Todos sabemos que la fotografía es una arte en dos dimensiones pero en el que normalmente se simula una ilusión de realidad que, lógicamente, tiene tres dimensiones. Pero lograr esta sensación de tridimensionalidad no siempre es fácil, y a veces nos encontramos con que nuestras fotos parecen planas, sin vida... Claro que hay maneras de evitarlo y de conseguir sensación de profundidad de forma bastante sencilla. Te contamos cómo.

Por cierto que si hemos incluido lo de "con tu móvil o una cámara" en el titular no es sino para dejar claro que es algo que podemos conseguir sea cual sea el tipo de dispositivo que utilicemos para hacer la foto. Igualmente, aunque los consejos que os vamos a dar funcionan sobre todo en foto de paisaje (que es el ejemplo principal que vamos a usar), la mayoría de ellos también son aplicables a muhcos otros géneros fotográficos.

Usa el punto de fuga

Quizá el recurso más sencillo e inmediato para lograr que una foto tenga profundidad, gracias a la perspectiva, es el conocido "punto de fuga". Se trata, como ya estáis imaginando, de buscar líneas en la composición que se dirijan hacia un punto imaginario al fondo de la imagen.

El ejemplo más habitual es el de unas vías de tren cuya proyección hacia el fondo de la foto hace que parezca que las traviesas se unen en algún punto del infinito. Algo que, de forma natural, dirige la mirada del espectador hacia el fondo de la fotografía.

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Introduce líneas diagonales

Muy relacionado con lo anterior, pero sin necesidad de que las líneas den la impresión de no tener fin, es utilizar líneas diagonales dentro de la composición. Éstas son especialmente llamativas si se dirigen de izquierda a derecha (como en la imagen de abajo), ya que esa es la forma instintiva que tenemos de leer una imagen, de manera que guíamos al ojo de una forma muy natural.

Cuida el primer plano

A la hora de componer hay que pensar que estamos plasmando una escena de tres dimensiones en dos; pero eso no significa que debamos subestimar los distintos planos que pueden aparecer en la imagen. Así, del mismo modo que es importante cuidar el fondo que aparece en nuestras fotos, también es recomendable incluir un primer plano con elementos que tengan interés.

Foto de Courtney Kenady

Esta técnica puede dar mucha profundidad a la imagen, pero hay que tener cuidado para que estos elementos del primer plano no sean demasiado protagonistas y concentren toda la atención del espectador, quitando importancia al resto de planos de la imagen. Para ello, como arriba, podemos recurrir a desenfocarlos.

Desenfoca el fondo

Aunque también podemos hacer lo contrario, desenfocar el fondo de la fotografía, para añadir profundidad. Tanto en el caso anterior (incluir elementos desenfocados en primer plano) como en éste se trata de dar la idea de que hay algo más allá del plano que está enfocado/desenfocado y que se encuentra a cierta distancia.

Por cierto que si piensas que este consejo no es muy aplicable a móviles que sepas que estás equivocado porque sí se puede hacer con los smartphones; basta con situar al sujeto principal lo más alejado posible del fondo, poner el zoom al máximo y situarnos a la distancia mínima a la que nos permita enfocar el móvil.

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Compara tamaños

Todo el mundo sabe que cuanto más cerca está un elemento más grande se ve, y cuanto más lejos más pequeño. Pero también sabemos que una roca es más pequeña que una montaña entera. Pero, si nos acercamos a una roca y la situamos en primer plano, puede pasar que la roca parezca incluso más grande que la montaña en la distancia, lo que ofrece una gran sensación de profundidad.

Esto lo podemos combinar con un desenfoque (como en la foto de arriba) o bien con una distancia focal corta, acercándonos lo más posible al objeto en primer plano para hacer que este elemento sea aún más grande y los elementos distantes más pequeños.

Busca patrones

La repetición de objetos, lo que en fotografía denominamos “patrones”, son una técnica recurrente a la que se le puede sacar mucho partido. Tiene muchas utilidades y una de ellas es ayudar a crear profundidad en las fotos si encontramos elementos repetidos que se alejen hacia el fondo de una imagen como la de abajo.

Como se puede comprobar, si tenemos un mismo elemento que se repite de manera prominente desde el primer plano hasta el fondo, esa repetición nos permite obtener ritmo en la imagen y una poderosa sensación de profundidad.

Utiliza marcos

Otra manera de obtener profundidad en una imagen consiste en enmarcarla dentro de algo. Puede ser a través de elementos buscados a propósito o encontrados por casualidad, pero es algo que permite (entre otras cosas) dirigir la mirada del espectador y, con ello, ofrecer sensación de tridimensionalidad.

Aprovecha las condiciones atmosféricas

Si hablamos de fotografía al aire libre siempre hay que tener en cuenta las condiciones atmosféricas, pero a veces éstas también son una forma simple y poderosa de dar profundidad a las imágenes. Hablamos de la neblina, un fenómeno que bien aprovechado ayuda a obtener un agradable efecto de capas en las montañas vistas desde la distancia que acaba ofreciendo una gran sensación de profundidad.

