Es uno de los formatos que muchas veces dan por muerto pero que siempre recupera su lugar una y otra vez. En los últimos años Instagram lo ha vuelto a poner de moda. El formato cuadrado, la proporción 1:1 es un clásico que nunca muere que todos deberíamos probar alguna vez.

El formato cuadrado es una de las primeras proporciones de la historia de la fotografía. La primera cámara popular, la cámara para todos, la Kodak Brownie daba imágenes circulares sobre un papel cuadrado.

La luz, cuando pasa a través del estenotopo, o del objetivo, se proyecta circularmente sobre la superficie sensible. Y al principio aprovecharon hasta el último resquicio de luz, como podemos ver en las fotografías del fotógrafo de la felicidad, Henri Lartigue.

Una de las primeras fotos de la Brownie

El problema era la pobre definición en los bordes y por eso decidieron hacer una máscara en la cámara para eliminarlos y reducir el problema en las esquinas. Y desde entonces este formato pasó a ser considerado un clásico.

Las cinco ventajas del formato cuadrado

En primer lugar este formato, en el que el ancho y el alto es exactamente igual, tiene un juego compositivo tremendo. Parece una obviedad pero simplifica el trabajo (ojo, no lo hace más sencillo). Ya no tenemos que pensar en vertical u horizontal. Solo hay una forma de mirarlo y de utilizar la cámara.

Hay que recordar que Robert Doisneau, por ejemplo, era muy amigo de este formato por su versatilidad. Si le pedían una portada solo tenía que recortar el ancho y tenía una vertical perfecta. Si la foto era para interiores podía colocar los marginadores de la ampliadora para ajustar el fotograma para cortar y entregar una foto horizontal. Es muy fácil de adaptar, lo que sería su segunda ventaja.

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Pero si no tenemos necesidad de recortar este formato nos ayuda, y mucho, a pensar la composición. Es más difícil dejar espacios vacíos a la hora de ordenar los elementos de la escena. Nos permite dar más importancia a los elementos que forman parte de la escena porque no hay una línea que destaque más que otra. Es la tercera ventaja.

También dicen que al ser la proporción que mejor se adapta al círculo está cerca de la armonía absoluta, pero es algo que preferimos dejar a los que creen en la proporción áurea y demás historias. Podría ser la cuarta.

A la hora de desarrollar un proyecto, el formato es una de las cosas que debemos tener en cuenta antes de empezar a trabajar. Y apostar por el formato cuadrado es un acierto para lograr un aspecto que desconcierte.

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Estamos cada vez más acostumbrados a la horizontalidad (televisiones, pantallas, proyectores) y el formato cuadrado ha quedado obsoleto, incluso como dirán algunos vintage. Al cuadrar la imagen centraremos la atención del espectador. Y esta es la quinta.

Cómo hacer un formato cuadrado

Hoy en día podemos comprar cámaras de formato medio con dicha proporción pero seguramente se escaparan de nuestro presupuesto. Aunque siempre podemos mirar en el mercado de segunda mano.

Otra posibilidad es apostar por las cámaras Micro Cuatro Tercios, cuya proporción es 4:3, el formato popular más cercano al 1:1. Más cuadrado y ajustado y con muchas de sus ventajas... O configurar la cámara para que recorte el disparo en este formato...

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Y lo más fácil, lo que recomiendo y aplico día tras día es recortar en el ordenador. Pensar en cuadrado, disparar olvidándose de los espacios vacíos y luego acudir a Lightroom, Capture One o Photoshop.

Puede que a los más puristas les escandalice esta forma de trabajar, pero es otra forma de conseguirlo. Así tenemos la oportunidad de reencuadrar en el laboratorio digital, un lugar donde muchos deciden terminar la fotografía.

Esta forma de trabajar da mucha más libertad al fotógrafo. Tiene una segunda oportunidad de mejorar sus disparos. Y con el simple gesto de acudir a la herramienta Recortar puede simplificar y dirigir la mirada del espectador hacia lo que realmente quiere enseñar. ¿Lo habéis probado alguna vez? ¿Os gusta el formato cuadrado? ¿O lo dejáis para Instagram?

Con el mundo digital ha nacido la necesidad de hacer, cueste lo que cueste, la fotografía perfecta. Todo bien medido, el horizonte equilibrado. La composición soñada gracias a los mejores objetivos y las cámaras de última generación ¿Realmente lo necesitamos?

Ya no nos vale con aprender. Queremos hacer la fotografía perfecta. Por eso proliferan los talleres en los que te llevan a las localizaciones que vemos en Instagram. Y dicen que los libros que te muestran las coordenadas y la hora exacta para hacer esa instantánea tienen muy buena acogida.

En los foros y los cursos la gente pide opinión para comprar filtros de densidad neutra para lograr largas exposiciones. O para combinar en un mismo archivo dos exposiciones gracias a los filtros degradados. Todo para lograr ese efecto que tanto se ve en las redes sociales con las nubes movidas y el agua de un lago convertido en espejo.

A veces los viajes se organizan en función de las localizaciones. Islandia es un destino obligado por sus cascadas y mal tiempo. Y otros presumen de encontrar sitios todavía mejores e incluso se atreven a sugerir que los demás gastan el tiempo por no hacerles caso. Parece que tener buenas localizaciones es una especie de señal divina.

Faro I

No todos, pero sí muchos fotógrafos miran por encima del hombro a los que llevan una Canon, o una Nikon o una Sony. Incluso alardean de llevar móvil, o cámara de gran formato de placas. O una máquina rusa desconocida. Ser distinto a la hora de coger un mero accesorio es motivo de orgullo y satisfacción. Algo que no tiene mucho sentido realmente.

Lo más importante de la fotografía

En este curso que empieza en una semana podemos ponernos un reto. Olvidarnos de la cámara de una vez por todas. Dejar en casa los mil filtros, los objetivos zoom para ver la luna, los cientos de accesorios que tenemos en la bolsa y quedarnos con una cámara y un solo objetivo. Si es fijo mejor.

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Y empezar a preocuparnos de lo realmente importante. No hace falta ni siquiera estar de viaje. No necesitamos dedicar un fin de semana. Hay que buscar un monumento, un árbol, una calle, una puerta o un camino que nos guste e intentaremos fotografiarlo de una forma distinta cada vez.

