El mundo de la fotocomposición requiere de mucha planeación y trabajo. Sin embargo, con las herramientas y técnicas adecuadas, ese trabajo puede ser aún más sencillo. Este es el caso de la técnica de curva invertida para trabajar las luces que prompone Unmesh Dinda a través de su canal de Piximperfect.

Como se puede ver en el vídeo, Unmesh nos presenta con una alternativa diferente al proceso de controlar la luz, con curvas invertidas. Como lo menciona, esta forma nos da mucho más rango y libertad en la forma que iluminamos u oscurecemos, aunque así mismo requiere que tratemos la técnica con cuidado para que no se pase y se vea extraño. Con este método, se puede dar más profundidad a las sombras de manera natural (incluso si tintamos); así mismo podemos ajustar los brillos y buscar más claridad incluso en tonos muy oscuros, lo que da un efecto más realista.

Si bien este método está siendo usado para controlar iluminación en fotocomposición, puede ser usado para más procesos de retoque y edición digital.

Para ejemplificar el vídeo vamos a tomar la imagen de abajo como ejemplo.

Podemos ver sujeto recortado y fondo. El fondo sobre el que trabajamos es una imagen de Satoshi Hirayama tomada del portal de imágenes libres Pexel. Lo primero que podemos trabajar es el fondo y,así, dejar una base sobre la cual trabajar. En este ejemplo utilizamos los filtros de Camera Raw y desenfoque Tilt-Shift.

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Para complementar en tonos, también podemos agregar un par de luces falsas creando capas rellenas al 50% y luego yendo a Filtro > Interpretar > Efectos de Iluminación.

A esto, el primer paso que propone Unmesh es crear una base sobre el sujeto que vamos a componer en la escena. Para ello debemos ajustar niveles de blanco y negro con una capa de ajuste de 'Curvas', podéis ver en detalle los métodos para hacerlo en nuestro tutorial de ajuste de niveles. Y podemos usar una o varias capas de ajuste para ajustar los tonos de la escena sobre el sujeto, podéis ver nuestro tutorial sobre cómo utilizar el mapa de degradado.

Creamos la primera capa de ajuste de ‘Curvas’ para trabajar las altas luces. Para ello subimos el punto negro a la izquierda de la curva. Para agregar tintes podemos subir igualmente el punto negro de cada canal (agregar ese tono) o comprimir la información arrastrando el punto de canal hacia la derecha (agregar el complementario). Luego pintaremos sobre las áreas donde la luz caería en el sujeto integrado.

Después creamos nuestra segunda capa de ajuste de ‘Curvas’ para trabajar las sombras. Bajo la misma lógica, bajamos el punto de blanco desde la derecha de la curva. Así generamos sombras más profundas. Para tintar podemos entrar en cada canal y bajar el punto blanco (agregando el complementario al tono) o comprimimos la curva hacia la izquierda (agregando el canal al tinte).

Para terminar de ajustar al sujeto podemos agregar algunas capas adicionales de ajuste. En este caso un par de curvas para afinar el contraste y agregar brillos sobre el cabello y el contorno.

Finalmente, ayudamos a mezclar fondo y sujeto aún más con ajustes globales que nos ayuden a darle más unidad a la imagen. En este caso utilizamos unas capas de ajuste de curvas y una capa de corrección selectiva.

Abajo podéis ver el resultado final.

Este sistema de acercarse al manejo de luces puede ser de utilidad cuando requerimos mayor manejo del material con el que trabajamos. Como siempre, una ventaja de trabajar con capas de ajuste es el poder ajustar según opacidad y poder volver ya que trabajamos de manera no destructiva. ¿Qué os parece esta técnica?

Para poder desarrollar nuestras habilidades es importante analizar imágenes, revelarlas, editar y retocar, explorando al máximo nuestros niveles y cómo podemos mejorar.

Muchas veces, nos quedamos encerrados en nuestro catálogo de imágenes, lo que nos limita a nuestro nivel de producción y una visión más reducida. Una forma de expandir la mente y abrirse camino entre esas limitaciones es accediendo a nuevo material que se aleje de nuestro trabajo y nos imponga nuevos retos de aprendizaje.

En esta entrada os mostraremos una selección de páginas de material fotográfico libre de derechos al que podéis acceder para conseguir imágenes gratis,. desde material crudo a imágenes generales que podéis llevar al mundo de la postproducción en este camino de desarrollo.

A considerar

Todas las páginas a las que podemos acceder en este listado cuentan con el trabajo realizado por nuestros colegas. Si bien la mayoría son libres de derechos, no significa que podemos aprovecharnos de su trabajo, hacerlo pasar por nuestro o revenderlo para obtener ganancias.

Este material normalmente está pensado para un catálogo stock que ayuda a la difusión del trabajo en línea y a la colaboración. En otras ocasiones, es material de un fotógrafo o una institución que puede ayudar a muchos a experimentar con niveles de producción, sujetos o modelos que no están dentro de nuestro estilo de producción o que puede estar fuera de los límites de producción de un estudiante.

Este material debemos usarlo con responsabilidad, y una muy buena idea es hacerlo con el propósito de mejorar nuestras habilidades.

Desde el revelado

Comenzaremos con un listado de páginas en las que podemos conseguir material crudo. Aunque principalmente cuentan con tomas de tipo de moda, retrato y editorial, en algunas de ellas encontraremos paisaje, arquitectura, producto y otros estilos para explorar.

La ventaja de explorar y editar material RAW es que nos permite entender el flujo de trabajo desde el revelado. Con este material hay que ver cómo aprovechar al máximo la información de la imagen y cómo obtener una base muy limpia y completa para la edición final.

Aquí están las páginas:

• Fix The Photo: esta página de editores y retocadores de imágenes vende estos servicios a sus clientes. Dentro de su blog cuentan con varios consejos sobre el mundo del retoque y la edición. También cuentan con una sección de descarga de material RAW donde podrán encontrar retrato, beauty y producción avanzada.

• Retouching Academy Lab: Además de vender un plugin especializado para agilizar el flujo de trabajo en el retoque, la página cuenta con clases online explicando cómo retocar, hacer gradación de color y otros cursos más. También tienen una sección con algunos retratos para descargar y practicar.

• Spectacle Photo: Esta agencia fotográfica cuenta con varios fotógrafos y artistas para ofrecer un gran servicio de calidad. Tienen una página dedicada a ayudar a quienes quieren aprender a editar y retocar imágenes y, entre ellas, cuentan con paisajes, personas e incluso un material para quienes quieren sacar algo más creativo enfocado en el cosplay.

• Hasselblad: Para quienes quieren trabajar con material más pesado, la famosa marca de cámaras y objetivos de formato medio tiene una sección donde podemos descargar imágenes crudas, TIFF y archivos de alta calidad para ver el poder de sus sistemas. Una buena forma de entrar a un flujo de trabajo más pesado.

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El mundo stock

Las páginas de stock de imágenes son una buena fuente para encontrar todo tipo de material. Retratos, paisajes, arquitectura, naturaleza y mucho más. Si bien el catálogo de las páginas gratuitas no es tan amplio como el de un servicio de pago, para nuestro objetivo de practicar, aprender y trabajar nuestras habilidades es perfecto.

Así mismo, utilizando estas imágenes podemos salir del revelado a la edición, el retoque y, si son más aventureros, el mundo de la fotocomposición digital. Este último siendo el ejercicio definitivo para ver nuestro dominio de las herramientas de Photoshop.

