Durante su carrera profesional colaboró con La Calle y fue correspondal de El Periódico de Catalunya y el semanario Interviú. En los 80 sus trabajos se publicaban indistintamente en La Voz de Galicia, diario El País y Cambio16 y fue redactor gráfico de El Diario de Galicia, a la vez que miembro de las agencias Copi y Contifoto.

Actualmente, como ya vimos, está vinculado a Acción contra el Hambre y a la Televisión de Galicia, y es copartícipe en numerosos proyectos fotográficos, dentro y fuera de España. Sus 30 años de relación con la fotografía os los cuenta él en este vídeo:

Aquí os dejo también algunas de sus fotografías de los últimos años:

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Más información | Fernando Bellas

Martin Gallego nació, hace ya 47 años, en Badalona (Cataluña). Enamorado incondicional de la fotografía, su mayor deseo es poder dedicarse profesionalmente a lo que más le gusta, hacer fotos.

Olympusmanía, imaginalaluz y martingallego son tres blogs que mantiene desde hace años, dándonos su visión personal del mundo de la fotografía.

Fabuloso fotógrafo y mejor persona, Martín mira al futuro por el visor de su cámara. Toda una filosofía de vida.

XF: ¿Cómo te definirías?

Soy un buscador de imágenes, de instantes, esa sería una buena definición. Pero ante todo me considero como un artesano de la Fotografía. Me gusta esa definición porque incluye la raíz Arte y también porque implica elaboración, proceso, implicación y esfuerzo para obtener el resultado final buscado.

XF: Entonces, la fotografía entendida como arte, ¿hacia donde va?

Son tantas las variantes actuales de la fotografía que es humanamente imposible estar al tanto de todas ellas. Hay arte en fotografías de bodas, de catálogos, de fútbol, hasta en las porno hay cosas interesantes por cómo se ha hecho. Pero ello precisamente es su principal atractivo, siempre hay un punto de vista nuevo que me sorprende, cómo una persona ha conseguido captar una situación, objeto, lo que sea, de una manera que se me hace irresistible mirarla. La red es fantástica para encontrar puntos de vista nuevos.

XF: La red ha popularizado la fotografía…

Sin ninguna duda. Personalmente considero que Internet ha sido el mejor invento fotográfico desde la aparición del carrete, incluso mas importante que la fotografía digital. Ha sido la popularización de este arte. Es mucho mas barato, y sobre todo llega a mas gente, tener una galería en la red que montar una exposición, aunque una cosa no excluye a la otra. Aún sigo pensando que el acto fotográfico final es colgar una copia en la pared, dime anticuado…….

XF: Tocas temáticas muy diferentes en tus imágenes, ¿no da sensación de dispersión?

Es posible, pero asumo ese riesgo. Voy fotografiando tal como voy viviendo, y la vida son muchas facetas diferentes. Pero es cierto que si se mira la obra en perspectiva, aparecen varios temas a los que vuelvo constantemente, aquellos que mas me motivan, no se, retratos, macros, foto social, movimiento. En realidad creo que podría decir que me llevo todo lo que se me pone por delante de la cámara. Para mí una cámara ideal sería aquella que estuviera conectada al nervio óptico y me permitiera seleccionar instantes concretos de la vida normal…..

XF: La cámara, ese oscuro objeto de deseo. Tu vínculo con Olympus es muy fuerte, ¿te ves haciendo fotos con otras cámaras?

Jajaja, claro! Por encima de marcas está el amor, la obsesión por la fotografía. La Fotografía está por encima de cámaras y marcas. Tengo muy claro que las cámaras son el medio, no el fin. Es un asunto que me molesta bastante de los foros, se habla mucho de cámaras, y poco de fotografía….. Aunque he de decir que lo que he encontrado en las Olympus es fiabilidad, que no es poco.

XF: ¿Porqué tus retratos son casi siempre en blanco y negro, ¿no te sirve el color de las fotos de personas?

Es curioso, pero cuando proceso las imágenes siempre las hago en color y BN. Luego las comparo cuando están acabadas, y en las fotos de personas el color me gusta menos en la mayoría de ocasiones. No sé, en BN son mas dramáticas, mas “humanas”, aunque seguramente será un residuo de cuando tiraba con analógico. Por cierto, llevaba una bolsa con dos cuerpos, uno con BN y otro con diapositiva. Ya entonces lo veía así.

XF: Utilizas mucho el recurso del movimiento en tus fotos ¿El movimiento es bello?