Tenemos que encontrar la esencia de la fotografía buscando el mejor encuadre, la luz más adecuada. Sin artificios. Sin libros o artículos que nos digan la importancia de un objetivo o de una cámara. Eso está bien para aprender técnica. Pero deberíamos pensar que no toda la fotografía es eso.

Faro 2

Hay que aprender a mirar. Hay que buscar inspiración. Impedir la copia y favorecer la creación. Como tantas veces hemos dicho buscar un estilo propio. Una forma de contar.

Hacer fotografías no consiste en repetir lo que se ha hecho, sino buscar otra forma de hacerlo. Cuando vamos ligeros, sin estar pendientes del peso de la mochila o del cachivache que tenemos que poner porque lo dice fulanito en tal libro o artículo es cuando seremos libres.

Faro 3

Nos equivocaremos mil veces. Seguro. Y muchas fotos irán directas a la papelera. Pero cuando logremos la foto, esa que sabemos que es buena en cuanto apretamos el disparador, nos sentiremos grandes. Y empezaremos un nuevo camino en el que no seremos esclavos de lo que hacen los gurús, sino que nos daremos cuenta de la verdadera dimensión del acto fotográfico.

Faro final

No es fácil. Y puede que no sea lo que queráis hacer este nuevo año lectivo. Pero seguro que si os animáis, notaréis que el mero hecho de llevar la cámara en la mochila es la única manera de ser feliz a lo largo de un día lleno de trabajo, tensiones y demás. La fotografía como forma de expresión más que como esclava de la técnica ¿Qué pensáis?

Si queremos hacer buenas fotografías tenemos que plantar batalla. No es dar un botón y olvidarse o sentarse delante del ordenador confiando en nuestra pericia con el programa de turno. La fotografía es un trabajo que exige esfuerzo. Y una de nuestras obligaciones es saber cómo encontrar buenas imágenes.

Una de las funciones del fotógrafo es encontrar un estilo propio para mostrar su realidad. Esto exige, como dice Cristina García Rodero, pelear contra el tiempo. Es un combate de boxeo. Algunos prefieren dar el golpe, otros cansar al rival y todos, deberíamos ser capaces de ver el futuro, como un jugador de ajedrez.

El fotógrafo debe adelantarse al tiempo, lograr ese estado del que ya habló Ansel Adams en su mítica trilogía. Me estoy refiriendo a la visualización. Es una de las funciones del fotógrafo. Me da igual por supuesto que sea aficionado o profesional. Tenemos que ser capaces, desde que pensamos en accionar el disparador, saber cómo va a quedar la fotografía cuando la demos por terminada en una hoja de papel fotográfico o en las redes sociales.

Otro punto de vista

La visualización solo se consigue con esfuerzo, con práctica y con mucho tiempo invertido. Y dará igual la cámara que tengamos. Solo es una herramienta más que nos permite dar forma a nuestra manera de ver las cosas.

Adelantarse al tiempo

La visualización hay que ejercitarla. Hay que disparar con un sentido. El acto del disparo fotográfico en sí es totalmente irracional, como bien explica José Manuel Navia en sus talleres pero después de pasar por el filtro de la preparación.

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Para ser fotógrafo hay que entrenarse. Ejercitar la mirada y agilizar el pensamiento. Educarse formal y culturalmente. Así seremos capaces de disparar por intuición. Parecerá que no nos cuesta pero todo el trabajo está detrás. Horas de lecturas, de observación, de vida más allá de las cámaras.

La experiencia en este mundo es un grado. Hay que conocer tan bien la cámara que seas capaz de ponerla en marcha con los ojos cerrados. Y tener tan interiorizado lo que quieres sacar que no tengas ni que pensar el encuadre. Solo tienes que saber cómo encuadrar lo que estás viendo para que al final quede como tú quieres.

Y es ahí donde entra la filosofía del jugador de ajedrez. Los que jugáis sabéis con seguridad a lo que me refiero. Los grandes maestros son capaces de adelantarse al tiempo. Los que después de echar una mirada al tablero pueden decir con seguridad lo que va a pasar diez jugadas después.

El fotógrafo como jugador de ajedrez

El fotógrafo experimentado debería ser capaz de jugar con la misma profundidad. Después de entrenar la mirada, con solo ver una realidad debería adivinar el encuadre, medir la luz y ver el resultado final para comunicar al espectador cómo ha visto el mundo.

No es fácil. E igual muchos fotógrafos no sienten la necesidad de ejercitarse de tal forma. Puede parecer sobrehumano pero no es más que una forma de hacer las cosas. Es una de las formas de salir del hoyo que supone quedarse en la fotografía postalera, la fotografía bonita más que la buena fotografía.

La luz cambia todo

No todos queremos hacer las mismas cosas. Cada uno es libre de enfrentarse a la fotografía como quiera. Puede que haya muchos caminos, muchas rutas posibles. Algunos prefieren llegar a su lugar destino por una cómoda autopista, sin riesgos, a una velocidad de crucero constante.

Otros disfrutamos más en las carreteras de montaña, en las comarcales que cruzan los páramos... Al final puede que lleguemos al mismo sitio. Y hasta puede que disfrutemos exactamente igual. Pero las emociones serán distintas. Ahora toca elegir.

Ya han empezado las escuelas de fotografía. Cursos de iniciación, avanzados, para aprender a manejar los programas de edición... Muchos alumnos quieren aprender a hacer fotografías, a contar historias con ellas. Y lo primero que debemos exigir es tiempo. Pocas veces se puede hacer un buen trabajo sin tiempo. Así que vamos a ver cómo podemos aprovechar las horas para avanzar como creadores de imágenes.

Siempre que empiezo un curso pido a los alumnos que traigan fotografías. De su archivo o mejor aún, que disparen durante la semana después de la primera clase. Me sirve para ver, para descubrir su estilo, su forma de mirar, su dominio de la técnica... Y muchas veces para encontrar uno de los problemas que nos impiden avanzar cuando queremos mejorar en nuestra afición o futuro trabajo.

Estoy hablando del tiempo, de los minutos y las horas que estamos detrás de la cámara para conseguir esa imagen que tenemos en la cabeza cuando nos asomamos a la realidad. Vamos, cuando queremos hacer uso de la cámara. No se puede ser un buen fotógrafo si no tienes tiempo. Las fotografías no salen de la nada. Son fruto del trabajo constante.

