A todos nos ha pasado alguna vez que tengamos una imagen que nos gustaría que tuviera una perspectiva más amplia, manteniendo el sujeto principal pero "ampliando sus horizontes". Pues bien, gracias a Adobe Photoshop es posible “estirar” de una manera muy sencilla el fondo de la foto, convirtiéndola de vertical a horizontal o de horizontal a panorámica, sin distorsionar el sujeto principal. Veamos cómo hacerlo.

Ya sea porque en el momento de hacerla no se nos ocurrió girar la cámara y hacer otra toma, porque no teníamos la óptica adecuada o no podíamos acercarnos o alejarnos, o simplemente porque al ver la imagen en pantalla se nos ocurren nuevas posibilidades, es posible que queramos modificarla y ampliar el fondo a nuestro antojo. Y esto es algo que se puede hacer de forma bastante sencilla, cumpliendo eso sí una serie de condiciones.

Y es que, como podemos imaginar, no es una técnica que funcione con cualquier foto. Lo ideal es que el sujeto principal esté situado bien centrado y que su figura se acerque lo menos posible a los bordes derecho e izquierdo de la imagen. Además, es importante que el fondo sea lo más homogéneo posible y tenga poco detalle, para lograr buenos resultados, porque si no es así no funcionará. En cualquier caso vamos a ver cómo hacerlo con una serie de ejemplos.

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Ejemplo 1: de vertical a horizontal

Es el proceso más complicado porque normalmente algunas partes de la figura protagonista (como manos y brazos), estarán relativamente cerca de los bordes derecho e izquierdo de la imagen, lo que hará que la técnica resulte difícil de aplicar. Sin embargo, si el fondo es muy homogéneo como en el caso de la foto de esta modelo, los resultados pueden ser buenos siguiendo los pasos que damos a continuación.

La imagen de partida en formato vertical.

Estos son realmente sencillos y aptos para todos los públicos, aunque no se tenga mucha experiencia con Adobe Photoshop, así que cualquiera puede llevarlo a cabo. En primer lugar, una vez abierta la foto en la herramienta, nos alejaremos de la fotografía ampliando el área de trabajo (lo cual se puede hacer de varias formas, principalmente recurriendo al menú Vista/ Reducir) teniendo la herramienta Recortar seleccionada.

Aumentando el tamaño del lienzo

A continuación usaremos esta opción para hacer más grande el lienzo de la imagen, moviendo la ventana a derecha e izquierda para que quede más o menos centrado y hasta el tamaño que queramos (aunque esto se puede cambiar posteriormente).

Tras pulsar Intro para aplicar los cambios, iremos al menú Editar para elegir, del menú desplegable, la opción Escala según el contenido (Content-Aware Scale en la versión inglesa del programa). Una vez hecho veremos que tenemos la opción de agrandar la imagen a nuestro gusto, "tirando" de sus lados. Lo haremos del de la derecha y del de la izquierda, a gusto del consumidor, fijándonos en cómo va quedando el efecto.

Aplicando la herramienta "Escala según el contenido"

Si hemos elegido bien la foto, podremos estirarla hacia los lados hasta un cierto punto sin que se deforme el elemento central, pero llegará un momento en el que empezará a hacerlo. Es en ese instante cuando debemos parar y pulsar Enter para aplicar los cambios realizados. Seguramente aún no habremos llegado a las dimensiones que queríamos, así que el truco está en repetir la operación de nuevo, las veces que sea necesario hasta que el resultado sea el esperado.

El resultado final ya con el fondo "estirado"

Como decíamos, funciona de forma muy diferente según sea la imagen de la que se parte. Si por ejemplo lo intentamos con esta otra foto de abajo, cuyos márgenes incumplen totalmente las condiciones que hemos apuntado, veremos que el resultado es inaceptable y tendremos que desechar el uso de esta técnica. Eso sí, teniendo en cuenta lo fácil que es realizarlo, siempre podemos ir probando con distintas fotos que queramos retocar para ver si se puede usar o no.

Un ejemplo de fotografía donde esta técnica no sirve.

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Ejemplo 2: de horizontal a panorámica

Otra opción interesante es convertir una foto de formato horizontal a panorámico, algo que haremos exactamente de la misma forma: alejando la vista del escritorio de Photoshop, agrandando el lienzo hasta las dimensiones que queramos que tenga la foto final y usando Escala según el contenido las veces que consideremos necesario. El resultado puede ser una imagen como la que os ponemos de ejemplo.

La foto de partida

En este tipo de imágenes también es importante que el fondo sea lo más uniforme posible y con detalle más bien escaso, pero como es probable que haya más espacio entre los bordes de la foto y el sujeto principal puede ser más fácil de conseguir que en el caso anterior. Tanto que se puede tener la impresión de que es fácil estirar el fondo de forma indefinida y, sin embargo, obteniendo un resultado casi perfecto.

Y aquí el resultado final.

La fotografía es una afición maravillosa. Y muchos tenemos una profesión estupenda. Es una forma de expresarse y de contar cómo vemos el mundo. Nunca es una verdad absoluta, por supuesto. Pero al menos tendríamos que poder decir que lo que captamos en la fotografía pasó. Sobre todo si nos dedicamos a la fotografía periodística.

La fotografía es la única manifestación artística que te obliga a estar presente en el sitio que inmortalizas. Al menos era así antes de la época digital, en la que los montajes no eran tan relativamente sencillos...

El tema es que la mentira en la fotografía, el montaje, está presente desde tiempo inmemorial. Pero es ahora, cuando todos tenemos una cámara, cuando es más fácil encontrar el fraude en este mundo. Y ya lleva tiempo sonando la alarma sobre la deriva en la que se está convirtiendo nuestra afición.

La supuesta realidad en el mundo de la fotografía

Cuando vemos una fotografía en un periódico confiamos en que nos cuente la verdad, lo que está pasando en el lugar de la noticia. O que el espectáculo natural que estamos viendo es real... Pero en algunos casos no es cierto. Y cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia.

