Creo firmemente que los libros y las clases presenciales son la mejor forma de aprender fotografía, pero la formación en vídeo es un complemento perfecto para los que tienen ya una buena base. A lo mejor nunca se te había ocurrido regalar un vídeo de formación, así que vamos a ver los más interesantes que hemos hecho.

En Youtube o Vimeo encontramos cientos de canales dedicados a la fotografía. Ahí puedes ver horas y horas de formación con los que puedes aprender una barbaridad, siempre que tengas una buena rutina, es decir, ver el vídeo con el programa al lado y practicar y practicar hasta conseguir el resultado que te ofrecen.

Basta con investigar un poco para encontrar canales excelentes. En mi caso aprendo y siempre recomiendo muchos de ellos. Tripiyon, Photoshopeando, Carrete Digital, Fotógrafo digital, Piximperfect, f64 Academy, Photoshop Training Channel... y algunos más, son una referencia dentro de este mundo.

Pero Papa Noel o los reyes magos no pueden regalar solo consejos. Así que voy a recomendar cursos en vídeo que he hecho y que me han permitido conocer procesos nuevos o afianzar mis conocimientos.

Seguro que me dejaré cursos interesantes y completos. Pero como siempre, sigo la máxima de recomendar únicamente lo que conozco.

Los mejores cursos en video para regalar a los fotógrafos

Al preparar este artículo me he dado cuenta de la cantidad de cursos en vídeo que he ido comprando a lo largo de mi vida. Y soy sincero, me cuesta mucho terminarlos y creo que siempre aprendo más cuando el curso es presencial. Exigen mucho tiempo y concentración y por eso prefiero mil veces los cursos que compras para toda la vida y no los que caducan.

En la lista que voy a poner aquí solo hablaré, como ya he señalado, de los que he hecho y que más me han gustado. Así que si no nombro alguno que te parece imprescindible, puedes citarlo en los comentarios.

En Xataka Foto

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Natalia Taffarell: 'Beauty & Hair Retouching High End Techniques Series'

Empiezo por el primer vídeo que tuve de fotografía. Está en inglés y eso me complicó mucho las cosas. Pero creo que es uno de los cursos de los que más he aprendido en mi vida como fotógrafo. Y estaba en formato dvd.

Sus últimos trabajos

Ahí están todas las técnicas esenciales para retocar los retratos de una forma muy detallada. El problema es que parece sencillo en sus manos. Cuando te pones tú, te das cuenta de las horas que tienes que trabajar para acercarte mínimamente a lo que hacen los retocadores profesionales.

Me parece que ya no se vende. Sería maravilloso ver una nueva edición con subtítulos en español al menos.

Carles Marsal: Matte Painting: técnicas completas y profesionales

Todavía no los he terminado, pero hay que reconocer que** Carles es uno de los maestros de Photoshop más interesantes de este país**. Su uso del programa es impresionante, mucho más completo de lo que podemos soñar los fotógrafos clásicos.

La idea es aprovechar todas sus técnicas para el matte painting en la fotografía 'tradicional'. La cantidad de información que puedes sacar es apabullante.

Intentando sacar tiempo

Por ejemplo, el uso de la herramienta Pincel puede dejarnos sin habla a muchos de nosotros que solo jugamos con el pincel redondo y para de contar. Su universo es distinto y seguro que podré tomar algún día alguna técnica para mi estilo.

Jesús Manuel García Flores: Sin miedo a Capture One

Me encanta aprender todo lo que sea posible de este programa. Considero que siempre seré alumno. Este curso de Jesús Manuel García Flores es perfecto para iniciarte en Capture One y para conocer nuevas técnicas si eres un usuario avanzado.

Un curso completo de Capture One

A lo largo de 24 capítulos analiza todas las herramientas del programa como si fuera un viejo profesor experimentado, explicándolo paso por paso para que nadie se quede atrás. La ventaja de este curso es que tiene varias actualizaciones. Y eso es un plus que cuenta mucho.

Hugo Rodríguez: Capture One Pro A FONDO

Un curso de 12 horas que no he tenido tampoco tiempo de terminar. Este es el único curso alquilado que recomiendo. No es un formato que me guste, más hay que reconocer que es uno de los cursos más completos que puedes encontrar en el mercado.

Es un curso perfecto para regalar a aquellos fotógrafos metódicos que si se proponen terminar algo lo hacen por encima de todas las cosas. Y con el curso de Hugo Rodríguez seguro que van a aprender muchísimo.

Nekodificador: Curso online de Separación de frecuencias

Si hay un curso en vídeo que me está dejando sin palabras es desde luego este de Nekodificador. Es para fotógrafos experimentados y con grandes dotes para la informática. Te puedes sentir abrumado con tanta información.

La separación de frecuencias se convierte en una herramienta poderosa mucho más allá de separar en dos capas para hacer un ajuste tosco de la piel. Me ha enganchado completamente y me está obligando a esforzarme al máximo para entender todo lo que sugiere.

Estas fotos tienen separación de frecuencias

Es un curso donde no se da nada por supuesto y que requiere tener un cuaderno al lado para apuntar todo. No quiero ni pensar en todos los apuntes que tengo ya solo con este curso. Y solo me gustaría sacar tiempo para ponerlo alguna vez en práctica.

Es una pequeña selección de todos los que tengo. Algunos, para la realización de este artículo, me he dado cuenta de que los he perdido de forma inexplicable, como los de August Dering. Otros los tengo todavía pendientes, como el de Iris Encina 'Adobe Photoshop para retoque de retratos'.

En Xataka Foto

Los trucos más sencillos para conseguir fotos más nítidas con el móvil

Es otra manera de aprender, a tu ritmo. Pero si no tienes tiempo o no eres metódico, puede que se almacenen en la nube de tu ordenador. Seguro que si Papa Noel os trae alguno de estos, seréis felices.