Lo único que diferencia realmente a los buenos fotógrafos de los demás son las horas de zapatilla. Todos podemos tener el mismo dominio de la técnica, incluso la misma cámara. Es verdad que algunos saben mirar mejor que otros. Pero simplemente porque le han dedicado tiempo. Algunas veces nace un Robert Frank o un Richard Avedon que con un solo disparo logra la magia. Pero cuentan las crónicas que eran trabajadores incansables. No cerraban hasta que surgía la fotografía que quitaba la respiración.

El tiempo para el fotógrafo aficionado

Muchas veces me quedo sin habla cuando veo el trabajo de fotógrafos en las redes. Y son aficionados. Es decir, no viven de la fotografía, por diversos motivos. El ejemplo que siempre me ha llamado la atención es el de los integrantes del grupo AFAL. La mayoría no eran profesionales. Sin embargo todos aprovechaban sus días libres para coger la cámara y disparar sin sosiego. Sabían mirar pero las buenas fotografías no surgen en cinco minutos. Hay que estar allí, al pie del cañón.

Y desgraciadamente sé que muchas veces es imposible. Las obligaciones nos ahogan. Hay que madrugar para trabajar, atender a la familia, ir a la compra, trabajar más, llevar a los niños a sus actividades, planchar, fregar, bajar la basura, descansar... a veces no queda tiempo para hacer fotos y lo único que hacemos es mirar el ordenador para descubrir cómo lo hacen otros.

Muchos no encuentran la forma de conseguir salir a la calle o quedarse en el estudio para lograr un buen trabajo. Y apuestan todo por una salida rápida el fin de semana que tienen sin compromisos... Y así no se puede salir de la rutina, donde solo se consiguen fotografías postaleras.

Es en este entorno donde surge la necesidad de pasarse horas delante del ordenador para intentar mejorar un archivo que no satisface o uno de las modas que más me llama la atención de los últimos años. El hecho de ir ex profeso a buscar una localización que ya han hecho miles de personas para conseguir la misma fotografía. Sin ningún toque personal. Ve a Islandia para hacer las mismas imágenes que hace Fulano o Mengano.

Para muchos fotógrafos es la mejor forma de aprovechar el poco tiempo que tienen para hacer lo que más les gusta. Sin errores. En cuanto llegas al sitio a la hora adecuada consigues una fotografía estupenda. Igual a cientos pero es tuya. Y nadie podrá decir lo contrario. Solo queda llegar a casa, revelar más o menos (según instrucciones) y listo.

De esta forma se quita toda emoción pero se garantizan resultados inmediatos. Todos queremos hacer las fotos de los libros. Fuera queda la incertidumbre y la sorpresa. Es una forma de trabajar que se está imponiendo pero vamos a ver cómo podemos evitarla.

Aprovechar el tiempo desde un punto de vista fotográfico

Lo último que hay que hacer es renunciar. Siempre podremos sacar tiempo para hacer lo que más nos gusta. No es momento de decir que hay que levantarse más temprano o acostarse más tarde como si fuera un libro de autoayuda. Cada uno hace lo que puede. Por este motivo propongo algo que para muchos será una perogrullada pero que sirve para no abandonar la afición y practicar en todo momento sin perder el tiempo.

El secreto es llevar siempre una cámara. Una cámara compacta en la que confíes. Olvídate de la réflex con el 24-70 o con el 18-300. Si no tienes otra ponle un objetivo fijo pequeño, un 35mm f2, un 40mm f2,8... O una buena cámara compacta que entre en la mochila. O algo que ya llevamos todos siempre: el teléfono móvil. Solo hay que encontrar la herramienta que más nos guste.

Si salimos siempre con ella, podemos hacer fotos en los trayectos de un lugar a otro. De casa al trabajo. Del colegio a la oficina. De vuelta por la noche... Seguro que no es como fotografiar en los Picos de Europa. Pero al menos haremos algo fundamental para conseguir algo: la pura y dura práctica.

En nuestros caminos de un sitio a otro la luz puede llegar a ser increíble, las situaciones inesperadas. Siempre será distinto. Y el poco tiempo que tenemos lo aprovechamos así. Es la mejor forma de no desesperarse y caer en la rutina. La fotografía tiene esta virtud, pues te invita a mirar siempre de otra forma.

Y estaremos preparados para esos días en los que podamos salir con la cámara de verdad. No tiene sentido dejarla aparcada hasta las vacaciones. Quizás tengamos que abandonar proyectos pero podemos empezar otros nuevos en nuestro lugar de residencia. La clave es no dejar de hacer fotografías.

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Ayer escribimos sobre los alumnos de fotografía. Hoy es justo que hablemos sobre los profesores. Estamos a punto de terminar agosto. Y en septiembre empiezan algunos cursos. Nunca podemos olvidar que un buen profesor es básico en cualquier rama. Y en fotografía no podía ser menos. Vamos a analizar su figura.

El buen profesor de fotografía es una de las figuras que más recordarás en toda tu vida con la cámara al hombro. Gracias a sus consejos tu trabajo será mejor si fuiste capaz de interiorizar todo lo que te contó. En algunos casos a lo mejor prefiere no haberte conocido... Como profesor es imposible gustar a todo el mundo. Yo tengo a alumnos que llevan veinte años conmigo y personas que solo me han aguantado una clase por decir que no disparo en manual...

Así como en el anterior artículo hablé como alumno, hoy voy a hablar como profesor. Tu labor es fundamental en el futuro de aquel que deposita toda su confianza en ti. Jamás olvidaré a Vicente López Tofiño, a Navia, a Isabel Muñoz, a Chema Conesa, a Castro Prieto... ellos y muchos enseñan a mejorar tu forma de mirar. Y sobre todo a valorar ante todo y sobre todo el trabajo duro. Y a pensar.

Adaptarse a cualquier forma de expresión

Hay que buscar entonces los requisitos mínimos para ser un buen profesor de fotografía y evitar hacer perder el tiempo y el dinero a los futuros alumnos que puedan contratar tus servicios. Ya he adelantado que es imposible gustar a todo el mundo...

El buen profesor de fotografía

Jamás entenderé a un profesor de fotografía que no hace fotos. La fotografía es una vocación, nunca una obligación. Tenemos que comunicar día tras día toda nuestra pasión por ella. Puede que no seamos fotógrafos excelentes pero podemos conseguir que los alumnos lo sean.