La neblina, que enfatiza el espacio entre las distintas montañas, y el contraste decreciente que ofrecen cuanto más lejos estén, permite un efecto muy atractivo que se puede potenciar aún más con el uso de una distancia focal larga.

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Usa la luz en tu beneficio

Finalmente había que hablar de la luz, cómo no. La dirección y calidad de la luz permiten añadir tridimensionalidad a nuestras fotografías de una manera natural y visualmente muy atractiva. La luz lateral suave, por ejemplo, enfatiza la plasticidad de un elemento y hace que parezca que llega más lejos hacia el fondo.

Foto de Joshua Reddekopp

Por otro lado, la luz permite revelar contrastes y texturas en las superficies de los elementos que aparecen en la imagen que también pueden ayudar a ofrecer la idea de que esos objetos pertenecen a un mundo tridimensional auténtico.

Llevamos demasiado tiempo sin tocar esta serie dedicada al proyecto fotográfico. En esta ocasión vamos a analizar con más profundidad el segundo paso del proyecto fotográfico: el desarrollo. Es el momento de trabajar con la cámara al hombro y dejarnos llevar por nuestra intuición.

El primer paso, la idea, es fundamental para ponerse a trabajar sin descanso. Sin una idea disparar se convierte en algo mecánico. En una mera sucesión de postales bonitas inconexas. Aunque si siempre hacemos el mismo tipo de fotografía lo podemos llegar a convertir en una serie.

Para este segundo paso tenemos que tener muy claro el camino que hemos construido. No quiere decir que no podamos salir nunca de las indicaciones que hemos colocado. Pero siempre será una referencia perfecta por si alguna vez nos perdemos.

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Siempre es bueno tenerlo todo claro en la cabeza o apuntado en una libreta. Pero estamos creando y siempre podemos improvisar por el camino porque nos damos cuenta de que nos hemos equivocado al elegir el viaje hasta nuestro destino. Esto es algo que iremos aprendiendo en los sucesivos proyectos en los que nos embarquemos.

Cómo pasar al desarrollo del proyecto fotográfico

Cuando tengamos todo apuntado y estemos preparados mentalmente para empezar a trabajar, será el momento de ir al segundo paso. No antes ni después. Durante el desarrollo de la idea será bueno hacer fotos para experimentar que todo funciona perfectamente.

Esto quiere decir que la técnica debemos tenerla tan interiorizada que casi lleguemos a actuar mecánicamente, como un autómata que no duda a la hora de hacer un giro u otro. La técnica fotográfica se da por supuesta en una persona que quiera llegar a serlo.

No es el momento de preguntarse cómo conseguiré ese efecto que tanto me gusta que he visto en las redes. O quién narices son los Becher si vamos a fotografiar todos los silos de Castilla. Es el momento más irracional de todo el proceso del proyecto fotográfico. Y precisamente por esto tenemos que ser profesionales.

México @ferfotopuntoes

Muchas veces nos encontramos con cámaras nuevas que no sabemos manejar. O dudamos con el tema del diafragma. O queremos disparar con el flash y queremos competir con el sol con un flash económico... Todas estas cosas deben estar analizadas y superadas.

Cuántas veces nos hemos encontrado con gente que quiere hacer fotografías de paisaje al estilo de los grandes clásicos con sus objetivos del kit... Conocer el material del que disponemos y sus limitaciones es primordial para llegar a buen puerto.

México @ferfotopuntoes

Una vez aclarados todos los aspectos técnicos es la hora de lanzarnos. El proyecto nos espera.

El fin del segundo paso

Es la hora de volverse loco. Con un guion establecido pero con ganas de perder los papeles. Es como dar una conferencia. Si estamos preparados y dominamos el tema, hablaremos sin parar, asociaremos ideas, responderemos con fluidez a los presentes.

México @ferfotopuntoes

Si no estamos muy seguros de lo que decimos, acudiremos constantemente a las coletillas, a los lugares comunes... Diremos siempre lo mismo de otra forma una y otra vez. Es como una conversación forzada en la que siempre que te ves con esas personas notas que una y otra vez hacen los mismos comentarios en el mismo orden.

Es el momento de hacer cientos de fotografías con cabeza, no por el mero hecho de llenar tarjetas. Sino porque es nuestro objetivo mejorar hasta encontrar sentido a cada una de nuestras fotografías. Todo tiene que estar relacionado.

México @ferfotopuntoes

Es hora de no dejar de mirar ni un instante. Ya vendrá el tercer paso en el que tendremos que sentar la cabeza de nuevo. Pero ahora es el momento de disfrutar. Habrá días que haremos solo una foto y momentos que no queremos que se acaben nunca. Este es el oficio de fotógrafo.