Como todas las páginas de stock fotográfico son similares, solo mencionaré los que, para mí, son los tres mejores servicios en calidad y variedad de imágenes**:

• Pixabay

• Pexels

• Unsplash

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Trabajar sobre archivo histórico

Finalmente, una buena manera de practicar puede ser bajo la manipulación del material fotográfico de archivo. Daguerrotipos, fotografías de época, astrofotografía y demás archivos están disponibles para que practiquemos técnicas diferentes. Estos son algunos de los servicios:

• Flickr Commons: Flickr tiene una gran galería de patrimonio público de más de 100 instituciones educativas y del gobierno. Entre ellas, millones de imágenes libres de derecho que nos permitirán explorar una gran variedad de estilos fotográficos.

• Colección en línea de Paris: Como mencionamos anteriormente, el grupo de museos de la ciudad de Paris liberó más de 65.000 imágenes de obras, fotografías y otros materiales que se pueden ver en su galería especial.

• Colección del Museo Británico: Las siguientes dos colecciones las presentamos recientemente en otra entrada. La primera de ellas es el museo británico, quien ha liberado 1.9 millones de imágenes de fotografías, esculturas, artefactos y demás material que tiene el museo para ofrecer. Una galería muy completa y atractiva.

• Colección de la Biblioteca Nacional de España: Así mismo, la BNE ha liberado más de 25 millones de archivos entre los cuales podemos encontrar un gran catálogo de fotografías para descargar. La colección de la BNE está dividida entre la Biblioteca Nacional Digital y la Hemeroteca Digital.

• NASA: Finalmente, si estamos buscando un material fuera de este mundo, la galería de la NASA cuenta con grandes imágenes. Desde registro fotográfico de las misiones, a capturas realizadas fuera de la órbita. Otra colección para no perderse.

¿Conocéis alguna más que sea recomendable?

Hablamos de ella con bastante frecuencia, y del mismo modo que decimos que la Regla de los Tercios es un recurso muy útil para conseguir una mejor composición (sobre todo en el caso de los novatos), casi siempre añadimos también que no es para nada una norma que haya que seguir a rajatabla. Por eso, solemos recomendar romperla pero ¿cuándo es aceptable hacerlo?

Como sabréis, esta regla consiste en dividir la imagen en nueve zonas a través de cuatro líneas imaginarias que se cruzan en el mismo número de puntos. Lugares en los que se recomienda situar los elementos de interés de la foto, al mismo tiempo que las líneas se usan como referencia para las que puedan aparecer en el cuadro (por ejemplo el horizonte).

Todo esto se hace con el fin de obtener una composición más equilibrada y dirigir la mirada del espectador hacia los puntos clave. Además, uno de sus principios básicos es ayudar a los fotógrafos menos experimentados a evitar ciertos errores muy usuales. Por ejemplo el de situar siempre al protagonista de una foto justo en el centro. Otro el de situar la línea del horizonte justo en la parte central de la imagen.

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Aplicar la regla de los tercios es una manera sencilla y efectiva de evitar estos errores y obtener resultados mejores, pero ¿significa que siempre se debe evitar el centro como lugar para situar el punto de interés o como eje del horizonte en una toma para que ésta sea atractiva?

La respuesta a esta pregunta, como ya habréis adivinado, es que no, que no siempre se debe huir del centro ni para situar el elemento de mayor peso visual ni como referencia del horizonte… Entonces ¿cuándo se puede romper la regla de los tercios? Esta tiene una respuesta más complicada y, al tiempo, más sencilla: Siempre que se considere oportuno.

Pero ¿cómo saber que es oportuno? La respuesta la encontraremos fundamentalmente en la práctica y la experiencia, que son la mejor receta para avanzar. Es decir, con el tiempo y la constancia veremos como nuestras fotos mejoran, cómo asimilamos los conceptos compositivos y los volcamos en nuestras fotos y cómo, con ello, vamos arrinconando la regla de los tercios como una simple norma a la que recurrir en determinados casos.

Claro que una pequeña ayuda en forma de ejemplos siempre viene bien, y eso es justo lo que nos hemos propuesto hacer con este artículo en el que vamos a mostrar ejemplos de composiciones que rompen la regla de los tercios y, sin embargo, funcionan adecuadamente (ojo, tampoco es que sean “fotones”).

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Centrar la imagen a veces no es mala idea

La primera de las situaciones que hemos mencionado, elegir el centro como punto principal, es casi con toda seguridad, la más recurrente. Pero, como decíamos, esto no tiene que significar que no se pueda conseguir un resultado armonioso como nos proponemos demostrar.

Empezando por, sin duda, uno de los ejemplos más claros que encontramos en el campo del retrato fotográfico. Al fin y al cabo, si lo que queremos es atraer la atención del espectador sobre un elemento claramente protagonista, y evitar despistes a otros elementos, lo más rápido y efectivo es situarlo directamente en el centro como en el ejemplo de arriba (un retrato “clásico”).

Esto funciona también en escenarios con bastantes elementos que pueden distraer la mirada del espectador. En estas situaciones, elegir un elemento en concreto y darle importancia, haciendo que lleve el mayor peso visual, es una manera de lograr que el observador tenga un punto principal en el que fijar su mirada. En el ejemplo de abajo lo potencié además con un cierto desenfoque del fondo.

Por el contrario, si queremos hacer una toma en la que no haya elemento alguno que distraiga la atención, podemos recurrir a los planos detalle. En este tipo de tomas suele ser difícil aplicar la regla de los tercios, y generalmente funciona bien una composición central como la de abajo.

Hay muchísimas situaciones en las que situar el elemento principal en el centro de la imagen puede ser una buena idea. Así que os pongo algunos ejemplos más de fotos en las que seguramente haber aplicado la regla de los tercios creo que no las hubiera mejorado en absoluto:

¿Por qué no centrar el horizonte?

En ciertas disciplinas, como la fotografía de paisaje, se suele aplicar una máxima que dice que nunca hay que situar la línea del horizonte en el centro de la imagen. En su lugar, lo mejor es usar una de las horizontales que resultan de la regla de los tercios, decidiendo que suelo o bien cobren protagonismo sobre la otra parte.

Sin embargo, como ya hemos adelantado, esto es una norma que no debe tomarse de forma estricta y se puede romper siempre que lo consideremos oportuno. Por ejemplo como en el paisaje crepuscular de arriba, donde lo que trataba era de que la foto tuviera simetría entre ambas zonas, de manera que obtuviese una especie de efecto espejo.

Claro que también se puede hacer con dos partes claramente diferenciadas, como en la imagen de abajo donde consideré que la composición estaría más equilibrada si repartía ambas zonas de forma igualitaria para conseguir equilibrio de acuerdo a los elementos de la escena.

Buscando la simetría

Los ejemplos del apartado anterior ya utilizan de cierta manera este mismo principio, el de componer una imagen basándonos en la simetría. Esto no significa otra cosa que buscar el máximo equilibrio intentando que haya dos zonas en la imagen que sean prácticamente iguales y tengan un peso visual equivalente.

Es el caso de la foto de arriba, donde centré la composición en busca del mayor equilibrio, o de la de abajo, donde busqué el momento de captar los trenes de manera que ambos lados fueran simétricos y potencié el interés de la imagen con un sujeto situado en el centro. Este recurso, utilizar la simetría para dirigir la mirada a un elemento situado en el centro, suele funcionar muy bien.

Claro que lo contrario, buscar la asimetría, también puede dar buen resultado. Es el caso de la siguiente imagen, de estilo minimalista, en donde justo lo que pretendía era dar interés a la foto contraponiendo dos zonas del mismo tamaño pero con un contenido muy diferente.

Como en el epígrafe anterior, hay muchas posibilidades de sacar partido a la simetría y obviar el uso de la regla de los tercios así que os pongo algunas imágenes más a continuación. La primera un curioso ejemplo de simetría: En el neoyorkino barrio de Brooklyn hay un lugar desde donde se puede ver, a lo lejos pero justo debajo del puente de Manhattan, el famoso Empire State Building (si os suena es porque aparecía en el cartel del clásico cinematográfico Érase una vez en América).

