Muchas veces nos complicamos la vida con técnicas revolucionarias que dificultan algo que debería ser mucho más fácil. Hay que darse cuenta de que muchas veces nos quedamos con la boca abierta con tutoriales de Adobe Photoshop de mil pasos cuando, con un poco de experiencia, se podría resolver el problema con uno de dos.

Llevo muchos años escribiendo sobre fotografía. He perdido la cuenta pero probablemente lleve más de diez años por las redes. Como profesor de fotografía he leído y escrito sobre cientos de técnicas con Adobe Photoshop. Para mi trabajo personal utilizo muy pocas pero para mis clientes y alumnos siempre intento aportar novedades.

Fotografía original

Y más sabe el diablo por viejo que por diablo. Hay veces que reconoces técnicas para quitarse el sombrero por su sencillez. Pero otras parecen ideadas por neopictorialistas que quieren destacar sobre la masa para simplemente parecer mejores. Y hay que estar atento para no caer en la tentación de parecer mejores en vez de prácticos.

Las mejores técnicas de Adobe Photoshop y una que no lo es

El que ideó la separación de frecuencias era un genio, la que desarrolló el dodge&burn hasta las últimas consecuencias merece un monumento... Qué decir de aquel que habló por primera vez de las máscaras de luminosidad.

Pero hay veces que encuentras técnicas de dudosa utilidad, que muchos utilizan, porque no han pensado a fondo si son realmente eficaces o superiores a pasos más sencillos.

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Cómo crear un efecto Orton desde el móvil para potenciar nuestras fotografías de paisaje

En mi búsqueda he encontrado el canal de Lee Varis donde cuestiona la utilidad de la famosa curva horizontal. Esta curva volvió a la palestra de la mano de nuestro admirado Piximperfect. El vídeo en cuestión tiene más de 770.000 visualizaciones...

Y tengo que reconocer que llamó poderosamente mi atención en su momento, allá por el año 2018. No le volví a prestar atención hasta que Photoshopeando sacó tres vídeos sobre el tema. Y gracias a sus razonamientos (qué bueno es) empecé a desconfiar de la técnica.

Por mis clases la he vuelto a retomar hace poco, en la búsqueda de buenos métodos para conseguir excelentes resultados. Así que he vuelto a ver todos los vídeos, he hecho pruebas y he descubierto el canal de Lee Varis del que he hablado antes. Y estamos ante un caso similar al de la famosa y cuestionada hiperfocal.

La famosa curva horizontal

Esta técnica apareció en 2008, cuando la propuso un tal Jakob Rus en un foro de Dan Margulis, uno de los gurus del color digital. Lo más curioso es que se inventó para trabajar en modo Lab (aunque sirve también para RGB) y poco o nada tiene que ver con el planteamiento que hace Unmesh Dinda:

• Convertir la imagen a CIELAB (obviamente)
• Copie el canal L
• Cree una nueva capa y pegue el canal L * en los tres canales (L, a y b).
• Establezca el modo de fusión de esta nueva capa en "Luz lineal", y tenga paciencia conmigo, porque en este punto la imagen se verá como una mancha posterizada en blanco y negro. Por lo general, llamo a esta capa algo así como correcciones basadas en L.
• Agregue una nueva capa de ajuste de curvas y configúrela como una máscara de recorte.
• Haga que las tres curvas - L, a y b - sean completamente planas, es decir, Entrada 0 -> Salida 50, Entrada 100 -> Salida 50 en el canal L, e Entrada -128 -> Salida 0, In 127 -> Out 0 en a y b. En este punto, debería tener una imagen que se vea exactamente como la original, porque el modo de fusión Luz lineal no cambia la capa inferior donde la capa de fusión es gris medio.
• Ahora, aquí está la parte divertida: haga algunos puntos a lo largo de esas curvas y deslícelos hacia arriba y hacia abajo. Por lo tanto, puede ajustar (desplazar linealmente) los valores L, a y b para varios niveles de fondo de L, con un control mucho más preciso que usar los controles deslizantes de mezcla si o cualquier otra herramienta que conozca. > >

La curva horizontal se vende como el mejor método posible para alterar la luminosidad de la fotografía sin afectar en absoluto a los colores, una auténtica maravilla. La propuesta de Unmesh Dinda es la siguiente:

La curva horizontal sin tocar

1. Creamos una capa de Tono/Saturación en modo Luz suave y bajamos el valor de Saturación a 0.
2. Creamos una capa de Curvas y ponemos la curva en horizontal ¿cómo? El punto negro 0-128 y el punto blanco 255-128.
3. Esta capa de ajuste tiene que estar como Máscara de recorte (alt+ctrl+G).
4. A partir de este momento solo tenemos que usar la herramienta Ajuste de destino (la mano con la flecha) de la ventana Propiedades de la curva para cambiar a nuestro antojo la imagen sin perder el color nunca y controlando el contraste.

La curva horizontal ya aplicada

Sobre el papel parece uno de los mejores inventos de la historia de Adobe Photoshop. Como además podemos hacer una acción, es muy rápido.

La realidad de la curva horizontal

La realidad de la curva horizontal es que es demasiado compleja en comparación con el método más sencillo que podemos hacer, que no es otro que una capa de ajuste de Curvas en modo Luminosidad. El resultado es el mismo y sin necesidad de utilizar dos capas, una de ellas como máscara de recorte.

Una curva de Luminosidad

Solo hay que utilizar la misma herramienta Ajuste de destino y listo. Ambos resultados son idénticos. Y no solo en la fotografía que estamos utilizando de ejemplo. En la gran mayoría de las que hemos probado no hay una diferencia tan importante que justifique el cambio de técnica.

Los dos métodos juntos ¿Hay alguna diferencia?