Si, claro! Y muy difícil de captar! Me encanta experimentar con el movimiento, tanto de sujeto como de cámara, o ambos a la vez, buscando un resultado estéticamente agradable. La mayoría de veces la imagen final no tiene nada que ver con aquello utilizado inicialmente, y es excitante ver cómo va variando el aspecto del resultado según aplicamos variaciones del método. Es un tipo de fotografía que la disfruto muchísimo, llena de sorpresas.

XF: ¿RAW o JPEG?

Vamos a ver, no son excluyentes. Cada formato es para una aplicación. Siempre disparo en RAW, las posibilidades de ajuste en el procesado son muy superiores al Jpeg. Pero para subir imágenes a la red hay que acabar en Jpeg . Así que hay que convivir con ambos. Pero aconsejo trabajar en RAW.

XF: ¿En que proyectos estás trabajando en la actualidad?

Pues a finales de Abril inauguramos una exposición en Arbúcies, un pueblo de Girona. Serán 40 imágenes de la gente y el entorno físico. Además, hemos hecho una presentación en formato DVD sobre el mismo tema con algo mas de 100 fotos, todas inéditas, claro, y la música la ha hecho un músico amigo para la ocasión. Estoy muy ilusionado con este proyecto, se ha llevado muchas horas y está hecho con mucho cariño!

XF: Para acabar, dinos una manera fácil de hacer mejores fotos

Simplicidad, hay que buscar la simplicidad. Solo fotografiar aquello que queremos mostrar.
Un buen ejercicio, cuando miramos a través del visor de la cámara, justo antes de apretar el obturador, sería repasar todos los elementos que forman esa escena y decidir si queremos incluirlos o nos sobran cosas. Eso sería mirar, una cosa muy importante en fotografía, que en definitiva es el Arte de Mirar. Y yo miro la vida.

XF: Gracias amigo

• Exposiciones:
  Pequeñas Naturalezas Vivas 1998-1999 Institut d´Estudis Fotogràfics de Catalunya
  Fragmentos – 2003 – Bienal Fotográfica d´Olot
  Geometrica Naturae – 2006-2007- Casals de Cultura de Badalona
  Colectiva De la Red a la Pared-2008- Sala Fotonauta- Barna
• Varios:
  Moderador grupo Usuarios Reflex Olympus en Flickr
  Premios años 2000 y 2001 en concurso Miquel Figeras de Badalona
  Varios artículos y fotos publicadas en revistas, la última en la revista digital DNG, nº 14, la serie Pintar con Luz
  Varios cursillos impartidos de Iniciación a la Fotografía

Todas las fotos copyright de Martín gallego

Más Información | Olympusmanía | imaginalaluz | martingallego | flickr

José Javier Serrano “YoSigo” es un diseñador donostiarra, cosecha del 81. Sin duda, su interesante trabajo fotográfico está muy influenciado por sus estudios de diseño, a los que es capaz de sacarles buen partido para crear imágenes redondas, perfectamente compuestas y equilibradas.

Formas, colores y líneas toman sentido delante de la cámara de YoSigo mostrándonos en casi todas sus tomas una de sus pasiones: su San Sebastián natal y todo lo que la rodea. Desde la Real Sociedad a sus cielos grises.

Tuvimos con él una agradable conversación que hoy compartimos con vosotros en nuestra serie Fotógrafos como tú.

- ¿Cómo y cuándo te iniciaste en la fotografía? ¿Cómo has evolucionado desde el principio?
Desde pequeño me ha gustado mucho la fotografía. Las primeras fotos que recuerdo son unas que hice en una excursión con el colegio cuando era un enano. Comencé usando cámaras desechables hasta trabajar con la cámara digital y el ordenador en la actualidad.

- ¿Cómo defines tu fotografía de este momento?
Me gusta fotografiar espacios simétricos y amplios. Supongo que de alguna forma podría decirse que es un tanto minimalista.

- ¿Qué te lleva hoy a coger la cámara y a hacer fotos?
Es mi forma de expresarme. Me encanta el mundo de la imagen y todo lo relacionado con ella. Puede que si supiera dibujar mejor haría más dibujos y menos fotos..no se..jejeje! Creo que es algo con lo que disfruto un montón, una vía de escape…

- ¿Qué tratamiento digital le das a tus fotos?
Uso Photoshop para retocar mis fotos, bien para darles más color o recomponerlas. El ordenador es el laboratorio donde sobre o subexpones, haces reservas… Es menos romántico que el de verdad, pero para mí más práctico, ya que soy malísimo revelando carretes y positivando las fotos en el laboratorio.