Después de muchos años dando clases, viendo fotos y sobre todo hablando con fotógrafos que han tenido la suerte de viajar a los lugares más recónditos del mundo, me doy cuenta de que muchas de las imágenes que pueblan las redes son escenificadas. No hay ningún problema salvo que se avise. O a lo mejor no hace falta. Eso es lo que me gustaría saber. ¿Tienes que contar con pelos y señales cómo has hecho tu trabajo o no hace falta?

¿Esto hay que explicarlo si trabajas para la agencia Magnum?

Cada vez es más popular hacer viajes fotográficos en los que te llevan a los sitios más famosos del lugar en el mejor momento, a la hora perfecta. Y te enseñan cómo hacer la fotografía en cuestión que vemos colgada en todos los sitios. ¿O creéis de verdad que el pescador de cormoranes de barba blanca siempre está ahí con su farolillo esperando a que los peces lleguen? ¿A lo mejor está ahí para que los turistas le hagan unas fotos?

El pescador de cormoranes

¿De verdad creéis que los niños monjes están saltando siempre por los templos o que tienen la sana costumbre de pasear siempre con un elegante paraguas por las calles? ¿No es más probable que alguien les dé unas cuántas monedas para pasearse de semejante forma?

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Luminar 4 llega con todo el poder de la inteligencia artificial y estas son nuestras primeras impresiones

En los carísimos viajes de una prestigiosa revista te llevan, junto con decenas de fotógrafos más, a los lugares más fotogénicos y recónditos del mundo. En principio vas de la mano de uno de sus importantes fotógrafos... La realidad es que te llevan a la hora indicada a los monumentos o paisajes y luego, si tienes suerte, te puede ver una foto dicho fotógrafo. La mayoría de las veces lo hacen sus ayudantes que solo te programan la cámara para que la técnica sea perfecta...

Parece que nadie tiene ya tiempo para experimentar. Solo lo tenemos para ganar dinero para comprar las mejores cámaras. Aprender es algo del pasado. Muchos aficionados no quieren saber quiénes son los fotógrafos del New Deal, quieren hacer la foto que han visto en las redes en el fin de semana que tienen libre.

Es otra forma, perfectamente válida, de entender la fotografía. Aquí lo importante es la técnica, conocer la receta para lograr algo que les gusta. Y aunque es una filosofía que no comparto, es buena si sirve para disfrutar. Sobre todo porque es pura afición.

El problema de la mentira en la fotografía

Pero todo esto se complica cuando vemos que los autores de las fotografías son profesionales. Y más todavía cuando entregan sus trabajos como periodísticos. Ahí está el matiz y el gran problema de la fotografía actual.

Cada uno puede hacer lo que quiera con su cámara y su ordenador. Pero si cobras por tu trabajo, si tu función es documentar la realidad tienes que partir de la honestidad. Un periodista escribe como ve la realidad, va al lugar del conflicto, encuentra fuentes y teclea las crónicas en cualquier habitación de hotel.

El fotoperiodista hace lo mismo. Pero habla con su cámara. Y sus lectores conocen lo que está pasando al lado de su casa o a mil kilómetros de distancia. Pero si escenifica la escena, igual que puede hacer un fotógrafo que no vive de sus disparos porque no se lo debe a nadie, está mintiendo.

Cómo me gustaría saber la historia real

Esto lo que pasa con un prestigioso fotógrafo que todos conocemos. Al parecer, después de descubrirse que en sus fotografías se borran objetos con la ayuda de sus becarios photoshoperos, dice que él nunca ha hecho fotoperiodismo sino fotografía de autor. Solo a partir de este momento cambió su forma de explicar a los demás este mundo.

Personalmente ha sido duro enterarse de que muchas de sus fotografías de la India, donde los hombres visten elegantes frente a un muro azul o en las que pulcros maquinistas llevan un tren de vapor delante del Taj Mahal, realmente podrían ser escenas preparadas, montadas y escenificadas, para ilustrar un libro turístico para promocionar la zona...

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Cuatro películas en las que podemos disfrutar de la fotografía

El mundo no es perfecto pero los fotógrafos lo intentamos ver así. Al igual que cualquiera que quiera contar cómo ve las cosas que le rodean. Y se puede hacer de muchas formas. Pero enseñando todas nuestras armas. Y siendo sincero al mostrarlas.

Yo creo que todos nos sentiríamos decepcionados si viéramos a Jimmy Page tocando en play back... Pues así es como me siento yo ahora cuando veo las fotografías de Steve McCurry. Creía que era genial, ahora no lo sé.

El mundo de Photoshop es muy amplio y los procesos cada vez son más eficientes. Esto hace que ciertas herramientas del software parezca que desaparecen. Sin embargo, nos pueden ser útiles a la hora de practicar el retoque fotográfico o bien para realizar correcciones rápidas. El día de hoy veremos el grupo de herramientas de exposición y saturación de Photoshop.

Quema y aclara

Uno de los procesos más comunes en Photoshop es el popular ‘Dodge and Burn’, cuyo nombre viene de las herramientas (en inglés) anteriormente utilizadas para éste. Actualmente hay muchos métodos de realizarlo, como con la herramienta de ajuste de ‘Curvas’ o utilizando un proceso de separación de frecuencia.

A comienzos del retoque digital, estos procesos eran realizados con las herramientas del grupo de exposición y saturación del software: ‘Sobreexponer’, ‘Subexponer’ y ‘Esponja’. Actualmente son principalmente utilizados para ilustración digital, pero aún sirven en retoque fotográfico para realizar ajustes rápidos.

Basados en el sistema de Tono/Saturación/Valor (HSL), estas herramientas se enfocan en modificar el valor del color o su saturación. Abajo podéis ver un diagrama mostrando cómo afecta la herramienta el color partiendo desde un gris y un color al 50%.

Sin embargo, el principal problema que tienen estas herramientas es que son de tipo destructivo: los ajustes se aplican sobre la información de la capa, por lo que los cambios realizados alteran la información original de la imagen.