De nuevo nos metemos en el mundo de las técnicas de Photoshop que estuvieron de moda hace años y que de vez en cuando resurgen de sus cenizas para uso y disfrute de nuevas generaciones. El efecto piel de porcelana no deja de ser un mero truco, una ilusión pero bien utilizado puede ser muy efectivo para algunas fotografías. Así que vamos a saber cómo conseguir el efecto con Adobe Photoshop.

Como siempre ocurre podemos encontrar muchas técnicas en internet para conseguir este efecto del piel limpia y luminosa. Hay que tener en cuenta que para conseguir que quede perfecto no basta con seguir los pasos que vamos a contar a continuación. Tenemos que partir de un retrato con la piel perfecta. Así que antes de ponerse manos a la obra conviene dominar la técnica de dodge&burn.

La fotografía en bruto

Como siempre ocurre con estas técnicas y trucos depende de la fotografía con la que estemos trabajando y del punto que le demos durante todo el proceso. Los pasos que vamos a ver son muy sencillos y es una especie de mezcla de muchas técnicas que he ido viendo a lo largo de los años. Al final todos los métodos se parecen pero no podemos olvidar que hay que ajustarlos para conseguir el estilo que buscamos y que quede bien con la foto que estamos trabajando.

La piel de porcelana paso a paso con Adobe Photoshop

Una vez decidido que queremos hacer esta técnica, solo tenemos que revelar nuestra fotografía en ACR con la visualización que hemos hecho bien clara. No es lo mismo preparar un archivo para un efecto normal que para una piel de porcelana. Así que el primer requisito sería hacer un revelado básico en el que la piel esté clara y contrastada. O mejor aún, conseguir el efecto en el disparo. Vamos a ver los pasos que tenemos que dar si queremos trabajar con Adobe Photoshop:

• Una vez revelada la fotografía en Adobe Camera RAW lo más interesante, y para conseguir ese efecto porcelana que buscamos, sería utilizar la herramienta Eliminación de tinta plana para limpiar la piel del modelo de una forma rápida y sencilla. Sería mejor hacer un dodge&burn pero lo que buscamos en esta ocasión es un proceso más ágil.

Con la herramienta Eliminación de tinta plana

• Enviamos la fotografía como objeto inteligente a Adobe Photoshop y duplicamos la capa como objeto inteligente en el menú Capa>Objetos inteligentes>nuevo objeto inteligente mediante copia.
• Vamos al menú Selección>Gama de colores>Seleccionar>Tonos piel y damos a Ok para tener la selección activa. En Photoshop guardamos la selección para más tarde en Selección>Guardar selección. Por organización puede estar bien poner un nombre.

La selección de piel

• Hacemos doble clic en el objeto inteligente que hemos duplicado y vamos a la pestaña Mezclador de canales. Buscamos Saturación y bajamos a -100 los tonos cálidos: amarillos, naranjas y rojos. En algunas fotografías puede bastar con bajar el naranja.
• Ahora subimos el valor de Luminosidad de los tonos que hemos tocado a 50-60% y damos a Ok.

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Un método infalible para conseguir el mejor equilibrio de blancos en Adobe Camera RAW

De vuelta a Adobe Photoshop tenemos que pulir el aspecto para conseguir esa piel de porcelana que estamos buscando. Quedan pocos pasos para conseguirlo.

• Vamos a la ventana Canales y hacemos Ctrl+clic en la miniatura de la selección que hicimos pasos atrás para cargarla.
• Marcamos la capa del objeto inteligente que hemos desaturado y convertimos la selección en su máscara de capa en Capa>Máscara de capa>Descubrir selección.
• Si vemos que hay zonas que todavía conservan el color lo mejor será utilizar la herramienta Pincel (B) en blanco y mejorar la selección. En el ejemplo las orejas y los labios.

El trabajo en la capa subyacente

• Ahora llega el toque mágico. Tenemos que ir a Capa>Estilo de capa>Opciones de fusión y mover el deslizador negro de la Capa subyacente hacia la derecha y hacer Alt+clic sobre él para dividirlo en dos y jugar con ambos deslizadores negros hasta conseguir un efecto convincente.
• En algunos casos puede ayudar dar un desenfoque gaussiano (Filtro>Desenfocar>Desenfoque gaussiano) con un radio pequeño a la máscara de capa para difuminar los bordes.

El resultado final

• Para exagerar un poco más el efecto tenemos la posibilidad de aplicar dos filtros más a la capa que hemos desaturado. En primer lugar un Filtro>Ruido>Polvo y rascaduras con un Radio>2 y Umbral>0 y en segundo lugar el ya clásico Desenfoque gaussiano con un Radio>4 px para suavizar e iluminar la piel al máximo.

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La ciencia del Dodge&burn en tres técnicas para Photoshop y Lightroom

Y ya tendríamos una piel limpia, como de porcelana de una forma rápida y ágil. Vuelvo a recordar que lo mejor sería tener la piel más limpia posible para que el efecto sea perfecto... Particularmente prefiero un efecto en el que se note un poco la textura viva de las pieles y no un efecto de muñeca totalmente irreal. Esta técnica puede cambiar mucho en función de la fotografía que utilicemos.

La fotografía es uno de los mayores placeres de la vida. Una de las mejores aficiones. Y que nunca terminamos de aprender. Y revelar nuestros disparos es una de tantas cosas que podemos hacer... Pero muchas veces no sabemos si lo hacemos bien. Por este motivo lanzamos Xataka Foto revela tu foto, un encuentro entre el medio y sus lectores en el que vamos a revelar vuestras fotografías para verlas de otra manera y aprender a dirigir la mirada.

En las escuelas y asociaciones nos encontramos muchas veces con el mismo problema. Todo el mundo se esfuerza por aprender técnicas y métodos para sacar lograr la máxima calidad posible: máscaras de luminosidad, objetos inteligentes, claridad, efectos de color... Pero luego no saben qué hacer con sus propias fotografías. Es el momento de las dudas.

