me gustaría ser más restrictivo y limitar el número de disparos que se pueden hacer. Pero no vamos a pasarnos. No hay límite. Eso sí, al final solo pueden quedar veinte. Nada más y nada menos.

Sería estupendo que las pudierais compartir para que todos las viéramos. Pero no. Lo mejor es que se las enseñéis a vuestros allegados y si queréis, escribir en los comentarios para que nos contéis las impresiones que habéis recibido.

El porqué del reto

No es algo caprichoso. Es uno de los objetivos para mejorar como fotógrafos. Si pensamos antes lo que hacemos lograremos mejores disparos. Si tenemos un objetivo las fotografías serán más difíciles. No valdrá cualquier cosa. Precisamente por este motivo tendremos un mayor porcentaje de acierto.

Nos equivocaremos igualmente. Habrá días en los que no saldrá nada. Pero de repente, en un momento, llegará la inspiración. La luz será la adecuada para lo que hemos decidido contar y el proyecto empezará a tomar cuerpo. Lo mejor sería tener claro el primer disparo y el último de nuestra historia. Todo lo demás irá más o menos fluido. Afortunadamente esto no es mecánico.

¿Servirá?

No sé si nos haremos mejores fotógrafos. Esto solo se consigue con mucho trabajo y mucha suela. Pero es una forma de salir de la fotografía postalera, de enseñar miles de imágenes de forma cronológica, de quedarse en uno o dos disparos más o menos aceptables.

No es obligatorio, por supuesto. Podemos seguir haciendo lo de siempre porque es lo que nos gusta. Pero para los que no nacemos fotógrafos, este es uno de los caminos para hacernos. Ya nos contaréis.

Hace más de quince días empezamos a hablar de los proyectos fotográficos. Para llegar al final tenemos que recorrer tres pasos, tres puntos. Uno detrás de otro hasta llegar al final, sin saltarse el orden y sin abandonar uno sin haberlo acabado previamente. Hoy vamos a analizar con más profundidad el primer paso de un proyecto: la idea.

Se está acercando el fin de año. Y todavía no sabemos qué hacer con nuestra vida fotográfica. Llevamos la cámara encima, la sacamos cuando vemos algo que nos gusta. Los fines de semana hacemos lo que podemos. Al final solo hemos conseguido unas fotografías bonitas del pueblo que hemos visto, del otoño que hemos fotografiado. Y algunas que otras que están bien y no sabemos qué hacer con ellas. El problema es que no tienen relación alguna entre ellas. O no hemos sabido verla.

Como ya hemos adelantado en el primer artículo dedicado al proyecto fotográfico, es importante trabajar con sentido. Disparar con un objetivo, con una idea. Es la que nos llevará a conseguir imágenes con sentido y sobre todo nos permitirá avanzar como fotógrafos. Esta es una de las claves, además de dedicarle tiempo y gastar muchas zapatillas.

En la ciudad @ferfoto

La idea es lo que se sustenta todo nuestro trabajo. Es la base fundamental del proyecto. No es algo baladí. Cuando comenzamos en este mundo puede que nos sirvan esos proyectos que todos conocemos: una fotografía por semana, 365 disparos en un año, retratos de nuestros amigos y conocidos... Es algo perfecto para practicar. Y si no lo habéis hecho nunca lo recomiendo. Es un ejercicio perfecto para nosotros, pero realmente no aporta nada a la comunidad. No es original. Pero podemos hacerlo personal.

La idea original del proyecto

Hay muchas formas de llegar a una buena idea. En el fondo todo depende de cómo la afrontemos. Al fin y al cabo lo importante es nuestro estilo fotográfico. Pero siempre hay que saber contar las cosas de una forma diferente. Si la gente pensara solo en cosas nuevas jamás hubiera existido 'La regenta' después de 'Madame Bovary', por poner un ejemplo literario.

Las buenas ideas no son complicadas. No hace falta adornarlas de falsas promesas de intelectualidad. Cada vez hay más gente contraria a las banalidades en nombre de la fotografía. En contra de ideas vacías adornadas con palabras ampulosas. El ejemplo perfecto es fijarse en H. Sugimoto, como ya vimos.

No es fácil saber qué contar si no tenemos una buena base o una vida que nos estimule mentalmente. Siempre se acude a la cultura. Pero siempre se asocia con los libros y el arte. Para muchos nos es fundamental. Pero hay otras formas de cultura, de vivencias personales que te pueden llenar más de los que nos identificamos con libros o museos. Hay que ser capaz de emocionarse en la calle, en el profundo bosque o la pura vida de los bares.