No se nota más saturación o una pérdida de contraste significativa. El final de ambas técnicas es el mismo, incluso parece mucho menos agresivo el método tradicional (aunque los dos son no destructivos, por supuesto).

La conclusión final es que deberíamos probar todas las técnicas que llegan a nuestras manos. Pero no podemos darlas por válidas hasta que notemos que mejoran nuestro flujo de trabajo para conseguir nuestro estilo.

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Los mejores métodos para digitalizar nuestros negativos y diapositivas y uno que supera a todos (I)

No hay que adoptar técnicas de Photoshop sin pensar. La mayoría de las veces lo más sencillo siempre basta y sobra para conseguir el mejor resultado. Hay que saber elegir la técnica adecuada para cada trabajo. Y os aseguramos que si lo hacemos todo bien en el momento del disparo la vida fotográfica será más fácil.

Hay mil formas de revelar nuestras fotografías. Cada uno tiene que encontrar un método propio o apostar por alguno que encuentre por las redes o en las clases a las que asista. Fruto de una feliz coincidencia, el fotógrafo Andrea Livieri ha encontrado un método que se puede resumir con las siglas del famoso grupo australiano.

Revelar una fotografía, como decimos una mitad, o editar una fotografía, como dice la otra, es uno de los pasos fundamentales. Del buen hacer en este momento depende que la imagen mejore o se llene de saturaciones sin sentido, contrastes brutales y más cosas que no quiero recordar.

Nosotros proponemos los diez pasos porque te permite buscar tu estilo propio y consigues un rango dinámico perfecto en todas tus fotografías, desde el blanco hasta el negro. Este método es también interesante. Como siempre decimos es una maravilla poder elegir entre varias opciones para lograr un método personal.

Fotografía original

La propuesta de Andrea Livieri es curiosa, quizás más llamativa por sus famosas siglas, así que vamos a presentar el vídeo y señalar de dónde viene su nombre.

Resultado final

La técnica AC-DC para el revelado de fotografías

AC-DC significa corriente alterna/corriente continua y los hermanos Young lo escogieron porque representaba a la perfección la energía del grupo. Desde sus orígenes sus canciones han desatado al público de varias generaciones y su 'Back in Black' es uno de los grandes clásicos del siglo XX. Así que sus siglas son siempre bien recibidas.

La idea de Andrea Livieri es perfecta. En el vídeo, además de tocar uno de los grandes temas de la banda, explica paso por paso en qué consiste su propuesta. Os adelanto que es importante saber inglés, como podéis imaginar.

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Cómo configurar nuestra cámara si decidimos disparar en jpeg

1. A Analizar (Analyze)
2. C Recortar (Cropping)
3. D Distracciones (Distractions)
4. C Colores y tonos (Colors & tones)

No deja de ser un poco forzado para poder formar la popular sigla, pero si analizáis el proceso y os olvidáis de la fiesta puede que os resulte interesante.

Analizar

Uno de los puntos que más nos gustan y por lo que recomendamos este método. Antes de empezar a revelar hay que detenerse a mirar la fotografía y ver sus puntos fuertes y sus debilidades. Una vez analizada la imagen podemos empezar a revelar.

Primer paso

Recortar

El primer paso importante, que nos podemos saltar, después de observar la fotografía en el primer punto. Recortar puede mejorar mucho la composición de una imagen y hacerla más atractiva.

Segundo paso

Distracciones

Es el momento de clonar aquellos elementos que nos molestan y desvían la atención del espectador. Aquí entra tanto eliminar objetos con las herramientas de modificación como bajar la saturación de aquellos objetos que destaquen demasiado o reducir su luminosidad.

Colores y tonos

Y llegamos al punto final, donde el autor propone jugar con los perfiles de color como primer paso para tener la exposición perfecta.

Último paso

Luego juega con el parámetro de Textura para mejorar la acutancia y baja Claridad para darle un aire de ensoñación a la fotografía. Posteriormente altera la saturación de los colores y trabaja la curva para conseguir la correcta interpretación del contraste y la representación de los blancos y negros.

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Cómo usar un archivo RAW como el fotómetro más preciso que podemos encontrar

Si te parece un buen método intenta probarlo con tus fotografías y ver hasta dónde puedes llegar con él. Lo mejor que tiene es que asume que hay que visualizar la imagen para ver lo que quieres conseguir antes de empezar a cambiar los parámetros. Es relativamente sencillo y puede que sirva para encontrar tu estilo propio. Ya nos dirás.

Hace poco os contamos sobre el problema de guardar todo en nuestro archivo digital. Dentro de un gran baúl de imágenes se encuentran tesoros escondidos, basura y elementos que ya cumplieron su momento en la vida. Ordenarlos puede ser una tarea monumental, pero una que probablemente debamos hacer en algún momento. Para ello, llega Marie Kondo a ayudarnos en la limpieza de nuestro archivo fotográfico.

En búsqueda de la alegría

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El problema de guardar todo nuestro archivo fotográfico digital

Cuando escuché por primera vez de este método me causó curiosidad. El fotógrafo David Justice escribió un artículo para FStoppers sobre cómo el método de la autora japonesa lo ayudó a pulir su portafolio. Sin embargo, el poder de este método se puede aplicar desde limpiar todo el archivo digital a curar una serie.

Para arrancar la organización de este método, lo primero que se necesita es la motivación de hacerlo hasta acabar. Nada de hoy voy con un disco y mañana con otro (respetando comer, dormir y las funciones básicas del cuerpo). Pero la idea es que así arranquemos de madrugada y terminemos a media noche, no paremos hasta haber ordenado al máximo ese archivo. Y esa debe ser el único propósito del día en que lo hagamos.