De principio a fin

En muchos casos acaban actuando de forma mecánica, olvidándose de su estilo y copiando el de los demás. Por este motivo no se avanza. Surgen los bloqueos y los problemas. Así que hemos pensado recuperar un viejo formato que empezó en 2012 con una gran acogida. Hoy anunciamos Xataka Foto revela tu foto.

Xataka Foto revela tu foto

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Cómo aprovechar de una vez por todas la herramienta Claridad de Capture One

La idea es que vosotros lectores enviéis vuestras fotografías para que nosotros las analicemos en primer lugar y luego las revelemos para intentar sacar todo su potencial. Explicaremos todo el proceso hasta llegar al resultado final.

Fotografía en bruto

No será un juego de alabanzas sino un lugar donde todos aprenderemos de nuestros errores y aciertos a través de la crítica constructiva:

1. En primer lugar analizaremos la fotografía para conocer sus posibilidades, descubrir sus virtudes y errores. Las primeras para potenciarlas en el revelado y las segundas para tratar de esconderlas.
2. En segundo lugar revelaremos el archivo para dirigir la mirada del espectador. En algunos casos bastará con seguir, por ejemplo, los diez pasos del flujo de trabajo. Y en otros tendremos que acudir a las capas de Adobe Photoshop o a las de Capture One para conseguir nuestro objetivo.

Versión en blanco y negro con Capture One

Queremos ofrecer otra forma de ver vuestros propios disparos. Es la mejor forma de aprender a revelar. Solo será una opinión más para llegar al mejor resultado. Y seguro que con los comentarios de los demás lectores el autor de la fotografía tendrá varios caminos para elegir el resultado final.

Cómo participar en Xataka Foto revela tu foto

Está abierto a todos los lectores de la página. Solo hay que enviar un correo a prensa@xatakafoto.com con el asunto 'XatakaFoto revela tu foto' y adjuntar un archivo en formato RAW (preferiblemente). Si el archivo es demasiado grande se puede copiar en el correo un enlace de cualquier página de transferencia de archivos como Wetransfer o similar.

Fotografía final

Además del archivo necesitamos que te presentes y nos comentes todo lo referente a la fotografía, dónde está hecha, qué te gustaría hacer con ella, los problemas que te ha dado... Nosotros analizaremos y revelaremos la fotografía en un artículo para que el autor pueda seguir todos los pasos y los demás tengan ideas para tratar sus propios disparos. Os aseguramos que es una de las mejores maneras de aprender.

En Xataka Foto

Cómo cambiar el color de los objetos, hasta los tonos opuestos, en Capture One Pro

La sección Xataka Foto revela tu foto se publicará una vez al mes y servirá para aprender de otra forma en qué consiste esto de la fotografía. Os animamos a participar con vuestras fotografías.

La historia se repite siempre. Es un ciclo del que no se puede salir a no ser que alguien conozca los problemas de una época para reconocerlos y saber cómo evitarlos. Estamos atrapados en una rueda si no. Y en la historia de la fotografía pasa exactamente lo mismo. Las primeras corrientes fotográficas se están copiando, paso por paso, en la actualidad digital. Y pocos se dan cuenta.

La historia es fundamental. Si conoces el pasado no caerás en los mismos errores en el presente. Y tratarás de evitarlos en el futuro. Esa es su importancia. Sin este conocimiento la gente seguirá determinadas creencias por modas. Y si encima quitas la filosofía... En el mundo de la fotografía pasa exactamente igual.

Tres estilos para una misma imagen

Si no conoces el pasado caerás en los errores cometidos y no podrás reflexionar sobre los aciertos de los tiempos idos. Por este motivo es importante saber todo lo que ha pasado para buscar los caminos adecuados y evitar caer en los lugares oscuros. Para cualquier fotógrafo actual es fundamental conocer todas las corrientes fotográficas para tener información de primera mano. No basta con conocer a los youtubers actuales, ni que te suene Cartier Bresson.

En los libros de historia, en sus fotografías, están Lewis Carroll, Julia Margaret Cameron, D. O. Hill, Edward Steichen, A. Steaglitz, Gustave Le Gray, Nadar, Henry Peach Robinson, Oscar Gustav Rejlander, Ansel Adams, Edward Weston, Imogen Cunningham, Alfred Stieglitz, Paul Strand, Albert Renger-Patzch, Karl Blossfeldt, Hein Gorny, Fritz Brill, W. Zielke, August Sander, László Moholy-Nagy, Aenne Biermann, Erich Consemüller, Andreas Feininger, Lucia Moholy, Walter Peterhans, Alexander Rodtschenko, Umbo, Walker Evans, Dorothea Lange, Theodor Jung, Edwin Rosskam, Louise Rosskam, Ben Shahn, John Collier, Sheldon Dick, Jack Delano, Russell Lee, Carl Mydans, Gordon Parks, Arthur Rothstein, John Vachon, Marion Post Wolcott, Garry Winogrand, Diane Arbus, Lee Friedlander, William Klein, Robert Frank...

Las primeras corrientes fotográficas

Después de leer muchas historias, desde la de Sougez a la de Newhall, podemos ver que todo lo que está pasando ahora es una repetición, paso por paso, de lo que pasó en los tiempos en los que se presentó la fotografía al mundo. Queremos pensar que hemos evolucionado, que somos distintos. Que con nuestros píxeles no tenemos nada que ver con los daguerrotipos y objetivos de menisco de aquellos tiempos primitivos. Pero somos idénticos.

Algo recargado

La primera gran corriente fotográfica fue el Pictorialismo. Sus defensores no eran capaces de ver el lenguaje fotográfico y apostaron por esconder cualquier origen mecánico en sus obras escondiéndolos bajo capas y capas de convenciones pictóricas. Creían que la fotografía solo sería arte (qué necesidad más absurda) si se disfrazaba de pintura. La realidad no importaba. El lenguaje fotográfico no tenía sentido alguno para ellos. O más bien eran incapaces de verlo.