Al seleccionar ‘Subexponer’ o ‘Sobreexponer’ podremos ver en la parte superior del software una barra de ajuste de propiedades de herramienta. De izquierda a derecha veremos las siguientes opciones:

• Rango: Este desplegable muestra que podemos modificar los tonos que estén dentro de distintos rangos de valor de tono: sombras, tonos medios o brillos. Estos modifican valores hasta 25% en sombras, entre 26% y 75% tonos medios y sobre 76% brillos.

• Exposición: Indica la proporción en la que va a sobreexponer o subexponer el tono. Entre más pasadas se den sobre la capa, más notorio será el efecto. Entre más alto sea el porcentaje, más fuerte será el cambio de valor del tono.

• Preservar Tono: Esta casilla nos permite activar o desactivar una protección del tono original. Sin embargo, al ser una herramienta destructiva, siempre se generarán artefactos al aplicar estas herramientas sobre la imagen.

Al seleccionar la herramienta de ‘Esponja’ veremos las siguientes propiedades:

• Modo: En esta opción podemos decirle al software si queremos saturar o desaturar con la herramienta.

• Flujo: Este valor de porcentaje funciona como el flujo de brocha, cada pasada aplica un aumento o disminución de saturación sobre la imagen; cada pasada afecta el valor de saturación relativamente al tono modificado.

• Vibrancia: Esta casilla nos permite cambiar que la herramienta sature por vibrancia o por saturación absoluta.

En el laboratorio

Para ver un ejemplo de cómo trabajar estas herramientas vamos a tomar la imagen de abajo como ejemplo:

El trabajo que realizaremos sobre ella será el generar más volumen en la forma de nuestro sujeto reforzando el contraste. Opacaremos el fondo un poco y lo desaturaremos para resaltar más su figura. Y subiremos la saturación de algunos elementos para darle una sensación distinta. Es recomendable que con cada paso al utilizar una herramienta destructiva hagamos una copia de la imagen total para asegurar que tenemos un respaldo de la información antes de ser modificada.

Lo primero que haremos es utilizar la herramienta de ‘Subexponer’ para opacar el fondo y darle profundidad a las sombras que generan volumen sobre la figura. La dejaremos en una exposición de 20%, para tener más control sobre cómo afectamos la zona retocada.

Si notamos que nos hemos pasado mucho o que hay áreas que no nos satisfacen, podemos utilizar máscaras o la herramienta de opacidad para controlar el efecto aplicado.

Crearemos una nueva copia de la capa después de la modificación y ahora trabajaremos los brillos generales de la imagen con la herramienta ‘Sobreexponer’. Al igual que en el paso anterior, no subiremos la herramienta sobre el 20% para controlar el proceso. Podemos aprovechar y emparejar ciertos tonos sobre la piel para hacer que la iluminación se sienta más suave sobre ella. También podemos iluminar un poco sus ojos con esta herramienta.

Finalmente utilizaremos la herramienta de ‘Esponja’ para desaturar el fondo y resaltar más los pétalos y el color de pelo. Con esta herramienta no me gusta subir el flujo a más del 10%, pues siento que tiene cambios muy drásticos.

Como podéis notar, otra desventaja de estas herramientas es que, al no aplicarse uniformemente, hay áreas donde se notan disparejos los tonos. Muchas veces que se utilizan estas herramientas destructivas, una cura rápida puede ser el aplicar una LUT con la herramienta de ajuste de ‘Consulta de Colores’. Abajo podéis ver el resultado final de la transformación.

Si bien estas herramientas ya no son tan utilizadas en fotografía, siempre se puede sacar provecho a practicar con ellas en ajustes rápidos y control de exposición.

Bienvenidos a una nueva guía sobre las herramientas de Photoshop. En esta ocasión veremos una de las herramientas más utilizadas en el retoque profesional, la fotocomposición y uno que otro meme de internet: el filtro Licuar.

A mover píxeles

Para acceder a la herramienta debemos seleccionar una capa con información, tras este paso podemos utilizar el comando de teclado Ctrl+Shift+X. También es posible acceder a esta capa en el menú superior yendo a Filtros > Licuar. Tras abrir la herramienta veremos que una ventana nueva abre con la interfaz de abajo:

Al lado izquierdo encontraremos una barra de herramientas. Al lado derecho encontraremos las opciones generales del filtro. Arranquemos con éste lado:

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Qué son y cómo sacar provecho de las herramientas de corrección en Photoshop

• Opciones de brocha: en estas propiedades podemos controlar el tamaño, la presión de brocha (cómo afecta cada pasada de la pincelada), la densidad de brocha (Si es uniforme o si el efecto se suaviza hacia los bordes de la brocha) y velocidad del pincel (en herramientas como molinete define qué tan rápido gira).

• Opciones de malla: Las mallas son una gran herramienta para el retoque. Para verla debemos activarla en el menú de opciones de vista. Estas nos muestran en una cuadrícula cómo hemos distorsionado la imagen. Podemos guardar estas mallas o cargar una sobre la capa. Guardar las cuadrículas nos ayuda a poder aplicar el filtro de licuado en caso de deber corregir algo en retrospectiva o en fotocomposiciones para aplicar el efecto de licuado en un sujeto si se ha realizado sobre otro elemento previo.

• Opciones de máscara: Nos permite crear máscaras de congelado a partir de las máscaras de capa, selecciones o ajustes de congelado que tengamos en el canvas. Lo puede hacer reemplazando el área de selección, agregando o restándola, intersectando áreas o invirtiendo el congelado actual.

• Opciones de vista: Este menú está dividido en tres secciones. En la primera podemos controlar el ver las guías del canvas original, el ver la imagen que estamos licuando o no (cuando queremos analizar nuestra malla) o ver la capa detrás de ésta, activar o desactivar la malla de licuado y ver las guías de la herramienta de identificar rostro. En la segunda podemos controlar cómo queremos ver nuestras máscaras de congelado. Finalmente, en la tercera podemos contrastar con una capa superpuesta, esto nos permite comparar la imagen según una capa específica o sobre la imagen pre-licuado.