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Otras situaciones

Como venimos diciendo, hay muchas escenas en las que se puede obviar la regla de los tercios, y una de ellas es claramente cuando lo que se busca es una imagen cuya composición llame la atención del espectador. Es el caso de la foto de abajo, donde busqué vaciar una parte de la imagen para potenciar la otra lo que, al mismo tiempo, me permitía situar al protagonista en el centro (y compensar así su reducido tamaño).

También podría ser el caso de composiciones minimalistas, donde la escasez de elementos puede hacer conveniente recurrir a situar lo más importante directamente en el centro como en la foto de abajo (aunque en otras situaciones la regla de los tercios puede ser muy útil, todo depende).

También en el caso de fotos más o menos improvisadas, como en la fotografía callejera donde muchas veces se toman imágenes sin encuadrar de forma premeditada, como en el ejemplo que sigue.

O de este otro, la foto de abajo, en donde, de forma inesperada, experimentando con la profundidad de campo y un encuadre bastante radical (a ras de suelo) obtuve una toma espontánea (que me gusta bastante) gracias al niño que corría arrastrando su camión por un parque.

Por último, no podemos dejar de mencionar la influencia de Instragram, una red social que, nos guste más o menos, se ha convertido en una referencia para los fotógrafos y su formato cuadrado en una tendencia. Y, como podéis comprender, en este formato aplicar la regla de los tercios resulta más complicado (y también absurdo), con lo que se tiende a las composiciones centradas.

Como habéis visto, la regla de los tercios es de fácil aplicación y muy útil en muchas situaciones, pero desde luego no es una regla perfecta ni aplicable en todas las tomas. Como norma general, podemos romperla siempre que pensemos que el resultado va a ser mejor, como en las situaciones que os hemos mostrado. Eso sí, gracias a las ventajas de la fotografía digital también podemos probar ambas opciones y luego comparar ¿No os parece?

Fotografías de Oscar Condés

Kristina Makeeva es una fotógrafa rusa que se presenta como alguien que le gusta capturar lo bello dentro de lo ordinario del cotidiano. Su trabajo se enfoca en la fotografía conceptual. Para ella, 14 años de experiencia siguen siendo poco, pues algo nuevo se aprende cada día.

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Sigma 14-24 mm F2,8 DG DN análisis: la revisión de un zoom gran angular con más poder de resolución y ligereza

Makeeva tiene una visión fantástica sobre el mundo. Para mostrar aquello, su trabajo es una mezcla de composición digital con un acabado natural. Gracias a esta naturalidad, nos podemos sumergir en la fantasía de sus fotografías como si fuera una escena del día a día. En sus palabras, “para que el espectador sea capaz de creerte, las fotografías deben ser lo más realistas posibles, siguiendo las leyes de la física, biología (en algunos aspectos) y química”.

Dentro de su serie Wanderlust, la fotógrafa explora un acercamiento del sujeto y el espacio. Las modelos posan de manera cercana a la fotografía de moda, mientras sus fondos podrían ser una buena muestra de fotografía de paisaje y arquitectura. Esta mezcla nos lleva a imágenes cautivantes que impactan de un primer vistazo. Un trabajo que nace del azar de la vida, donde ella vió que bien se mezclaban los vestidos con el espacio y empezó a planear las fotografías para seguir esa línea.

A través de una entrevista de Xataka Foto con ella, pudimos saber que sus principales influencias vienen de la cinematografía. “Por supuesto, suelen ser mágicas o artísticas” dice Makeeva. Entre el listado de películas menciona la saga de ‘Harry Potter’, ‘Alicia en el país de las maravillas’, ‘El Señor de los anillos’, entre otras.

Para ella, cada lugar tiene algo bello dentro de él. “Incluso un basurero es estético si te detienes a observarlo” dice. Lo importante es ver la magia en esos espacios, ya que no todos los sitios bonitos son los que están fuera de la puerta de nuestra casa.

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El llamativo mundo de la fotografía y el cosplay

Le preguntamos que nos diera tres tips para aquellos fotógrafos que están arrancando, a lo que responde:

• El talento no es una cuestión de carácter, sino de trabajo duro y laborioso.

• Las cualidades más importantes a la hora de crear imágenes son la imaginación y el gusto.

• Sean únicos.

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¿Se ha vuelto casi imposible realizar fotografía callejera?

Conocimos el trabajo de Kristina a través de ‘Through My Lens’, un hub diseñado por Canon dedicado a una serie de fotógrafos que cuentan su experiencia de evolución en el mundo de la fotografía. Ella es la primera fotógrafa que hemos podido entrevistar y de quien quisimos presentar su trabajo. Podéis conocer su historia de evolución en el hub de Canon, o bien podéis visitar su web para ver su trabajo completo.

Imágenes | Kristina Makeeva (Web, Instagram)

Hace no mucho ya os ofrecimos un artículo con consejos para dar un salto de calidad en vuestras fotos de paisaje, y en esta ocasión vamos a dar un paso más allá centrándonos en la composición, ese elemento crucial en toda fotografía pero que en este tipo de tomas se convierte en esencial.

Porque la fotografía de paisaje es una de las disciplinas más practicadas, pero conseguir buenos resultados no es tan fácil o intuitivo como uno podría esperar en principio. Sobre todo porque es fácil que uno se sienta impresionado por la belleza de un paisaje pero, al trasladar eso a una imagen, no sea capaz de traducir esa impresión.

Foto de Neil Ladkin

Y cuando eso ocurre, sobre todo le podemos echar la culpa a la composición de la foto que, como decimos, es un elemento crucial que tenemos que cuidar en toda clase de imágenes pero sobre todo en las de este tipo. Por eso, aunque no existen recetas mágicas, sí conviene tener en cuenta algunos trucos y consejos sobre composición que nos permitirán mejorar nuestras fotos de paisaje.

Utiliza la regla de los tercios

Empezamos con un consejo básico pero que, no por sabido, debemos menospreciar. La Regla de los Tercios es un principio ampliamente repetido porque es muy sencillo de entender y de aplicar. Y aunque es cierto que a veces su uso puede hacer que una imagen resulte más convencional, bien usada puede ayudar a lograr una composición bastante más efectiva.

Foto de Ajay Goel

La clave está en que no se utilice de forma forzada o de manera que su uso sea muy evidente. Por el contrario, hay que saber aplicarla con flexibilidad y adaptarla a la toma en concreto sin forzar la escena o la perspectiva para que los elementos se ajusten a ella. En este sentido hay que recordar que la idea es conseguir una composición más dinámica y descentrada, evitando la tentación de situar al elemento principal siempre en el centro o la línea del horizonte (siempre importante en un paisaje) en el medio del plano.

Anticipa la lectura de la imagen

A la hora de componer hay que tener muy en cuenta las particularidades del lenguaje visual y los elementos básicos que dan significado a las fotos. Y por supuesto hay que considerar que nuestra manera de interpretar una imagen es similar a la que usamos al leer un libro (por ejemplo): de izquierda a derecha.

Foto de Paul Morris

Por este motivo, a la hora de componer hay que intentar pensar en cómo el espectador va a leer la imagen, y ser capaz de “ayudarle” si es necesario a través de los elementos que dispongamos en la escena. Por ejemplo como en la imagen de arriba, donde con la montaña de la izquierda se ha creado una línea visual que lleva la mirada del observador hacia el lugar donde el sol se está poniendo tras las montañas y las nubes.

Incluye un punto de interés

Es otro consejo básico que muchas veces es la clave para dar interés a una fotografía de paisaje. Porque, como decíamos, muchas veces la belleza del lugar puede “obnubilarnos” y hacernos tomar una imagen monótona por falta de algo que cobre protagonismo o llame la atención del espectador.