- ¿Quiénes son tus referentes visuales?
Esta pregunta podría estar respondiéndola durante horas y horas. La verdad es que me encanta ver lo que han echo o hacen otros fotógrafos y diseñadores gráficos. Los clásicos de la fotografía me gustan casi todos, especialmente Cartier-Bresson, Josef Koudelka, Elliot Erwitt …Españoles Alberto García Alix, Chema Madoz, los hermanos Belinchón, Xabier Ribas, Fontcuberta…y a nivel internacional hay muchísimos nombres: Gregory Crewdson, Loretta Lux, Julia Fullerton Batten, Vee Speers, Erwin Olaf, Larry Clark…pero si tuviera que elegir uno supongo que sería Andreas Gursky, seguido de Thomas Ruff, Candida Höffer y Jeff Wall…

Disfruto un montón con los libros de fotografía, y me encantan las revistas Eyemazing y EXIT, donde siempre descubres nuevos fotógrafos que te dejan con la boca abierta.

- ¿Cuál es tu equipo actual y qué partes de él son esenciales para ti?
La verdad es que por el momento no soy un obseso de las ópticas ni de los complementos. De hecho no tengo ni fotómetro ni flash todavía. He estado dos años haciendo fotos con una Nikon D70 con un 28-85 3.5 5.6 y desde hace unos meses con la Canon 5D con un 24-105. También tengo un 50mm 1.8, pero la verdad es que casi no lo he usado.

- Fotos cuadradas con líneas rectas, elementos simétricos… ¿tratas de ordenar el mundo con tus fotos?
jejejeje. Lo intento. He estudiado diseño gráfico y me encanta todo lo simétrico, el orden en la imagen, las rectas…

- En tus retratos llaman la atención varias cosas. En primer lugar, el aire de los protagonistas es triste. Hay pocas sonrisas y pocas miradas alegres. Normalmente no miran a la cámara , sino que esquivan su presencia girando la cabeza. ¿Por qué?
La verdad es que no sé muy bien el porqué. Me lo han preguntado varias veces y hay muchas risas a costa de eso entre mis amigos, pero todavía no se muy bien por qué lo hago. Así como el orden y la simetría en mis fotos se lo atribuyo en cierta forma a la influencia del diseño, el tema de la tristeza y las miradas es lo que me pide el cuerpo cuando hago retratos. Si encuentro el porqué prometo mandaros un mail para comentároslo.

- En otras fotos en las que el centro supuestamente es la persona, esa persona casi ni se ve. ¿Por qué?
No tiene nada que ver con eso de lo grande que es el mundo y lo insignificante que somos nosotros. ¡Para nada! Me gusta componer así, con mucho espacio vacío alrededor del sujeto.

- Tus fotos dan sensación de frialdad por el uso de colores azulados y grisaceos. ¿Es esta tu intención? ¿Por qué?
Supongo que sí. Es que Donosti es bastante fría, gris (me encanta) y también azulada. ¡Al final se me ha quedado esa atmósfera bien grabada en la cabeza!

José Javier Serrano ha estado trabajando durante los últimos meses en una exposición para febrero de 2008 en la Casa de la Cultura del barrio de Amara, en Donosti. Más que recomendable.

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Más | Flickr de YoSigo| Blog de YoSigo |

Antes de terminar el año, todavía tenemos tiempo de conocer a otra fotógrafa como tú. Cristina Núñez nació en 1962 en Figueras (Girona), pero desde hace más de 20 años vive en el área de Milán (Italia). Actriz, modelo, directora de arte… actualmente trabaja como fotógrafa. Aunque su base está en Milán, se mueve por toda Europa haciendo fotos.

En buena medida, su trabajo se basa en fotografiar a gente. Retratos de todo tipo de personas. Diseñadores, abogados, empresarios, familias… Y es que supongo que a lo largo de los más de 20 años que Cristina Núñez lleva practicando intensamente el autorretrato ha aprendido no sólo a mirarse a sí misma, sino a mirar a la gente de manera especial.

Llegando de España y a punto de partir hacia Francia, Cristina Núñez tuvo a bien tomarse un ratito para respondernos a unas preguntas vía mail.

¿Cómo y cuándo te iniciaste en la fotografía?
En 1986 conocí a un fotógrafo italiano en Barcelona, nos enamoramos y me llevó a Milán. En aquella época yo era actriz, así que allí empecé a trabajar para él. Hacía castings de modelos, organizaba reportajes para revistas y pasaba muchas noches hablando de fotografia y de arte con él.

En ese momento yo atravesaba por un montón de problemas personales. Me resultaba muy difícil relacionarme con los demás, por lo que no tenía amigos propios. Estaba frustrada por no conseguir expresar mi creatividad, así que empecé a cogerle la cámara de vez en cuando para hacerme autorretratos. Nunca pensé que iba a ser fotógrafa. Lo hacía por instinto, porque necesitaba creer en mí misma.