• Opciones de reconstrucción: Esta es una de las herramientas más útiles al utilizar el filtro de licuado. A la derecha se encuentra un botón de ‘Restaurar todo’, que lleva la imagen a su estado original. A la izquierda está el botón de reconstruir; es una forma muy útil de ver si nos hemos pasado con el licuado. Al activar aparecerá un cuadro con un controlador de barra, y nos permitirá volver gradualmente al estado original de la imagen, lo que nos permite recuperar naturalidad en el trabajo que realizamos en caso de haber sobrelicuado los sujetos.

Ahora, hablemos de las herramientas disponibles para el licuado. Para ello he activado la malla del filtro.

• Deformar: Esta herramienta arrastra los píxeles dentro de la malla en la misma dirección que movemos el cursor. Tiene un impacto más fuerte en el epicentro, pero pierde fuerza a medida que nos alejamos del punto central.

• Reconstruir: Restaura los ajustes de licuado realizados, llevando la imagen a su estado original.

• Afinar: Suaviza los ajustes de licuado. Eventualmente llega a un punto de restauración si hacemos varias pasadas.

• Molinete a la derecha: Gira la malla en dirección de las manillas del reloj. Al igual que en todas las herramientas, el epicentro es donde el efecto se aplica más fuerte. Si presionamos la tecla Alt mientras aplicamos el molinete, éste girará hacia la izquierda.

• Desinflar: Disminuye el tamaño del epicentro, doblando la malla hacia dentro. Arrastra los píxeles aledaños hacia el centro.

• Inflar: Aumenta el tamaño del epicentro, doblando la malla hacia afuera. Estira la información de los píxeles interpolados, lo que genera pérdida de nitidez en texturas y bordes.

• Empujar a la izquierda: Al moverse a la izquierda, lleva los píxeles del epicentro hacia la parte superior de la brocha. Al moverse a la derecha, lo hace del epicentro a la parte inferior. Al moverse hacia arriba, lo hace del epicentro a la izquierda. Al moverse hacia abajo, del epicentro a la derecha.

• Congelar máscara: Las áreas seleccionadas no serán afectadas por ninguna herramienta de licuado.

• Descongelar máscara: Un borrador de máscara de congelado.

• Cara: Nos permite ajustar los detalles de los rostros detectados con puntos de anclaje.

Arriba podemos ver la las opciones de licuar con detección de rostro. En ellas podemos controlar tamaño, altura y posición de ojos, nariz y boca. También podemos hacer ajustes básicos a la construcción del rostro. En principio, este sistema nos permite hacer un retoque facial sin pasarnos; aunque también nos permite jugar a extremos (como en la imagen de portada).

Si notamos que no podemos utilizar esta función, debe ser porque está desactivado el uso de procesador gráfico. Para activarlo, en el menú superior podemos ir a Editar > Preferencias > Rendimiento. En el cuadro que se abre, en la parte superior derecha debemos activar el cuadro de "Usar procesador gráfico" y reiniciar Photoshop.

En el laboratorio

Para mostrar un ejemplo de cómo podemos utilizar el filtro de licuado usaremos la imagen de abajo como ejemplo:

En un trabajo comercial común, algunas de las correcciones que se harían son: adelgazar el brazo, ajustar el rostro, darle un poco de volumen al cabello y suavizar las arrugas que se forman en el vestido hacia la espalda por la pose de la modelo.

Para adelgazar el brazo y ajustar las arrugas la herramienta que utilizaremos será principalmente la brocha de ‘Deformar’. Aplicamos lentamente sobre el área. Es importante que cambiemos el tamaño de la brocha de manera acorde con el área que ajustamos.

Para darle volumen al cabello, la herramienta de brocha de ‘Inflar’ nos es de gran utilidad. Al igual que en la anterior, debemos hacer el licuado de manera suave. Podemos crear máscaras de congelado para evitar modificar áreas que no se deben.

Para el rostro podemos utilizar el sistema inteligente de Photoshop. Haciendo los cambios sutilmente y revisando que no nos estemos pasando mucho en los ajustes.

Abajo podéis ver el resultado de este ejemplo.

Los cambios realizados son sutiles, teniendo en cuenta que la idea es mantener naturalidad y la mayor fidelidad con la toma original.

Como siempre, la práctica hace al maestro. Así que debemos practicar con el licuado para aprender a dominarlo. ¿Qué herramienta os gustaría ver en una próxima edición?

Existen varias herramientas y métodos para cambiar el color en Photoshop. En el pasado os hemos mostrado algunas formas de hacerlo utilizando el sistema L.a.b y también con la capa de ajuste de 'Tono/saturación'. En esta ocasión, os traemos un método sencillo de proceso por capas que llega desde el canal de Photoshop Training Channel.

En el vídeo de arriba podéis ver el proceso creado por Jesús Ramirez y una explicación de la teoría de éste método. La base de ésta forma de cambiar el color parte del principio del modelo de color HSL, del cual hemos hablado anteriormente.

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Una maravillosa acción de Photoshop para suavizar la piel en tan solo unos minutos

Para éste método, la clave está en el uso de dos modos de fusión de capa del grupo de componentes: ‘Color’ y ‘Luminancia’. En la capa de color estamos modificando los valores de tono y saturación y en la capa de luminancia (controlada por una capa de ajuste de ‘Niveles’) el brillo de éste color. Esto nos permite utilizar dos capas para crear el cambio de color sin problemas.

Para ejemplificar el proceso vamos a utilizar la imagen de abajo como ejemplo.

El primer paso será crear una capa con un cuadro o círculo del color al cual vamos a llegar. En este caso un magenta algo brillante.

Lo siguiente será crear una nueva capa con muestra del color que vamos a transformar. En este caso cambiaremos el traje del personaje de verde a magenta. Con la herramienta de gotero (i) ajustada a tomar una muestra de 11x11 tomaremos una muestra de un área del traje que no esté en brillos ni sombras. Tomar una muestra de los brillos opacará mucho el color y el hacerlo de las sombras lavará la imagen y el color.