Foto de Luis Del Río Camacho

Y es que una buena fotografía usualmente requiere de un punto de interés que atraiga la mirada y ayude a saber leer la imagen sin que el ojo divague sin saber cómo hacerlo o donde debe fijar su atención. Y eso se puede conseguir con multitud de elementos: Un árbol especial, una cabaña, un animal (o grupo de animales), un barco (si es que hay un agua en el plano) o bien una persona tal y como contamos aquí.

Centra la composición

Este elemento principal puede estar situado en alguno de los puntos imaginarios que forma la regla de los tercios o bien, por qué no, en el centro de la imagen. Porque colocar al protagonista en el medio de una foto hace que ésta gane en sencillez al instante y que el observador sepa rápidamente dónde debe mirar.

Foto de Joshua Earle

Eso no significa que una composición central sea mejor ni peor, depende de los casos; Sobre todo porque lo más importante es la creatividad a la hora de componer. Sin embargo, un sujeto centrado en combinación con elementos (con menor peso visual) que formen curvas o rectas alrededor suele funcionar muy bien. Y tampoco desdeñes la posibilidad de utilizar un marco para encuadrar la composición y dirigir la mirada del espectador.

Saca partido de los patrones

De los patrones en fotografía hablamos hace no mucho y ya entonces os contamos cómo la repetición de elementos es un recurso muy valioso para incluir un cierto ritmo en una composición.

Foto de Demi DeHerrera

En la naturaleza se pueden encontrar muchos patrones, aunque es cierto que en fotografía de paisaje puede ser complicado si nos limitamos a pensar en planos generales. Sin embargo, si nos acercamos a las cosas (por ejemplo usando un teleobjetivo) veremos que hay multitud de ellos formado parte de los seres vivos.

Aprovecha el espacio negativo

A veces tenemos tendencia a menospreciar el “espacio vacío” de una fotografía porque no aporta información. Sin embargo, si se deja intencionadamente un área de la imagen sin nada estaremos logrando que todo lo que rompa ese espacio gane en interés. Por eso el espacio negativo no deja de ser otro recurso con el que podemos jugar para lograr una composición equilibrada o diferente.

Foto de Rod Long

Un ejemplo es la foto de arriba, donde en un gran espacio negativo (que no tiene porqué ser necesariamente ni blanco sólido ni negro) se ha situado un elemento concreto. Este elemento no es muy grande pero al estar en un área prácticamente vacía se consigue atraer la atención del espectador de forma poderosa.

Fíjate en las líneas predominantes

Ya las hemos mencionado de pasada en los apartados anteriores pero teníamos que dedicarles uno especial porque son un elemento primordial en cualquier composición, y desde luego en una de paisaje. Las líneas, sean rectas o curvas, son uno de esos elementos básicos del lenguaje visual y transmiten rigidez o dinamismo (respectivamente).

Foto de William Bout

Aparecen con muchísima frecuencia de forma natural y son un recurso más que importante en fotografía de paisaje, sobre todo para estructurar la composición, dar profundidad a la imagen (por ejemplo gracias al punto de fuga) y dirigir la mirada del espectador. Para aprovecharlas, eso sí, conviene mirar la foto con calma, identificar las líneas existentes y tratar de situarlas en el encuadre a nuestra conveniencia.

Cuida el primer plano

Como ya sabrás, a la hora de componer hay que pensar que estamos ante una escena en tres dimensiones que se va a recrear en dos. Por ello, no hay que subestimar ni mucho menos los distintos planos que pueden aparecer en la imagen. Así, del mismo modo que hay que cuidar el fondo, también es recomendable incluir un primer plano con elementos que aporten interés.

Foto de Sebastian Unrau

Esta técnica suele ser muy interesante sobre todo para dar profundidad a la imagen, aunque hay que procurar que los elementos del primer plano no sean demasiado protagonistas y también que haya una cierta limpieza para que no concentren toda la atención del espectador y “quiten brillo” al resto de planos de la fotografía.

En Xataka Foto | Nueve trucos para mejorar nuestra composición fotográfica (I)

Foto de portada | Sven Scheuermeier

Hemos hablado de ella mil veces, sobre todo para referirnos a las normas de composición más básicas, y seguro que vosotros habéis oído mencionarla otras mil, pero ¿realmente tenemos bien claro qué es la regla de los tercios? ¿Sabemos bien para qué sirve, cuándo usarla y cuando no hacerlo? Os lo contamos.

Sin duda es una de las normas más populares para aplicar a la hora de componer una imagen (especialmente en fotografía pero también en vídeo). Seguramente la más popular, sencillamente porque es muy fácil de entender y casi tanto de aplicar y ayuda a los menos experimentados a obtener composiciones efectivas de forma sencilla. Entre otras cosas porque sirve para evitar esa tentación que siempre existe de situar al sujeto principal de una imagen justo en el centro de la toma, o el horizonte en el medio de la composición, lo que puede hacer que los resultados sean anodinos.

Una imagen curiosa en la que no tuve que imaginarme las líneas que forman la regla de los tercios porque ya estaban en el lugar (se trataba de las juntas de una vidriera puesta para impedir el acceso a la ventana). Foto de Óscar Condés

Esto no significa que nunca debamos hacerlo así. De hecho, prácticamente siempre que hablamos de la regla de los tercios mencionamos también que las reglas están bien para usarlas de ayuda, pero que nunca deben coartar nuestra creatividad. Por eso siempre decimos que hay que conocerlas (y saberlas aplicar) para ser capaces también de romperlas cuando sea preciso o no sean realmente una ayuda.

¿Qué es la regla de los tercios?

Como ya contamos en el capítulo sobre composición de nuestro curso de fotografía, esta famosa regla “nos dice que el centro de atención debe colocarse en la intersección de las líneas imaginarias que dividen una fotografía en tres partes de arriba abajo y de izquierda a derecha”. Es decir, se trata de imaginar nuestra fotografía dividida en nueve zonas iguales que se forman gracias a cuatro líneas, dos horizontales y dos verticales, tal y como veis abajo.

El cruce de estas líneas forma cuatro “puntos fuertes” que son ideales para situar los elementos clave de la fotografía y lograr una composición más equilibrada. Igualmente, las líneas son una excelente guía para situar (o relacionar) elementos importantes, tanto en vertical como en horizontal. De hecho, las líneas horizontales son, según la teoría, el mejor sitio para colocar el horizonte de la fotografía.

La teoría (que en realidad es una simplificación de la proporción áurea) dice que estas líneas imaginarias deberían ser equidistantes y, por tanto, las zonas que forman iguales en tamaño. Pero en la práctica, teniendo en cuenta además que normalmente son líneas imaginarias (aunque es común que las cámaras permitan mostrarnos una cuadrícula en la pantalla como ayuda para componer) no tiene porqué ser así.

De hecho, aunque los más novatos pueden tener la tentación de buscar la forma de ajustarse de forma estricta a esta regla, es más recomendable aplicarla con flexibilidad y adaptarla a la escena y la perspectiva concreta de cada momento. Lo más importante es tenerla como guía para obtener una imagen equilibrada, siguiendo la idea principal que no es otra que propiciar una composición descentrada y más dinámica, en la que hay unas zonas o puntos concretos que sirven para destacar elementos.

Un ejemplo de cómo situar dos elementos fuertes al mismo nivel puede ayudar a dar interés a la composición. Foto de Óscar Condés

Por otro lado, la regla de los tercios también dice que si en vez de uno hay dos elementos importantes en la composición debemos situarlos en los puntos fuertes pero no enfrentados sino en diagonal. Sin embargo, la regla de los tercios no debe entenderse ni como inmutable ni como independiente del resto de principios de composición o reglas (como las de la mirada o del horizonte que tienen mucho que ver con la norma de la que venimos hablando). De hecho, imágenes como la de arriba demuestran que establecer un “diálogo” entre dos puntos fuertes enfrentados al mismo nivel puede ser un buen recurso compositivo.