Es una de las muchas posibilidades que tenemos si nos gusta jugar con el movimiento en fotografía y sin duda es una de las que produce resultados más vistosos. El caso es que la técnica para conseguir un barrido es relativamente sencilla, pero lograr un buen resultado no lo es tanto, sobre todo porque suele tener mucha importancia el factor suerte. Aún así, con práctica y siguiendo nuestros consejos, seguro que podréis conseguir una buena fotografía de barrido.

La mecánica para conseguirlo

El barrido de movimiento también se conoce como paneo porque, efectivamente, este término define bien lo que debemos hacer para conseguirlo. Se trata de hacer un movimiento giratorio de la cámara sin que ésta se desplace (lo que en vídeo se conoce como una panorámica). Es decir, el desplazamiento se realiza sobre el eje del sensor acompañando el movimiento de un sujeto dinámico, ya sea de derecha a izquierda (o al revés) o de arriba hacia abajo (o viceversa).

A esta foto le tengo un especial cariño porque fue hecha con una cámara de carrete, cuando conseguir una buena foto de barrido era considerablemente más complicado. Foto de Óscar Condés

Ciertamente también se puede realizar con desplazamiento de la cámara, pero éste debe ser igual al del sujeto fotografiado lo que, como nos podemos imaginar, resulta muy complicado de lograr. El caso es que lo que hace que consigamos ese efecto de desenfoque dinámico del fondo, al tiempo que nuestro protagonista queda más o menos definido, es el uso de una velocidad de obturación relativamente baja.

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Seis técnicas creativas para hacer que el sujeto principal cobre protagonismo en una fotografía

Cuando decimos “relativamente” es porque depende mucho de la velocidad del movimiento del sujeto y cómo se desplace, y también porque podemos lograrlo con velocidades entorno a 1/30 segundos, valor que en una foto estática podría servir perfectamente para que todo saliera nítido. Sea como fuere, este valor es una referencia a partir de la cual podemos ir experimentando; Porque eso, la práctica, es la receta fundamental para lograr los mejores resultados.

Foto de Stepan Kriz

Teniendo claro que el valor clave que debemos controlar es la velocidad de obturación, no es difícil imaginar que el modo de disparo más recomendado para este tipo de fotos es el “S” o de prioridad al obturador. Y aunque por supuesto se puede disparar en manual, dado que es algo en lo que la rapidez es importante conviene usar un modo semiautomático para asegurarnos una exposición correcta.

En cuanto al enfoque, podemos optar por el modo manual (si tenemos clara la distancia a la que se situará el sujeto) o por el automático. En el primer caso posiblemente contemos con el inestimable apoyo de una cierta profundidad de campo que consigamos al usar un diafragma cerrado (para compensar la baja velocidad), pero esto dependerá mucho de las condiciones de luz. En el segundo caso, el más recomendable, echaremos mano del AF en modo continuo de manera que la cámara trate de mantener al sujeto bien enfocado en toda su trayectoria.

Foto de Grillot edouard

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Un apoyo extra

Como decimos, se trata de mover la cámara a una velocidad que sea equivalente a la del sujeto que se desplaza ante nosotros, manteniéndole en lo posible en el mismo lugar del encuadre (que no tiene porqué ser el centro), elemento fundamental para que el protagonista esté nítido. Pero hay un pequeño truco que se puede utilizar para lograr esa nitidez, sobre todo si vamos a hacer una exposición muy larga: Disparar un flashazo sincronizado a la segunda cortinilla.

Foto de ponrajk22

Esto, por si no lo sabes, significa que el flash no se disparará hasta justo un instante antes de que se cierre el obturador. Un apoyo extra en iluminación que debería congelar al sujeto al final del movimiento que captemos durante la exposición prolongada (y algo que, muy probablemente, le hará destacar aún más del fondo).

Para este propósito podría servir el flash de tipo pop-up de la cámara, aunque dependerá de la distancia al sujeto (porque, como ya sabréis, estos flashes tienen normalmente muy poco alcance), pero sea como fuere la técnica es la misma que el flash de relleno.

Foto de Matthias Meyer

Otro accesorio que también puede ser útil es un trípode, que nos ofrecerá más estabilidad al emplear velocidades más cortas. Eso sí, es importante bloquear el trípode en vertical (u horizontal, si el movimiento es en el otro eje) para evitar trepidaciones innecesarias.

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La regla de los tercios a fondo: Qué es, cuándo y cómo usarla (y cuándo no hacerlo)

Cómo lograr buenos resultados

Si se trata de un movimiento que no se va a repetir lo único que podemos hacer es echar mano de nuestros conocimientos y experiencia y “rezar” para que salga bien (aunque será complicado). Sin embargo, si la trayectoria se va a repetir y tenemos ocasión de hacer varias tomas (aunque es imposible que sean iguales) siempre podemos ir viendo los resultados sobre la marcha e ir ajustando la velocidad en consecuencia.