Una vez tengamos nuestras muestras lado a lado.Crearemos una nueva capa, la rellenamos con el color final y aplicamos a esta capa el modo de fusión ‘Color’. Esto aplicará los valores de tono y saturación sobre las capas inferiores. Si queremos que el efecto solo se pueda ver sobre el área de muestreo que estamos cambiando, podemos presionar Alt y hacer click sobre la capa de color para crear una máscara de recorte que solo afecte a la capa de muestreo.

Para el siguiente paso, podemos crear una capa de ajuste de ‘Blanco y Negro’ sobre toda la imagen, de esta manera ver de manera más sencilla el contraste de nivel de brillo de la muestra y el color final.

Crearemos una capa de ajuste de ‘Niveles’. Acá pondremos en contraste el color fuente y el color final. Si el color final es más oscuro que el de muestra, llevaremos la palanca de la derecha hacia la izquierda. En este caso el color final es más luminoso que el de la muestra, por lo cual llevaremos la palanca de la izquierda hacia la derecha, subiendo el valor de las sombras. Una vez ambos valores estén listos tendremos nuestro cambio de color realizado.

El siguiente paso es juntar la capa de color y niveles en un grupo. A este grupo le crearemos una máscara y lo invertiremos. Luego haremos una selección de lo que queremos cambiar de color y pintaremos la selección con blanco.

Para darle más naturalidad a la selección y el cambio de color, vamos a ajustar cómo afecta la luminancia sobre la imagen original. Para ello abrimos el grupo de componentes e iremos a las propiedades de capa (click derecho sobre la capa o doble click sobre un espacio en blanco de la capa). En ‘Mezclar si’, sobre ‘Capa inferior’ modificaremos el rango de acción del ajuste de niveles, hasta un punto en el que sintamos natural la transición de colores de sombras a brillos. Para esto, no hay que olvidar presionar Alt sobre las palancas de ajuste, así las separaremos; permitiéndonos ajustar esta transición de manera fina.

Una vez aplicado el cambio de color podemos ajustar y afinar nuestra máscara de selección. Abajo podéis ver el resultado de este proceso de cambio de color.

Este interesante método puede ser una manera más intuitiva y rápida de realizar un cambio de color si no estamos muy acostumbrados a herramientas y procesos más avanzados. ¿Qué os ha parecido a vosotros?

Continuamos con el curso dedicado a Capture One. Estamos ya en el cuarto capítulo. Y es el momento de enseñar cómo descargamos las fotografías para trabajar con ellas en el programa. Pero lo más interesante que vamos a ver hoy es saber cómo podemos organizar nuestros archivos con Capture One.

Estamos acostumbrados a trabajar directamente con nuestros archivos en la carpeta en la que se han descargado o, si somos de Adobe, con las previsualizaciones de un catálogo, que no son más que copias de los originales que, en teoría, nos permiten trabajar más rápido pero solo en el entorno que estamos.

Capture One nos introduce en el mundo de las sesiones. También trabaja con algo parecido al catálogo de Adobe. Y por supuesto podemos trabajar libremente. Pero como buen programa profesional que es, nos da esas dos opciones, Sesiones y Catálogo, para tener un control absoluto de nuestros trabajos. Pero antes de contar cómo funcionan, vamos a descargar nuestras fotografías.

La descarga de fotografías

Este programa puede funcionar como Adobe Bridge o como Adobe Lightroom. La descarga de una tarjeta es sumamente sencilla. Lo primero es meter la tarjeta en el ordenador. Si tenemos activa la casilla Abrir importador cuando se detecte una tarjeta de una cámara digital en Editar>Preferencias>Importando accederá a ella automáticamente. Si no tendremos que hacer clic en el icono Importar imágenes (Ctrl+Mayús+I). Y lo podemos hacer desde una sesión o un catálogo.

La ventana de descarga

Así abrimos la ventana Importar imágenes. Y el camino a seguir es el habitual:

1. Importar desde: Aquí elegimos la ubicación de la tarjeta o el disco duro que queramos importar.
2. Importar a: El lugar donde queremos colocar las nuevas fotografías. Desde una carpeta de sesión hasta la clásica carpeta de toda la vida. Siempre recomiendo guardar de una forma que no dependa de ningún programa. Aprovecharemos los extras que nos de. Pero si dejamos de trabajar con el programa seguiremos teniendo nuestra organización.
3. Backup a: La clásica copia de seguridad en otra ubicación.
4. Denominación: Pestaña en la que podemos dar un nombre a nuestros archivos.
5. Metadatos: Nuestro copyright, una descripción con palabras clave...
6. Información de archivo: Los metadatos generados por la cámara, como la fecha o el tamaño.
7. Ajustes: Los clásicos ajustes preestablecidos para ver nuestras fotografías con un revelado determinado. Por ejemplo, directamente en blanco y negro.

Una vez hemos elegido todos los ajustes solo nos queda dar al botón Importar x imágenes. Podemos pedir que luego nos borre las fotografías en la tarjeta o que expulse la tarjeta automáticamente. Como veis, muy parecido a cualquiera de los programas que existen en el mercado. Por manías personales siempre lo hago con el sistema operativo, pero hay que reconocer que en este caso funciona muy bien.

¿Sesiones o Catálogo?

Y llegamos al gran dilema para muchos. A la gran duda de los usuarios del programa. ¿Hago un sesión o trabajo con un catálogo? Lo mejor es que tenemos una tercera opción, que no es otra que trabajar con los originales directamente, como si estuviéramos con Adobe Bridge y Photoshop (comparo siempre con la competencia porque es el programa de referencia).

Vamos a intentar explicar de una vez por todas las virtudes y defectos de una y otra forma de trabajar con Capture One. Creo que antes de lanzarse con este programa hay que tener muy claro cuál será nuestra rutina con él. Depende de muchas cosas: nuestra profesión, volumen de fotografías, si tenemos o no otros programas... Y saber que podemos combinar ambas formas de trabajar, si así lo queremos.

Sesiones

Las sesiones es una forma perfecta de separar cada trabajo que realizamos de una menara lógica y ordenada. Todo está separado y organizado por carpetas. Es una carpeta con cuatro subcarpetas en su interior: Capturas, Seleccionadas, Salida y Papelera.