¿Cuándo conviene aplicarla?

Se puede aplicar cualquier género fotográfico, aunque normalmente es más utilizada en fotografía de paisaje y/o naturaleza, aunque también en una disciplina muy distinta como es el retrato. En el primero de los casos porque viene muy bien, como ya hemos comentado, para situar el horizonte descentrado así como organizar las líneas que pueden darse de forma bastante frecuente en una composición de este tipo. Utilizarla suele ser una buena idea para dar mayor dinamismo a la composición al tiempo que (si lo hacemos bien) la mantenemos perfectamente equilibrada.

Foto de Óscar Condés

En cuanto a la fotografía de retrato, la regla de los tercios ayuda a situar a la persona de forma descentrada en la composición o a fijar elementos tan clave como los ojos o las manos en los primeros planos. En el caso de retratos de parejas (o de más personas), puede ser una excelente manera de relacionar (siempre con cierta flexibilidad) las miradas de los protagonistas como podéis ver en la imagen de arriba.

Si mezclamos ambas disciplinas y decidimos incluir a personas en nuestras fotografías de paisaje, la regla de los tercios también suele ser una útil herramienta para lograr una composición equilibrada.

Independientemente del género, situar el elemento clave de una fotografía en uno de los puntos fuertes que se forman gracias a la regla de los tercios es una excelente manera de dirigir la mirada del espectador hacia él, tal y como contamos en este artículo. Por tanto una buena manera para destacar un objeto, incluso para decidir cuál es el elemento principal de una fotografía.

Ejemplo de cómo una composición puede mejorar situando un elemento en uno de los puntos fuertes formados por la regla de los tercios (foto derecha) en vez de en el centro (foto izquierda).

¿Cuándo es mejor no usarla?

Como decíamos al principio, la regla de los tercios es algo que debemos tener en mente pero que no debe coartarnos. Por eso, no debemos abusar de ella y sí usarla cuando realmente veamos que va a ayudarnos a obtener un mejor resultado. Si hemos dicho que si el sujeto principal siempre está en el centro los resultados pueden ser planos, del mismo modo podemos afirmar que recurrir a la regla de los tercios en todos los casos puede hacer que nuestras fotos resulten monótonas.

Por eso, volvemos a repetir lo de que es una regla que hay que conocer y, al mismo tiempo, romper siempre que nos parezca. Siempre que pensemos que su aplicación no va a ser efectiva o que no va a aportar nada. Y especialmente si vemos que puede hacer que una imagen interesante pierda fuerza o se vuelva más “convencional”.

Esta "refrescante" imagen puede ser un ejemplo de cómo la regla de los tercios no tiene porqué adaptarse exactamente a una situación y, sin embargo, no evita una composición bien equilibrada. Foto de Óscar Condés

De hecho, nuestra recomendación es que, en una situación dada, probéis a imaginar la regla de los tercios en vuestra imagen, la adaptéis a conveniencia, y hagáis la foto para ver qué tal es el resultado. A continuación, tratad de hacer otra pero rompiendo a propósito la regla. Por ejemplo situando el elemento principal en una esquina, o en el centro, o colocando líneas de forma arbitraria… es decir, buscando una composición anárquica o llamativa. Cuando tengáis ambas fotos, comparadlas y elegid cuál os gusta más. Nunca se sabe cuándo se pueden obtener los mejores resultados.

En Xataka Foto | Nueve trucos para mejorar nuestra composición fotográfica (I)

Foto de portada | Arnold Leow

Crear una buena composición es sin duda una cuestión fundamental para cualquier fotógrafo. Es más, seguramente es la parte más importante de la formación de un novato (más incluso que la asimilación de la técnica). Sin embargo, aunque al hacer una foto tomemos una serie de decisiones conscientes sobre la disposición de los objetos, raramente nos paramos a pensar tanto en cómo influir en la mirada del espectador de nuestras fotografías.

Es decir, damos mucha importancia al equilibrio o armonía de los elementos incluidos en la escena y no solemos detenernos a reflexionar sobre cómo podemos “atrapar” al espectador y guiar su ojo de una forma natural a través de la imagen. La idea, claro está, es conseguir que la fotografía sea leída de una determinada manera y sus distintos elementos interpretados con un cierto orden, o al menos que el espectador rápidamente dirija su mirada hacia el elemento principal de la foto.

Foto de Eldon Vince Isidro

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Ocho consejos de composición para fotografiar paisajes casi como un profesional

Esto es una táctica muy común en la pintura clásica y, sin embargo, no resulta tan común en fotografía. Lógicamente, en ello influyen muchos motivos, como que el acto fotográfico en muchas ocasiones es algo muy rápido, que sucede en un instante sin dar tiempo a pensar en cómo dirigir la mirada del espectador dentro de la imagen de forma más o menos controlada.

No digamos ya si hablamos de fotografía deportiva o incluso street photo, donde la rapidez es lo crucial y suele ser muy complicado componer conscientemente las fotos pensando en este tema. Sin embargo, en fotografía de paisaje, bodegones o incluso retrato sí que deberíamos tenerlo en cuenta y usar alguna de las técnicas que os contamos a continuación.

Incluye un punto de fuga

Foto de Juhasz Imre

La forma más rápida y directa seguramente es aprovechar la perspectiva y hacer que la mirada se dirija rápidamente hacia donde queremos creando un punto de fuga en ella. Tal y como os contamos en este artículo sobre el tema, este recurso se basa en incluir en la imagen un “punto imaginario” al cual parezcan converger dos o más líneas, y se consigue sobre todo utilizando objetivos gran angular.

Gracias a ello no sólo dirigiremos la mirada de forma muy efectiva, y natural, sino que también lograremos crear una fuerte sensación de profundidad y tridimensionalidad, algo que aportará un valor añadido para dar más realismo a la foto.

Incluye una zona más brillante

Foto de Krivec Ales

En Xataka Foto

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Otra técnica bastante sencilla que puede ayudar a dirigir el ojo del espectador es incluir alguna zona en la imagen que sobresalga del resto por su brillantez. El ojo humano se ve atraído de forma natural por los elementos más brillantes, de modo que si hacemos esto lograremos su atención de forma prácticamente automática.

Sin embargo, es importante recordar que la clave de esta técnica es no pasarse, y conseguir que la transición entre esta zona que resalta más y el resto se lo más gradual posible. Si no es así, o si incluimos pequeñas zonas brillantes en medio de tonos más oscuros, el efecto logrado no será tan efectivo (ni natural).

Echa mano de las reglas de composición

Foto de Ajay Goel

Empezando por la manida regla de los tercios, que es otra técnica que puede ser muy útil a la hora de dirigir al ojo a través de la imagen. Y es que, como sabréis, la conjunción de las líneas imaginarias en que se basa esta regla crea unos puntos fuertes en donde colocar elementos que queramos tengan mayor visibilidad.

También tenemos la proporción áurea, que como sabréis se basa en un cálculo matemático y en arte se materializa a través de una forma de espiral, similar a la que hay en las conchas de los caracoles. Este recurso también ha sido muy usado en pintura clásica, y desde luego puede aplicarse en fotografía, aunque hacerlo requiere cuidar mucho la composición, por lo que sólo sería aplicable en “tomas muy pensadas”.

Utiliza marcos en la imagen

Foto de C Chapman

Otro recurso para focalizar y guiar la mirada del espectador es utilizar marcos en las fotografías, algo que tratamos ampliamente en este artículo. De nuevo se trata de una técnica bastante sencilla de usar y que tiene un efecto casi automático si se utiliza bien.