Foto de Óscar Condés

Porque la clave está en el movimiento relativo del sujeto respecto al encuadre, algo que es difícil de calcular a priori. Por eso, lo mejor es partir de 1/30 seg e ir subiendo o bajando según vayamos viendo los resultados. Un buen ejemplo es la foto que habéis visto en portada protagonizada por uno de esos icónicos taxis amarillos de Nueva York y que fue hecha a 1/45 seg. Sin embargo, la imagen que tenéis justo arriba se tomó a 1/6 segundos, porque el taxi iba bastante más rápido.

Eso sí, como se puede apreciar en esta segunda imagen, cuanto más larga sea la velocidad usada más fácil será distorsionar el fondo y más difícil que el protagonista de la foto quede bien definido (sin usar el flash). Por tanto, es cuestión de ir probando y practicar mucho. Por otro lado, también conviene saber que cuanto más variado sea el fondo más estético será el resultado. Así, si hay luces y zonas con distintos colores o iluminaciones mejor que mejor.

Las cosas difícilmente salen a la primera así que toca practicar y practicar... Fotos de Óscar Condés

Y eso es todo, sólo recordaros que para conseguir una buena foto de barrido lo más importante es la perseverancia. No son fáciles de conseguir (como podéis comprobar con las tomas fallidas que he incluido), y probablemente nos provocarán muchas frustraciones, pero cuando consigamos una foto bien hecha la satisfacción casi seguro que será muy grande.

Foto de portada | Óscar Condés

Cuando queremos aprender de verdad la técnica fotográfica, tenemos que conocer de memoria los tres factores que intervienen en la exposición: el diafragma, la velocidad de obturación y la sensibilidad. El conocido triángulo de exposición. No basta con saber que existen, sino intentar conocer todos sus secretos para sacarles el mayor provecho. Vamos a conocer un poco más el diafragma fotográfico.

El diafragma es uno de los tres pilares de la exposición. Su función es regular cuánta luz llega hasta el sensor. Puede que sepamos que se mide en números f, que la profundidad de campo cambia si lo abrimos o lo cerramos y poco más. Eso últimamente estamos obsesionados con la famosa hiperfocal... El problema es que nos olvidamos de cosas más importantes que nos ayudarían a mejorar sustancialmente la calidad de nuestras fotografías.

Seguro que muchas de las cosas que vamos a decir aquí os suenan. Os recomiendo que lo leáis para tener unos buenos cimientos y descubrir aspectos que espero os sorprendan o al menos os recuerden los primeros años de aprendizaje, cuando todo era más complicado... Como olvidar el clásico ejemplo del vaso de agua que se llena según abríamos más o menos el grifo...

¿Qué es el diafragma?

El diafragma es un dispositivo que regula la cantidad de luz que llega al sensor. En la actualidad se encuentra en el interior del objetivo en forma de iris, pero podemos encontrar cámaras clásicas con diafragmas Waterhouse (placas metálicas independientes) o rotatorios. Estos dispositivos no dejaban de ser meros artilugios mecánicos de quita y pon que dificultaban, y mucho, la toma fotográfica. Y su utilidad no era proverbial.

Hoy en día, como bien sabéis, los objetivos incorporan su propio diafragma de palas (el número que tenga influirá más o menos en la calidad del bokeh), que dan esa abertura circular que provoca, en los buenos objetivos con muchas palas, un buen aspecto en las zonas desenfocadas.

¿Un buen bokeh?

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Las ventajas de un sensor de formato completo

¿Y por qué el número f tiene esos números tan extraños para los que no estamos familiarizados con la óptica? Siempre me ha costado entenderlo, pero todo tiene que ver con el área de la circunferencia y el diámetro. Para entenderlo he tenido que consultar libros muy antiguos de fotografía, pues en los nuevos me ha costado encontrar una buena explicación. En concreto he estado releyendo la cuarta edición en español de 'Fotografía básica. Iniciación a la fotografía profesional' de M. J. Langford, un clásico donde los haya:

Cuanto mayor es el número f, menor será el haz luminosos que penetrará en el objetivo, y menos luminosa la imagen que se formará. Necesitamos ahora una serie útil de trabajo de los números f con los cuales indicar el control de la abertura. La elección evidente será esta serie: f1; 2; 4; 8; 16; 32... La desventaja está en que cada cambio implica reducir a la mitad la abertura efectiva, y según vimos, cada vez que se reduce el diámetro a la mitad, se reduce asimismo la iluminación a una cuarta parte... Desde el el punto de vista fotográfico resultaría más útil disponer de una escala para poder reducir la iluminación a la mitad. Esto puede hacerse añadiendo más números f a la escala, en posiciones intermedias. En lugar de una progresión de dos veces, podemos aumentar cada número f por la raíz cuadrada de dos, que es igual a 1,4. De este modo, la escala se completa con: f1; 1,4; 2; 2,8; 4; 5,6; 8; 11; 16; 22; 32...

Es por este motivo que nos complicamos tanto la vida cuando empezamos a pensar fotográficamente. Un número pequeño es una abertura muy grande y un número grande es una abertura muy pequeña.