Así empezó todo, un buen día en 1994 cogí la Rolleiflex y me disparé... empecé a hacer retratos a la gente que me rodeaba, desnudos en mi cama… Fue como si les viese por primera vez, como si pudiera realmente acercarme a ellos como nunca lo había hecho. Y así empecé a florecer, a salir de mi agujero, a conocer gente y a tener amigos propios.

¿Cómo cambió tu vida en ese momento?
Desde el momento en el que cogí la cámara todo sucedió como un torbellino. Hice cuatro libros en cuatro años y obtuve dos premios. Había tanto que decir que cada día encontraba ideas nuevas, proyectos de libros y exposiciones… Body and Soul (Cuerpo y Alma) fue un proyecto sobre retratos y desnudos. Luego vino To Hell and Back (Al Infierno y Retorno), sobre judíos supervivientes del Holocausto. Heaven on Earth (Cielo en la Tierra), que es un viaje a través de la espiritualidad europea y, más tarde, Io Sono (Yo Soy), centrado en retratos a exdrogadictos explicando el proceso que atravesaban para lograr la independencia de las drogas.

¿Qué te lleva hoy a coger la cámara y a hacer fotos? ¿Cómo has evolucionado desde el principio?
Lo que realmente me interesa hoy es el autorretrato. El mío e incluso el de otros, porque creo que sacan la verdadera fuerza de la gente. Cuando conozco a alguien interesante me encanta ofrecerle la cámara para que se haga un autorretrato. Me maravilla que la gente al principio tenga incluso miedo y que, después de una sesión de autorretratos, salga con la cara y la mirada iluminadas. Se ha enfrentado consigo mismo y se ha “encontrado”. Me emociona mucho transmitirle esta experiencia a los demás y ver que se miran, se buscan y se encuentran. No se trata sólo de fotografia, sino de ayudar a los demás a que la utilicen para ser mas felices. Y esto, a su vez, me hace feliz a mí.

En un principio me interesaban los temas sociales, aunque siempre relacionados con la identidad de las personas. Quería ver mundo y decir lo que pienso, hablar de temas importantes para la humanidad. Trabajar para la prensa y contar historias positivas, mostrar la fuerza de la gente, incluso en circunstancias difíciles. Hacer retratos y sacar el carisma natural de las personas.

¿Qué tipo de fotografía haces?
Hago retratos y reportajes sobre las personas como profesional. Trato de mostrar su fuerza y su carisma real. Eso no quiere decir que no salga el sufrimiento o aspectos más difíciles, sino que precisamente la multiplicidad de contenidos y emociones hace más interesante a la persona y la foto. Por otra parte están mis autorretratos. Creo que con la próxima publicación de mi autobiografía, Someone to love, 20 años de autoretratos, se cerrará una época y seguramente se me ocurrirá algo diferente.

¿Cuál es tu equipo actual?
Hace dos años me compré una Mamiya ZD y desde entonces uso sólo digital. Me costó bastante aprender a ponerle la misma energia que con la película, porque el hecho de que no se impresiona la materia, parece que le da menos valor. El equipo se completa con un trípode y el cable disparador para autoretratos… Aunque la verdad, este fin de semana en Madrid he empezado a filmar en vídeo y me ha encantado la experiencia! Así que nunca se sabe…

¿Le das tratamiento digital a tus fotos?
En mi trabajo profesional hago trato mis fotos con Photoshop. Un ayudante experto se encarga del retoque, pero yo misma me encargo de que éste sea muy ligero, para que el resultado siempre sea real y creíble. Generalmente para mi trabajo artístico no retoco las fotos.

¿Cuáles son tus referentes visuales?
Con mi evolución han ido cambiando con el paso de los años. Antes me gustaban Avedon, Newton o Diane Arbus; pese a que mi trabajo era muy distinto. En la actualidad me interesa mucho más el trabajo de Elina Brotherus, Phillip Lorca di Corcia, Tina Barney, Cindy Sherman, Tomoko Sawada, etc. En todos los casos se trata de artistas que usan la fotografía como medio más que como fin. Y luego, claro, la pintura: Goya, Velázquez, Rembrandt, Courbet, Van Gogh, Vermeer y muchos otros. La pintura siempre me ha influenciado más que la fotografía. Como usan la luz y el tiempo, las composiciones. Lo majestuoso, lo solemne…

En los últimos cuatro años de tu vida has vinculado la fotografía y la terapia. ¿Qué encuentras de terapéutico en la fotografía?
En realidad empecé a usar la fotografía como terapia antes quee nada. Era una necesidad absoluta. Mi juventud fue un verdadero desastre, mi autoestima estaba por los suelos y necesitaba creer en mí. El autoretrato es terapia pura, porque te obliga a enfrentarte contigo mismo. Te miras y te tienes que aceptar. O por lo menos empiezas sacando lo que hay, y como lo sacas, te distancias y así puedes aceptarlo completamente.