Sobre todo es una potente forma de dirigir al espectador hacia el elemento principal de la fotografía, pero también tiene otras funciones adicionales: Ayuda a crear profundidad, a organizar los elementos y a dar contexto a una imagen. Por ello, sin duda es un recurso muy válido para nuestros propósitos.

Introduce ejes de luz

Foto de Theo Crazzolara

Podemos llamar así a una técnica que consiste en incluir en la fotografía rayos de luz con el fin de dirigir a los espectadores en la dirección correcta. Este recurso se da sólo en condiciones muy específicas, porque está claro que los rayos de luz no siempre van a estar disponibles, pero si los encontramos pueden ser una herramienta muy útil para señalar una dirección o guiar la mirada hacia un objeto específico dentro de una fotografía.

Como os podéis imaginar, el momento más propicio para este tipo de recurso son los atardeceres y amaneceres, cuando los rayos del sol llegan en diagonal creando una atmósfera muy sugerente para fotografiar, pero también se pueden conseguir en otras situaciones (como en el tupido bosque de la foto) e incluso con luz artificial.

Usa el desenfoque

Foto de Harpal Singh

Aprovechar las ventajas del desenfoque, a través del control de la profundidad de campo, es otro método para guiar al ojo del espectador. El resultado quizá no sea tan natural como en el caso de otras técnicas que os estamos contando (al fin y al cabo nuestro ojo enfoca todo nuestro campo de visión de forma natural y automática), pero desde luego es muy efectivo y también ayuda a crear profundidad.

Y es que mostrar una imagen en la que sólo haya una zona nítida, normalmente en el centro del plano (con una parte borrosa en primer término y en el fondo) es una manera definitiva de atraer a un espectador hacia un elemento o zona muy concreta de una imagen.

Mezcla todo lo anterior

Foto de Björn Bechstein

Por supuesto, siempre podemos echar mano de dos o más de las técnicas que os hemos explicado para conseguir incluso un efecto mayor. Por ejemplo, la regla de los tercios es muy fácil de implementar y por tanto se puede combinar con cualquiera de los otros recursos de forma rápida.

Porque bien es cierto que no siempre va a haber tiempo para ponerse a pensar en cómo utilizar estas técnicas, pero es útil tenerlas en mente y practicarlas siempre que se pueda, para que sea más fácil ponerlas en práctica de forma intuitiva. Gracias a todo ello nos resultará mucho más fácil dirigir la mirada a través de la imagen, algo que desde luego no es una ciencia exacta pero sí que se puede propiciar con una composición adecuada siguiendo los consejos que os hemos dado.

En Xataka Foto

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Foto de portada | ramy Kabalan

La colección FotoRuta se ha ampliado recientemente con dos volúmenes, uno de ellos este 'El arte de la composición. Enriquece tu mirada fotográfica' del fotógrafo Fran Nieto. Un libro que hemos tenido la oportunidad de revisar y, como podéis imaginar, está dirigido a quienes quieran afianzar sus conocimientos en ese crucial asunto que es la composición. Así que vamos a contaros qué es lo que ofrece y cómo puede ayudarnos en esta materia.

Su autor es profesor de fotografía, especialista en el ámbito del paisaje y el macro. De él ya tuvimos la oportunidad de conocer otro libro, ‘Fotografía macro’, que fue publicado en esta misma colección de FotoRuta. Se trata por tanto de un fotógrafo con amplios conocimientos en dos materias en las que la forma de organizar los elementos de la imagen juega un papel crucial. Además, tiene una amplia experiencia docente (incluso llegó a colaborar en Xataka Foto en este artículo sobre macrofotografía), lo que es otro punto a favor para un libro que tiene un lógico propósito didáctico.

Como decíamos, el libro se encuadra dentro de la colección FotoRuta, publicada por JdeJ Editores, una firma que constantemente se esfuerza por publicar volúmenes de calidad con precios asequibles y un contenido fundamentalmente práctico. Algo que sin duda es muy apreciado entre quienes se aprestan a aprender fotografía. Pero vamos ya a contaros que es lo que ofrece 'El arte de la composición. Enriquece tu mirada fotográfica'.

Estructura y contenido

El libro se estructura en cinco capítulos, al principio de los cuales nos resume qué es lo que vamos a aprender con la lectura. El primero es “Así vemos”, donde el autor hace un repaso por aspectos básicos como la forma en la que vemos el mundo a través de nuestros ojos, sin olvidar el papel que juega el cerebro en ello, y las diferencias con la cámara fotográfica. El segundo se denomina “La disposición espacial” y trata, entre otras cuestiones, de cómo se repiten ciertos patrones en la naturaleza o las matemáticas y repasa las reglas básicas de composición.

Por su parte, en el capítulo “Los fundamentos de la composición” ya se sumerge en conceptos más concretos que tienen que ver con la composición, como el color, la textura o el ritmo, y en “Nuestros recursos” nos ayuda a aprender a utilizarlos en nuestras composiciones. Por último, el quinto epígrafe denominado “Nuestra actitud personal” está centrado en enseñar cómo debemos afrontar la toma de fotografías para conseguir buenas composiciones.

Esta estructura responde a una idea de Fran Nieto que él mismo comenta en su blog, la de apartarse “de otros libros sobre el tema y abordarlo desde el punto de vista de la percepción humana”. El caso es que, a lo largo de 223 páginas, encontramos sobrada información que abarca el asunto de la composición desde casi todos los puntos de vista posibles.

Como evidentemente estamos hablando de un tema “sesudo” que puede llegar a resultar un poco espeso, el volumen se nutre de una serie de recursos que hacen la lectura más variada y, por tanto, amena. Empezando cómo no por las fotografías (más de 250) que lo ilustran y que se complementan con unos 100 esquemas que añaden más información gráfica. Según cuenta el autor ha “procurado poner fotografías muy diferentes, alejándome de mis temas habituales […] He tratado de mantenerme en el delicado equilibrio entre la parte teórica que fundamente las decisiones creativas que tomamos y la parte práctica que todos buscamos”.

Las fotos son, efectivamente variadas y se acompañan de un pie de foto explicativo y, en muchos casos, de imágenes complementarias que o bien sirven para comparar dos fotos similares o incluyen un diagrama de líneas que explica cómo funciona la composición en ese ejemplo concreto. Respecto a los esquemas, entendemos que se refiere a los cuadros de color lila que se reparten entre el texto para aportar más información sobre un tema (y de paso aportan variedad) y a los naranja (mucho más esporádicos) que proponen ejercicios a realizar.

Por otro lado, cada cierto número de páginas el libro se “interrumpe” con una serie de dobles páginas claramente diferenciadas (por su fondo de color negro) que el autor ha denominado “Fotos paso a paso” y que se centran de forma más concreta en una toma mostrando a la izquierda y en grande la imagen definitiva y a la derecha varias tomas alternativas que el fotógrafo consideró, con la explicación del trabajo y cómo llegó al resultado final.

Todo ello por cierto con un lenguaje directo y cercano, exento de tecnicismos y asequible para todos los públicos (algo que también ayuda a que la lectura sea más amena) y en un formato bastante grande y con una orientación vertical (que le da bastante entidad como volumen de consulta).

Nuestra valoración

Como el propio autor comenta en la introducción, se trata de aprender a “reforzar la comunicación con una composición adecuada […] Componer no es una ciencia exacta, es un arte que requiere trabajo”. Y desde luego si se busca un manual que nos ayude en esta tarea 'El arte de la composición. Enriquece tu mirada fotográfica' es un libro muy recomendable, sobre todo si queremos profundizar en la materia (ya decimos que es un libro que tiene mucha “chicha”) y además hacerlo con una perspectiva diferente a lo habitual.