Una buena profundidad de campo a f16

Estos pasos siempre relacionan la cantidad de luz que llega al objetivo con el diámetro de sus lentes. La formula consigue que en cualquier objetivo un diafragma f8 deje pasar exactamente la misma cantidad de luz.

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Cómo elegir la abertura de diafragma correcta en fotografía de paisaje

Propiedades del diafragma

El diafragma tiene otra función además de la que hemos señalado. Sirve para controlar la profundidad de campo. Y aquí las cosas se complican mucho más para los más novatos. De nuevo nos bailan los números y nos hacen dudar. Pero la regla mnemotécnica es sencilla:

Número pequeño, menos profundidad de campo. Número grande, más profundidad de campo.

Así de sencillo. Un diafragma f2 tiene menos profundidad de campo que un diafragma f8. El planteamiento lógico es el siguiente. Así que si queremos conseguir un efecto u otro solo tenemos que ajustar un extremo u otro. Pero no es así. Abrir mucho el diafragma, dejar pasar mucho luz, tiene sus consecuencias. Y cerrarlo mucho, ajustar un diafragma con un número grande, provoca otros problemas.

La difracción hace presencia

¿Entonces qué puedo hacer? Intentar entender todos los problemas ópticos que vamos a ver a continuación y actuar en consecuencia. ¿Os habéis planteado alguna vez por qué al abrir el diafragma solo hay una pequeña porción nítida y al cerrarlo se ve todo enfocado?

Si abrimos el diafragma al máximo entra la luz por la mayor parte del diámetro de la lente frontal. Si os fijáis, es curva. Y la luz, que se trasmite en línea recta hasta que llega al objetivo, cambia de dirección. Al pasar por el plano convergente de la lente todas las luces se concentran en un punto. Las líneas exteriores recorren más distancia que las que están en el centro. Y por este motivo solo vemos una parte enfocada.

Sin embargo, cuando cerramos el diafragma, la superficie útil de la lente es menor, y por eso aumentan los planos de nitidez... Todas están más o menos a la misma distancia. Aquí está la explicación a algo tan familiar para los fotógrafos.

El viñeteado a f2

Pero estos dos extremos tienen problemas, independientemente del tipo de objetivo que tengamos:

1. Al abrir al máximo el objetivo tenemos más viñeteado y menos nitidez.
2. Al cerrar al máximo encontraremos problemas de difracción, lo que resta nitidez. Al pasar la luz por una abertura tan pequeña, los rayos de luz que rozan el diafragma distorsionan la luz y perdemos nitidez.

Por estos motivos siempre es mejor disparar con diafragmas medios para obtener la máxima calidad y los menos problemas posibles a la hora de hacer una fotografía. Cuando veamos los otros dos factores que intervienen en la exposición descubriremos muchas más cosas aplicando todos las explicaciones que hemos visto aquí.

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Cómo elegir el diafragma, el tiempo de obturación y el ISO a la hora de hacer una fotografía

Si eres un fotógrafo profesional o un aficionado experimentado, probablemente ya conocerás perfectamente cómo resolver la fotografía que planteamos en este post. Pero, si no es tu caso, lo primero que debes saber es que puedes salir airoso de este reto. Solo debes conocer unos consejos bastante asequibles que incrementarán tu probabilidad de éxito.

Antes de entrar en materia me gustaría apuntar que hace unos años un compañero de Xataka Foto preparó un post que tenía este mismo objetivo, y que os puede interesar consultar como complemento de esta entrada, aunque su enfoque fue ligeramente diferente.

Un último comentario antes de empezar. La fotografía que ilustra el post fue tomada con una Canon EOS 400D utilizando una longitud focal de 18 mm, una abertura de f/16, una exposición de 4 segundos y una sensibilidad de 200 ISO. Una vez dicho esto, vamos allá.

Seis consejos bastan para salir victorioso

• 1. La clave para conseguir ese efecto sedoso en el agua que tanto embellece estas fotografías consiste en utilizar un tiempo de exposición prolongado. Por esta razón, como os aconsejó mi compañero Fran hace unos días, es una buena idea activar el modo de la cámara de prioridad de obturación. Toma como punto de partida una exposición de uno o dos segundos.
• 1. La hora del día en que este tipo de fotografías suelen quedar más bonitas es durante los primeros minutos del amanecer, o justo antes de que anochezca. Si no te es posible hacer la fotografía en uno de esos momentos, utiliza un filtro de densidad neutra para reducir la cantidad de luz que incidirá en el sensor, y, así, podrás mantener un tiempo de exposición prolongado.
• 1. Como es lógico, lo ideal cuando se utiliza un tiempo de exposición prolongado es fijar nuestra cámara con un trípode que evite cualquier vibración. El problema es que con frecuencia no es fácil cargar con uno hasta el lugar en el que se encuentra la cascada, por lo que la mejor opción en este caso es colocar la cámara sobre una superficie estable que nos permita obtener el encuadre apropiado, pero en ningún caso debemos disparar con la cámara en nuestras manos.
• 1. Otro consejo lógico. Si es posible, utiliza un disparador remoto, o, si no tienes uno, emplea el temporizador de la cámara. Lo que sea para no tener que accionar manualmente el disparador.
• 1. Si no tienes un filtro de densidad neutra pero sí un polarizador, úsalo. Reducirá la cantidad de luz que entra en el objetivo y te permitirá utilizar tiempos de exposición más largos. Y, además, eliminará los reflejos que puede producir el agua y las superficies húmedas que rodean la cascada.
• 1. Si decides seleccionar tú la abertura, toma como punto de partida una de f/8, y, si no obtienes el resultado esperado, ciérrala aún más. De esta forma no tendrás problemas con el enfoque.