A limpiar el desorden

Si se planea organizar un archivo fotográfico completo, lo mejor es categorizar el tipo de fotografías que rescataremos. Un ejemplo puede ser:

• Para el Portfolio

• Gran potencial de edición

• Album familiar

Si se quiere organizar un portfolio, el método de David Justice involucra el tipo de fotografía que vendemos. Siempre organizando según lo que la fotografía muestre mejor dentro de un propósito. Un ejemplo puede ser, si soy fotógrafo de naturaleza puedo tener:

• Fotos de Paisaje

• Fotos de animales

• Fotos Macro

Ahora, si tengo dos fotografías de animales y una es macro, pues servirá mejor para la carpeta macro que para la de animales. En el ejemplo de Justice dos retratos pueden tener valores distintos, uno puede servir como fotografía de beauty mientras otro es simplemente un retrato corporativo, así que uno irá para una carpeta de moda y la otra de retrato comercial.

Si se está limpiando una serie, el método es aún más fácil. Habrá que ordenar sobre lo que comunique esa serie. Darle un orden a la secuencia y mirar si esas imágenes cumplen el objetivo.

Ahora, el método de Marie Kondo tiene tan solo un paso. Cuando miro esa fotografía, ¿me trae alegría?

Si no, hay que borrar.

Es un sistema rápido y eficaz. Si no me trae alegría, es muy probable que nunca volveré a esa foto. Así que para qué tenerla gastando espacio.

Si tenemos dos imágenes similares aplicamos el mismo proceso. ¿Cuál me trae más alegría? La que lo haga se queda, la otra se va.

A medida que vamos depurando, las fotografías que quedan las metemos en sus carpetas especiales, dictando cuáles son las que deben estar y para qué están ahí. Ordenamos, les damos un propósito y un espacio.

Este sistema es una manera muy proactiva de acercarse a ver el verdadero valor de aquello que tenemos en nuestro archivo fotográfico y separar lo que nos puede dar mejor valor a futuro. Archivo limpio, portfolio en orden y fotógrafo feliz.

Empezamos la semana con el segundo artículo dedicado a este nuevo método de blanco y negro basado en las máscaras de luminosidad. La idea es revelar nuestras fotografías en blanco y negro con un método sencillo que nos permita centrarnos en la creatividad y olvidarnos de las técnicas complicadas. En este capítulo vamos a ver cómo podemos hacer nuestras propias máscaras de luminosidad de 16 bits, fundamentales para este método.

La primera vez que oí hablar de las máscaras de luminosidad de 16 bits fue en uno de los artículos de Tony Kuyper, considerado por todos como el creador de este método. Sinceramente no llegué a comprender su importancia hasta que vi el vídeo de Carlos Oliveras sobre el mismo tema. Como se ve, soy todo un visionario. Nunca creí que fueran a ser tan importantes. Y aquí estamos hablando de ellas como parte fundamental dentro de mi método de blanco y negro.

Las máscaras de luminosidad de 16 bits empiezan a ser la norma dentro de este segmento. Incluso el panel gratuito de Tony Kuyper lo permite. ¿Pero cuál es la diferencia? Cuanto mayor sea el número de bits mayor será la cantidad de tonos que pueden ser representados en una fotografía. Da igual que sea en color o en blanco y negro.

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‘Belted Survivors’, mostrando las huellas que deja el cinturón de seguridad en caso de accidente para concienciar de su uso

Es muy frío hablar de números pero si tenemos una máscara de 8 bits solo tendremos 256 niveles de luminosidad. Suficiente en la mayoría de los casos, salvo que queramos revelar una fotografía a fondo. Entonces sería interesante disponer de 16 bits reales, es decir, 65.536 niveles por canal. La diferencia es abrumadora.

Trabajando con máscaras de luminosidad de 16 bits

¿Realmente se nota la diferencia? Sinceramente creo que poca gente será capaz de notarlo. Pero en esta ocasión os prometo que es importante trabajar con ellas. Para el método de blanco y negro solo necesitamos las máscaras de luminosidad de luces. Por ahora podemos olvidarnos de las de sombras. Para conseguirlo tenemos que acudir a otras herramientas disponibles en Adobe Photoshop distintas a las que hemos utilizado hasta ahora.

Y si queremos podemos hacer una acción para solo tener que crearlas esta primera vez. Es sencillo, solo hay que hacer clic en el icono Crear acción nueva y grabar todos los pasos que vamos a dar ahora... Y si no sabéis de qué estamos hablando podéis consultar todo lo que hemos escrito sobre las máscaras de luminosidad.

Cómo hacer máscaras de luminosidad de 16 bits

El método que vamos a utilizar es el mismo que propone Tony Kuyper en su página web. La diferencia es que por ahora no vamos a utilizar más de tres máscaras, como hemos comentado. Así que vamos a empezar con nuestra primera máscara de Luces I de 16 bits:

• Vamos a Imagen>Calcular. Esta herramienta permite, en palabras de Adobe, fusionar dos canales individuales de una o varias imágenes de origen. Y en 16 bits. En este caso vamos a hacerlo con la propia fotografía.
• Luces I se crea con los parámetros que veis en la ilustración. El resultado final será un Nuevo Canal. Y este nuevo canal, que se llama Alfa I, es el que tenemos que denominar Luces I con solo hacer doble clic sobre el nombre.

Para conseguir Luces I

• Luces II se hace de la misma forma, en Imagen>Calcular, pero como Canal elegiremos Luces I y como Modo de fusión marcaremos Multiplicar.
• Y para Luces III seguiremos la misma rutina, solo que tenemos que partir del Canal Luces II.

Para conseguir Luces III

Es así de sencillo. Hemos conseguido de golpe tres versiones distintas de nuestra fotografía en blanco y negro. Tres puntos de partida para un procesado en el que buscaremos tener más presencia gracias a un control más preciso de la luminosidad de los grises.