A nivel técnico, la calidad del papel y de la impresión, así como la encuadernación, son las mismas que hemos visto en los demás libros de esta colección. Como ya hemos comentado otras veces no se trata de ediciones lujosas pero su relación calidad-precio es más que adecuada. Por criticar algo quizá le pondríamos pegas a una letra algo pequeña, especialmente la que se usa para los pies de foto.

Por cierto que las fotos también resultan algo pequeñas en ocasiones, haciendo más complicado entender lo que se nos quiere explicar. Aún así, es evidente que el equilibrio entre tamaño de fotos, texto y número de páginas es complicado y en este caso se agradece tanto la profusión de buenas fotografías, aunque en algunos casos haya que sacrificar el tamaño de éstas, como la inclusión de diagramas que nos ayudan a entender cómo funciona la composición y aportan mayor dinamismo a las páginas.

Por último hay que hablar, cómo no, del precio: 26,90 euros. Una cifra que nos parece realmente atractiva para un volumen que a primera vista parecería bastante más caro tanto por la impresión como por el contenido. En este sentido felicitamos a JdeJ Editores por su esfuerzo por acercar a cualquiera todo el conocimiento sobre fotografía a precios muy asequibles.

El arte de la composición. Enriquece tu mirada fotográfica Fran Nieto

• Ediorial: Editorial Colección FotoRuta, JdeJ Editores
• Precio: 26,90 euros
• Tamaño: 17 x 24
• Encuadernación: Rústica con solapas/ Tapas blandas
• ISBN: 9788415131960

El fotógrafo Fran Nieto ofrece un completo tratado sobre la composición desde una perspectiva humanista y con multitud de imágenes de ejemplo

Página web | Colección FotoRuta

En Xataka Foto | ‘Lugares y consejos para fotografiar la naturaleza’, de David Santiago, un libro eminentemente práctico

Ser capaz de realizar una correcta composición es sin duda algo fundamental para conseguir buenas fotografías y uno de los desafíos más importantes a los que se enfrentan los novatos que se aprestan a formarse en este arte. Y aunque existen una serie de reglas y conceptos a seguir, lo más importante es la práctica, equivocarse y volverse a equivocar para acabar aprendiendo. Por eso, no está de más revisar esos pequeños errores típicos de novato pero que ninguno estamos exentos de cometer de vez en cuando.

Está claro que la fotografía no es una ciencia exacta (ni mucho menos) y que las reglas y los principios de composición sólo deben entenderse como puntos de partida y nunca como principios absolutos. De hecho, incluso aunque las conozcamos al dedillo seguirlas nunca nos va a garantizar crear una gran fotografía. Pero además hay algunas pautas que normalmente no tienen nada que ver con las reglas establecidas académicamente y que generalmente no se mencionan.

Foto de Nestor Ferraro

Se trata de unas “reglas” que normalmente evitan que se cometan ciertos errores más o menos simples de composición. Unos errores de los que todos hemos pecado en algún momento, ya fuera por inexperiencia, desconocimiento, prisa o dejadez. Aunque son más típicos de los novatos cualquiera puede cometerlos, aunque si atiendes a lo que te vamos a explicar a continuación es posible que puedas evitarlos.

Sujeto demasiado centrado

Es un error muy típico del novato y que se produce especialmente en fotografía de retrato. Se trata de situar el elemento principal de la imagen exactamente en el centro, con el fin de otorgarle el máximo protagonismo. Lo malo es que esto muchas veces no funciona y lo que realmente se consigue es quitar interés del sujeto o componer una imagen aburrida.

Foto de Danny Chapman

En esos casos es mejor situar al sujeto a un lado de la imagen, por ejemplo en uno de los ejes verticales que se formarían según la regla de los tercios. Por supuesto esto no quiere decir que nunca puedas colocar al protagonista en el centro, más bien que debes pensar antes si esto va a ser lo más conveniente y probar distintas opciones.

Doble tema

Como norma general, una foto tiene que tener un único elemento principal, un protagonista que debe tener mayor peso visual en la fotografía. Pero puede ocurrir que efectivamente lo haya y que, sin embargo, resulte eclipsado por otro elemento que se sitúa en un plano cercano y reste protagonismo haciendo que la mirada del espectador se confunda. Un ejemplo muy típico es la foto que muchas veces hacemos de alguien con algún elemento “interesante” de fondo, como puede ser una bonita cascada.

Foto de Kārlis Dambrāns

Depende como compongamos la imagen no quedará muy claro cuál es el sujeto principal de la foto, ambos competirán por ello y harán que el ojo del espectador no sepa bien a qué atenerse. Para evitarlo hay varias posibilidades, la mejor es hacer que ambos temas no compitan situando claramente al principal por delante, tapando en parte al otro y, idealmente, desenfocándolo.

Sin un tema principal

Del mismo modo que no es bueno que haya más de un sujeto principal en una foto tampoco lo es que no exista ningún centro de interés. Se trata de que haya un elemento que capte la atención del espectador y evite que la mirada vague por la imagen sin encontrar ningún atractivo, haciendo que resulte insulsa y aburrida.

Foto de Jussie D.Brito

Esto es muy típico de los paisajes de lugares idílicos pero en los que no hay un elemento destacado como podría ser un animal, una cabaña o un árbol algo diferente. Evitar caer en este error suele ser sencillo, aunque a veces sea inevitable, porque no es difícil que se nos olvide si lo que estamos contemplando es muy bello.

Horizonte mal nivelado

Una línea del horizonte torcida es otro de los errores típicos de los novatos pero que nos puede pasar a cualquiera por una simple distracción. Salvo que lo hagamos a propósito y con alguna intención específica, es algo que suele quedar fatal y que debe cuidarse para evitar dar la impresión de una foto descuidada.

Foto de jojo nicdao

Normalmente es algo que se puede arreglar en postproducción, pero sin duda es mejor que nuestras fotos estén bien niveladas de partida. Por cierto, recuerda también que el centro de la imagen no es el mejor sitio para situar la línea del horizonte salvo que (una vez más) lo hagas intencionadamente por algún motivo.

Tangentes que “cortan”

Las líneas en fotografía son uno de esos elementos básicos clave para las fotos, sobre todo para dirigir la mirada del espectador y dar profundidad a la imagen, pero a veces resultan contraproducentes. Es el caso de una imagen en la que el sujeto principal resulta “cercenado” por líneas que pasan por detrás de él y confunden la mirada del espectador.

Foto de David Lee

Podrían ser las líneas verticales de árboles o edificios situados en el fondo (como en la foto de arriba), o líneas horizontales que se suceden por efecto de una pared u otro elemento. Incluso una línea del horizonte mal situada puede hacer que el sujeto parezca cortado, haciendo que la composición general sea confusa.

Fondo incorrecto

Parece mentira lo que puede cambiar una foto dependiendo del fondo que aparezca en ella. Especialmente en el caso de un retrato, en el que no hay nada peor que un fondo que distraiga del sujeto; por eso, como norma general nunca se debe fotografiar a alguien delante de elementos que distraigan la atención del espectador.

Foto de Anina Rüegsgger

En este artículo ya te contamos cómo mejorar el fondo de tus retratos pero te recordamos los principios básicos: Elegir un fondo exento de objetos que distraigan, con un color adecuado al sujeto principal y, si es posible, desenfocado.

Punto de vista erróneo

Éste es otro de esos errores de los que no está libre ningún fotógrafo, incluso aunque tenga experiencia, dado que es más una cuestión de actitud. Como sabréis, elegir un punto de vista adecuado para una toma concreta es una de las primeras labores a realizar a la hora de componer, pero a veces nos da pereza movernos y nos limitamos a hacer zoom con el objetivo para encuadrar.