Expresar emociones siempre fue terapéutico. Pero además creo que con el autorretrato, al ser el autor a la vez espectador y sujeto, se dispara una dinámica increíble que remueve todo dentro. Te sientes como nuevo. Te encuentras con tus puntos cruciales y los resuelves. Seguramente algunos no lo compartirán, pero es mi visión.

¿Por qué autorretratos? En relación a los desnudos en alguno de ellos, ¿crees que es una manera de hacer más intenso el concepto de autorretrato?
Me interesa mucho la relación de la persona con su cuerpo, pues revela mucho de su interior. Supongo que sí, hacerse un autorretrato desnudo es reforzar el concepto, pues te muestras totalmente, sin esconderte, más desnudo. Es esencial expresar dignidad en el cuerpo desnudo, aunque esté envejecido o deformado. Para mí el cuerpo es algo sagrado, contiene muchos significados, emociones y huellas de lo vivido.

Relacionas el autorretrato con la autoestima y la identidad de las personas, ¿qué le enseñas a la gente en tus seminarios de autorretratos? ¿Hay alguna técnica a seguir?
En mis seminarios les propongo a mis alumnos un camino, un viaje hacia su interior que dura tres meses. El primer mes está dedicado a uno mismo, a las emociones, la esencia, los sueños y el cuerpo. El segundo mes se dedica a las relaciones; aquí caben las relaciones familiares, las amorosas, las de trabajo, etc. Por último, en el tercer mes, exploramos la relación con el mundo y la comunidad que nos rodea. Siempre se trata de ejercicios de autorretrato con el fin de ser honestos y mostrarse, aunque sea de mostrarnos vulnerables. La búsqueda que se inicia siempre lleva a hallazgos sorprendentes. Es una forma eficaz de conocerte mejor, descubrir quién eres y qué quieres en la vida. Sin más complicaciones.

¿Cuál es la parte más importante de este proceso?
La lectura emocional de las fotografías es esencial. Las fotos hablan y a veces no las escuchamos. Elegimos las que nos dicen algo sorprendente, algo que no habíamos planeado. Pero es mucho más interesante escucharlas a todas y encontrar una fuerza comunicativa inconsciente que si estamos abiertos, produce fotos maravillosas. Se trata de construit un proyecto, que es importantísimo. A veces, si juntamos dos o más fotos y vemos que hablan entre ellas, comunican cosas que solas no decían. Es impresionante. Es ahí cuando el proyecto mismo es nuestra propia identidad.

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Más información | Cristina Núñez | Flickr de Cristina Núñez

En los últimos años he tenido la suerte de conocer a mucha gente que hace fotos. Algunos de ellos se dedicaban profesionalmente a la fotografía, otros no, ¿qué más da? Hablar con ellos y ver su trabajo me ha hecho afianzar un pensamiento que nunca abandoné. Todos ellos, o nosotros, tenemos algo en común.

Desde el fotero padre de familia que aprovecha los domingos para hacer fotos hasta el fotógrafo de publicidad a tanto la sesión, siempre hay un elemento que los iguala: su pasión por este fantástico modo de expresión.

Ver las cosas de esta manera me ha permitido eliminar unas barreras psicológicas que muchos se preocupan por marcar (profesional vs aficionado), pero que muy pocas veces existen en realidad. Siempre llego a la conclusión de que sólo hay gente que vive la fotografía y gente que no. A los primeros les llamo “fotógrafos como tú”.

Iniciamos una serie de conversaciones con fotógrafos como tú hablando con Manuel Vilariño, Premio Nacional de Fotografía 2007 en España.

Manuel Vilariño (1952) vive con su familia en su casa-estudio de Bergondo, un pueblo en las afueras de la ciudad de A Coruña. Amante de su Galicia natal afirma no querer abandonar la “soledad” en la que vive, rodeado de naturaleza. Parece que ni la Bienal de Venecia ni el Premio Nacional de Fotografía 2007 han cambiado a este hombre entusiasta y trabajador.

Vilariño nos recibió en su hogar junto a su mujer. Una confortable casa de campo obra de Manuel Gallego (Premio Nacional de Arquitectura. Dios los da…). La cocina y el salón-estudio-taller ocupan la planta baja. Huele a hogar. No hay diferencias entre el espacio para trabajar y para vivir. Está claro que para Manuel Vilariño vida y obra van unidos.