Cualquier parecido con la realidad era pura coincidencia. Los desenfoques, las técnicas complicadas para separarse de la plebe, y todo ornato artístico eran sus señas de identidad. Eran autores de hermosas postales sin sentido fotográfico. Pero hay que conocer a sus autores para entender el contexto. No podemos olvidar que la fotografía se presento en la Academia de París en 1839 como una esclava de las Bellas Artes. Y con ese estigma se quedó. Como algo incapaz de tener un lenguaje propio.

La respuesta a este movimiento que duró hasta entrado el siglo XX -y que es España estuvo presente hasta la década de los setenta por obra y gracia de Ortiz Echagüe- fue la Straight Photography o fotografía directa. La idea era celebrar las propiedades inherentes de la cámara y librarla de los cánones estilísticos de la pintura. Donde antes estaba el flou, los desenfoques y las luces teatrales se impondría ahora todas las características técnicas de una buena cámara.

¿Más natural?

La nitidez, la riqueza de tonos y la calidad por encima de todo. Su culmen sería el grupo f64 liderado por Ansel Adams y Edward Weston. Y todos apostaban por las ideas volcadas por Sadakichi Hartmann en su ensayo 'A Plea for Straight Photography' (1904):

Confiad en vuestra cámara, en vuestro ojo, en vuestro buen gusto, en vuestro conocimiento de la composición; considerad toda fluctuación de color, de luz y de sombra; estudiad líneas y valores y divisiones del espacio; esperad pacientemente hasta que la escena o el objeto de vuestra visión se revele en su momento supremo de belleza; en otras palabras, componed tan bien la imagen que queréis hacer, que el negativo sea absolutamente perfecto y necesite poca o ninguna manipulación.

Se pasó de un extremo a otro. Aunque afortunadamente Ansel Adams terminó ideando el famoso Sistema de zonas y empezó a vislumbrar la verdadera fuerza de la fotografía como forma de expresión independiente con sus propias normas. Todavía quedaban una décadas para que Robert Frank y William Klein cambiaran el curso de la historia y fueran capaces de entender la esencia de todo esto.

Tropezando dos veces en la misma piedra

Y llegamos a la actualidad. La fotografía se hace digital. Las cámaras desaparecen por obra y magia de los teléfonos móviles. Cada vez más gente entra en este mundo. Pero la historia se olvida. En las grandes escuelas es un tema que no se toca. Es mejor enseñar técnicas fotográficas que el trabajo de Walker Evans. Fotografía móvil en vez de Historia... Y se debería ver todo, aunque haya temas más atractivos que otros.

Pero, como no podía ser de otra manera, todo se vuelve a repetir. La rueda de la historia vuelve a su posición inicial. La supuesta revolución no es más que una segunda parte. No hemos aprendido nada. En la actualidad el pictorialismo es una de las corrientes o tendencias más practicadas por los fotógrafos. Hay mil técnicas para hacerlo, desde el apilamiento de imágenes hasta sacar el sol como una estrella gracias a los diafragmas cerrados e incrustarla en el apilamiento anterior.

Se busca que las fotografías parezcan cuadros con tratamientos excesivos en los que las sombras se igualan a las luces. Se borran o eliminan elementos que rompen la regla de los tercios o el número áureo. Los colores exagerados, el efecto orton, el HDR, el volumen extremo y las composiciones pictóricas inundan las redes sociales, los libros y los vídeos de muchos autores. Se premia la postal, el uso indiscriminado del software para imitar efectos de otros. ¿A que muchas imágenes de la actualidad parecen cuadros? Es el neopictorialismo en su plenitud. La fotografía se hace en el ordenador, pocas veces en la cámara...

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Canon EOS RP, análisis: una full frame sin espejo asequible que cumple para seducir a todos los públicos

Pero lo más curioso es que también estamos viviendo la fotografía neodirecta, como se podría llamar si nos fijamos en la Historia de la fotografía. Muchos fotógrafos, para luchar contra el uso excesivo de los programas, apuestan por una fotografía directa en la que el ordenador casi no intervenga.

La idea es luchar contra el exceso de tratamiento y buscar que la imagen salga directa de la cámara. Incluso existe un manifiesto de la Asociación de Fotografía en Estado Puro en el que dicen:

La fotografía debe acabarse en la cámara, finalizarse en el momento de cerrar el obturador y no con posterioridad. La imagen final debe ser fiel a la captada por la cámara, admitiendo leves ajustes de procesado de la imagen que no le afectan parcialmente. Admitimos bajo el nombre de ajustes de procesado o revelado, aquellos que afectan a la imagen como un todo y no alteran su esencia, como el leve ajuste del balance de blancos, la nitidez o la saturación. Entendemos como retoque de la imagen, realizar modificaciones parciales, como capas, calados, o bien añadir o eliminar elementos de la imagen, alterando la esencia de la misma.

Al final siempre volvemos a los pasos que ya hemos dado. Lo mejor es que cada uno podemos hacer lo que más nos guste. Pero para poder avanzar y lograr hacer mejor lo que más nos gusta, tenemos que ser capaces de ver por nosotros mismos, ajenos a las modas y todo lo que suene a imposición. Para mejorar tenemos que ser conscientes de la necesidad de conocer todo lo que se ha hecho, no vaya a ser que nos comportemos como espejo de nuestros antepasados.

El retrato es una de las especialidades fotográficas más solicitadas. Cuando te ven con una cámara te piden enseguida que les hagas una fotografía con la coletilla 'pero sácame bien', como si la cámara fuera un espejo de la visión que tienes de ti mismo. Es algo realmente difícil y más si queremos retocarla en Adobe Photoshop. Con esta serie vamos a aprender a mejorar un retrato con varias de las técnicas más populares de Photoshop.