Resultado final

La combinación de un revelado especial junto con esta técnica que veremos la semana que viene, dará como resultado una fotografía mucho más personal, llena de matices muy difíciles de conseguir hasta ahora. Os esperamos.

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Cómo quitar las arrugas de la ropa con ayuda de Adobe Photoshop

Curso de blanco y negro con máscaras de luminosidad| I, III, IV

Hay mil formas distintas de hacer un blanco y negro digital. Pero este método que vamos a ver hoy lo he desarrollado después de consultar muchas fuentes, muchas pruebas y demasiados fracasos. Al final será otra forma más de pasar nuestras fotografías a blanco y negro. Pero espero que al menos probéis una vez este método personal para pasar las fotografías a blanco y negro con las máscaras de luminosidad en Adobe Photoshop. Os aseguro que vuestras fotos tendrán un aspecto inesperado.

El blanco y negro es un clásico de la fotografía. Es otra forma de expresarse. Es otro idioma, o a lo mejor no es más que un dialecto. O puede más bien que sea un género. Pero poco o nada tiene que ver con el color. Eso sí, es más sencillo y menos complejo que la fotografía en color.

El problema es que, a pesar de todo, es tremendamente difícil lograr una buena imagen monocromática, como les gusta decir ahora. Hay que lograr una buena gradación y un blanco y un negro absolutos. Mi referencia son las copias de Ansel Adams. Y alguna vez me gustaría alcanzar su maestría. Cada fotografía es un mundo pero lo importante es que se ajuste al estilo personal de cada uno.

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Este ejercicio de 15 minutos puede ayudarnos a mejorar nuestra práctica fotográfica

Porque uno de los mayores errores es dar un aire distinto a cada trabajo, olvidándose del estilo personal de cada uno. No tiene sentido probar la acción de Greg Gorman, luego una curva para recrear la TriX de Kodak y al día siguiente volcarse con el método Lab.

@ferfoto

Si queremos mejorar como fotógrafos de blanco y negro la clave está es ser fiel a un estilo, tanto estético como técnico. Desde luego podemos avanzar y evolucionar. Pero no recomiendo revelar mil fotografías con mil técnicas porque al final no se nos reconoce. Este es uno de los problemas de la fotografía actual.

Revelar en blanco y negro

Para lograr una buena fotografía en blanco y negro tenemos que visualizar la imagen desde el momento del disparo. Saber cómo queremos verla cuando la terminemos. Esa es la clave. Muchas veces revelamos para ver lo que sale, no lo que realmente pensamos.

Con el método que he desarrollado y que vamos a ver a lo largo de esta serie, la imagen tendrá siempre contraste por defecto. Los negros serán más profundos y los blancos estarán plenos de detalles. Lo mejor de todo es que las imágenes planas volverán a la vida, separando los blancos de los negros de una forma sumamente sencilla.

La ventaja es que nos podemos olvidar de la fuerza de los colores y centrarnos en las formas, en el mensaje que queremos trasmitir. Los archivos tendrán una gama de grises tan amplia como necesitemos, porque uno de los errores es pensar que nuestras fotografías tienen que ser como mandan los cánones o las modas imperantes.

En una primera fase

Las modas están bien para los que empiezan. Pero hay que escapar de ellas. Ahora se llevan los revelados exagerados, intensos, extremadamente nítidos. Puede ser válido pero te tienes que plantear si realmente es lo que estás buscando.

Primeros ajustes

Esta es la pequeña introducción para abrir esta serie sobre un método de revelado en blanco y negro que solo necesita un buen disparo y conocer cómo funcionan las máscaras de luminosidad de 16 bits. En internet hay muchas acciones de máscaras de luminosidad donde elegir, gratuitas y de pago. Pero en el próximo artículo os vamos a contar cómo hacer vuestra propia acción para aprovecharlas para esta técnica que funciona con la luminosidad de la imagen.

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Problemas fotográficos comunes y cómo solucionarlos con Photoshop: Quitar el ruido digital

En el próximo artículo explicaremos cómo hacer nuestras propias máscaras de luminosidad de 16 bits y cómo empezar con buen pie nuestro propio método de blanco y negro. Ya veréis los resultados que os esperan.

Curso de blanco y negro con máscaras de luminosidad| II, III, IV

Existen varias herramientas y métodos para cambiar el color en Photoshop. En el pasado os hemos mostrado algunas formas de hacerlo utilizando el sistema L.a.b y también con la capa de ajuste de 'Tono/saturación'. En esta ocasión, os traemos un método sencillo de proceso por capas que llega desde el canal de Photoshop Training Channel.

En el vídeo de arriba podéis ver el proceso creado por Jesús Ramirez y una explicación de la teoría de éste método. La base de ésta forma de cambiar el color parte del principio del modelo de color HSL, del cual hemos hablado anteriormente.

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Una maravillosa acción de Photoshop para suavizar la piel en tan solo unos minutos

Para éste método, la clave está en el uso de dos modos de fusión de capa del grupo de componentes: ‘Color’ y ‘Luminancia’. En la capa de color estamos modificando los valores de tono y saturación y en la capa de luminancia (controlada por una capa de ajuste de ‘Niveles’) el brillo de éste color. Esto nos permite utilizar dos capas para crear el cambio de color sin problemas.

Para ejemplificar el proceso vamos a utilizar la imagen de abajo como ejemplo.

El primer paso será crear una capa con un cuadro o círculo del color al cual vamos a llegar. En este caso un magenta algo brillante.

Lo siguiente será crear una nueva capa con muestra del color que vamos a transformar. En este caso cambiaremos el traje del personaje de verde a magenta. Con la herramienta de gotero (i) ajustada a tomar una muestra de 11x11 tomaremos una muestra de un área del traje que no esté en brillos ni sombras. Tomar una muestra de los brillos opacará mucho el color y el hacerlo de las sombras lavará la imagen y el color.