Es importante tener un base técnica y teórica perfectas. Luego cada uno buscará su especialidad. Porque no es lo mismo dar composición que revelado digital o historia. Pero hay que saber explicar todo. Nunca sabes si alguna vez tendrás que cubrir a un compañero o resolver una pequeña duda a un alumno.

Algo fundamental es la puntualidad. Si algo sienta mal a la gente es que llegues tarde a las clases por sistema. Si te quieres dedicar a las clases particulares el secreto es llegar no un minuto antes ni uno después, sino justo a la hora pactada.

Y sin lugar a dudas hay que preparar las clases. No me refiero a esos profesores universitarios que llevaban los folios amarillos o las presentaciones de Power Point sin actualizar y que sabían que era lunes por lo que leían. Es buena idea tener un temario preparado e ir avanzando. Por supuesto que se puede (y debe) improvisar. Pero la base de cada clase debe estar preparada.

Siempre mandar trabajos

Algo que siempre agradeceré a mis profesores es que fueron muy críticos con mi trabajo. Nada de menospreciar de mala forma, sino de una forma constructiva. Si algún trabajo es malo se dice y se exige en función de la capacidad o las expectativas puestas en el alumno. No es lo mismo dirigirse a alguien que quiere ejercer de profesional que a uno que tiene la fotografía como afición.

Esto me lleva a tener empatía con el alumno. Saber cómo llevarle en cada momento para conseguir lo mejor de él. No hay que ser desde luego como Robin Williams en 'El club de los poetas muertos' (no es más que una idealización) pero sí que veo más realista al señor Miyagui de 'Karate Kid'. Y no quiero decir que llevemos una cinta en la cabeza, sino que sepamos llevar en todo momento al alumno aunque al principio no entienda nada e incluso se enfade. Y entiendo que hay alumnos imposibles como personas.

Ayudar a mirar de otra forma

Un profesor es una fuente de inspiración. Me refiero a que debe ser como un libro abierto. No debe hablar solo de fotografía, sino de cualquier cosa que sirva para hacer fotos. Es decir, desde libros a viajes; de videojuegos a películas... todo vale. Eso sí, hay que huir de los profesores endiosados sin capacidad de asombro.

Enseñar fotografía es una responsabilidad. Cualquiera no vale. Pero os aseguro que dar clases es una de las profesiones más enriquecedoras que conozco. Y que más responsabilidades conlleva. Espero que alguna vez encontréis al buen profesor.

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Hace pocos años descubrí la figura de Saul Leiter. Fue en un taller de José Manuel Navia... Desde entonces es uno de mis autores favoritos. Es uno de los fotógrafos más originales del siglo XX y se le redescubrió para el gran público tres meses después de morir. Hoy está considerado un clásico.

Saul Leiter es uno de los mejores fotógrafos en color. Aunque su trabajo en blanco y negro también deja sin palabras, será recordado siempre como uno de los autores que mejor han sabido mirar en color. Su forma de disparar es única. Y de nuevo nos encontramos con alguien que prefiere la pintura a la fotografía. Algún día haremos un artículo en el que descubriremos a todos los fotógrafos pintores. Y no os extrañe descubrir que serán de los mejores.

Una de las grandes cualidades de Saul Leiter es su estilo. Su forma de ver en color. A través de un espejo, de un cristal, de gotas de lluvia o de la nieve que cae. Son fotografías deformadas por el día a día, que interpretan la realidad pero que conocemos desde siempre. No nos extrañan. Si hemos vivido en la ciudad las entendemos. La noche a través de los cristales del coche o del bus después de un día de trabajo. Las miradas de los desconocidos... Ese es Saul Leiter.

La historia de Saul Leiter

Aunque fue reconocido a lo largo de su carrera, la mayoría de los fotógrafos lo conocíamos de oídas. El documental 'In No Great Hurry: 13 Lessons in Life with Saul Leiter' (2014) hizo sonar todas las alarmas. Él murió tres meses antes. Había publicado ya 'Early color' (2006) y 'Early black and white' (2014). Pero el documental le abrió las puertas de la fama.

Su historia tiene mucho de película de superación. Es hijo de uno de los rabinos más importantes de Pittsburgh. Pero la pintura caló muy pronto en sus huesos. Todo se complicó aún más cuando su madre le regaló su primera cámara en 1935, una curiosa Detrola.

Contra la voluntad de su padre dejó la escuela talmúdica para ir a una escuela de arte en Nueva York en 1946. Hasta entonces solo había expuesto sus amadas pinturas. Pero la visita en 1947 a una exposición de Cartier Bresson y la amistad con Eugene Smith le llevan hacia la fotografía, con la que se ganará el sueldo a lo largo de su vida.

Saul Leiter, fotografía de este [vídeo](https://www.youtube.com/watch?v=B3wSjuImGu0)

En sus imágenes en blanco y negro predominan las masas negras que nos adentran en lo que nos quiere contar. Llama la atención el fuerte contraste y la exuberante sexualidad de muchas de sus fotografías. Desde el principio vemos algo que los occidentales no sabíamos. En todos sus disparos encontramos la lucidez de las sombras de la cultura japonesa. Ahí está su secreto.

En 1948 empieza a experimentar con el color. Y comienza una revolución en silencio que prácticamente no terminó de explotar hasta que lo vimos en 2014. Hasta entonces encontramos a un fotógrafo que trabajo para las revistas más importantes de la moda como 'Elle', 'Vogue', 'Esquire' (con los que fotografia a Gina Lollobrigida), 'Harper´s Bazaar'... Ahí está su fuente de ingresos. En las revistas que por aquellos años estaban dominadas por Richard Avedon o Irving Penn.

Poco o nada se sabía de Saul Leiter, que incluso vio a Cartier Bresson fotografiando su barrio en 1959, el East Village, le hizo una fotografía a sus espaldas y nunca se atrevió a saludarle. Esa es su marca personal. Su bendición y su desdicha. Un fotógrafo tranquilo.

La cultura japonesa de Saul Leiter

Antes ya lo he dicho, pero lo que descubrimos en sus trabajo, en todas y cada una de sus obras es el conocimiento y la admiración absolutas por la cultura japonesa. Algo que lo separa de los grandes fotógrafos del siglo XX, como los violentos, visualmente hablando, Robert Frank o William Klein. Y que lo acercan mucho más a Cartier Bresson. Pero siempre con un estilo personal.