Ilusionado nos conduce a su lugar de trabajo, el salón-estudio. Se respira arte. Libros, cámaras de fotos montadas sobre trípodes, bodegones desmontados, flight cases de Sinar, más libros, recuerdos de viajes, fotos que acaban de llegar o están a punto de salir hacia una exposición están apoyadas en las paredes y un piano de cola ocupa el centro de la habitación. “Me encanta la música, desde JJ Cale a Mozart pero la verdad es que toco muy mal”.

Amable en el trato, Vilariño off the record es un hombre de conversación muy amena. Me sorprendió lo muy informado que estaba de las últimas novedades no sólo en fotografía, sino en vídeo y cine digital. Muy interesado en nuestras cámaras, nos contó que estaba pensando en comprarse una buena réflex digital: “Me gusta la Canon 5D, pero todavía no lo tengo claro”.

Nos mostró con pasión algunas de sus cámaras, entre las que se encontraban una Leica M6, una Hasselblad y una enorme Sinar antigua en perfecto estado. Con la misma pasión enseñó algunas placas que tenía para la Sinar, “éstas ya no se fabrican, las compré hace poco en Chicago” y película, montones de rollos de película Fujichrome Velvia. “Me gusta trabajar con un par de tipos de película y siempre con el mismo revelador, es la manera de controlar perfectamente el resultado final que vas a obtener en el positivado”.

En su conversación mencionaba con frecuencia y entusiasmo los Estados Unidos, un país que le marcó: “En los Estados Unidos es donde se trabaja de verdad. Allí encuentras a los mejores profesionales, a la gente que más sabe. Además, en sus tiendas, sigues encontrando de todo, como siempre”.

También nos habla con pasión de la obra de Gervasio Sánchez, reportero de guerra: “Su trabajo no tiene nada que ver con lo que yo hago. Pero me parece que su obra es magnífica. Su última exposición, Vidas Minadas, es genial. Es un gran fotógrafo”.

Al iniciar la entrevista sus palabras se tornaron más solemnes y empezó a hablar el Manuel Vilariño biólogo, el filólogo y el artista. Tres en uno. Un hombre con una extensa cultura. Fotógrafo como tú y a su vez intelectual. Una mezcla indisociable de facetas que hacen de él, sin duda, un tipo peculiar. Aquí os dejo algunas de las partes más interesantes de la entrevista:

¿Cómo empezó en la fotografía?
Siempre había hecho alguna foto con la cámara familiar, pero empecé seriamente cuando llegué a la universidad en Santiago. Llevé a cabo mi primer proyecto sólido a los 24 años, cuando ya tenía una cultura visual. Mi relación con la cámara ya pasaba de aquellos primeros escarceos con la imagen. Entonces ya sabía definir un proyecto; te miras más hacia dentro buscando la luz interior de lo que ya tienes y abres los ojos al mundo con la cámara.
Para mí vida y obra van juntos. La vida es un proceso de demolición que yo documento, es trazar círculos de desaparición. Esta idea del círuclo está presente en mi obra, representa que la mirada interior, meterme en el poso de donde sale el agua.

¿Cómo ha evolucionado su trabajo durante los últimos 30 años?
En la vida existe un hilo invisible que conduce de una cosa a otra, ahí permanecen conexiones con muchos parámetros de los primeros momentos, lo que pasa es que con el paso del tiempo, uno va teniendo una mirada diferente. Se aproxima más al lugar de la diferencia. Se aventura cada vez más al mundo de lo desconocido, al precipicio.

¿Y en cuanto a las herramientas?
Sigo trabajando con cámaras analógicas, películas en blanco y negro y color. Me parce muy importante el cambio a las nuevas tecnologías, a la fotografía digital. Pero aún añoro el super 8 en cine y el 35 mm. La fotografía y el cine han dado un salto con las nuevas tecnologías y me parece muy importante: el laboratorio ha pasado a ser el ordenador. Pero lo que me parece más importante es a nivel filosófico el salto del ángel. Por primera vez estamos ante lo inmaterial, que es lo digital, que se relaciona con la figura del ángel en todas las culturas. Tengo una serie sobre el ángel del que habla Wallace Stevens. El ángel innecesario, a través de cuya visión descubres el mundo de nuevo.

Acaban de declarar desierto un premio a causa del abuso de Photoshop
No lo sabía, supongo que el Photoshop es también el bricolaje, que es la perversidad del medio. Sin el Photoshop trabajas directamente con la luz. Siempre tienes luz, únicamente necesitas tiempo para desvelar algo.