Imagen | Neils Photography, en Flickr
En Xataka Foto | Truco Express: tres consejos para obtener fotos preciosas de puestas de sol

No es la primera vez que abordamos en Xataka Foto el procedimiento que podemos seguir para fotografiar con éxito una bonita puesta de sol. Estoy seguro de que muchos de los lectores del blog ya dominan esta técnica, pero también es muy probable que los entusiastas de la fotografía con menos experiencia agradezcan que retomemos este tema con un enfoque ligeramente diferente.

Como sabéis, la luz de los amaneceres y las puestas de sol es realmente bella, por lo que si somos capaces de localizar la ubicación apropiada y controlamos la técnica, nada se interpondrá entre nosotros y una fotografía estupenda, de las que merece la pena lucir con orgullo. En los posts que hemos dedicado a esta temática con anterioridad, como este, o este otro, cuya lectura os aconsejo, hemos profundizado ante todo en «la puesta en escena», por lo que en esta entrada nos ceñiremos a tres consejos breves y de índole estrictamente técnica, que os pueden resultar de mucha utilidad. Vamos allá.

• 1. Para fotografiar una puesta de sol lo ideal es utilizar un gran angular, que recogerá la escena con la amplitud que merece. Podemos usar una óptica con focal fija, o bien un objetivo «todoterreno», empleando en este último la distancia focal más reducida. Además, es importante que utilicemos un número f relativamente alto, de f/14 en adelante, para que todo el encuadre quede bien enfocado.
• 1. La relativamente reducida abertura del diafragma y la escasa luz ambiental nos obligarán a decantarnos por un tiempo de exposición prolongado. De hecho, si queréis que los colores tengan un aspecto suave, es una buena idea utilizar un filtro de densidad neutra de 4 o más pasos, de forma que la escena se oscurezca lo suficiente para poder mantener el obturador abierto durante 20 segundos o, incluso, más.
• 1. El dilatado tiempo de exposición que vamos a utilizar provoca que sea imprescindible usar un trípode si no queremos que nuestra fotografía salga movida. Además, es importante también emplear un disparador remoto, o, si no tenéis uno, el temporizador de la cámara. En estas condiciones no es necesario utilizar un valor de la sensibilidad elevado porque el sensor de nuestra cámara estará expuesto el tiempo suficiente para capturar la cantidad de luz adecuada, por lo que no es necesario incrementar la sensibilidad. A 100 ISO es perfectamente posible tomar una fotografía estupenda de una puesta de sol o un amanecer.

Imagen | Neils Photography, en Flickr
En Xataka Foto | Cómo fotografiar amaneceres y puestas de sol

Este libro me lo regaló hace un par de meses mi amigo Diego y he de decir que fue una gran idea que agradezco. Es uno de esos libros sencillos, económicos y con muchísimas fotos para tener a mano siempre en esos momentos donde la inspiración baja. ‘Consigue fotos espectaculares’, de la colección FotoRuta, además cuenta con la participación de varios fotógrafos reconocidos de nuestros país como Javier Sánchez, Tino Soriano, Jorge Sierra, Rosa I. Vázquez, José A. Fernández y David Santiago.

Económico y práctico

Quiero ver fotos, fotos y más fotos

Si lo que necesitas es ver fotos y más fotos, este es uno de tus libros de cabecera. En él se aportan muchas de las principales categorías: paisaje, naturaleza, arquitectura, social, urbana o retrato, aunque lo que predomina principalmente es el paisaje en su más amplio sentido.

También podremos ver diversas técnicas explicadas que nos ayudarán a conseguir resultados similares a los que vemos en las fotografías del libro. Las explicaciones técnicas de las fotografías resultan ser simples y sencillas pero no por ello se quedan excasas, salvo en algunas excepciones, donde, personalmente me he quedado con ganas de saber más de algunas de ellas.