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Lo que sí es importante es conocer lo que han hecho otros fotógrafos con ideas similares, para no repetirse. Para ser capaces de dar un nuevo giro que nada tenga que ver con todo lo que han contado ya. Sin embargo, como vamos a ver a continuación, puede que incluso repetir un concepto sea una buena idea para algunos.

Los proyectos se pueden dividir de muchas formas según las ideas propuestas, pero yo prefiero ceñirme a tres tipos de proyecto en función del tipo de idea.

Los tres tipos de proyecto

Es duro pero las ideas también hay que clasificarlas. Más que nada para conocer los terrenos en los que nos movemos. Y no confundirnos o saber de antemano a dónde tenemos que ir en el siguiente punto:

• Formal: es el clásico proyecto en el que el autor solo busca contar una idea, similar a una novela realista en la que se describe todo lo que pasa delante de nuestros ojos. Podemos encontrar muchos ejemplos pero quizás un buen proyecto modelo es el trabajo de Shizuka Yokomizo 'Strangers through the window' en el que simplemente retrataba a la gente que accedía a través de las ventanas de sus hogares.
• Emocional: aquí el fotógrafo se implica de una forma más personal si cabe en lo que está contando. Corre peligro de caer en un conceptualismo exacerbado, pues es fácil caer en la banalidad o en el estereotipo. Si viéramos una película de Andrei Tarkovsky sería lo más parecido a un proyecto emocional. Quizás es el proyecto en el que el autor queda más desnudo frente a los espectadores. Un buen ejemplo sería el trabajo de Robert Frank en 'Los americanos'. Aquí no solo cuenta lo que ve, sino también lo que siente ante el país que le acogió.
• Experimental: Es un tipo de proyecto en el que el fotógrafo necesita contar su sensación ante el mundo de una forma imposible en la realidad. Puede que el espectador sea incapaz de reconocer lo que ve si no tiene un texto que se lo explique previamente. En algunos casos llegará a provocar rechazo o dejar sin palabras a aquel que lo contemple. Aquí no queda más remedio que recordar el proyecto After Sherrie Levine en el que Michael Mandiberg (2001) se apropió de la idea de Sherrie Levine de copiar las imágenes de Walker Evans para venderlas como propias.

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Nosotros solo tenemos que pensar en la idea y empezar a crear un esquema con los pros y los contras. Con todas sus posibilidades y su mayores problemas. Si lo dibujamos en la libreta o con una tableta gráfica en nuestro ordenador nos daremos cuenta de nuestras capacidades y limitaciones para ser capaces de llevarlo a buen puerto o no. El viaje continuará.

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Cómo enfrentarse a un proyecto fotográfico

Fotografiar a las personas más longevas que hay en España. Este sería un resumen rápido del curioso y sentimental proyecto fotográfico del fotógrafo estadounidense Charles Ragsdale de título ‘Generaciones’. Afincado en Sevilla y con formación en Filología y Estudios Latinoamericanos, Charles ha ido dejando paso cada vez más a su faceta como fotógrafo profesional. Su proyecto ‘Generaciones’ llega ahora en formato libro, a modo de broche final de una aventura fotográfica que le llevó a buscar y retratar a algunas de las personas centenarias que viven por toda la geografía española.

Se trata de un trabajo que parte de una premisa sencilla y que, en lo fotográfico, puede no tener una gran complejidad narrativa, pero sí que conlleva un enorme esfuerzo y una gran carga sentimental. Por una parte, la de documentarse para localizar a las personas centenarias que se pueden encontrar en la geografía española. Luego acceder a ellas, a sus familias, obtener permiso para realizar un retrato. No de cualquier manera, si no buscando la máxima dignidad para ellas en los que pueden ser sus últimos días.

Para ello, Charles decidió fotografiarlos junto a sus descendientes más jóvenes. Un retrato familiar sencillo y directo, lleno de carga emocional. Muchos de ellos han fallecido durante el desarrollo del proyecto, pero visto como conjunto, se trata de un retrato colectivo a las personas más mayores, una especie de homenaje a los “supercentenarios”, como importantes transmisores de la cultura y la experiencia. Hemos podido preguntarle a Charles por este curioso proyecto para conocer más detalles.

¿Cómo comenzaste este proyecto? ¿Qué te llevó a fotografiar a estas personas? ¿Cuánto tiempo has estado realizando estas fotografías?