Una vez tengamos nuestras muestras lado a lado.Crearemos una nueva capa, la rellenamos con el color final y aplicamos a esta capa el modo de fusión ‘Color’. Esto aplicará los valores de tono y saturación sobre las capas inferiores. Si queremos que el efecto solo se pueda ver sobre el área de muestreo que estamos cambiando, podemos presionar Alt y hacer click sobre la capa de color para crear una máscara de recorte que solo afecte a la capa de muestreo.

Para el siguiente paso, podemos crear una capa de ajuste de ‘Blanco y Negro’ sobre toda la imagen, de esta manera ver de manera más sencilla el contraste de nivel de brillo de la muestra y el color final.

Crearemos una capa de ajuste de ‘Niveles’. Acá pondremos en contraste el color fuente y el color final. Si el color final es más oscuro que el de muestra, llevaremos la palanca de la derecha hacia la izquierda. En este caso el color final es más luminoso que el de la muestra, por lo cual llevaremos la palanca de la izquierda hacia la derecha, subiendo el valor de las sombras. Una vez ambos valores estén listos tendremos nuestro cambio de color realizado.

El siguiente paso es juntar la capa de color y niveles en un grupo. A este grupo le crearemos una máscara y lo invertiremos. Luego haremos una selección de lo que queremos cambiar de color y pintaremos la selección con blanco.

Para darle más naturalidad a la selección y el cambio de color, vamos a ajustar cómo afecta la luminancia sobre la imagen original. Para ello abrimos el grupo de componentes e iremos a las propiedades de capa (click derecho sobre la capa o doble click sobre un espacio en blanco de la capa). En ‘Mezclar si’, sobre ‘Capa inferior’ modificaremos el rango de acción del ajuste de niveles, hasta un punto en el que sintamos natural la transición de colores de sombras a brillos. Para esto, no hay que olvidar presionar Alt sobre las palancas de ajuste, así las separaremos; permitiéndonos ajustar esta transición de manera fina.

Una vez aplicado el cambio de color podemos ajustar y afinar nuestra máscara de selección. Abajo podéis ver el resultado de este proceso de cambio de color.

Este interesante método puede ser una manera más intuitiva y rápida de realizar un cambio de color si no estamos muy acostumbrados a herramientas y procesos más avanzados. ¿Qué os ha parecido a vosotros?

Hoy iniciamos una serie en la que enseñamos y planteamos distintos métodos de revelado para conseguir llevar nuestras fotografías al punto exacto que queremos. Esa visualización que nos llevó a hacer el disparo. Hoy vamos a repasar el ajuste zonal por capas de ajuste, un método que nos lleva directamente al mundo del cuarto oscuro pero con la fluidez del mundo informático.

Vamos a viajar al pasado. Yo era un fotógrafo convencido por los haluros de plata. Antes de perder el tercer trabajo consecutivo, decidí pasarme a regañadientes a la fotografía digital. No tenía ni idea de cómo arreglármelas con ese programa que se llamaba Photoshop. Durante unos meses fue horrible. Solo quería volver a mi mundo de reservas y quemados.

Todo se solucionó cuando encontré en la red (creo que no existía ni Google) un curso de un tal José María Mellado de la Real Sociedad Fotográfica que explicaba un método que nos permitía hacer el mismo trabajo del laboratorio en el ordenador. Fue de los primeros en España que habló de una técnica que ya se vislumbraba en páginas americanas. El resto es historia y fecundó uno de los mejores libros de la literatura técnica fotográfica de habla hispánica.

El método de las capas de ajuste es la esencia misma de Adobe Photoshop. Es una de sus grandes ventajas que todos los demás programas no han dudado en seguir en cuanto han podido. Lo bueno es que no se necesitan grandes conocimientos del software para poder llevarlo a cabo. Solo hay que saber cuatro cosas y tener un gran conocimiento de la fotografía con mayúsculas.

La fotografía original

El problema es que esta técnica muchas veces se ha aplicado sin pensar o solo siguiendo un estilo determinado, lo que ha dado lugar a fotografías con un aspecto excesivamente pictorialista en muchas ocasiones. Lo importante es saber los límites, saber hasta que punto se puede llegar. Y decidir si nos queremos quedar ahí por un dictamen academicista, o elegimos buscar nuestro estilo personal.

Método de las capas de ajuste

Este método es sumamente sencillo. Nos lleva directamente a los resultados que obteníamos en el laboratorio. Solo que permite tantas opciones como capas de ajuste tiene Adobe Photoshop y por supuesto trabajar también en color. Esto último es algo que estaba reservado al blanco y negro pero que afortunadamente ha permitido trabajar con toda la información.

Si atendemos a la definición de Adobe las capas de ajuste:

Aplican ajustes de color y de tono a la imagen sin cambiar permanentemente los valores de píxeles Los ajustes tonales y de color se almacenan en la capa de ajuste y se aplican a todas las capas situadas por debajo de ella. Puede corregir varias capas con un solo ajuste en lugar de ajustar cada una de las capas por separado. Se puede descartar los cambios y restaurar la imagen original en cualquier momento.

Las grandes ventajas de las capas de ajuste están ahí resumidas: la edición no destructiva y la selección por zonas. Y es aquí donde entra este método de lleno. Solo necesitamos hacer una buena selección, en absoluto precisa y listo. Así que vamos a detallar todos los pasos:

• Analizamos la fotografía y decidimos las zonas que vamos a revelar por separado. Al principio puede que veamos más zonas de las realmente necesarias, pero es perfecto para practicar. Con el tiempo iremos resumiendo nuestra mirada.
• Podemos usar todas y cada uno de las capas de ajuste disponibles. Si queremos hacer el trabajo básico de luces y sombras nos bastará con Niveles y Curvas. Con el tiempo aprenderemos a ver las oportunidades que nos ofrecen las demás.
• Existen mil herramientas para seleccionar. Pero la gracia de este método es precisamente su aire artesano. No necesitamos la precisión de una herramienta como Selección rápida (W) ni mucho menos las máscaras de luminosidad. La mejor para esta ocasión es la herramienta Lazo (L). Para que todo salga natural es importante que todos los píxeles seleccionados tengan la misma luminosidad y que nos equivoquemos siempre hacia dentro a la hora de seleccionar cualquier objeto.

