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Mucho antes de que los selfies se pusieran de moda y que se inventara Instagram muchos fotógrafos practicaban el autorretrato como una forma de arte. Y de todos ellos seguramente el caso más famoso es el de Cindy Sherman, fotógrafa, modelo y cineasta que se hizo famosa allá por los años 70 por fotografiarse a sí misma en diferentes actitudes y con diferentes caracterizaciones (llegando incluso a transformar su físico) para contar una historia, lo que la procuró un gran éxito (una de sus fotos está entre las más caras de la historia).

Victor Ivanovski propone un viaje a través de unas fotografías que pueden encontrarse cómodas en una clasificación que vaya a caballo entre lo conceptual y lo surrealista. Desde sus primeros trabajos a color hasta los últimos en blanco y negro la idea parece ser siempre la misma: no dejarnos indiferentes.

Promoción del arte sigue ofreciendo material para fotógrafos enfocados al sector artístico, en esta ocasión pone al alcance de todos una guía que formó parte del taller que Castro Prieto y Chema Conesa impartieron hace unos meses. En dicho curso quisieron promocionar el trabajo de jóvenes autores guiándoles en el desarrollo de sus proyectos personales.

La guía para proyectos fotógrafos recoge, en apenas menos de 20 folios, los puntos claves para que un fotógrafo pueda dar salida a su obra. Ya hemos hablado en diversas ocasiones sobre los distintos formatos con los que podemos presentar nuestras series fotográficas, los cuales vienen también señalados en el pdf que se ha puesto a disposición del público en la red.

Supongo que al tener siempre la fotografía tan integrada como un arte más gracias a la carrera de Historia del Arte, este tipo de reflexiones que nos hacen situar esta disciplina, según el debate, dentro o fuera de las bellas artes no es algo que sea una sorpresa para mí, pero sin embargo creo que es interesante para todos aquellos que aún siguen pensando en la fotografía como una forma de manifestación aparte sin esa integración de la que vamos a hablar.

Fue hace unos días cuando tuvo lugar una mesa redonda en el IED de Madrid, donde los artistas Miguel Ángel Tornero y Nicolás Combarro plantearon su punto de vista al respecto basándose en la experiencia de su trabajo. Los dos crean un tipo de obra donde la fotografía es utilizada como una herramienta más de expresión. Una obra donde integran otras manifestaciones como piezas ready made (esculturas) y collages entre otras formas de hacer arte.

Bajo el título You haven´t seen their faces (“No habéis visto sus caras”) Daniel Mayrit presentaba hace unos días el fotolibro basado en su trabajo expositivo, el cual ya tuvimos ocasión de conocer en el pasado festival de PHotoEspaña 2014, concretamente en las muestras presentadas en el Círculo de Bellas Artes y en el Teatro Fernán Gómez.

Un trabajo que ha pasado de las paredes al libro con la dificultad que ello conllevaba, en un primer momento impensable para el propio autor, pero finalmente llevado a cabo por la insistencia de la editorial Riot Books que apostó por el proyecto desde que lo vio expuesto. Gracias al trabajo conjunto y a la implicación de la editorial, que por otro lado es algo que les caracteriza, se ha podido poner a la venta una edición limitada que ha conseguido preservar todo aquello que la exposición nos enseñaba.

Dentro de la sección "Behind the photos" de la revista TIME, en esta ocasión le ha tocado el turno a Stephen Shore, pionero de la fotografía en color. La foto que ha sido objeto de atención para el artículo, fue una que el fotógrafo tomó en blanco y negro a la edad de 12 años. Una toma que precisamente llamó mi atención en la exposición que tuvo lugar en Mapfre (Madrid) y que para mí reflejaba ya toda una declaración de intenciones sobre lo que sería la marca personal de este maestro.

Me llamaba la atención la narrativa de esta fotografía donde aparece un equipo juvenil de fútbol en el momento que es retratado por el fotógrafo oficial. En la toma sale parte de ese equipo pero también el fotógrafo además de la sombra de Stephen Shore que estaba situado justo delante de todos ellos, y que podemos diferenciar del resto de sombras porque aparece en posición de estar sujetando una cámara.

La pregunta que todos nos hacemos cuando invadimos la intimidad retratando personas sin su consentimiento se ha puesto del lado del fotógrafo en un caso concreto acontecido en EEUU. Allí una familia denunció al autor de unas fotografías presentadas en una exposición donde ellos aparecían como sujeto de las mismas.

El fotógrafo había estado tomando fotografías de sus vecinos, de incógnito y a través de la ventana, con la intención de retratar las costumbres del ser humano en su día a día, de una manera global y sin querer focalizar la atención en el protagonismo individual de los fotografíados. Precisamente y por esa cuestión, unido a que las instantáneas se convirtieron automáticamente en obras de arte al estar expuestas en una galería y que no habían sido utilizadas con fines comerciales ni publicitarios, la sentencia dictaminó en favor del fotógrafo.

Jörg M. Colberg abrió una ventana al mundo de la fotografía contemporánea gracias al blog Conscientious y, aunque muchos se habrán acercado a su figura gracias al último número de la revista Ojo de Pez donde nos ofrece una serie de trabajos sobre la verdad fotográfica a través de varios autores, hace ya tiempo que puso a disposición de internet el contenido que nos hacía estar al tanto de las últimas vanguardias fotográficas.

Para quien no lo conozca, Conscientious es un blog donde se cuelga contenido afín a fotógrafos contemporáneos. Un escaparate indispensable para los jóvenes y no tan jóvenes fotógrafos que quieran estar al corriente de lo que se cuece en la palestra contemporánea. Desde el link "archives" ya nos abre un ilimitado catálogo de enlaces que nos llevan a conocer desde revistas y otras publicaciones a fotógrafos, a los cuales accedemos gracias a una galería donde podemos curiosear aquel que por su imagen de ejemplo ya nos llame la atención.

En fotografía hay una línea muy delgada entre lo erótico y lo vulgar. Muchos son quienes traspasan los límites llevándonos a imágenes que quedan despobladas de alma porque no consiguen adentrarse en lo que verdaderamente importa del erotismo, del fetichismo y de todos esos componentes que nos llevan a despertar la imaginación, a alimentarla.

Antonio Graell, sin embargo, ha conseguido a través de sus trabajos, ambientar ese mundo oscuro del deseo desde una perspectiva fotográfica en algunos casos explícita pero al mismo tiempo subrayada por sombras. Cuidada respecto a una luz que nos deja en tinieblas, como cuando traspasamos el umbral de lo prohibido y nos ciega la oscuridad.

Encontrar el nicho en el cual movernos fotográficamente, incluso encontrar esa serie que puede destacar sobre el resto, es lo que podemos reflexionar con el trabajo de Daisuke Takakura, un joven fotógrafo japonés (nació en 1980), que trabaja además como diseñador y que hoy merece ser comentado por su obra "Monodramatic".

En ella, de corte púramente conceptual, nos ofrece una serie de juegos fotográficos donde lo interesante es la repetición de los personajes que aparecen en las fotografías. Tomando como base un escenario de la calle o de interior, lo rellena por un mismo sujeto que aparece repetido situándose en el sitio asignado realizando una acción, más coherente o menos coherente dependiendo de la influencia que ha recibido esa imagen.