En su biblioteca hay cientos de volúmenes de arte japonés: pintura, fotografía e incluso literatura. Lo más llamativo es que ni hablaba ni leía dicho idioma. Era una pura filia por la forma de entender el arte. De nuevo me he encontrado, como dice la comisaria de su exposición en Tokio, Pauline Vermare, 'El elogio de la sombra' de Tanizaki. En este pequeño ensayo apreciamos el valor de la penumbra frente a la luz.

Saul Leiter de este [vídeo](https://www.youtube.com/watch?v=B3wSjuImGu0)

Y eso es lo que destaca en la fotografía en color de Leiter. Lo escondido, la sombra, la luz de la penumbra que envuelve todo. Y el color, entendido como una forma de blanco y negro, porque solo trabaja con gamas, como principal baluarte de sus disparos. Y con una composición marcada por la pintura francesa de los impresionistas y de Bonnard, que le llevó de la mano al mundo japonés a través de sus cuadros.

Saul Leiter ha empezado a influir a muchos fotógrafos actuales. Su presencia se nota ya incluso en el cine, donde su obra inspiró la estética de 'Carol', una de las películas más fotográficas de los últimos tiempos. Recomiendo encarecidamente buscar en las librerías All about Saul Leiter, un catálogo bilingüe que nos abrirá nuestra forma de mirar.

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La repetición de objetos, lo que en fotografía denominamos “patrones”, es una técnica ampliamente presente en las artes visuales. Utilizarlos es una buena oportunidad para concentrar nuestra mente en aspectos cruciales como las formas, las líneas y, en definitiva, la composición, y permite no sólo componer de forma efectiva sino también dar cierto ritmo a las fotografías. Por eso, vamos a ver cómo emplearlos de forma más efectiva.

Podemos encontrarlos en multitud de lugares, tanto en la naturaleza (como en las flores, hojas o las pieles de animales) como en entornos artificiales (sobre todo por la arquitectura), y nuestro cerebro tiende a buscarlos (tal y como contábamos en este artículo), por su simetría, como una forma de recordar cosas y de fijar imágenes en nuestra memoria. Por eso, su inclusión en las fotografías es sin duda un buen recurso útil para cualquier tipo de composición.

Foto de Paul Bergmeir

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Pero también son una tentación que puede hacer que obtengamos fotografías curiosas para utilizar como fondo de pantalla (lo cual tampoco es desdeñable de por sí) pero sin demasiado interés más allá. Por eso vamos a tratar de ver cómo sacarles partido con algunos consejos prácticos que pretenden hacer su uso más efectivo.

El equipo necesario

Pero antes vamos a detenernos un poco en el tipo de cámaras y objetivos más recomendados para este tipo de fotografías. Aunque nuestro primer consejo es precisamente que, como norma general, no hace falta ningún equipo especial. Ésta es una de esas prácticas en las que el ojo es más importante que la cámara, pero sí es cierto que hay algunas cosas que apuntar.

Foto de Imthaz Ahamed

Lo primero es que, aunque ciertamente sirva cualquier cámara, desde una réflex a un smartphone, sin duda es ideal contar con un equipo de cierta polivalencia y al que se le puedan acoplar objetivos diferentes. Porque en este caso si hay una recomendación que podemos hacer es, por un lado, utilizar un objetivo macro y, por otro, un teleobjetivo.

Con el primero (o algunas de las otras posibilidades que se usan en macrofotografía como las lentes de aumento y los tubos de extensión) se nos abrirán las puertas de un mundo en el que posiblemente encontraremos infinidad de motivos que contienen patrones naturales, como las plantas, las flores o los insectos. Con lo segundo, un teleobjetivo, podremos identificar y aislar elementos repetitivos dentro de una escena amplia.

Foto de paulbr75

Por lo demás, aparte de cámara y objetivos, podemos hablar de algunos accesorios que nos pueden ser de utilidad, aunque no se salen para nada de los que siempre recomendamos. En concreto hablaríamos de un buen trípode, por si necesitamos disparar con velocidades de obturación lentas, y quizá de un flash que nos aporte un apoyo lumínico en ciertos entornos.

La técnica adecuada

En cuanto a esto, tampoco estaríamos hablando de nada especial, y de hecho los ajustes que elijamos deberían depender más de la situación lumínica que del tipo de foto que estamos haciendo. En este caso una adecuada composición es mucho más importante que una técnica concreta; Sin embargo, de nuevo sí que podemos apuntar algunos consejos o recomendaciones.

Foto de cristi21tgv

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Por ejemplo que en principio es recomendable buscar una amplia profundidad de campo con el fin de garantizar el mayor nivel de detalle dentro de todo el espectro de la imagen, por ejemplo recurriendo a la técnica del F8 o a la hiperfocal. Si estamos hablando de fotografía macro, a lo mejor incluso tenemos que ir más allá y utilizar técnicas de apilamiento de enfoque.

Claro que lo anterior no quita para que en un momento dado optemos por lo contrario, por un desenfoque selectivo, con el fin de romper la monotonía de una foto demasiado repetitiva. Piensa que la nitidez absoluta no es ni mucho menos una obligación, y de hecho a veces podemos intentar jugar con desenfoques o incluso zonas trepidadas (usando velocidades bajas) que den a los patrones un aspecto abstracto que puede llegar a ser muy impactante.

¿Dónde encontrarlos?

Foto de Erol Ahmed

Ya os hemos adelantado que podemos encontrar elementos que se repiten en todas partes, tanto en lugares naturales como artificiales. Sin embargo a veces no nos resultan tan obvios como podría parecer, bien porque están “camuflados” o porque no tenemos el ojo lo suficientemente entrenado. Porque un ojo fotográfico certero es sin duda el mejor “cazador” de patrones, así que el mejor consejo es estar muy atentos a todo lo que nos rodea.

De cualquier forma, en la naturaleza es sencillo encontrarlos, sobre todo formando parte de la fisonomía de los seres vivos, tanto en animales como plantas. Los simples pétalos de una flor suelen ser un buen ejemplo de patrones, pero también la estructura de árboles y plantas, así como la piel de los animales. Un buen ejemplo de esto son las cebras con su curioso pelaje en blanco y negro, pero cualquier animal visto desde lo suficientemente cerca está compuesto de patrones. Claro que tampoco hay que acercarse tanto, porque los patrones pueden encontrarse de forma natural en muchos paisajes.