Equivocándome por dentro

• Llega el momento de hacer la capa de ajuste. Con la selección activa vamos al menú Capa>Nueva capa de ajuste o directamente a la ventana Ajustes para elegir la que necesitemos. En la ventana Propiedades se abrirá el histograma de Niveles, las curvas o cualquier otro deslizador que tendremos que ajustar para dar forma a nuestra visualización. Esta capa de ajuste tiene asociada una máscara de capa en blanco y negro. En blanco lo que hemos seleccionado y en negro lo que no queremos que se vea.
• Y llega el momento en el que tenemos que disimular la selección a mano alzada que hemos hecho. Y quizás es lo que más quebraderos de cabeza da. Personalmente siempre apuesto por lo más tradicional, que es el Filtro>Desenfocar>Desenfoque gaussiano. Permite ver en directo cómo va quedando el efecto y lo más importante, permite modificar cualquier imperfección después de elegir un radio u otro.
• Así que vamos pintando sobre la máscara de capa con la herramienta Pincel (B) en blanco o negro en función de si queremos descubrir o tapar. El secreto es jugar con la Opacidad de la herramienta para ir añadiendo o eliminando lo que necesitemos de varias pasadas. Así conseguimos el efecto buscado.
• El final no es otro que ir a Capa>Acoplar imagen cuando hayamos terminado de ajustar todas las zonas a nuestro gusto. Ya solo queda guardar esta copia para enviarla donde queramos.

El resultado final

Espero que os guste este método y le deis una oportunidad en vuestros próximos revelados. Yo, después de dar mil vueltas, siempre vuelvo a él por la tremenda sencillez. Ya nos contaréis.

https://www.xatakafoto.com/tutoriales/como-diferenciar-capas-capas-ajuste-mascaras-capa-adobe-photoshop

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Cómo diferenciar las capas, capas de ajuste y máscaras de capa en Adobe Photoshop

El proceso de enfocado de nuestra imagen debería ser el último paso en nuestro flujo de trabajo. Una vez editada la fotografía, bien desde el archivo Raw, bien desde el jpg o tiff, la duda que nos puede quedar es si la imagen está bien enfocada para imprimirla o revelarla o será mejor darle un poco de enfoque. Pues bien hoy os presentamos cuatro métodos de enfoque basados en Adobe Photoshop (creo que a partir de la versión CS6 deberían funcionar bien) para que podáis darle ese plus de nitidez a vuestras fotografías antes de plasmarlas en un papel o guardarlas.

Los cuatro métodos que os proponemos son: máscara de enfoque a través de filtro inteligente, paso alto, hallar bordes y la técnica de Jeff Schewe. Para ello, he editado una imagen, he acoplado todas las capas que hubiese podido tener y he hecho un recorte al 100%. Hay que recordar que estas técnicas se aprecian mejor al aumentar la imagen al 100%. A partir de ahí, vamos a comentar cada opción.

Máscara de enfoque a través de filtro inteligente

Una de los aspectos positivos de este método es que es editable, es decir, que una vez realizado y si no nos gusta el resultado, se pueden cambiar los valores de partida. Estos serían los pasos:

1. Seleccionar Filtro->Convertir para filtros inteligentes. Con esto conseguimos lo que os había comentado, poder editar más tarde los valores de la máscara de enfoque que se utilicen.

2. Abrir la máscara de enfoque en Filtro->Enfocar->Máscara de enfoque. Como opciones de partida vamos a indicar cantidad: 50/150, radio: 0,4/1 y umbral: 1/4.

   

3. En la zona de capas, justo debajo de la capa, hay un indicador (se ve en la imagen siguiente) "editar las opciones de fusión del filtro". Hacemos doble click para ver las opciones de fusión.

   

4. Para evitar que salgan los molestos halos que se suelen producir cuando se emplean métodos de enfoque, recurrimos a la fusión en el modo luminosidad.

   

5. Para poder editar los valores de la máscara de enfoque sólo hay que ir a la ventana de capas y hacer doble click en "Máscara de enfoque":

   

6. Si se quiere guardar la imagen y que ésta continúe teniendo la opción de poder cambiar los valores del filtro, no hay que acoplar la imagen y se debe guardar como Tiff o Psd.

Y este sería el resultado final:

Enfoque por paso alto

Con esta segunda opción se utiliza el filtro paso alto, de la siguiente forma:

1. Primero, duplicamos la capa, un atajo de teclado útil para ello es Ctrl+J

2. Yendo a Filtro->Otro->Paso Alto se aplica el filtro paso alto. Escogemos un radio orientativo de 1,2. Si se aumenta este valor pueden aparecer halos.

   

3. El tercer paso es desaturar la capa, se puede hacer en Imagen->Ajustes->Desaturar.

4. A continuación se escogen niveles automáticos, a través de Imagen->Ajustes->Niveles y la opción "Automático".

   

5. Se aplica el filtro reducir ruido, en Filtro->Ruido->Reducir Ruido y se escogen estos valores: Intensidad = 9/10, Conservar detalles = 0, Reducir ruido de color = 100 y Enfocar detalles = 0.