Si os soy sincero, nunca estoy cómodo con este tema. Me parece que la fotografía de retrato tiene que presentar a las personas como las ves, nunca como si fueran pinturas encargadas de mostrar lo mejor de cada uno. Pero en el fondo siempre ha sido así. Todos nos queremos ver favorecidos y, siempre que sea con el consentimiento del retratado, podemos mejorar el aspecto dentro de los cánones estéticos imperantes en la época que nos ha tocado vivir.

Todos queremos quitarnos las arrugas, los granos y cualquier rastro que demuestre que hemos vivido. Snapchat tiene un filtro que te deja la piel lisa, los ojos grandes como si fueras una muñeca de exposición. Y todo el mundo está encantado. Creo que es un error que lo utilicen los niños como ejemplo de belleza, todo uniforme y perfecto.

A lo largo del curso mejoraremos los retratos

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Cómo elegir los ajustes de la cámara para conseguir buenos retratos (ya sea con luz natural o con flash)

Estas técnicas, que siempre he denominado trucos sucios, unifican los tonos de la piel, hacen desaparecer granos y arrugas y demás... En realidad deberían servir solo para igualar la luz. Pero no podemos evitar nuestras ganas de enseñar nuestra cara idealizada. Así que cada uno haga lo que quiera. Solo que si cambias mucho de aspecto deberías ser sincero.

Y la culpa no es de Photoshop, es de su mal uso. Si la persona cambia mucho es responsabilidad del retocador o del editor de la revista, nunca del programa. Sería igual echar la culpa a las luces, al maquillaje por querer mostrar el mejor lado de cada uno de nosotros. Lo ideal sería conseguir el mejor aspecto posible en el momento del disparo. Pero hay cosas que son imposibles. Nadie tiene la piel perfecta aunque use las cremas de los anuncios. Y siempre nos podemos equivocar como fotógrafos.

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Cuatro controles de nuestra cámara que apenas utilizamos (y quizá no entendemos)

Antes existían las tintas chinas sobre el negativo o sobre el positivo, además del uso excesivo del maquillaje y las luces dirigidas. Ahora tenemos además la ayuda digital.

Las mejores técnicas de Adobe Photoshop para retocar retratos

En estos artículos vamos a conocer los mejores procesos. Desde las técnicas más sencillas hasta las más complejas. Aunque realmente no hay nada difícil. Todo es muy rutinario. Lo que es realmente complicado es aprender a mirar nuestras imágenes y saber qué tenemos que hacer. Y sobre todo dedicarle tiempo. Mucho tiempo. Y trabajar con cientos de fotografías hasta conseguir ver con los ojos de un retocador.

En este mundo hay nombres más o menos populares. Antes eran muy poco conocidos fuera del mundillo. Y eran reacios a contar sus técnicas. Pero con el paso del tiempo cada vez encontramos más y más retocadores que cuentan sus flujos, sus procedimientos con todo lujo de detalles. Por lo que he dicho anteriormente. Es fácil aprender la técnica pero es difícil saber aplicarla. Esto nos lo dijo Natalia Taffarel. Todos ellos llevan miles de horas de adelanto. Y es muy difícil alcanzarles.

¿Es necesario quitar arrugas?

Recomiendo acudir a fuentes como Natalia Taffarel, Javier Justicia, Facundo Sciutto, Facundo Moroz y muchos de los maestros internacionales que traen a los festivales más prestigiosos. Si podemos aprender directamente con ellos será lo mejor. Pero al final veréis que todos tienen la misma base pero una forma muy personal de trabajar. Y cientos de miles de horas delante del ordenador.

Antes de ponerse a retocar

Para hacer un buen trabajo es fundamental un buen retrato. No vale trabajar con una fotografía trepidada, desenfocada. Lo mejor sería tener material de calidad. Más que nada para que tenga sentido todas las horas que nos vamos a pasar delante del archivo. Se pueden distinguir las fotografías por el destino final. Aquí nos vamos a limitar a retratos puros y duros, sin la pretensión de formar parte de una campaña publicitaria. Igual con el tiempo lo podemos hacer...

Iremos de lo más sencillo a lo más profesional. De los filtros para salir del paso a la técnica definitiva que no es otra que el dodge&burn. Hablaremos algo de la separación de frecuencias, antes elevada a los altares pero ahora demonizada para trabajar la piel. Funciona muy bien para la ropa pero para un retrato tiene varios problemas...

No perder la naturalidad

Una de las cosas que aprendí en mis tiempos mozos es que antes de enfrentarse a este trabajo tenemos que tener claro las dos fases que tenemos que pasar para conseguir los mejores resultados. Hay que ser muy metódico porque es fácil que nos perdamos en la vorágine de Photoshop:

1. Cambios morfológicos. En este primer punto limpiaremos la piel con las herramientas de clonación, como Pincel corrector o Tampón de clonar, o con alguno de los filtros que podemos comprar como plugins para el programa. Si es necesario, y dudo que lo sea la mayoría de las veces, será el momento de utilizar también el filtro Licuar.
2. Cambios estéticos. Es decir, es el momento de jugar con el color para dar un aspecto más o menos saludable. Incluso será el momento de maquillar o dar profundidad a los ojos.

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Spotting: Algo más que fotografiar aviones

Todo esto es lo que vamos a aprender en este curso de iniciación. No es tan complicado como puede parecer. Pero sin trabajo poco haremos. No voy a dar fórmulas mágicas pero sí técnicas que nos pueden dar grandes satisfacciones. Espero que nos acompañéis a lo largo de estos artículos.