Foto de dw-lifestylefotografie

En cuanto a los patrones artificiales, son igualmente abundantes (incluso más) en todos esos lugares habitados por la especie humana, especialmente en las ciudades. En ellas, la arquitectura y el urbanismo tiende a la repetición tanto en entornos amplios (como las estructuras de muchos edificios o la disposición de elementos de todo tipo) como en áreas más reducidas (como la textura y composición de objetos como una pared de ladrillos).

Por eso, aquí más que ser capaz de encontrar patrones casi me atrevería a decir que la labor más complicada está en ser capaz de hallar su atractivo visual y de ponerla en valor con una composición adecuada y que, además, sea capaz de comunicar. Algo de lo que vamos a hablar a continuación.

Foto de Dmitri Popov

Cómo sacarles provecho

Llegamos por fin a la parte crucial del artículo, cómo aprovechar los patrones para mejorar nuestras fotos, o cómo fotografiar patrones con más criterio, que todo puede ser. Porque esto es lo realmente importante, lograr una imagen que impacte pero, al mismo tiempo, que transmita algo (eso que podemos denominar una “buena fotografía” pero que tan difícil es de definir, aunque de vez en cuando lo intentemos).

Patrones y ritmo

Para empezar, tenemos que ver la relación, que ya apuntamos al principio, entre los patrones y el ritmo de las imágenes. Tal y como os contamos en un artículo sobre el ritmo en fotografía, “consiste en la repetición rítmica de líneas y formas. Por lo general, dichas repeticiones producen una sensación agradable para el ojo humano.”

Foto de Ziga Radsel

Es decir, la reiteración de patrones, dependiendo de la frecuencia con la estos se repiten, logra que la imagen tenga cierto ritmo, haciendo que el ojo vaya naturalmente de unos a otros siguiendo el ritmo. Así, como dijimos también entonces, “en algunos casos, el ritmo puede llegar a convertirse en el tema principal de la fotografía.” Claro que si abusamos podemos caer en la monotonía y aburrimiento, así que lo aconsejable (como en todo) es emplearlos con moderación, o mejor aún, romperlos.

Rompiendo patrones

Seguramente el recurso más efectivo, y también bastante fácil de aplicar, es el de romper el ritmo introduciendo en la composición un elemento “ajeno”. Puede ser con un elemento distinto o en una posición diferente, puede ser introduciendo un brillo o una figura humana, el caso es añadir un elemento que rompa la monotonía y añada interés a la fotografía.

Foto de VirtualWolf

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Por eso lo citábamos como uno de esos trucos efectivos para dirigir la atención del espectador en una fotografía, porque inevitablemente atrae la mirada al romper el ritmo visual de nuestro ojo y hacerle que centre su atención en otra cosa. De hecho, utilizar los patrones y el ritmo que crean como elemento secundario de una composición, con un elemento predominante bien destacado gracias a ello, es una técnica muy efectiva, sobre todo si la combinamos con la conocida regla de los tercios.

El color… y su ausencia

Un elemento que suele funcionar bien a la hora de crear redundancias de elementos, y también al romperlos, es el color. Gracias a él podemos identificar muy rápidamente determinados patrones, pero también a veces la tonalidad puede hacer que entendamos elementos distintos como semejantes y los consideremos patrones. Además, el color también funciona muy bien a la hora de romper el ritmo introduciendo una discordancia de tonalidad.

Foto de irenne56

Por otro lado, también hay que considerar que a veces el color distrae hasta el punto de hacernos perder patrones interesantes relacionados con las formas o las texturas. Así, a veces es recomendable elegir un tratamiento de las fotografías en blanco y negro para potenciar una determinada repetición de elementos que podría haber pasado desapercibida.

Foto de Samuel Zeller

Luz, textura y minimalismo

Además del ritmo, otros recursos que normalmente se asocian con la repetición de elementos son la textura y determinadas iluminaciones que la potencian. No en vano en la textura de la piel y las cosas podemos encontrar muchos patrones, que pueden apreciarse mucho mejor cuando la luz les llega a forma lateral, por ejemplo a la hora del amanecer y el atardecer, gracias al juego de luces y sombras.

Foto de Ferdinand Stöhr

Igualmente el minimalismo fotográfico está muy relacionado con los patrones, cuya búsqueda suele ser constante en esta disciplina. De modo que no es rara esta asociación que no debemos pasar por alto si nos encontramos a la caza y captura de patrones. De hecho, como podéis ver, algunas de las fotos que hemos incluido para ilustrar el artículo no son otra cosa que texturas o imágenes minimalistas que de algún modo buscan la abstracción gracias al uso de elementos repetidos.

Foto de Andrew Ridley

En Xataka Foto

Cómo sacar partido al color en fotografía y mejorar nuestra composición

Y con esto hemos terminado esperando haberos animado a poner en práctica este tipo de fotografía y no sin volver a insistir en la necesidad de desarrollar nuestro ojo para encontrar patrones y sacarles provecho. Algo que, por supuesto, se puede desarrollar con el tiempo y la experiencia. Ah y por supuesto os animamos a aportar vuestras propias sugerencias sobre este tema.

Foto de portada | Geoff Greenwood

Todo el mundo quiere saber mil técnicas para logar revelados impresionantes. Se sientan delante de sus ordenadores y empiezan a mirar las ventanas, las herramientas y los paneles como si no hubiera otra cosa. Deslizadores arriba, parámetros abajo y que sea lo que los dioses quieran. No es una buena forma de trabajar, así que hoy vamos a recordar las cuatro reglas básicas para conseguir un buen revelado.

Revelar una fotografía no consiste en tener unos conocimientos increíbles de todos los programas del mercado. En uno de los mejores laboratorios de España solo utilizan las curvas sin ayuda siquiera de las capas de ajuste. Y trabajan con los fotógrafos más grandes del panorama.

Todo se reduce a saber mirar, a saber interpretar la información que nos brinda un negativo digital. Si tenemos claro qué necesita una fotografía, tenemos más del 90% hecho. Y todo el trabajo posterior se reducirá a una mera rutina. Y digo rutina porque se hace tantas veces, y se tiene tan interiorizado, que casi no es necesario pensar. Y cada imagen nos pedirá algo distinto.