Foto de Susanne Nilsson

En el caso de un novato puede ocurrir por inexperiencia pero en el de un fotógrafo avanzado también ocurre por simple pereza. Un ejemplo muy típico de esto se da en la fotografía de mascotas, donde a menudo se realizan tomas de pie sin darnos cuenta de que la mejor perspectiva para fotografiar a un perro o gato es agachándose para estar a su altura.

Ceñirse demasiado a las reglas

Por último, como decíamos, las reglas de composición son útiles e importantes pero no son inamovibles. De hecho, lo ideal es conocerlas y practicarlas para ser capaces de evaluar cuando ceñirse a ellas y cuando es mejor romperlas.

Foto de LaVladina

Por ejemplo la siempre recurrente regla de los tercios que puede ayudarnos a equilibrar una imagen o también puede hacer que ésta sea monótona. O la repetición de patrones, que puede hacer que nuestra imagen tenga armonía pero también que resulte aburrida si no hay nada que rompa el ritmo de la foto, como un sujeto principal, y le aporte interés.

En definitiva, existen muchos errores que suelen ser típicos de los aprendices de fotografía pero que también puede cometer cualquiera, incluso un fotógrafo con mucha experiencia. Por eso hemos querido apuntar algunos de ellos para intentar que todos estemos más atentos la próxima vez que vayamos a componer una imagen.

Foto de Natalie Alvarado

¿Y tú qué opinas? ¿Qué errores te parece que se comenten más a menudo? ¿Hay alguno que te moleste especialmente? ¿Se te ocurre alguno que no hayamos mencionado? Como siempre agradecemos tu participación a través de los comentarios.

En Xataka Foto | 31 errores habituales en fotografía de viajes y cómo evitarlos

Foto de portada | Jim Makos

Completamos el práctico sobre consejos para mejorar nuestra composición fotográfica que empezamos el otro día con un apartado que no incluimos por considerar que merecía un artículo propio: el referido a los marcos de la imagen. Se trata de un elemento muy interesante para focalizar la atención en la imagen que además es fácil de utilizar y ofrece un montón de posibilidades.

Por supuesto no estamos hablando de comprar un marco en el que colocar nuestras fotos, sino de enmarcar la imagen de un modo u otro. Ya sea a través de elementos buscados a propósito o encontrados por casualidad, es una buena estrategia para mejorar la composición ya que permite, entre otras cosas, dirigir el ojo del espectador hacia el elemento principal de la fotografía.

¿Para qué utilizarlos?

Foto de Zach Woolf

Como decimos, su función fundamental es la de centrar la atención del espectador hacia un punto o zona concreta de la imagen, aunque también sirve para otras cuestiones interesantes: dar sensación de profundidad, contextualizar la fotografía o ayudar a organizar su estructura.

Sobre lo primero, está claro que los marcos en la imagen son una potente herramienta para lograr dirigir la mirada del espectador hacia donde queremos. O, mejor dicho, hacia lo que se encuentre enmarcado por los elementos utilizados para delimitar la imagen. Así, los marcos establecen una zona, la situada dentro de ellos, en la que todo lo que coloquemos tendrá un gran protagonismo. De este modo, será el lugar donde situar el elemento principal de la imagen para darle una atención especial.

Foto de amadboc

Respecto a la profundidad, situar marcos naturales en la fotografía es una buena manera de añadir diferentes planos de imagen y, con ello, otorgar mayor sensación de profundidad. Así, por ejemplo, un amplio paisaje captado desde lejos, y donde no hay muchos elementos en distintos planos, puede resultar plano y mejorar considerablemente añadiendo un primer plano como pudieran ser unos matorrales en la parte baja o una ramas de árbol en la zona superior.

Por lo que toca a la tercera y cuarta características, la inclusión de marcos permite añadir información adicional del contexto donde se sitúa la escena (si es que esa es nuestra intención) y al mismo tiempo ayudarnos a ordenar y estructurar la composición de la escena de alguna manera.

Tipos de marcos

Foto de Reza

Las posibilidades son casi infinitas, y podríamos considerar, a grosso modo, que hay dos tipos: naturales o artificiales, entendiendo por estos últimos los que han sido creados por el hombre. En cualquier caso, para ser capaces de sacarles partido es importante ser observador y tener el ojo bien entrenado, aunque conocer algunos de las formas en las que nos los podemos encontrar puede ser útil.

Para empezar, hay que pensar que los marcos no tienen por qué coincidir estrictamente con los bordes de la imagen, ni por supuesto estar presentes en los cuatro lados. Además, es evidente que pueden tener una forma tanto regular como irregular, normalmente siendo los primeros elementos artificiales y los segundos naturales.

Usualmente los más regulares suelen ser más efectivos para remarcar la imagen y llevar al espectador hacia el lugar destacado, especialmente si en la composición logramos que estén “cercados” los cuatro lados de la imagen. Por su parte, los menos regulares ofrecen un aspecto más natural, menos forzado, algo lógico teniendo en cuenta que suelen ser elementos propios de la naturaleza.

Usando ventanas

Foto de Luis Llerena

Hablando de marcos ¿qué hay más típico que hacer una foto incluyendo una ventana como elemento compositivo? ¿Y una puerta? Se trata de recursos ampliamente utilizados, ya que son elementos que nos rodean por todas partes y que suelen funcionar muy bien, porque además pueden añadir un punto de misterio, situando al espectador como si espiara lo que ocurre al otro lado del marco.

En estos casos suele ocurrir que hay una importante diferencia de luz entre un plano y otro, lo que obliga a medir la luz en la parte enmarcada para asegurarse de que aparezca correctamente expuesta. Si la diferencia de iluminación es muy importante, quizá la zona que usamos como marco aparezca muy subexpuesta lo que no hará sino ayudar aún más a centrar la atención en la zona importante de la fotografía.

Marcos naturales

Foto de JJ Ying

Sin duda la naturaleza en sí misma nos ofrece multitud de elementos que podemos utilizar para enmarcar nuestras fotografías y, como decíamos, resulta la forma más natural (valga la redundancia) de añadir marcos que mejoren la composición.

Las ramas de los árboles, el follaje, unas simples flores silvestres, las rocas… Todos ellos pueden ser elementos que nos ayuden a mejorar la composición incluyéndolos en nuestra imágenes, tanto para centrar la atención hacia lo más importante, contextualizar o añadir profundidad a unas fotografías que quizá de otro modo resultarían planas o poco interesantes.

Un marco dentro de otro

Foto de Dayne Topkin

En ocasiones, como en esta foto y en la que hemos utilizado como portada, podemos encontrarnos la posibilidad de incluir más de un marco. Es decir usar un marco dentro de otro, ya sea combinando elementos naturales y artificiales o del mismo tipo.

Este caso puede convertirse en un atractivo por sí solo de la fotografía o potenciar aún más lo que situemos en la parte principal de la composición, pero siempre debe usarse de forma moderada ya que en ocasiones puede resultar forzado y hacer que la imagen resulte un tanto artificial.

Infinitas posibilidades

Foto de Anssi Koskinen

Sin duda las opciones son innumerables, puesto que podemos encontrar elementos de todo tipo y por todas partes (arcos, árboles, personas, edificios, animales, montañas, mobiliario urbano…), y su uso es muy agradecido para mejorar todo tipo de composiciones. Por eso, un buen consejo es que siempre que nos encontremos ante una imagen que no tenga mucha fuerza o resulte algo plana tratemos de buscar algo que incluir a modo de marco.

Incluso en los sitios más inesperados siempre podemos hallar algún elemento que nos sirva para ello y a veces sólo será cuestión de moverse unos metros para encontrar alguno que nos permita resaltar nuestra imagen y, sencillamente, que resulte más original y/o llamativa.

En Xataka Foto | Nueve trucos para mejorar nuestra composición fotográfica (I)

Foto de portada | Björn Bechstein