El blanco y negro es una de las técnicas más interesantes y personales de la fotografía. Todos hemos caído alguna vez en sus garras y muchos no queremos salir de ahí. Es otra forma de expresarse a través de la cámara. El problema es que hay tantas formas de recrearlo que podemos caer en técnicas poco adecuadas por la baja calidad de los resultados. Por eso hoy vamos a señalar los procedimientos menos aconsejables para convertir un archivo en una fotografía en blanco y negro en Adobe Photoshop.

El blanco y negro es una maravilla. No puedo negar que me encanta todo lo que puede llegar a comunicar una buena fotografía en blanco y negro. En los tiempos químicos podíamos elegir una película, exponerla y con los baños sacar todo su potencial para conseguir esa partitura que luego interpretaríamos en la ampliadora, parafraseando a Ansel Adams, uno de los grandes maestros.

Hoy en día todo ha cambiado. La fotografía en blanco y negro perdió mucho protagonismo al principio pero ha vuelto a resurgir con mucha fuerza. Tanta, que incluso tenemos en el mercado cámaras que solo disparan en blanco y negro, como la famosa Leica M Monochrom.

Blanco y negro realizado con técnicas avanzadas

De hecho, todas las cámaras digitales trabajan única y exclusivamente en blanco y negro. Lo que sucede es que con la matriz Bayer que colocan justo encima del sensor consiguen generar el color, que es interpolado, inventado. Así que si revelamos en blanco y negro nuestros archivos, en cierta manera estamos volviendo a su origen.

El problema, como hemos dicho al principio, es que hay tantas técnicas que nos podemos llegar a perder, o lo que es peor, utilizar aquellos procedimientos que no consiguen comunicar toda la fuerza de una buena copia monocromática. Desde luego cada uno de nosotros decidiremos cuál es la que nos conviene. Y si veis aquí la que utilizáis habitualmente puede que os sirva para plantearos un cambio en vuestros flujos de trabajo.

Los motivos para decidir qué procesos de conversión son poco adecuados se basan en la pérdida de información que provocan o la pobre representación de los distintos tipos de luminosidad. En Xataka Foto hemos publicado varias técnicas que permiten sacar adelante cualquier fotografía y que son mucho más recomendables que las que vamos a señalar aquí.

Blanco y negro directo de la cámara

Las cámaras tienen la posibilidad de trabajar en blanco y negro. Lo hacen a través de perfiles que simulan una escala de grises. El problema es que la cámara nos devuelve el archivo con menos información útil, sobre todo si trabajamos en jpeg. Si disparamos en RAW, solo estamos incrustando dicha información como metadato. No podemos olvidar que el archivo crudo no tiene color en sí mismo.

Blanco y negro directo de cámara en Fuji

No es una mala opción si trabajamos con algunas marcas como Fuji, que son capaces de simular algunas de las mejores películas del pasado, pero en la mayoría de los casos se limitan a una mera conversión sencilla que poco tiene que aportar a nuestra fotografía final.

Solo es recomendable si lo que queremos es ver en la pantalla de la cámara cómo quedará nuestra imagen pero desde luego no como versión final por lo limitado de la propuesta. Nos quedamos sin la libertad de trabajar con otros métodos con nuestros programas reveladores favoritos.

Imagen>Modo>Escala de grises

Está técnica puede que sea la más sencilla que podemos hacer con Adobe Photoshop. Es tan fácil como ir a Imagen>Modo>Escala de grises. No tiene mayor secreto. Pero presenta dos problemas que pasamos a enumerar:

Siempre trabaja con las mismas proporciones de RGB, en concreto 30% de rojo, 59% de verde y 11% de azul. Estos valores no están elegidos al azar, desde luego. Vienen de la forma de generar el blanco y negro en las primitivas emisiones televisivas:

Debido a esto, y a la naturaleza (y limitaciones) de los fósforos de color usados en los aparatos de televisión, la mezcla de color usada en televisión es aproximadamente un 30 por ciento de rojo, 11 por ciento de azul y 59 por ciento de verde.

Blanco y negro plano

Otro problema es que automáticamente nos quedamos sin información alguna de color. El Modo de color pasa a ser un Modo de gris, con su correspondiente espacio monocromático. Así que perdemos la posibilidad de aprovechar los distintos canales para cambiar el aspecto de nuestras imágenes. Y por supuesto tampoco podremos virarlas para dar ese aspecto vintage.

Imagen>Ajustes>Desaturar

Dejo para el final el peor proceso de todos. El único que no recomiendo jamás bajo ningún concepto. Es malo. Directamente. Aplana la imagen y la deja prácticamente sin vida. Es tan sencillo como no ir nunca a Imagen>Ajustes>Desaturar.

El problema más importante de esta nefasta función de Adobe Photoshop es que quita la saturación a los tres canales automáticamente en la misma proporción. Como dicen en la página de Adobe, asigna los mismos valores a los tres canales:

El comando Desaturar convierte una imagen en color en valores en escala de grises, pero conserva el mismo modo de color de la imagen. Por ejemplo, asigna valores iguales de rojo, verde y azul a cada píxel de una imagen RGB. El valor de luminosidad de cada píxel no cambia.

Una forma perfecta de aplanar una fotografía

Las imágenes pierden toda fuerza y evita los matices que podemos encontrar con otros procedimientos mucho más interesantes. Si pudiéramos trabajar con la saturación canal por canal sería mejor, como podemos hacer con una capa de ajuste de Tono/saturación. Pero aquí se hace todo de golpe sin ninguna posibilidad de salvación.

Como podéis encontrar en Xataka Foto, hay muchas técnicas que logran un blanco y negro que nos quite la respiración. Pero desde luego jamás lo haremos con estos tres procedimientos.

En Xataka Foto

¿Por qué convertir una fotografía a blanco y negro?

José María Mellado hizo el primer libro superventas de fotografía técnica digital en español. Desde entonces ha ido publicando nuevas ediciones de aquel Fotografía digital de alta calidad. Para esta temporada su editorial Anaya Photoclub ha presentado 'Fotografía de alta calidad. Mis mejores técnicas y consejos'.