Hace tiempo que lo explico en mis cursos de forma teórica, pero nunca había pensado cómo ayudar a verlo de forma gráfica en todas y cada una de las fotografías a las que nos enfrentamos. Y gracias a mis alumnos más veteranos, he terminado de encontrar la guía definitiva para poder ver, si tenemos dudas o poca experiencia, qué tenemos que revelar en una imagen para conseguir el mejor resultado posible.

Las cuatro reglas fundamentales para revelar una fotografía

Antes de aplicar las cuatro reglas fundamentales tenemos que hacer una buena fotografía en la que luz represente lo que queremos. Sin este requisito previo, y a no ser que estemos haciendo fotografía periodística, donde importa más el fondo que la forma, poco o nada podremos hacer con las cuatro reglas que voy a proponer a continuación.

Foto original

Lo que se dice siempre, hasta compulsivamente, es verdad en este caso. Si la fotografía no es buena de entrada, no hay nada que hacer en el revelado. La mona, aunque se vista de seda, mona se queda. Estas reglas solo funcionan si el material con el que se trabaja es bueno.

La primera vez que vi formulado algo similar fue en el libro 'Técnica fotográfica' de Jay Dickman, de la editorial Omega. Es una forma perfecta de entender lo que necesita una fotografía en el revelado para lograr una buena interpretación. Así evitaremos perder el tiempo hasta encontrar una buena solución e iremos directos al grano.

Estas cuatro reglas se pueden cumplir a la vez o por separado para tener un buen resultado. Desde luego, si se cumplen todas, será mejor para nosotros, pero no es necesario.

1. El espectador siempre ve primero las luces y las zonas de más contraste

Si queremos que algo llame la atención en la copia tiene que estar iluminado. Destacar entre las sombras. Si está escondido en la penumbra y rodeado de luz, nadie dirigirá la mirada al sitio que queremos. El punto principal de la imagen tiene que ser más claro que todo lo demás. Si no es así, la mirada del espectador se perderá en las luces más altas.

Otra opción que tenemos es conseguir el máximo contraste de toda la superficie de la imagen en el lugar en el que esté el objeto principal. Si no es así, nunca destacará lo que nosotros queremos comunicar. Y el espectador de hoy en día no pierde el tiempo en descubrir lo que queríamos decir...

Vemos que la escultura destaca sobre todo lo demás y que hay que bajar un poco la luminosidad del cielo.

• Si no lo ves claro, siempre puedes hacer un duplicado de la capa (Ctrl+J) o trabajar con objetos inteligentes para conseguir un filtro ídem.
• Si aplicamos el Filtro>Desenfocar>Desenfoque gaussiano con un Radio de 10-100 px (en función del tamaño del archivo) veremos todo desenfocado. Y así, sin el detalle, seremos de capaces de ver las zonas más luminosas y contrastadas de la fotografía.
• Tiramos el filtro inteligente o la capa a la papelera y revelamos en consecuencia para lograr la primera regla.

2. El espectador ve primero las formas reconocibles

A la hora de revelar tenemos que conseguir una imagen limpia. Que el objeto principal esté libre de distracciones para mirarlo con detenimiento. Que nada interrumpa la visión directa del espectador.

Si estamos haciendo un retrato a una persona no pueden salir cosas extrañas de su espalda. O que su perfil sea irreconocible por una acumulación de formas. Aquella máxima de menos es más es perfecta para entender este punto. Si no fuera así tenemos que pelear durante el revelado para conseguirlo de alguna forma.

Auqnue esté al revés seguimos reconociendo las formas.

Si tenemos dudas sobre este punto tenemos una opción en Adobe Photoshop para verlo más claramente:

• Vamos a Imagen>Ajustes>Rotación de imagen>Voltear lienzo vertical.
• Si contemplamos la imagen y la seguimos entendiendo, es decir, reconocemos bien el objeto que queremos destacar, será un punto por el que no nos tendremos que preocupar en el revelado posterior.
• Si es confusa, tendremos que aplicar nuestra sabiduría para lograr nuestro objetivo final.

3. El espectador se fija en la nitidez

Para que algo destaque para el espectador de la fotografía, tiene que estar nítido. Un objeto borroso puede confundir al que mira. Si está desenfocado no tendrá el mismo foco de atención que otras zonas que sí lo estén. Y será un problema.

Vemos que todo está enfocado menos el cielo. Hay que subir la Claridad en la escultura para que destaque.

La nitidez no es algo que se pueda resolver a posteriori (se puede dar la ilusión con ayuda de Claridad), a no ser que tengas uno de los últimos modelos de Sony o Canon. A lo mejor tienes todo enfocado por el tema de la hiperfocal, o porque has cerrado mucho el diafragma... Si quieres confirmar lo que está realmente nítido en tu fotografía puedes hacer lo siguiente:

• Abrimos la fotografía en Adobe Photoshop y vas a Selección>Área de enfoque.
• Sin tocar parámetro alguno la cámara te enseñará las zonas enfocadas de la imagen y puedes decidir si necesitas aplicar algún enfoque extra o subir Claridad para reforzar la nitidez de alguna zona en concreto.

4. El espectador ve antes los tonos cálidos que los fríos

Tenemos una inclinación natural hacia los tonos más cálidos del espectro. Miramos antes un rojo que un azul. Por este motivo, si queremos que algo llame la atención poderosamente debemos ajustar su temperatura de color. Pero puede que no apreciemos correctamente la dominante que tiene una zona respecto a otra. Hay una forma de verlo.

• Abrimos la fotografía en Adobe Photoshop.
• Creamos una capa de ajuste de Tono/Saturación en Capa>Nueva capa de ajuste>Tono/Saturación.
• Subimos la Saturación al 100%.

La saturación extrema nos permite ver que la escultura es más cálida que el cielo.

Así vemos las dominantes de cada zona de la fotografía y sus relaciones entre ellas. En la fotografía de ejemplo se ve perfectamente que la escultura es más cálida que todo lo que le rodea, luego puedo conseguir que el espectador se fije en ella.

Fotografía final

Con estas cuatro pruebas, podremos ver qué es lo que necesita la fotografía en cuestión. Por supuesto tiramos todas las pruebas para empezar de cero el revelado con el flujo de trabajo que queramos, como por ejemplo las máscaras de luminosidad. Pero con la seguridad de estar haciendo lo que realmente necesita la fotografía.