¿Y como funciona? Lo primero que tenemos que hacer es ir a Archivo>Nueva sesión. Aquí es el lugar en el que vamos a crear las cuatro subcarpetas dentro de la sesión que tenemos entre manos. Una vez les hemos dado un nombre (que recomiendo que sean siempre los mismos) ya podemos empezar a trabajar con la sesión.

Iniciar una sesión

En este caso he creado una con el nombre Prueba. Si me voy al explorador de archivos de mi ordenador encontraré, en la ruta seleccionada, una carpeta con dicho nombre en cuyo interior veremos las cuatro subcarpetas que he señalado antes. También veremos un archivo con extensión .cosessiondb.

En la parte superior de la interfaz de Capture One veremos el nombre de la sesión. Y desde este momento podemos empezara importar las fotos que formen parte de un trabajo en concreto. La copia de los originales irá directamente a Capturas.

En este momento, desde la carpeta Capturas, puedo mover físicamente los archivos a Seleccionadas y a Papelera. También podría trabajar con los Álbumes de sesión, que sería lo más parecido a las Colecciones inteligentes de Lightroom. En este caso no se moverían los archivos sino que se marcarían dentro de esas carpetas virtuales.

Y si terminamos de revelar la foto y queremos que vaya a Salida, en el formato que queramos, solo tenemos que acudir a la pestaña Salida y por defecto las fotografías terminadas irán a esta carpeta.

Trabajar con sesiones es interesante si tenemos varios proyectos abiertos. Pero personalmente creo que no es una forma de trabajar útil para un fotógrafo aficionado... Podemos tener demasiadas sesiones y no podemos olvidar que si tenemos muchas fotos en nuestro archivo lo que estamos haciendo es duplicar la información en nuestros discos duros. Como siempre, todo es cuestión de organizarse.

Catálogo

Apareció en la versión 7. Surgió con la idea de organizar las miles de sesiones que podía tener un fotógrafo. En cierta manera, un catálogo puede ser un conjunto de sesiones. Trabajar con un catálogo permite hacer búsquedas rápidas sin tener que abrir cientos de carpetas... exactamente igual que nos pasa en Adobe Lightroom.

El catálogo de Capture One de una forma muy parecida al de Lightroom. Es perfecto, por lo tanto, para organizar los grandes archivos que podemos tener. Si tienes un volumen importante de imágenes, es la opción ideal siempre y cuando no trabajes con el programa de la competencia. Es la mejor solución para hacer búsquedas rápidas incluso con fotografías cuyos originales no estén en ese momento en los discos duros que tengamos conectados.

El comienzo de un catálogo

Para crear un catálogo en Capture One tenemos que ir a Archivo>Nuevo Catálogo y darle un nombre. Como siempre, es mejor tener uno, o como mucho dos, para evitar que las búsquedas futuras que hagamos no sean productivas. Algo realmente interesante es que podemos pasar el catálogo de Lightroom a Capture One sin demasiados problemas para aprovechar todo el trabajo que hemos realizado. Es tan fácil como ir a Archivo>Importar catálogo>Catálogo de Lightroom. Pero si queremos empezar de cero, lo mejor es acudir a la ruta Archivo>Importar imágenes o Importar sesión.

Podemos organizarlo como bien explican en la página de Phase One:

Un catálogo puede almacenar archivos de imagen individuales, proyectos, álbumes, álbumes inteligentes y grupos.

Grupos: Un grupo es un elemento de organización de estilo libre. Puede contener otros grupos, proyectos, álbumes, etc. Es un medio sencillo de agrupar elementos. Un álbum inteligente ubicado dentro de un grupo buscará archivos ubicados fuera del grupo. (En cambio, un proyecto limita el alcance de las búsquedas de, por ejemplo, álbumes inteligentes, a ese proyecto, y no puede contener otros proyectos).

Álbumes: Incluya una imagen en varios álbumes sin crear copias ni consumir más espacio en el disco duro. De esta forma ahorrará espacio en el disco duro y la organización del trabajo le resultará más sencilla. Por supuesto, si edita una imagen en un álbum, los cambios que realice se reflejarán en los demás álbumes que contengan la misma imagen.

Proyectos: Los álbumes se pueden agrupar en proyectos, que permiten buscar y filtrar imágenes dentro de un proyecto. Un proyecto limita el alcance de las búsquedas de, por ejemplo, álbumes inteligentes, a ese proyecto (es decir, al contrario de lo que ocurre con los grupos, un álbum inteligente solo buscará archivos dentro de un proyecto). Un proyecto no puede contener otros proyectos.

Organice sus imágenes en álbumes, los álbumes en proyectos y los proyectos en grupos. Arrastre y coloque imágenes fácilmente entre colecciones de distintos proyectos. > >

Personalmente no creo que me olvide de Adobe, así que no le veo mucho sentido a tener en marcha dos catálogos. Además creo que su organización es demasiado compleja y menos intuitiva que la de su directo competidor. Quizás tenga que ver que llevo años tratando mis fotografías con Lightroom. Pero lo interesante es que ahora podemos elegir cuál nos gusta más.

En el próximo capítulo de Primeros pasos con Capture One, un editor de fotografía profesional, empezaremos a revelar nuestras fotografías, independientemente de cómo las tengamos organizadas.

En Xataka Foto| Cómo empezar con Capture One (I): Sesiones, catálogos e importación

Precisamente cuando acabamos de iniciar una guía para dar los primeros pasos con Capture One, sus responsables han anunciado el lanzamiento de Capture One Pro 11, nueva versión que incluye novedades para mejorar y seguir siendo una de las alternativas más serias al dominio de Adobe en el campo de la edición y revelado de fotografías RAW.

Como ya os hemos contado en otras ocasiones, este sofware de edición es bastante distinto a Adobe Lightroom pero ofrece opciones muy serias para ser elegido por muchos fotógrafos, destacando por la calidad final de imagen que se consigue. Pues bien, la nueva versión se ha construido, según la nota de prensa, “sobre el inigualable tratamiento de color de Capture One, sus herramientas de edición, la posibilidad de trabajar conectado a la cámara sin interrupciones y soporte nativo para más de 400 modelos de cámara”.