Pues comenzó por una casualidad. Supe que la abuela de un amigo mío era la persona mas longeva de Sevilla, con 105 años. Quedé fascinado por ella, nunca había conocido a nadie tan mayor. Empecé a pensar en hacerle un retrato, tal vez algún tipo de proyecto sobre ella. Al ver el trabajo de otros fotógrafos sobre gente mayor, vi que había una tendencia a hacer resaltar la vejez usando blanco y negro y otorgarle un aspecto melancólico. Decidí que iba a hacer las fotos en color... pero faltaba algo más para ambientar los retratos. Así que, supe que mi amigo tuvo una sobrina de once meses (la biznieta de su abuela) y se me ocurrió que fotografiarlos juntos podría ser muy especial. Así empezó el proyecto, que luego se extendió y en el que estuve trabajando durante un año y medio.

¿Tuviste algún problema a la hora de realizar los retratos? ¿qué fue lo más difícil y lo más fácil?

Por parte de los mayores no hubo problemas a la hora de realizar los retratos, fue fácil. Siempre me coordinaba con sus familias para estar allí a la hora en que se encontraban mejor de ánimo y energía. Por parte de los niños fue algo más complicado. Los tenían menos de un año o más de cinco eran más fáciles: o se quedaban quietos o respondían a mis indicaciones. Pero, los niños entre 2 y 4 eran los más difíciles ¡no querían quedarse quietos! Hubo una sesión en la que llegué a hacer mas de 400 fotos para asegurarme de captar una toma realmente buena. En otras ocasiones, eran tímidos, se ponían a llorar y era necesario esperar un rato y tener la ayuda de sus madres para que estuvieran relajados y dispuestos. 

Cuéntanos brevemente cómo era el proceso que seguías para los retratos: cómo quedabas con ellos, en qué circunstancias, cuánto tiempo, cómo planificabas el retrato, el lugar, la luz, qué equipo fotográfico has usado...

El proceso de realización de los retratos tuvo varias partes. La más larga y difícil fue localizar a las personas, establecer contacto y conseguir permiso. La máxima que siempre seguía era ponerme en lugar de la familia e imaginar que la persona era mi madre o mi padre. Es algo muy íntimo permitir a un desconocido entrar en tu casa y fotografiar a tus seres queridos.

Las circunstancias de cada retrato eran diferentes. Para empezar siempre pedía a la familia que ellos me dijeran qué día y a qué hora sería mejor para sus centenarios. Los 26 personas que forman el proyecto eran de 14 comunidades autónomas, algunos estaban en residencias y otros en sus casas familiares, y el estado de salud y movilidad era muy variable. Todo eso influyó en el tiempo para realizar las fotos

A veces tuve que hacer lo mejor que pude, contando solo con 15 minutos para una persona, otras veces tuve el lujo de hacer fotos en tres o cuatro ubicaciones durante un par de horas. O incluso volver nuevamente para repetir una sesión si veía la necesidad de mejorar el resultado. Para la foto, siempre buscaba incluir algún elemento que reflejara los gustos o las personalidades de los sujetos. Y siempre aprovechando al máximo la luz natural. En ninguna foto usé flash, es una preferencia personal. El equipo fotográfico que utilicé fue una cámara Nikon D750 y un objetivo Sigma Art 35 F1.4.

Para llevar el proyecto a formato libro ¿tuviste que solicitar permiso a las familias o ya lo tenías previamente?

Con cada familia he estado en contacto durante cada fase del proyecto. Además, en muchos casos incluso hemos establecido una amistad y afecto mutuo lo que me ha permitido volver como invitado. Antes de lanzar el libro, mandé una copia a cada familia y durante su creación hubo una coordinación para asegurar que iban a estar contentos con el resultado final.

Has expuesto también el trabajo ¿no? Cuéntanos dónde y cuándo

Ahora el trabajo forma parte de una exposición itinerante que se exhibirá por varios lugares de España. Empezó en Sevilla, luego pasó por por Mérida en mayo, Lérida en Julio, Gerona en Septiembre y Alicante en Noviembre. La próxima parada será Madrid a finales de Enero de 2018. 

¿Qué te ha aportado artísticamente y humanamente trabajar en este proyecto?

He crecido más de lo que podría haber imaginado al principio. Una parte fue la experiencia que gané haciendo miles de fotos en circunstancias muy variables en cada parte de España, siempre adaptándome para conseguir el mejor resultado posible. La parte más importante y duradera fue la parte humana –sentí una magia especial en la presencia de cada una de estas 26 personas–, también aprendí mucho de ellos y jamás les voy a olvidar. Son recuerdos que me marcarán para el resto de mi vida. 

¿Piensas continuar con este proyecto o ya lo has dado por concluido?