En Xataka Foto| Sobre los excesos del revelado digital

Se ha escrito mucho sobre el blanco y negro. Desde la irrupción del mundo digital ha sufrido una serie de altibajos por culpa precisamente de la tecnología. Pero con el paso del tiempo muchos hemos vuelto a sus brazos al descubrir una serie de técnicas y materiales que permiten una calidad superior a la clásica película y los papeles baritados virados. La clave de todo es descubrir cómo debería ser un buen blanco y negro.

Las respuestas son muchas. Y siempre que se puedan justificar son todas válidas. Hay muchas tendencias, desde los que aman configurar el jpeg de su cámara para sacar directamente esa escala de grises reducida, hasta los que siguen los preceptos de Vincent Versace. Y los que no se olvidan de las máximas de Ansel Adams, el padre putativo del sistema de zonas.

¿Por qué en blanco y negro?

Esta es la primera pregunta que nos deberíamos hacer antes de enfrentarnos a la técnica. ¿Por qué queremos hacer un blanco y negro? Mucha gente lo hace por motivos artísticos, que era lo que hacían los maestros, que queda mejor colgado en la pared, que es más fácil... Los grandes maestros trabajaban en blanco y negro porque era más barato, con un procesado más sencillo (se podía hacer en el maletero de un coche o en el cuarto de baño de la pensión) y porque los sistemas de color eran muy poco estables. No le deis más vueltas, en serio. El blanco y negro triunfo por esos motivos. Si el color hubiera sido más económico en los orígenes de la historia fotográfica el blanco y negro sería una anécdota.

Original en color

¿Quiere decir que el blanco y negro no tiene valor? En absoluto. Creo que es una rama muy importante de ese árbol que es la fotografía. Nos permite fijarnos en la forma. Es un haiku fotográfico, una forma perfecta de quedarnos con la esencia de las cosas y librarnos de algo tan psicológico como el color. Salvo que seas tan barroco como Sebastiao Salgado.

El color despista y se lleva toda la atención. Intenta hacer una buena fotografía en color en la que encontremos un rojo en el fondo de la imagen y no despiste al espectador. En blanco y negro no pasa nada de esto. Tienes que estar pendiente de las luces y las sombras. Y te puedes olvidar de todo lo demás. No quiero decir que sea fácil, desde luego. Pero es más sencillo que el color.

Un maestro del blanco y negro, de la fotografía documental, jamás pudo destacar cuando trabajo en color. Robert Capa lo intentó, pues además le pagaban más en las revistas, pero pocas veces lo consiguió. Sin embargo, su blanco y negro, tan sencillo y directo, siempre nos hace soñar. Y eso que no destacaba especialmente por su trabajo en el laboratorio.

¿En qué hay que fijarse para hacer un buen blanco y negro?

Hace poco hemos leído un artículo de Mike Johnston, en el que el autor reflexiona sobre cuál es la tonalidad adecuada para lograr un buen blanco y negro. Y dice algo que me gusta mucho:

No soy un experto en las muchas maneras de hacer conversiones en blanco y negro, y no me importa cómo lo hagas. Lo que me interesa es el por qué, no el cómo.

Una buena fotografía en blanco y negro no debe salir de ninguna regla escrita. Tiene que salir de dentro y siempre se tiene que justificar sin palabras. Solo con la pura contemplación del espectador. Él es nuestro juez, el que va a decidir si le gusta o no. Yo, por ejemplo, defenderé siempre que una buena fotografía en blanco y negro debe tener al menos un blanco y un negro puros, con una buena representación de grises. Me da igual que sea clara u oscura. Solo le pido una buena escala tonal, que el histograma parta de los negros puros y roce el blanco absoluto.

Fotografía con el histograma perfecto según los cánones

Y tener claro que hay decenas de técnicas. Y que tenemos que encontrar la que se ajuste a nuestro estilo personal. Hay que actuar con cabeza siempre frente al ordenador. De nada me sirve conocer todos los vericuetos de Silver Efex Pro si no tenemos nada que decir. O utilizar la famosa acción de Greg Gorman, o el proceso de Michael Freeman, si no nos hemos esforzado en el momento del disparo.

El blanco y negro más sencillo (y aburrido que se puede hacer)

El blanco y negro es ni más ni menos que una forma de pensar y actuar en el frente fotográfico. Nuestra misión como fotógrafos es encontrar el camino más sencillo para lograr plasmar una emoción tan artificial como una impresión en escala de grises y que la gente lo tome como cierto.

En Xataka Foto| Cómo conseguir mejores fotos en blanco y negro, ya sea disparando con película o en digital

La actividad de Adobe durante los últimos días en su canal de Youtube revela algunos detalles de los proyectos en los que está trabajando y que verán la luz en un futuro (esperamos) no muy lejano.

Se trata de tres proyectos que prometen diversión y una nueva forma de trabajar que pueden ahorrar mucho trabajo si no se quedan en simples propuestas de ocio.

Un pinta caras prometedor

Se trata de una aplicación que nos permitirá pintar sobre la imagen de una persona, después mezcla la pintura con la imagen teniendo en cuenta la iluminación para dotarla de mayor realismo.

Podremos mover ligeramente la cara y el programa reinterpretará lo que dibujemos para que las figuras se adapten a la forma del rostro.

El asistente de voz de Adobe

Ya son bastante familiares entre el público en general los asistentes de voz como Siri o Cortana, se sabe que Google está mejorando el suyo y que Samsung piensa implementarlo en el próximo S8.

Así que no es de extrañar que Adobe nos proponga una nueva manera de trabajar con nuestras fotos, de momento el vídeo no nos muestra espectaculares opciones, pero este puede ser el comienzo de una serie de novedades muy prometedoras.

Escultura 3D

Photoshop ya lleva tiempo ofreciendo la posibilidad de crear objetos en 3D, pero si no era muy popular seguramente esta herramienta le dará el empujón que necesitaba.

Se trata de una herramienta de escultura interactiva para Photoshop, que permite a un artista o a un diseñador utilizar herramientas familiares de Photoshop para esculpir objetos 3D.

Aún no sabemos cuando podremos ver si todo será tan fácil y funcionará tan bien como se muestra en los vídeos, pero estaremos pendientes.