Por supuesto, también se ha dado una vuelta de tuerca incorporando nuevas herramientas y mejoras en el flujo de trabajo gracias a un motor de procesado mejor calibrado respecto a Capture One Pro 10. Todo con la idea de “proporcionar una experiencia notablemente más rápida y fluida a los fotógrafos”, cuyas necesidades son la principal motivación de sus desarrolladores.

Novedades de Capture One Pro 11

Como decíamos, Capture One Pro 11 se ha optimizado para mejorar el rendimiento general. Por ejemplo por lo que toca al tratamiento del color, lo que “asegura que los ajustes del color en capas funcionen a la perfección. Las lecturas de color pueden verse en el modo Lab, ayudando a los usuarios que deseen medir la salida de imagen en valores críticos”.

También se ha mejorado el rendimiento en otros apartados como los catálogos, la velocidad de edición o la revisión de duplicados. Por supuesto, el nuevo software incluye un listado de cámaras compatibles que se ha ampliado hasta más de 400 modelos (como decíamos antes) que se pueden consultar aquí.

También hay mejoras destinadas a ofrecer un flujo de trabajo más coordinado. Por ejemplo se pueden añadir a las imágenes anotaciones superpuestas o marcas de agua y exportarlas en archivos PSD como capas separadas. También se pueden guardar los recortes como rutas al exportar a PSD, de forma que la imagen completa puede ser usada más tarde para retocarla.

Hablando de capas, éste es otro apartado que ha sido renovado “en respuesta a las necesidades de los clientes”. Así, se ha producido un mayor desarrollo de las herramientas de máscara y se han introducido nuevas funciones en este ámbito. Por ejemplo se han añadido opciones para perfeccionar y modificar las máscaras después de dibujarlas, o para ajustar la opacidad de una capa y así controlar la aplicación de los ajustes locales.

Precio y disponibilidad

Capture One Pro 11 ya está disponible para ordenadores con sistema Mac y Windows y puede adquirirse en dos modalidades, como licencia perpetua o por suscripción, según las necesidades del usuario. Los nuevos usuarios del producto pueden comprar una licencia por 279 euros o bien pagar 20 euros al mes durante un año (o 180 euros si prefieren una suscripción anual de prepago). Por su parte, los que ya fueran usuarios de Capture One Pro 9 y 10 pueden actualizarse por 119 euros.

En el caso de la versión Capture One Pro Sony 11 para propietarios de cámaras de esta marca, los nuevos usuarios pueden comprarlo por 79 euros mientras que los que ya tenían Capture One Pro Sony 9 y 10 pueden actualizarse por 69 euros.

Más información | Phase One

En Xataka Foto | Imaging Edge, nuevo paquete de software diseñado para realizar trabajos creativos con las cámaras Sony

He de reconocer que la primera opción de titular no era tan políticamente correcta como la actual, pero para no herir susceptibilidades, digamos que Photolemur utiliza la inteligencia artificial para que la gente que no quiere aprender a hacerlo pueda presumir de saber hacer fotos.

"Si eres como nosotros, te encantaría pasar menos tiempo en tu computadora y más tiempo con tu cámara." Así reza la introducción en la página de inicio de la nueva ocurrencia fotográfica que propone que el ordenador retoque por ti la foto, así, sin más.

Cuando vemos ciertos avances por separado podemos estar tentados a pensar que se tratan de mejoras inocuas, ocurrencias que nos ayudan a mejorar como fotógrafos, pero nada más lejos de la realidad, lo que consiguen estos inventos es difuminar y desmerecer el trabajo de fotógrafos, retocadores o comisarios.

Mensaje REAL en la página de Photolemur

Existen cámaras que no te permiten hacer fotos si estiman que en ese lugar ya se han hecho demasiadas, aplicaciones que, como si de un crítico se tratase, te puntúan tus imágenes y proyectos como la cámara que sólo te guarda la foto si la considera digna de ganar un concurso... ¿este es el futuro de la fotografía?

Así mejora la IA de Photolemur una fotografía

La aplicación que hoy nos ocupa pretende suplir el trabajo de un retocador, Photolemur es el asistente de fotografía "inteligente", creado para retocar automáticamente sus fotos. Como todos los avances que mutilan las capacidades humanas esta se presenta como una herramienta para "ahorrar tiempo".

Así mejora la IA de Photolemur una fotografía nocturna

Los "increíbles" avances que permite esta aplicación se refiere, básicamente, a correcciones de luz, color o neblina, nada nuevo bajo el sol que no hagan otros editores como Photoshop, Lightroom o Darktable. El los ejemplos de muestra que hay en su página web la gestión de mejora de color parece consistir, básicamente, en la saturación excesiva. La de sombras en rostros los deja muy irreales y los cielos son exagerados.

Así mejora la IA de Photolemur los colores en una fotografía

En la página web permiten la descarga de una demo gratuíta de siete días para el que quiera probarlo. Quizá un día nos animemos a ver de lo que es capaz, pero viendo los resultados, que se suponen son los mejores, que ponen como ejemplo en su página web los retocadores pueden estar tranquilos.

Más info | Photolemur

En esta ocasión, dedicamos el octavo número de esta guía para Capture One detallando las opciones de los módulos 'Ajustes' y 'Metadatos', que nos ayudarán a crear presets de ajustes personalizados que podremos aplicar a varias sesiones fotográficas o cómo organizar nuestra librería añadiendo palabras clave, entre otras muchas prestaciones.

Ajustes

El módulo ajustes es un modo que sólo emplearemos básicamente para seleccionar los ajustes que queremos aplicar a un lote de fotografías. Lo más normal es que después de editar una fotografía, queramos traspasar este procesado al resto de fotografías de la sesión si hemos empleado la misma luz. Para ello, podemos hacer uso de 'Estilos y Ajutes' para guardar y aplicar estos ajustes en diferentes Sesiones o podemos simplemente ajustar, copiar los valores y jugar con el portapapeles para seleccionar lo que nos interesa copiar.

