Horatio Nelson, el célebre Almirante de la Marina Real Británica, murió en octubre de 1805 a bordo del buque HMS Victory, durante la Batalla de Trafalgar, herido por una bala de mosquete. Obviamente, como no podía ser de otro modo, allí había alguien para fotografiar el momento. Bueno, en realidad la fotografía ha habido que hacerla unos 200 años más tarde, pero lo cierto es que muchos no notarían la diferencia.

Esta recreación la ha llevado a cabo el fotógrafo Drew Gardner, con un presupuesto bastante ajustado, y un equipo de actores, consejeros de historia, maquilladores y asistentes técnicos. Las fotografías se han tomado en la cubierta del propio HMS Victory, fondeado en Portsmouth, y abierto a las visitas de los turistas.

¿Eres especialmente cuidadoso iluminando tus retratos? ¿Sueles usar varias fuentes de luz al disparar? Estoy seguro de que muchos de vosotros responderíais sí a ambas preguntas.

La verdad es que la diferencia entre los retratos bien iluminados y el resto es abismal. Pero lo cierto es que no siempre hay tiempo para pararse a colocar diferentes fuentes de luz, configurarlas, hacer pruebas, etc.

Muchas veces, la única opción para hacer una foto es el “aquí te pillo, aquí te mato”, como es el caso de los retratos por piruletas. Es en estos momentos cuando accesorios como el Presslite Vertex se vuelven muy interesantes y útiles.

Una vez que hemos visto, que es un flash y en que consiste su funcionamiento vamos a meternos un poco más en los tipos de flash que existen en el mercado.

Gracias al flash, uno puede disponer de una fuente de luz cuando le plazca. Sin embargo, si queremos sacarle todo el partido posible a esa fuente de luz, debemos complicarnos un poco la vida. Hay diferentes clases de flash, y cada uno, bien usado, puede ser idóneo para un tipo de fotografía, y puede permitirnos lograr resultados muy distintos. En este capítulo comentaremos inicialmente las características de un flash integrado, y a continuación nos centraremos en los flashes compactos, que son los más populares, tratando de clasificarlos en función de sus prestaciones. Por último, dedicaremos también unas líneas al flash anular, idóneo para la fotografía macro.

Cuando estás aprendiendo fotografía llega un momento en que debes empezar a utilizar un elemento externo de iluminación como es un flash. Hasta este punto tus fotos se parecerán a lo que vés, pero existen situaciones en las que las cámaras, por sus limitaciones técnológicas, no son capaces de plasmarlo y ahí tendremos que tirar de flash.

Pero al utilizarlo, ya no vamos a obtener directamente lo que estamos viendo puesto que estamos añadiendo una luz que no aparece hasta el disparo. Por tanto, es fundamental conocer cómo se va a comportar la luz del flash y cómo va a afectar a los objetos que tenemos delante de nosotros antes de disparar.

En DIYPhotography han publicado una guía rápida básica que permite hacerte una idea previa de qué iluminación puedes obtener según la situación del flash. La carta te la puedes descargar en distintas resoluciones desde la misma página para poder imprimir. Pero eso sería para los fotógrafos perezosos. En Xataka Foto preferimos ayudaros a hacer las cosas por vosotros mismos, por lo que os daré las instrucciones para realizar esta carta.

Hace poco tuve la oportunidad de asistir a un seminario sobre el sistema CLS (Creative Lighting System, Sistema de Iluminación Creativa) que Nikon celebró en A Coruña junto a una conocida tienda de material fotográfico de la ciudad.

En 2003, con la llegada al mercado de la Nikon D2H y de las unidades de flash SB800 y, posteriormente, la SB600, arrancó un nuevo y sofisticado sistema de iluminación conocido como CLS. Éste se basa en la capacidad que un flash maestro (SB800) y algunos de los cuerpos CLS tienen para controlar sin cables un número ilimitado de flashes esclavos.

