El término minimalista, en su forma más general, se refiere a cualquier cosa a la que se haya despojado de lo no esencial, que proporciona solamente un esbozo de su estructura, es la reducción al mínimo de un concepto cualquiera.

Como corriente artística tiene su origen en una evolución del arte occidental posterior a la segunda guerra mundial e iniciado en la década de los 60. Esta corriente artística tiene influencias del constructivismo, y uno de sus difusores fue el pintor abstracto americano Ad Reinhardt, que utilizó este planteamiento reductor en sus últimas pinturas.

Pero vayamos a nuestro tema, en fotografía el minimalismo no tiene mucha diferencia con lo anteriormente dicho. Lo principal para afrontar la realización de fotografía minimalista es la composición, factor fundamental aun más si cabe, teniendo en cuenta la mínima cantidad de elementos a incluir en la imagen que realicemos.

Parecen increíbles las imágenes que podemos obtener de algo tan simple como una gota de agua. Lo que necesitamos es un objetivo para macrofotografía, si es posible con anillas de extensión para amplificar el poder de acercamiento del objetivo, o un dispositivo para invertir el objetivo en nuestra cámara.

El secreto de este tipo de fotografía, consiste en la característica lenticular de una gota de agua, que hace que la imagen que está detrás de la gota aparece invertida en la superficie de la gota, con la deformación propia de su forma esférica.

Muchas veces me doy cuenta que una vez he tomado unas fotografías y las proceso, el resultado final está limitado por dos barreras inconscientes que me impongo: el tamaño de la fotografía (que siempre seguirá la proporción ideal por si me pica y la llevo a imprimir en un laboratorio) y el absurdo concepto de que una foto es una imágen.

Si no adivinas que camino estoy tomando no te preocupes, ya que hoy vamos a desmontar semejantes obstáculos mediante ejemplos. A ver si así lo tenemos (y lo tengo) más en cuenta de cara a futuras ocasiones y exprimimos un poco más nuestra capacidad creativa. Te aviso de que este es un post cargadito de imágenes…

En esta entrada quiero hablaros de lo que creo que es una buena estrategia para localizar ubicaciones donde hacer fotografías. No estoy hablando de salir a buscarlas, estoy hablando de una rutina permanente que puede ayudarnos a encontrarlas y luego aprovecharlas.

En primer lugar, el requisito indispensable es pensar constantemente en la fotografía, en nuestro día a día. Yendo a trabajar, al hacer el recado de esta tarde, al ir a comprar el pan, al salir de costillada con los amigos, al visitar a un cliente… Siempre, claro está, en la medida de lo posible. Y entonces esperar a que nos salte la alarma fotográfica.

Lo más normal es que en ese momento no tengamos la cámara o quizás sí la llevemos encima pero no sea el momento más apropiado para realizar la foto (aunque sea el caso, conviene no desaprovechar el llevarla y hacer la foto). Lo que sí es bastante sencillo que lleves en un bolsillo o tu bolso es un movil con cámara. ¿Qué te parece tomar una foto de la localización para no olvidarla y aprovecharla en un futuro? Incluso más que la localización como tal, puedes incluso tomar una foto que sea un boceto de lo que pienses que podría ser una foto interesante.

Tenemos más carne voluntaria a ser devorada por nuestras hambrientas necesidades de criticar todo lo que se nos ponga por delante… Y en este caso, el temerario es fjcardenaspozo con la fotografía titulada Opera Nacional.

Pero antes de lanzarnos al ruedo queremos agradeceros el haberos presentado voluntarios para esta sección (hemos recibido muchos correos) y además pediros disculpas por no poder criticar todas vuestras fotografías (hemos recibido muchos correos). Sin más que contaros, vamos a lo que nos interesa, el duelo:

De entre los géneros fotográficos, la abstracción es uno de los menos frecuentes, quizás más practicado por artistas de la imagen y algunos pocos fotógrafos especializados. Pero, hoy día, gracias a las inmensas posibilidades de la fotografía digital y del posterior procesado en el ordenador, cultivar la fotografía abstracta es mucho más sencillo. Además, supone un enorme campo de experimentación, ideal para dar rienda suelta a la creatividad encorsetada que muchas veces no sabemos destapar.

En ocasiones, romper la reglas, probar nuevas composiciones, encuadres y velocidades de obturación, pueden conjugar resultados sorprendentes. Pero no basta con abandonarse al albedrío y esperar que el resultado, por fortuna, depare un resultado interesante. Hay que tener claro qué queremos transmitir, cualquier motivo vale, pero es importante que sea una forma de expresión, de comunicación con el espectador.

Las fotografías de siluetas a contraluz suelen ser tomas muy sencillas, pero a la vez muy atractivas. Si bien es cierto que para lograrlas hay que estar en el sitio adecuado en el momento adecuado y, por supuesto, con los correctos ajustes de exposición. A pesar de su simplicidad, son imágenes complicadas de conseguir, sobre todo, si buscamos potenciar el impacto que causan, y queremos lograr transmitir sentimientos fuertes como calma, inquietud, miedo,...

En principio, una silueta es cualquier forma sobre un fondo claro o muy iluminado, donde el sujeto es una simple forma negra que queda resaltada. Lo más común es que la fuente de luz sea el sol, por ejemplo en un atardecer, lo que provoca que gran parte de la imagen quede subexpuesta.

Ya os habíamos avisado. Tan solo tenéis que presentaros voluntarios y sacaremos a la palestra alguna de vuestras fotos. Así de fácil. Y en este caso, el valiente ha sido Amir K., que nos ha mandado su cuenta de flickr para que elijamos una instantánea y le demos un buen repaso. Amir, leas lo que leas por aquí, en Xataka Foto te admiramos por tu valentía. A ver si el sr Cabezón es tan valiente como para poner toda la carne sobre el asador después de mi crítica…

Un magnífico plato de comida o una cesta llena de ricas verduras y fruta son estupendos motivos fotográficos, que no siempre se escogen como recurrentes entre los aficionados. Sin embargo, resulta muy satisfactorio probar a fotografiar alimentos, supone una dificultad añadida pero, por ello es muy estimulante.

Al menos a mí así me ocurrió una vez. No hace mucho tuve que realizar unas fotos de distintos platos para después diseñar una carta de comidas. No era nada excesivamente profesional, puesto que para lograr esas imágenes que vemos en las vallas publicitarias (por cierto llevan un enorme trabajo de retoque) hay que contar con un gran equipo y conocimiento, por ello al principio me resultó un abismo.

Solemos centrarnos mucho en la tecnología de las cámaras y también en la técnica. Son elementos fundamentales para todo fotógrafo, esenciales tanto conocer bien la máquina con la que fotografiamos, como adquirir experiencia y fortalecer nuestra técnica fotográfica. Pero el tercer pilar que necesitamos para progresar y para subir un escalón en cuanto calidad es lograr un estilo propio.

Es fácil definirlo y entenderlo, pero mucho más complejo alcanzarlo. Podemos tener ojo fotográfico, dominar la técnica y la tecnología pero aquello que se requiere para que una imagen sea identificable con nosotros, es disponer de un marcado estilo propio. Como se ha definido en alguna ocasión, el estilo fotográfico es la prolongación de nuestra personalidad, por ello todo fotógrafo anhela que sus capturas se diferencien y se identifiquen.