"Generaciones" ha llegado a su conclusión. Voy a llevar la exposición al extranjero y, tal vez, sacar ediciones en otras idiomas –por ahora está disponible en español o inglés–.  Pero "Generaciones" no es un proyecto aislado. Es la primera parte de una trilogía sobre la familia. Ahora estoy planeando la segunda parte y daré a conocer detalles cuando haya avanzado en el trabajo.

Agradecemos a Charles su disposición para esta entrevista y os invitamos a todos a visitar su página web para conocer más sobre este proyecto y sus próximas exposiciones. El libro, está disponible en Amazon, tanto en su versión en español como en inglés.

Muchas veces al ver un libro de fotografía nos asaltan preguntas más propias de un detective que de un aficionado a la fotografía: "cómo, cuándo, con qué y por qué". Nos hemos enterado de un fotógrafo que está iniciando un proyecto muy atractivo y hemos conseguido que nos desgrane cómo se enfrenta a él.

Hemos hablado en varias ocasiones sobre cómo desarrollar nuestra creatividad, la última fue en este artículo de Jesús, pero este otro de Rodrigo tiene bastante que ver con el de hoy, ya veréis porqué.

Alberto Olivares no es un fotógrafo conocido, ni consagrado, es un fotógrafo emergente que ha demostrado grandes dosis de creatividad con su trabajo El libro de las Relaciones, nos hemos enterado que estaba tramando algo nuevo y nos pusimos en contacto con él para que nos explicara cómo se enfrenta a un proyecto desde cero, no fue fácil, pero lo tenemos.

Alberto Olivares. Autorretrato.

¿En qué consiste lo nuevo en lo que estás trabajando?

Hace tiempo que observo una coincidencia entre el apellido de ciertos fotógrafos y el nombre de algunas ciudades españolas. Por ejemplo Rafael Roa, su apellido corresponde a un municipio burgalés, Manuel Zambrana comparte apellido con un pueblo de Álava, o vuestro compañero Jesús León, sin ir más lejos. Hay otros, como Alix que son de fuera de España, pero de momento me voy a quedar en nuestro país que hay muchísimos.

Pues la idea es investigar en el trabajo de ellos y hacerles un homenaje inspirándome en su estilo pero en la localidad que corresponde a su apellido.

¿Cómo se enfrenta un fotógrafo a un proyecto?

Este proyecto es diferente a cualquier otro al que me he enfrentado debido a su diversidad y variabilidad. Es como un libro de los que, dependiendo el camino elegido debes saltar a una página u otra.

Lo primero de todo es tener claro cuál es el objetivo final: En este caso es trazar un mapa con fotógrafos y fotógrafas cuyo apellido corresponda con una localidad española.

El siguiente paso es realizar una búsqueda de fotógrafos que cumplan el criterio y generar el mapa con los posibles candidatos.

Una vez hecha la selección toca fragmentar el mapa y convertirlo en diferentes rutas o etapas que incluirán diferentes fotógrafos.

Mapa con en el que marca coincidencias entre localidades y apellidos de fotógrafos.

Así dicho suena sencillo

La mayor complicación que me he impuesto va a ser la de realizar una fotografía representativa del autor en la localidad homónima. Esto implica que si algún fotógrafo se especializó en fotografía de la Gran Vía de Madrid, y su apellido me lleva a una aldea de Soria lo voy a tener algo complicado, pero ahí radica la parle divertida del proyecto.. Al final, con todo el producto realizado pretendo convertirlo en libro-guía-catálogo. Me encantaría generar material audiovisual del desarrollo del proyecto, pero de momento no dispongo de los medios necesarios para esa parte.

Vemos en el mapa muchísimos fotógrafos, alguno de ellos son muy conocidos y otros son emergentes, ¿cómo vas a documentarte de su trabajo?

La fase de investigación de fotógrafos que cumplen el criterio de selección lo estoy llevando a cabo en bibliotecas y archivos dedicados a la fotografía. Con el listado de fotografos entro en internet e indago si existe alguna localidad con su apellido. Poco a poco el mapa se ha ido llenando de chinchetas azules para hombres y rojas para mujeres.

Alberto Olivares. Autorretrato

La parte masculina la tengo bien preparada, pero estoy encontrándome dificultades con la parte de autoras. Desde aquí me gustaría animar a otras compañeras y compañeros a arrojar algo mas de luz para dotar de más peso a la mujer en el proyecto. A modo de ejemplo, en el diccionario de fotógrafos españoles del S.XIX al XXI que se editó hace muy pocos años muestra una mágnifica recopilación de más de 500 nombres pero tan solo el 10% corresponde a autoras.