Aquel libro marcó un antes y un después en la historia editorial de este país. Hasta entonces pocos autores de habla hispana conseguían publicar un libro técnico de fotografía. Muy pocas editoriales apostaban por libros originales en español. Preferían comprar los derechos de autores internacionales consagrados y traducirlos, por decirlo de una forma elegante, como si lo hiciera un programa informático sin que nadie lo controlara.

Pero apareció el libro de Mellado y todo cambió. Tanto para los lectores latinos como para las editoriales, que se empezaron a dar cuenta de que no siempre es necesario apostar por autores anglosajones. Ahora mismo todas las editoriales no solo apuestan por Scott Kelby o Martin Evening, figuras absolutamente imprescindibles, sino que están empezando a sonar nombres como Hugo Rodríguez, Manuel Santos, Gabriel Brau, Fran Nieto, Rodrigo Rivas, José Antonio Fernández... El que empezó todo fue Mellado y hay que recordarlo siempre.

Otra cosa es cómo se entendió su libro y los bandos que se formaron. A favor y en contra de forma muy radical. Parecía una lucha entre nikonistas y canonistas, melladistas y antimelladistas. El problema es que muchos se tomaron las cosas al pie de la letra. Y solo era un método personal. No obligaba a nadie a hacer esos cielos barrocos. Solo explicaba una técnica perfecta para los que veníamos del laboratorio. Y luego cada uno lo podía aplicar a su propio estilo.

Desde entonces se ha convertido en un referente. Y cada libro suyo es, para muchos, en el que hay que comprar si quieres aprender la técnica digital. Y este último no podía ser de otra manera. Es un libro de consejos, una especie de enciclopedia personal o libro de recetas que puede ser útil para muchos fotógrafos que quieren conseguir buenos resultados.

Fotografía de alta calidad. Mis mejores técnicas y consejos

No viene a sustituir ninguno de sus trabajos anteriores. A la hora de leerlo, me ha recordado mucho al esquema de mi primer libro de fotografía digital: 'Manipula tus fotografías digitales con Adobe Photoshop' de Scott Kelby y de la misma editorial. Es una serie de consejos y técnicas explicadas de forma directa y sencilla. Sin rodeos.

Me llama la atención que no hayan decidido meter 100 consejos o quedarse en 50. Han llegado hasta el inusual número de 94 consejos divididos en 7 temas distintos: Equipo, Configuración, Revelado, Tratamiento, Blanco y negro, Efectos especiales y Salida. Puede que muchas cosas les suenen a algunos lectores con experiencia, pero para los que empiezan en este mundo se puede convertir en una buena referencia. No es un libro para expertos, eso que quede claro. Si quieres aprender más, hay que acudir a su obra más importante.

El consejo número 34

Tiene afán didáctico. Es una recopilación de datos prácticos para saber solucionar problemas determinados, como Preparar una imagen para enviar al laboratorio o Crear un desenfoque múltiple de lente. A sus detractores igual les parece un mero libro de recetas. Pero el libro destila ganas de enseñar a aquellos fotógrafos que no quieren grandes complicaciones para sus trabajos.

Y como siempre hay un soporte para los lectores, donde se pueden descargar ejemplos y las acciones a las que se refiere en el libro. Como el mismo autor dice:

Está escrito y diseñado como una guía rápida en la que pongo a disposición del lector respuestas claras y concretas a las preguntas más comunes sobre la fotografía.

La opinión de Xataka Foto

'Fotografía de alta calidad. Mis mejores técnicas y consejos' es un libro que inunda las librerías. Y seguro que estas pasadas fiestas ha vendido más que ningún otro libro de técnica. Su autor se ha convertido en una referencia. No sustituye a ninguno de los libros de la serie Fotografía de alta calidad. En cierta manera es un resumen o una aproximación mucho más ligera de todo lo que podemos aprender en el libro principal.

Puede que no sea para los que ya tienen las anteriores ediciones, pero es una buena forma de adentrarse en el mundo de Mellado. Es una solución para tener en nuestra librería un buen resumen de todo lo que podemos aprender de él. Si eres nuevo en este mundo y no tienes nada de él, entonces hay que tenerlo en cuenta. Y seguro que más tarde te compras su última revisión 'Los fundamentos de la fotografía'.

Portada del libro

Hacer un libro es una de las cosas más difíciles para un fotógrafo. Hasta que sale tienes que dar muchos pasos, demasiadas decepciones para dar a luz a tu propio hijo de tinta. Me imagino que en este caso todo habrá sido igual. Siempre queremos lo mejor para él. Pero creo que en un formato más pequeño y manejable sería mucho más atractivo para sus futuros lectores.

En Xataka Foto| Sobre el último libro de José María Mellado: Fotografía de alta calidad. Los fundamentos de la fotografía

El colodión húmedo es uno de los procesos fotográficos más antiguos que aún es posible emplear para realizar proyectos personales a pesar de su alto coste. Con el revival de la fotografía química también ha renacido el interés por otras técnicas como el colodión creando por el camino una nutrida comunidad de fotógrafos en Instagram interesados en explorar las posibilidades de esta curiosa técnica.

El colodión húmedo, en Instagram

La fotografía es una técnica maravillosa. Con el avance tecnológico la hemos hecho más democrática que nunca y ahora todo el mundo puede realizar fotografías y compartirlas con todo el mundo. Como toda acción tiene una reacción igual y otra opuesta, hay algunos fotógrafos que se han decidido por diferenciarse personal o profesionalmente empleando la fotografía química, y en el caso que nos ocupa hoy, han decidido recuperar una de las técnicas más antiguas que conocemos, que es el colodión húmedo.