   

6. Una vez realizado lo anterior, se cambia el modo de fusión de la capa superior a "Superponer".

   

7. Si la imagen lo requiere por tener halos, se pueden minimizar éstos seleccionando sólo las luces a través del canal RGB de la pestaña canales. Con Ctrl+Click en el canal RGB quedan seleccionadas las luces.

   

8. Lo que vamos a hacer es crear una máscara sobre la capa en el resultado del punto anterior, para ello seleccionamos "Añadir máscara de capa" e invertimos la selección con Ctrl+I.

   
   

Con lo que se obtendría esta imagen enfocada:

Hallar bordes

En esta técnica, del gran fotógrafo Jose Mª Mellado, lo que se busca es sólo aplicar el enfoque en los contornos o bordes que tenga la imagen, dejando ésta más limpia y libre de ruido en las zonas más uniformes. Estos serían los pasos:

1. Duplicamos la imagen, yendo a Imagen->Duplicar.

2. Desaturamos la imagen en Imagen->Ajustes->Desaturar.

   

3. Se aumenta el contraste para que los bordes queden más definidos. Se puede hacer a través de la herramienta Niveles, en Imagen->Ajustes->Niveles. Basta con desplazar hacia el centro los deslizadores.

   

4. Aplicamos el filtro que da nombre al método, Hallar Bordes, está en Filtro->Estilizar->Hallar Bordes.

   

5. En el siguiente paso se invierte la imagen con Ctrl+I y se desenfoca usando el desenfoque gaussiano en Filtro->Desenfocar->Desenfoque gaussiano, con un radio de 8-10 píxeles.

   

6. A continuación se van a definir las zonas que en las que se dará el enfoque, las más claras y en las que no, que quedarán oscuras. Para ello volvemos a escoger la herramienta niveles y desplazamos el deslizador de la derecha hasta el centro.

   

7. La imagen anterior será utilizada para crear una máscara de capa y aplicar el efecto sólo en la zona que lo necesita, la zona clara que hemos comentado antes. Por lo que seleccionamos esta última imagen con Ctrl+A y la copiamos con Ctrl+C.

8. Volvemos a la imagen inicial, duplicamos la capa con Ctrl+J.

9. Aplicamos la máscara de enfoque, Filtro->Enfocar->Máscara de enfoque, dejando los valores de Radio y Umbral, respectivamente, en 1 y 0. La cantidad de enfoque dependerá de la nitidez que se busque.

   

10. Se crea una máscara de capa. Una vez seleccionada se entra en ella con la combinación de teclas Alt+Click y aparecerá la imagen en blanco.

    
    

11. Con la imagen del paso 7 aún en el portapapeles la pegamos con Ctrl+V en la máscara de capa, quedando así finalizado el proceso.

    

Consiguiendo este aumento de nitidez en la imagen final:

Método Jeff Schewe

Esta última técnica es de uno de los gurús en cuanto a la edición digital se refiere, Jeff Schewe, y es, para mi, la más potente, consiguiendo unos fantásticos resultados. Está basada en su libro "Revelado Digital" y es una candidata muy clara a ser guardada como acción para poder aplicarla cuantas veces se desee sin repetir todos los pasos, ya que este método tiene unos cuantos y bastante repetitivos.

1. Empezamos duplicando la capa, con Ctrl+J.

2. El método siempre va a ser el mismo, aplicamos máscara de enfoque, Filtro->Enfocar->Máscara de enfoque, empezando por los siguientes valores: cantidad 500, radio 0,3 y umbral 0.

   

   La continuación del paso, sin haber ido a ningún otro sitio porque la opción desaparecería, es navegar hasta Edición->Transición Máscara de enfoque:

   

   Y escoger 20% y modo de Luminosidad.

   

3. A continuación se repiten los pasos, sólo cambiando los valores de la máscara de enfoque. Así, escogemos 300 como cantidad y 0,6 de radio, dejando el umbral a 0 como antes. Y se vuelve a elegir la Transición Máscara de enfoque con opacidad al 20% y modo de Luminosidad.

   

4. Nueva máscara de enfoque, esta vez con cantidad 200, 1 de radio y umbral 0. A continuación, Edición->Transición Máscara de enfoque y opacidad al 20% y modo de Luminosidad.

   

5. Otra máscara de enfoque: 100 de cantidad y 5 de radio. Y se prosigue con la Transición Máscara de enfoque al 20% y en Luminosidad.

   

6. Penúltima máscara de enfoque, esta vez 50 de cantidad y 10 de radio (el umbral se sigue manteniendo a 0) y repetimos datos en cuanto a la Transición Máscara de enfoque.

   

7. Por fin, última máscara de enfoque, con valores de 25 en cantidad y radio y el umbral a 0. Y, como en los pasos anteriores, nos vamos a Edición->Transición Máscara de enfoque y escogemos la opacidad al 20% y el modo de Luminosidad.

   

8. Tras estos pasos, lo siguiente es ver cómo está nuestra imagen. Seguramente la veremos muy, muy marcada, quizás demasiado. Para suavizar un poco este enfoque hacemos doble click en la capa y se nos abren las opciones de fusión de la capa. En la opción "Fusionar si es", pulsando la tecla Alt, deslizamos los marcadores internos alrededor de +50 en el izquierdo y -50 en el derecho, más o menos. Esta es una referencia, dependiendo de la imagen que se quiera enfocar habrá que moverlos más o menos. La ventaja es que se ve al momento el efecto producido.

   

9. Uno de los problemas de este método es que se aplica a toda la imagen, incluso a las zonas más lisas y sin detalle como fondos, cielo, etc, lugares en los que, con esta técnica, el ruido se podrá presentar con más probabilidad. Para ello podemos seleccionar aquella parte de la imagen en la que no se quiera aplicar el filtro, a través de la herramienta "Selección rápida".