Conclusiones

Un libro que además de su precio reducido, lo cual lo hace tremendamente atractivo, resulta ser eminentemente práctico y eso se agradece. Presentado en casi 150 páginas y casi 100 fotografías, tiene dos apartados, uno al comienzo y otro al final del mismo que denotan el cuidado de la publicación. El primero es un resumen de conceptos fotográficos que facilita al aficionado la aproximación al lenguaje técnico empleado y a las fotografías que verá en el libro. El segundo, un resumen o decálogo de consejos que ayudan a reforzar la experiencia.´

El único ‘pero’ a poner es el reducido tamaño del mismo lo cual impide en algunas ocasiones el ver las imágenes con todo detalle. Las tapas son blandas y comprimir tantas páginas hará, probablemente, que con el uso el libro se deteriore rápidamente, pero por ese precio, se lo perdono, y, como libro de batalla, resulta ser un libro altamente recomendable.

‘Consigue fotos espectaculares’ (Varios autores)

• Editorial: Colección FotoRuta, JDEJ EDITORES
• Precio: 6,90 euros
• Encuadernación: Rústica con solapas
• Páginas: 144
• Tamaño: 12,0 × 20,0 cm
• ISBN: 978-84-15131-16-8

‘Tú también puedes conseguir fotos espectaculares de la mano de grandes fotógrafos, con la selección que te ofrecemos de las mejores fotos de los autores de la Colección FotoRuta. En cada doble página encontrarás una fotografía con su comentario y datos técnicos; siguiendo los consejos de estos magníficos profesionales conseguirás resultados similares. Paisaje, retrato, urbana, nocturna, fauna, social, macro… Encontrarás en esta guía todo lo necesario para sacar el mejor provecho a tu cámara digital.

Más información | Colección FotoRuta, JDEJ EDITORES

A.Connah

La fotografía de alta velocidad se da, sobre todo, en los deportes de acción, donde todo ocurre muy rápido, y casi sin darnos cuenta.

En televisión, era bastante complicado y muy caro conseguir captar esos momentos con una cámara normal, que no graba a más de 30 fotogramas por segundo. Por eso, poco a poco se han ido implantando cámaras de alta velocidad que nos permiten ver, por ejemplo, el paso por curva super lento de un Fórmula 1.

Sin embargo, en el mundo de la fotografía esto siempre ha sido mucho más asequible y fácil de conseguir. Con prácticamente cualquier cámara podemos hacer una buena ráfaga y conseguir velocidades de obturación lo suficientemente altas como para conseguir capturar momentos irrepetibles.

Tenemos varias opciones si queremos hacer fotografía de alta velocidad. Bien podemos quedarnos en casa y experimentar con cosas que nos rodean, o bien salir a la calle y capturar todo aquello que se mueva rápido.

Si nos quedamos en casa, una técnica que nos da muy buenos resultados es la de dejar caer sobre un líquido algún objeto y capturarlo justo cuando toca el líquido. Cuando hacemos esto, en la fotografía queda reflejada la onda y salpicones que genera la caída del objeto. En la foto que vemos a continuación, aparece una fresa cayendo sobre un cuenco de leche. Se ha usado una velocidad de obturación de 1/1000 y además, el uso correcto del flash, ha compensado la poca luz que entra a altas velocidades.

tesKing (Italy)

Aprovechando la técnica de los líquidos también podemos dejar caer gotas de ese mismo líquido sobre sí mismo. La típica foto de alta velocidad es dejar caer unas gotas de agua con un cuentagotas sobre un recipiente lleno de agua.

A.Connah

Otra variante del método es usar una taza de café en vez del recipiente de agua, que queda mucho más original, e incluso romántico.

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Y ya, acabando de jugar con líquidos, ¿por qué no buscamos un grifo que gotee y capturamos esa caída? Es más, podemos incluso servirnos del grifo de la ducha y abriéndolo muy poco, conseguir esa estela congelada de gotas cayendo al suelo. Como siempre, hay muchas variantes en este tipo de fotos. Ya todo depende de lo que nos ofrezca nuestro entorno y nuestra imaginación.

Viditu

Después de estar mojándonos un rato, ¿por qué no probamos a romper cosas? No es necesario tirar al suelo la televisión de plasma del salón. Nos pueden valer cosas mucho más sencillas, como una bombilla rota. Ahora eso sí, si queremos romperla bien y que el resultado sea espectacular, tenemos que tirarla con muchas ganas al suelo. Si lo hacemos bien, conseguiremos algo parecido a esto:

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Después de haber barrido el estropicio que hemos montado con la bombilla rota, vayamos a la cocina y busquemos alguna fruta. Mejor que nos salgamos a un sitio con el suelo muy duro y mejor que sea en la calle, porque podemos ponerlo todo perdido. ¿Qué tal si cogemos un coco y lo destrozamos con todas nuestras ganas? Si somos capaces de capturar el momento, nos saldrá una gran foto como esta:

Bindaas Madhavi

Otra opción que tenemos, y que es super interesante es si tenemos la oportunidad de asistir a una demostración aérea, fotografiar los aviones. Aunque la típica foto de los aviones en el cielo la puede capturar cualquiera de manera muy fácil, lo que sí puede ser la mar de interesante y a su vez complicado, es hacernos con un teleobjetivo y sacar un bonito primer plano del avión. Esto sólo lo conseguiremos con mucho pulso y sabiendo encuadrar en el momento oportuno, a alta velocidad. Para “garantizar” una buena toma se hace como poco imprescindible el uso de la ráfaga en nuestra cámara.