Va siendo hora de dar más visibilidad a la mujer en el mundo de la fotografía, ¿no crees?

¿Cómo surge la idea?

Existe una falta de visibilización de la mujer fotógrafa en el mundo de la fotografía. Quiero hacer un homenaje y dar más presencia a la figura femenina. De ahí que me propuse realizar una especie de catálogo-guía en el que aparecieran tanto número de mujeres como de hombres. Pero para dar una vuelta mas de tuerca decidí hacer una selección de fotógrafos cuyo apellido tenga una localidad homónima en España y realizar en esa localización una fotografía representativa del estilo del autor original

Llevaba un tiempo haciendo uso de la fotografía como una herramienta para canalizar mis emociones negativas y miedos. Es decir, la fotografía como terapia como han podido utilizar Sally Mann, Helmut Newton y otros muchos fotógrafos. En los últimos dos años he preferido gastar mi dinero en carretes antes que en psicólogos, aunque no me queda muy claro cual habría sido la opción más económica, (Risas).

¿Cuánto tiempo crees que puedes tardar en llevarlo a cabo?

Sin duda va a ser un proyecto largo y muy ambicioso. Pretendo completarlo por etapas, pero seguramente tarde entre 3 y 5 años en verlo terminado. Van a ser casi 30 lugares esparcidos por toda España que tendré que unir en una especie de Road Movie.

Ejemplo del proyecto de Alberto Olivares en el que vemos una imagen de Pablo Genoves y la creada como ejemplo.

¿No tienes miedo a las críticas que vean en el homenaje una copia del trabajo de otros?

Voy a dejar que responda el filósofo Epicteto del siglo I, decía “no nos afecta lo que nos sucede sino lo que pensamos sobre lo que nos sucede” Si alguien se sintiera ofendido sencillamente le pediré disculpas por las molestias y seguiré mi camino.

¿Vas a intentar investigar en conceptos más concretos o solo en estética?

Uno de los aspectos más complicados es la de decidir qué autor es seleccionado y cual no. Quiero intentar abarcar el mayor número de estilos y técnicas. Por lo que el proyecto incluye fotografía de moda, paisaje, documental, etc. Pero además pretendo reproducir aspectos técnicos del propio autor.

Se trata de un trabajo documental muy original, ¿vas a hablar con los autores para pedir consejo, asesoramiento?

Me encantaría poder contar con sus opiniones y visión del proyecto, pero tengo la mala costumbre de "no querer molestar". Si algún fotógrafo tiene en su apellido el nombre de una localidad española puede empezar a temblar y decidir si prefiere marcarme unas directrices o simplemente dejarse llevar, confiar y esperar que los resultados no sean un absoluto desastre. (Risas).

Para poder realizar bien las fotografías tengo que estudiar bien a su autor, conocer sus puntos fuertes e intentar ponerme en su lugar en el momento en el que desarrolla su trabajo. Hacerlo de otra manera me parecería una falta de respeto.

Alberto Olivares. Foto: Erika Ishihara

Cuando tenga todo listo será hora de “engañar” a algún compañero fotógrafo para que comparta la aventura y el proceso.

¿Todo el trabajo irá en película o vas a hacer en digital algo?

Este es uno de los aspectos más divertidos del proyecto. Voy a tener que trabajar tanto en digital como en analógico. Me apetece mucho trabajar el colodión o la goma bicromada que fueron usadas por algunos de los elegidos. Personalmente prefiero y disfruto más el trabajo en analógico, pero también me tocará hacer alguna edición en el ordenador.

¿Cómo vas a lograr el relevado, sino exacto aproximado, el tono gama de los fotógrafos originales?

Aunque existen muchas películas que ya no se comercializan, todavía hay una amplia gama en donde elegir. No me preocupa tanto conseguir los contrastes, o el grano de muchas fotografías como aislar los elementos propios de la "modernidad2 para acercarme más a las imágenes originales.

Quiero intentar abarcar el mayor número de estilos y técnicas posibles. Por lo que el proyecto incluye fotografía de moda, paisaje, documental, etcétera. Pero además pretendo reproducir aspectos técnicos del propio autor.

Alberto, muchas gracias por tu tiempo, esperamos que todo salga como esperas y cuando lo acabes no dudes en enviarnos una copia del libro para ver cómo ha quedado.

Alberto Olivares | Página web | En Facebook

Foto de inicio | Ejemplo de una de las autores en las que está investigando Olivares para hacer su trabajo, Ana Martínez Requena

En Xataka Foto | Hiroshi Sugimoto