¿En qué tramo se encuentra dentro del camino por el que discurre su obra?
De alguna manera siempre estoy desbrozando, abriendo un sendero en la naturaleza. Cuando hablo de desbrozar un camino estoy hablando en el sentido filosófico del término, esa idea de abrir algo nuevo que te conduce al lugar donde puedes encontrarte. En ese buscar te puedes encontrar con el zumbido de los insectos, con el caminar de la lagartija o el vuelo del pájaro, que te puede llevar al claro del bosque donde encuentras el fulgor, la luz, ese claro que es el espacio del que habla María Zambrano y que me interesa mucho, que es donde existe el deslumbramiento. ¿Dónde está mi trabajo en ese desbrozar? Pues en estos momentos está en una línea de paisajes aurorales, en el sentido de que los realizo en ese instante antes de que salga el sol y depués de la noche, cuando todavía no se escucha el canto de esos pájaros. Me gusta fotografiar con esa luz, que es la aurora, es una luz que se va abriendo a la par de lo visible. Simultáneamente tengo otras líneas de trabajo que tienen que ver con el still-life.

¿Cómo llega a los objetos fotografiados?
Son objetos que encuentro o que busco. Algo que está muy presente en mi obra es el animal, que ha venido desde colecciones de museos de Holanda y Estados Unidos o de Galicia. Animales que me he encontrado en el bosque. Mi encuentro con el animal ha sido fortuito, incluso a través de cazadores, de agrupaciones naturalistas. El animal ha venido a mí. Como decía Rilke “los animales brotan del silencio”.

He trabajado con el still-life, porque juego en ese círculo de la existencia y la inexistencia, no exactamente de la muerte. También me ha interesado mucho la gran tradición pictórica española y el bodegón clásico español barroco. De hecho, muchas de mis series están referenciadas en un post-barroco. y toda Me interesa transmitir esa idea de tenebrismo a través del soporte fotográfico.

Otro interés es la naturaleza muerta brahmánica, más vinculada a las filosofías orientales con las que he tenido mucha relación teórica y por influencia directa de mis estancias en la India. Trabajo con estas ideas no sé muy bien por qué, puede que por experiencias vitales.

La naturaleza muerta brahmánica se basa en animales que aparentan estar muertos pero que a lo mejor están vivos en ese resurgir y renacer de la vida y de la propia materia. Para recrearlo trabajo con especias, que son vida, y sobre ellas, estaban los animales que aparentaban estar muertos. Es un metabolismo cósmico, más propio de las culturas orientales, en contrapunto con los bodegones barrocos y que realicé para la bienal de Venecia. Paso de la mirada cósmica a la visión tenebrista de la pintura española.

¿Cree que en el mundo del arte es necesario tener padrinos para salir adelante?

Sí, en el arte actual es más importante una estrategia de márketing o un padrino para que te metan en el circuito caliente del arte contemporáneo. Es lo que está funcionando desde hace muchos años, pero también es un modelo de productos efímeros. Unos nombres sustituyen a otros, unos jóvenes sustituyen a otros. Me parece una apuesta muy legítima, pero yo creo más en la soledad del corredor de fondo, en la soledad sin refugio, sin estar pendiente del merchandishing ni de la difusión. De todas formas hay una balanza perversa entre una cosa y otra. Uno necesita también la comunicación.

Pero yo sigo siendo el que soy aunque no sea nada, como dice Fernando Pessoa. Tras eventos como la Bienal de Venceia, una vez que expongo allí y que mi obra la mueven determinadas galerías, yo sigo estando en Bergondo, en el hondón, en este agujero que véis, que es donde vivo, lo que me rodea.

No soy un piloto enloquecido del arte contemporáneo, sino una persona normal que trabaja desde el agujero o la pura sombra que es la naturaleza que me rodea.

En ese sentido, no le ha cambiado la vida el premio…
No, no me ha cambiado porque mi proyecto es un proyecto espiritual muy vinculado a la sombra oscura a sondear en lo que me rodea oscuro y mi obra se fundamenta en eso. En cualquier caso no puedo convertirme en lo que no soy o lo que no quiero ser.

A las 13.30 damos por concluída la conversación. Vilariño espera una llamada de Alberto Ruiz de Samaniego, el comisario de algunas de sus exposiciones. Además, “tengo que salir a buscar a la niña. Está a punto de salir del cole”, nos dice.

Fotos | Óscar Vífer

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Hace casi un mes, os presentábamos a uno de los fotógrafos más creativos del panorama nacional.

Seguro que a muchos os interesó su fotografía y por eso hoy os traigo una entrevista que le realizamos en Usuarios Réflex Olympus hace un tiempo, pero que muchos no conoceréis.