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Si no tenemos la suerte de asistir a un desfile aéreo, podemos aprovechar también cualquier carrera en circuito para poner en práctica nuestras dotes de capturar fotos en alta velocidad. Bien puede ser una carrera de Fórmula 1, de motos o incluso una carrera de deportivos normales. Depende de dónde nos coloquemos, necesitaremos de un teleobjetivo o no, y la calidad de nuestras instantáneas variará.

La calidad de una fotografía en circuito dependerá en gran parte del lugar en el que nos coloquemos. Ya que no será lo mismo ponernos detrás de las redes de contención en las gradas de una carrera de Fórmula 1, que si nos ponemos tras las protecciones en una curva en una carrera organizada por unos amigos si alquilamos el circuito. En los dos ejemplos que se muestran a continuación se pueden ver los dos extremos:

Squicker

thirtyfootscrew

Foto de cabecera | Flickr

Foto | Luis de la Fuente Sánchez

Está claro que cada fotógrafo es un mundo y que cada uno tenemos nuestras preferencias y gustos a la hora de tomar una fotografía. Sin embargo, a partir de estos distintos puntos de vista, podemos tomar un enfoque de distintos tipos de fotógrafo.

Conozco a gente que se compra una cámara réflex super entusiasmados con entrar en el mundo de la fotografía, y se empeñan en utilizar la cámara en Modo Manual contínuamente. Y la verdad, conocer el Modo Manual de la cámara está muy bien, pero no eres mejor fotógrafo por tardar 5 minutos en tomar una fotografía.

Es verdad que para un bodegón, puede estar bien tomarnos nuestro tiempo. Aún así, personalmente creo que debemos servirnos de algunos de los automatismos que nos ofrecen las cámaras digitales, aunque sean réflex. No estoy hablando de disparar totalmente en Automático, sino más bien de dejar controlar la exposición de manera automática, incluso la sensibilidad.

Foto | RaidersLight

Cuando estamos fotografiando escenas de acción, ya sean deportes o gente en movimiento, no podemos permitirnos el lujo de perder tanto tiempo en ajustar los ajustes, valga la redundancia, de la cámara para cada situación y momento. En realidad sí que podemos, pero perderemos muchas fotografías de “ese momento” irrepetible, y que si hubiéramos dejado la cámara hacer parte de su trabajo, habríamos conseguido capturar.

Uno de los modos que más utilizo es el de Prioridad de Obturación y Prioridad de Apertura. Con el primero se a qué velocidad tengo que disparar en función de la escena en la que me encuentre. Por ejemplo, si estoy fotografiando un partido de fútbol sala en un escenario interior, bajando de 1/200 seg sería imposible obtener una foto estática de los jugadores. Aquí es cuando entran en juego los automatismos de la cámara, que me ajustará el ISO y la exposición automática e instantáneamente para que mi foto salga correctamente.

Foto | Desirée Delgado

¿Y qué pasa si estoy en una sesión de fotos y quiero conseguir un buen desenfoque en los primeros planos? Si utilizara la cámara en Modo Automático, ésta ajustaría la apertura del diafragma y velocidad automáticamente, no dándome quizás toda la apertura que yo quisiera. Es aquí donde entra el Modo Prioridad de Apertura, en el que mi cámara ajustaría automáticamente la velocidad para que la fotografía saliera correctamente expuesta, seleccionando yo que quiero siempre la máxima apertura.

Con todo esto quiero llegar a la conclusión de que no por ser usuario de una cámara réflex debemos prescindir de todos los automatismos y ser absolutamente puristas. Debemos aprovecharnos de la tecnología y que ésta trabaje para nosotros. No tenemos que rechazarla, simplemente utilizarla cuando la necesitemos. Nosotros somos los que le ordenamos a la cámara qué es lo que queremos. Las variables que no están a nuestro alcance en un corto período de tiempo mejor que las dejemos en manos de la electrónica, que hará su trabajo correctamente en la mayoría de las ocasiones si la configuramos correctamente.

¿En qué formato disparo?

Foto | Sphinx!

Luego está el formato que elegimos para disparar. ¿JPG o RAW? RAW, sin duda. Después de mostrarme reacio a utilizarlo durante tanto tiempo, es cierto que nos ofrece muchas más posibilidades a la hora de mejorar una foto que perfectamente podría acabar en la Papelera de Reciclaje.

Aún así, el JPG no lo abandono para siempre, pues hay ocasiones en los que el RAW no me es necesario. Así que quizás se pueda seguir la siguiente regla: si no quieres procesar tus fotos posteriormente, o los retoques son ínfimos: JPG. Sin embargo, si estás realizando un trabajo serio y harás un procesado posterior de las fotos, elige RAW sin duda.

Foto de cabecera | Flickr