   

10. Con cuidado, acabamos nuestra selección, tal que así:

    

11. El siguiente paso es crear una Máscara de capa:

    

12. Y, si hemos seleccionado lo que no queremos enfocar, habrá que invertir la máscara, con Ctrl+I.

    

La calidad de la nitidez final salta a la vista:

En esta imagen se pueden comparar las 4 técnicas:

Como ya os he comentado, prefiero este último método, el de Jeff Schewe, por ser el que más nitidez es capaz de obtener. ¿Y vosotros con cuál os quedáis? Como siempre, esperamos vuestros comentarios.

Imágenes | Siro Moya

Hay algo que la verdad es que siempre me ha extrañado un poco desde que soy aficionado a esto de la fotografía (concretamente la digital).

Como podréis ver, es algo personal, que algunos y algunas de vosotros compartiréis y otros no, de manera que si alguien quiere expresarse abiertamente en contra en los comentarios, que no dude en hacerlo, por favor.

Siempre me he preguntado porqué hoy en día, en la era digital, en la era de internet, con la facilidad que nos da la tecnología para compartir (dar y recibir), con el auge de modelos de negocio que van más allá de vender un producto y necesitar guardar la fórmula secreta porqué si no caería en la ruina (¿alguién ha dicho software libre?), todavía hay gente que guarda celosamente en secreto sus métodos de trabajo con la fotografía digital.

Este fenómeno tiene mucho de relación con el procesado en los ordenadores de las fotografías tomadas con las cámaras digitales. Existe un ámplio abanico de posibilidades que nos ofrecen los programas de edición, con infinitas combinaciones de ajustes que hacen que virtualmente no existan límites a la hora de darle un aspecto nuevo a una fotografía.

Pues bien, ya sea por suerte o por un buen saber hacer, mucha gente procesa las fotografías obteniendo resultados muy destacables. Es entonces cuando, como si de la mismísima cocacola se tratara, que guardan en secreto el proceso que les ha llevado allí.

Esto es algo que no entiendo por varios motivos. El primero de ellos es que supongo que la motivación que lleva a no compartir el método normalmente será ser capaz de explotar el modus operandi en beneficio propio y con exclusividad. Especialmente destacado en algunos fotógrafos que adquieren cierto nivel de reconocimiento, pongamos por ejemplo, en flickr. Pues señoras y señores, lamento tener que decirles que, si han llegado a tener cierto reconocimiento a través de internet seguramente será por algo más que lo que hagan con el photoshop y que probablemente será por la misma fotografía. Si alguien utiliza sus secretos pueden pasar dos cosas: o que no obtengan fotos tan espectaculares como las suyas (porqué no saben tomar fotos tan buenas) o que sean mejores (porqué saben tomar fotos increíbles y mejores que las suyas y el procesado las ha ensalzado).

Llegados a este punto alguien pensará en que todo esto es muy bonito para los fotógrafos aficionados pero no para los que se dedican profesionalmente a ello... Pues yo les digo que se equivocan por completo. Podemos volver al punto anterior y resaltar que lo que realmente marca la diferencia es la foto, no el procesado, que este último es muy importante, pero que sin el cimiento de la buena foto no va a ningún lado. Si yo quiero unas fotografías al estilo Marta Potoczek, ¿a quien intentaré contratar? ¿A alguien que ha comprado su set de acciones para photoshop? ¿O a ella misma? Nótese la ironía de utilizar a esta excelente fotógrafa como ejemplo de lo que postulo.

Además pienso que compartir el método puede tener unos beneficios enormes: notoriedad, renombre, posibilidad de enseñar profesionalmente a utilizarlo... Vamos, los mismos beneficios que se persiguen al pasarse al lado oscuro de los secretos.

¡Pero esperad! Todavía tengo otra prueba mejor para sustentar mi opinión. Tiene nombre y apellidos: José María Mellado. Autor de quizás el libro más importante de edición de fotografía digital en castellano, Fotografía Digital de Alta Calidad, cuyo método compartido es ámpliamente utilizado por muchos aficionados (y supongo que profesionales). Pues resulta que este señor se ha ganado la vida justamente compartiendo sus conocimientos. Sí no lo hubiera hecho, quizás muy poca gente conocería su obra. El hecho de compartir su howto ha sido su mejor publicidad. Y la gran mayoría de personas que lo utilizan obtienen fotos que están almenos un paso por detrás de las de Mellado. No te pierdas la entrevista que publicó Mauro de Fotomaf.com hace unos días con el señor Mellado, donde se le pregunta por este tipo de cuestiones. No tiene desperdicio.

Hace unos meses, me puse en contacto con una emergente estrella flickera. El procesado de sus fotografías era espectacular, pero en realidad no hacía más que darle un plus a unas fotos que en sí mismas ya eran buenas. Le sugerí hacer algún tipo de post especial en el que pudiéramos hablar sobre su flujo de trabajo, para comprobar como trabajaba alguien tan creativo y compartirlo con vosotros y vosotras. Pero en ningún momento le di a entender que quería un tutorial sobre su método de trabajo. Mi sorpresa fue mayúscula cuando me contestó que no le interesaba explicar como conseguía sus fotos pero sí que le interesaba aparecer en XatakaFoto (supongo que para promocionar su obra). Resultado: ¿vosotros habéis leído el post que salió de todo ésto? ¿No? Pues yo tampoco, porqué nunca se escribió.

No me gustaría acabar esta entrada sin señalar que a pesar de mostrarme crítico con la opción del secretismo, es como mínimo tan respetable como la de compartir nuestro método de trabajo, con lo que quiero dejar claro que es una opinión puramente personal y además, no tiene porqué ser representativa de la del resto de compañeros de este mismo blog.

Fotografía | 'why yes I love him, but keep it secret!' de TheAlieness GiselaGiardino²³