Con ella inauguramos una nueva serie de entrevistas con las que intentaremos acercaros a los fotógrafos más conocidos y también dar a conocer a futuras promesas de la fotografía. Por otro lado tampoco dejaremos escapar a aquellos que puedan contarnos novedades o innovaciones en la fotografía.

Esperamos que os guste. Si os gusto su fotografía seguro que os gustará la entrevista. Merece mucho la pena la lectura.

“José María Rodríguez Madoz nace en Madrid, en 1958.

Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.

La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985.

En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos.

Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.

En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición.Ese mismo año recibe el Premio Kodak.

En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.

La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro "Chema Madoz (1985 – 1995)".

Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista. El libro se titula "Mixtos – Chema Madoz".

En 1999 el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual "Objetos 1990 – 1999", que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.

En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado". Su obra sobrepasa nuestras fronteras llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia).”

Exposiciones

1 – Tus obras requieren una preparación casi escultórica de algún objeto ¿por qué plasmarlos en fotografías, en vez de presentarlos físicamente? ¿Qué le aporta la fotografía?

Distancia, devuelve al objeto a un territorio tan intangible cómo el lugar del que procede, la imaginación

2 – ¿Qué ocurre con los elementos fotografiados después de la toma? ¿Los has expuesto alguna vez?

Los objetos una vez utilizados, se amontonan en el estudio, cómo material de trabajo, que puede ser re-utilizado en otras composiciones.
Únicamente, se ha expuesto algún objeto, cuándo no existía una foto de él y tan sólo en un par de ocasiones.

3 – Cuando, como en tu caso, la fotografía no es un simple click y está tan cerca del arte, ¿cómo se afronta el temido "papel en blanco"? ¿Cómo surgen tus fotos?

Desde la misma perspectiva, que cualquier otro creador, con el vértigo que dá el vacío.
Las imágenes no tienen un proceso claro por el que llegar a ellas. Algunas parten de meras intuiciones que intentas materializar o poner de relieve a través de los objetos, también hay ocasiones en las que lo que hay es un concepto previo y lo que necesitas encontrar son los objetos que en cierta medida lleven en su seno una parte implícita de la idea a la que quieres hacer referencia. Y en ocasiones la imagen puede partir de la contemplación del objeto mismo.

4 – ¿Por qué en blanco y negro? La fotografía artística o creativa, en color, ¿se valora menos?

A estas alturas es absurdo hacer prevalecer una técnica sobre otra. Cualquiera es perfectamente válida siempre que se adapte al discurso del trabajo.
Yo utilizo el ByN, por varios motivos, Primero es un ejercicio de reducción, ya que limitas el color a dos opciones que se enfrentan, algo que también sucede con los objetos ( en general son dos objetos contrapuestos) por otro lado permite, jugar más fácilmente con las texturas a la hora de establecer vínculos o nexos.

5 -¿La creatividad se aprende o es algo innato?

Creo que hay una cierta predisposición, pero se puede aprender. Sólo hay que tomar conciencia, de cómo en las mayoría de las ocasiones nuestras actitudes responden a esquemas pre-establecidos.

6 – Tus metáforas visuales pueden recordar a parte de la obra de Man Ray ¿Te sientes influido o inspirado de alguna manera por él? ¿A quién admiras en fotografía?

No especialmente, pero hay algunos trabajos suyos que admiro sinceramente.
Otros fotógrafos que me interesan pueden ser Duane Michals, el primer Ralph Gibson , Abelardo Morell o Andy Goldsworthy.

7 – Sueles causar impresión y sorpresa con tus fotografías ¿Qué hace falta para impresionarte o sorprenderte?

Lo que a cualquier otra persona, descubrirme algo inédito en lo cotidiano.

8 – ¿Prefieres una buena crítica, un buen comentario de otro artista, la admiración de un aficionado o que alguien compre tu obra?

Puestos a elegir me quedo con todo

9 – ¿Que opinión tienes sobre la proliferación de la fotografía digital? ¿Es buena para la fotografía?

Claro que es buena, está proporcionando unas herramientas de las que hasta ahora no disponíamos. Esto, a pesar de que pueda generar una cierta confusión, es muy interesante, por que genera nuevas posibilidades, nuevos discursos.

10 – Con esta proliferación, ¿Es cada vez más difícil destacar en este arte?

Ahora es cierto que hay más gente que utiliza la fotografía pero, por ejemplo todo el mundo tiene lápiz y papel y no por ello se complica la situación de los escritores

11 – ¿Que equipo utilizas? ¿Crees que tener un buen equipo influye en la buena fotografía?

Trabajo con una Hasselblad desde hace unos veinte años. Mi primera cámara fue una Olympus OM-1

Gracias por tu tiempo

Vía | Usuarios Reflex Olympus