En el seminario, Carlos Ormazabal, cabeza visible de Finicon, y Javier León, fotógrafo profesional, mostraron la sencillez de uso del sistema CLS que ofrecen los nipones con un objetivo claro: crear un set improvisado para una sesión fotográfica en cualquier lugar con un equipo facilísimamente transportable que minimiza las limitaciones. Para su demostración, en este caso, León usó tres flashes, dos de ellos esclavos, un par de paraguas, una D300 y una D3.

De entre los géneros fotográficos, la abstracción es uno de los menos frecuentes, quizás más practicado por artistas de la imagen y algunos pocos fotógrafos especializados. Pero, hoy día, gracias a las inmensas posibilidades de la fotografía digital y del posterior procesado en el ordenador, cultivar la fotografía abstracta es mucho más sencillo. Además, supone un enorme campo de experimentación, ideal para dar rienda suelta a la creatividad encorsetada que muchas veces no sabemos destapar.

En ocasiones, romper la reglas, probar nuevas composiciones, encuadres y velocidades de obturación, pueden conjugar resultados sorprendentes. Pero no basta con abandonarse al albedrío y esperar que el resultado, por fortuna, depare un resultado interesante. Hay que tener claro qué queremos transmitir, cualquier motivo vale, pero es importante que sea una forma de expresión, de comunicación con el espectador.

Estaba viendo algunos trabajos de fotógrafos de cine y me encontré con la web de Dan Winters. Después de un rato viendo fotos retocadas hasta la extenuación, las fotografías de Winters me sentaron como un jarro de agua fresca.

Destacan sus retratos, sobre todo a actores famosos. Él mismo dice que lo suyo no lo definiría como estilo propio, es más bien cuestión de sensibilidad. Y desde luego es lo que llama la atención en sus retratos, o como muestra con tanta simplicidad el carácter de las personas.

La clave de sus retratos es la iluminación, un aspecto que en la mayoría de sus fotos trabaja mucho más que la escenografía. Fijaos en la luz de cada una de las fotografías, como para cada persona hay una iluminación completamente diferente.

Un magnífico plato de comida o una cesta llena de ricas verduras y fruta son estupendos motivos fotográficos, que no siempre se escogen como recurrentes entre los aficionados. Sin embargo, resulta muy satisfactorio probar a fotografiar alimentos, supone una dificultad añadida pero, por ello es muy estimulante.

Al menos a mí así me ocurrió una vez. No hace mucho tuve que realizar unas fotos de distintos platos para después diseñar una carta de comidas. No era nada excesivamente profesional, puesto que para lograr esas imágenes que vemos en las vallas publicitarias (por cierto llevan un enorme trabajo de retoque) hay que contar con un gran equipo y conocimiento, por ello al principio me resultó un abismo.

Vamos a ampliar y completar el tema de la composición, que ya tratamos en la última entrega. Si recordamos, la popular regla de los tercios nos resulta de gran ayuda para componer nuestras fotografías en la mayor parte de las ocasiones. Con la práctica podemos ir acostumbrándonos a tener el gráfico de la cuadrícula en mente y ubicar los elementos que queremos destacar en esas intersecciones, que son los puntos fuertes.

Muchos os habéis encontrado alguna vez con un tipo de fotografías muy iluminadas, con predominio del color blanco, que parecen excesivamente sobreexpuestas pero cuyo resultado final es muy interesante. En otras modalidades artísticas, se suele denominar clave tonal, y no es otra cosa que clasificar los tonos de las imágenes (escala tonal) en claros, intermedios y oscuros.

Al que aquí nos referimos es a la clave alta (“high key”), donde las altas luces son el tono dominante y no existen negros puros, sino grises suaves. Es habitual en retratos donde se quiere crear un ambiente peculiar, suave y armonizado. Todos hemos visto retratos de mujeres y niños (muy habitual en blanco y negro) con esta técnica, con ese toque etéreo que le confiere un aspecto peculiar.

Pues os vamos a dar algunos sencillos consejos para lograr este tipo de imágenes.