El caso es que el colodión no ha vuelto para volver a los museos o las galerías de arte, sino que ha vuelto a una plataforma como Instagram para llegar a la mayor cantidad de gente posible. Mezclar estos dos conceptos es un auténtico choque de trenes: una técnica fotográfica de copia única se comparte en una plataforma cuyo fin es compartir las fotografías en ceros y unos.

Los profesionales del colodión

La comunidad de colodionistas en Instagram es amplia y de muy buena calidad. Hablando del talento nacional, en España ya encontramos a profesionales que trabajan este soporte como Señor Archer con quien ya hablamos y que cuenta con una estupenda galería en Instagram de retratos.

Entre otros profesionales internacionales, encontramos a Giles Clement, un fotógrafo estadounidense que en lugar de quedarse en el estudio, ha decidido sacar su cámara de placas a la calle y se dedica a viajar con este equipo por el mundo para realizar fotografías.

Otro fotógrafo con una nutrida e interesante galería llena de colodiones es Andreas Reh, un fotógrafo alemán que en este caso se dedica a la construcción de sus proyectos personales en este soporte. Sin duda una de las galerías más interesantes que podemos ver y que merece la pena seguir.

Por último hablamos de Scott Basile, la persona que está detrás de Black Art Tintype y que lleva ya casi dos años subiendo colodiones a su galería de Instagram. Creo que es la cuenta más veterana a la que sigo que sube este tipo de fotografías.

Entre el regreso del carrete y del colodión también encontramos un resurgimiento de la fotografía instantánea, especialmente con las impresoras 3D que permiten adaptar cámaras a este tipo de técnicas. Y tú, ¿te has aventurado a recuperar la fotografía química de forma personal y/o personales?

Imagen de portada | Tom Hart

Este corto desde luego no es el corto que uno espera de Disney, pero claro, todo cambia cuando tienes "Research" detrás. Disney ha querido mostrarnos nuevas técnicas avanzadas de lo que puede ser el futuro en el cine, y seguramente algunas pasarán a ser simplemente parte del día a día audiovisual. Vamos a comentar algunas de las técnicas, pero antes, por supuesto, dadle al play en HD con el modo a 48 fps.

Los 48 fps a algunos ya le sonará por películas como El Hobbit o por las palabras de James Cameron asegurando que la próxima trilogía de Avatar empleará dicha tecnología. Lo cierto es que quienes tuvieron la oportunidad de ver la película de Peter Jackson en cines a 48 fps (no todos están preparados) decían que tal cadencia le quitaba en parte ese aspecto cinematográfico al que estamos acostumbrados. La excesiva fluidez, por algún motivo, no es cinematográfica.

Si grabáis a 60p con vuestras cámaras, aunque es una cadencia aún mayor, veréis que pasa algo parecido. Incluso a 30p es notable. Pero ahora tenemos la oportunidad de ver exactamente esos 48fps o 48p en nuestro reproductor. Eso si, tened en cuenta que no todos los planos son a dicha cadencia, pero podéis identificarlos facilmente, y sino aquí tenéis un listado de los parámetros de cada toma. Yo ya os lo digo: que dejen los 24p tranquilos que funcionan a la perfección.

Por supuesto los 48fps no lo son todo. Seguro que ya os fijasteis en esos planos HDR. Pues sí, se trata de una técnica de mapeado de tonos para vídeo. Seguro que a algunos os ha chirriado, pero a mi me parece interesante pensar en las aplicaciones artísticas que pueda tener, siempre que hablemos de situaciones que acompañen.

Hay más: técnicas de FPS variables globales y locales en una misma toma (vía composición), como la escena del columpio, u "obturadores artísticos", nombre que le han dado a las técnicas empleadas para el efecto arcoiris y los efectos tipo "ghosting" y demás que vemos en el corto (Motion Smoke). En definitiva, un poco de futuro en un desconcertante paquete, con un corto que dejaremos en alocado. Y por si os interesa: no, no usaron RED. Usaron Arri RAW a 120 FPS.

He de decir que de todo lo visto, creo que hay tres técnicas que se masificarán en cierta medida: los 48p (que no son una novedad en sí), los FPS variables y el HDR. El resto quedarán relegadas a especialistas en VFX y para pocas aplicaciones. Será interesante ver como dichos avances son aplicados para potenciar nuestras sensaciones frente a la gran pantalla, aunque seguro que también veremos un uso forzado y gratuito que no nos hará tanta gracia, como pasara con el Hobbit.

Más información | Disney Research

En Xataka Foto | El último e increíble timelapse de Joe Capra sobre Islandia y Groenlandia

Los reyes magos de oriente han sido generosos. Sabiendo de mi creciente pasión por la fotografía han hecho un esfuerzo y se han mostrado interesados en intentar aumentar mis conocimientos, me han regalado el libro "El fotógrafo completo". Este libro de Tom Ang de 400 páginas viene a ser un completo manual para cualquier fotógrafo que quiera mejorar sus dotes fotográficas, sea cual sea su nivel. Con él repasaremos los principales estilos fotográficos y nos dará valiosos consejos.

Tom Ang, afamado fotógrafo inglés delimita la fotografía en apartados, retrato, desnudos, paisajes, naturaleza, fauna, moda, viajes, deportes, arquitectura, fotografía artística, documental... Para todos sigue una misma estructura, una pequeña introducción, ejemplos prácticos, entrevista a un fotógrafo especializado en ese apartado compartiendo una sesión con él y su "Making of". Todo perfectamente orquestado para que el lector aprenda durante su lectura.

Por un precio que ronda los 30 euros (depende de donde lo adquieras, obviamente) este libro merece estar en cualquier estantería de aficionado o profesional en la fotografía, ya que al fotógrafo novel ofrece sencillos tutoriales con técnicas básicas y al fotógrafo experimentado le ofrece la posibilidad de "espiar" las técnicas de un fotógrafo reconocido para coger ideas.

Más información | Página oficial de Tom Ang