Estilos y ajustes

Al abrir el menú desplegable de 'Estilos y ajustes' observaremos diferentes herramientas como 'Guardar estilo de usuario...', 'Borrar estilo de usuario...' o 'Importar' estilos empleando un archivo previamente guardado en nuestro ordenador.

Además, tenemos una serie de estilos predefinidos, que podemos encontrar en 'Estilos incorporados' y 'Ajustes incorporados' en este mismo menú desplegable. Vienen por defecto con el programa y podemos reajustarlos para afinar el resultado cuanto queramos.

Portapapeles de ajustes

El portapapeles de ajustes puede parecer una herramienta demasiado complicada para el uso que se le dá, pero es extremadamente importante saber usarla cuando queremos aplicar ajustes a un lote de fotografías.

Cuando seleccionamos una fotografía y apretamos 'Copiar' aparecen los ajustes y metadatos que tenemos actualmente en la imagen y que podemos pegar a otra fotografía. Si desticamos el recorte, cuando vayamos a otra fotografía y pinchemos en 'Pegar', se aplicarán todos los ajustes menos el recorte.

Normalmente si queremos un procesado idéntico en dos fotografías, realizaremos los ajustes pertinentes en una fotografía para copiarlos a continuación con el botón correspondiente o con Ctr++Shift+C y seleccionando varias fotografías, apretamos el botón correspondiente o Ctrl+Shift+V y pegamos los ajustes.

Metadatos

En el bloque de Metadatos observamos que disponemos principalmente de la gestión de palabras clave y metadatos IPTC de la imagen que tenemos seleccionada en ese momento. Primeramente encontraremos la herramienta para añadir palabras clave así como una biblioteca de las mismas, y a continuación encontraremos decenas de campos de metadatos que podemos rellenar e incrustar en nuestras fotografías.

Palabras clave y Biblioteca de palabras clave

Esta herramienta nos permite añadir palabras clave de forma rápida. Podemos ir tecleando palabras sueltas para añadirlas a las fotografías seleccionadas en ese momento o podemos escribirlas seguidas de comas para añadir tres o cuatro de golpe. Todas las palabras que añadamos a las fotografías quedan registradas en la Biblioteca de palabras clave, que siempre mostrará las palabras clave de la sesión y las cuales podemos ir filtrando a nuestra conveniencia.

Es una herramienta potente pero tediosa de manejar porque especialmente si tenemos un archivo fotográfico grande, necesitamos ir añadiendo las palabras clave de forma manual. Lo mejor es que una vez las añadamos, quedarán a nuestra disposición para filtrarlas escribiéndolas en la biblioteca o podemos crear un álbum inteligente para filtrar las fotos por aquellas que tienen una palabra clave pero excluyendo las que tienen otras. Por ejemplo, podríamos filtrar las fotos por aquellas que contengan la palabra clave 'playa' pero excluir las que tienen 'arena' o 'sombrilla'.

Metadatos

En la parte de metadatos, obviando las herramientas más empleadas como las etiquetas de color o la clasificación por estrellas, lo más interesante es hablar de los metadatos IPTC, que es el estándar que se usa en prensa aunque también se puede emplear para cualquier tipo de negocio, aunque la parte aburrida es que hay que rellenarlos con cada lote de fotografías.

También es posible filtrar usando estos metadatos mediante un álbum inteligente estableciendo que sólo se muestren las fotografías según su creador, o la ciudad en la que se tomó la imagen.

En Xataka Foto | Cómo empezar con Capture One (VII): Ajustes locales

Continuamos con Capture One para dedicar en este número a hablar sobre los ajustes locales. En esta ocasión no iremos punto por punto explicando cómo funciona porque es bastante sencillo de comprender, pero veremos las aplicaciones reales que tiene una herramienta de edición local en un programa de edición por lotes como es Capture One.

Capture One y los ajustes locales

Que un programa dedicado a los ajustes en lote ofrezca la posibilidad de realizar edición de forma localizada pudiendo pintar e incluso seleccionar colores específicos puede parecer una tontería pudiendo usar Photoshop. Lo que muchos entre los que me encuentro yo, no sabíamos, es que Photoshop no hace uso de la información flotante del RAW cuando lo exportamos en TIFF desde Capture One, es por eso que debemos realizar la mayor cantidad de ajuste con suficiente margen de maniobra como para dar el toque final en Photoshop.

Otra solución al procesado diferenciando las distintas zonas de la imagen podría venir realizando variantes de una misma fotografía. Así, dispondríamos de una variante por cada zona que queramos que tenga un procesado distinto. Por ejemplo, una variante con la exposición correcta del pelo, otra de la piel, otra de la ropa y una última para el fondo.

¿Cómo funcionan los ajustes locales?

Los ajustes locales, cuando accedemos a su bloque correspondiente, nos podremos fijar en que en primer lugar encontramos una herramienta llamada 'Ajustes Locales' que se asemeja mucho al visor de capas de Photoshop. Para añadir capas, tan sólo necesitamos darle al símbolo con forma de pincel en la esquina inferior de la herramienta para crear una nueva capa.

Dentro de esta capa, podremos pintar con el pincel directamente sobre la imagen. Si pintamos y observamos que no hay una mancha roja que nos indique la selección que llevamos realizada, con apretar la tecla M aparecerá la selección que tenemos hecha.

Podemos crear nuevas capas con el símbolo positivo y quitarlas con el símbolo negativo. El gran problema de esta herramienta es que es un poco ortopédica ya que aunque crear capas no suponga un problema, realizar las selecciones con una herramienta tan básica como un pincel es poco preciso y se tarda mucho tiempo en conseguir una selección correcta. Para realizar selecciones realmente precisas tendremos que recurrir a Photoshop para usar herramientas como Gama de Colores o la Pluma.

En cualquier caso, en la parte inferior disponemos de ajustes básicos como los que encontramos en la pestaña de Exposición también conocida como el módulo de revelado. Aquí podemos hacer que cada capa tenga unos ajustes: por ejemplo, mayor exposición para el pelo, bajar la saturación del cielo o darle claridad a los ojos y la boca de nuestra modelo.