Hoy os traemos la entrevista con Glyn Dewis. Uno de los fotógrafos más conocidos en el Reino Unido. Hemos hablado de él algunas veces y de sus consejos. Vive en la universitaria ciudad de Oxford. Nos cuenta que empezó a considerar esta industria digital en serio, como dice él, hace tan sólo 6 años gracias a que uno de sus tíos, que también era fotógrafo profesional, le empezó a enseñar Photoshop, cambiando unos ojos rojos. Ahí, en ese momento, empezó a cambiar su forma de ver las imágenes. “Pensé que era magia, ...” y me enganchó, nos dice.

Había descubierto una buena herramienta para el trabajo. Pero ahora qué. Tras años de ser fotógrafo “tradicional”, decidió buscar a través internet y se tropezó con una organización llamada NAPP (Asociación Nacional de Profesionales de Photoshop, presidida por Scott Kelby que estará con nosotros en próximas fechas) y decidió, a ciegas y sin tener mucha idea, hacerse miembro. Una pertenencia que le ha brindado numerosas oportunidades.

Por aquel tiempo, con una Nikon D200 a cuestas, decidió marchar al Photoshop World de Las Vegas, en Estados Unidos, ese mismo año. Eso le llevó posteriormente a certificarse oficialmente por Adobe y comenzar a editar el trabajo de otros fotógrafos. Comenzó, también, a tomarse más en serio su trabajo profesional y realizar mejores fotografías, tratando de aplicar esos nuevos conocimientos. Por eso se define como un 50% de fotógrafo y un 50% de retocador.

XATAKA FOTO: Hola Glyn, bienvenido. Sigo tu blog casi a diario y siempre estás dando pistas y escribiendo trucos útiles para todo el mundo. ¿Qué te motiva?

GLYN DEWIS: Me alegra que haya gente que lea el blog y que algo de lo que se publique en ocasiones ayude pero en cuanto a la razón por la que escribo un blog hay dos cuestiones. Escribir un blog es un compromiso que realmente disfruto en un nivel muy personal (uno de los grandes beneficios) y, por otro lado, me obliga a crear un contenido de forma regular. Saber que tienes un blog por actualizar es una gran motivación para la creación de nuevas imágenes de forma continua por lo que me obliga a tener siempre proyectos personales de camino.

(C) Glyn Dewis

Fotógrafo profesional, Retocador e Instructor. ¿En qué te consideras mejor?

Bien, es difícil responder pues para mí todas esas facetas son igualmente importantes. Diría que nunca estoy contento con los resultados y trato de trabajar y mejorar de forma continuada en todas esas áreas. Apunto en mi agenda siempre cosas para mejorar. De diferentes formas. Por ejemplo, The Presentation Secrets of Steve Jobs por Carmine Gallo, es un libro que estoy leyendo ahora y creo me ayuda bastante. Pero, en cuanto a fotografía se refiere, siempre estoy mirando por foros y viendo tutoriales. No sé quién me dijo que esto era como ir al gimnasio, poco a poco, cada día, vas mejorando tu forma física. Pero pasa con todo.

(C) Glyn Dewis

Retratos temáticos es una las características principales de tu fotografía ¿Por qué?

Me encantan los retratos temáticos, ya que no sólo hacen las fotos más interesantes (en mi opinión), sino que también ayudan a que tanto a la modelo y a mí nos centremos en qué es lo que estamos buscando lograr. Me encanta todo el proceso de hablar del concepto con el modelo, la construcción de una historia, así como el estilismo, la ropa y los accesorios que tenemos que usar. Es muy divertido … es casi como ser un director de cine en pequeño, y más cuando tienes las fotos finales editadas con una idea definida conjuntamente … ¿tiene sentido? Tener un tema, una idea para la sesión significa que lo tengo claro, tengo claro cómo disparar fotografía para la edición final, sé cómo la quiero ver. Esto me ayuda con la iluminación, el tipo de poses de la modelo y la posterior edición.

Photoshop, entonces: “¿Ángel o Demonio?”

Photoshop es una herramienta maravillosa … Pienso que soy 50% Fotógrafo y 50% Retocador. Sin Photoshop no sería lo mismo. Siempre ha habido un sentimiento en la industria sobre que Photoshop lo arregla todo. Que puede convertir una foto pobre en una gran foto pero no estoy de acuerdo. mi idea es sacar la mejor imagen y prefiero gastar mi tiempo en Photoshop en ser creativo en lugar de corregir, aunque tenga que corregir algo. Así que mi respuesta es “Ángel”, pero no hacedor de milagros.

¿Algún consejo para tener en cuenta siempre a la hora de hacer un buen retrato?

Uf, depende … Supongo que inicialmente diría a la gente que empieza que el conocimiento de su equipo y cómo usarlo es esencial. Hacer un buen retrato es muy difícil, creo en la forma de conectarse con el modelo y si estás distraído por pensar en la configuración de la cámara entonces simplemente no sucederá.

También que sea sencillo, no tratar de complicar las cosas. Tener un tema en la sesión, como he mencionado anteriormente. Ya sabes, pensar en ello.

(C) Glyn Dewis

Ahora que me doy cuenta, hay un par de cosas simples que hago para tratar de conseguir un buen disparo de forma más natural. La primera es Hablar. Habla con el modelo, incluso cuando estás mirando por el visor. ¿Has notado cómo los modelos parece más relajados cuando no se les está fotografiando, pero luego en el momento de diaparar, todo queda en silencio. Lo segundo es no forzar a posar a los modelos. Sé que puede sonar un poco extraño, pero para mí siempre me ha parecido mejor que si trato de poner a alguien en una pose que nunca se vea al 100% cómoda eso se nota en la foto así que siempre trato de que estén cómodos. Trato de que jueguen su papel de forma relajada, que eso les ayudará a actuar mejor.

Has tenido la oportunidad de conocer y trabajar con Scott Kelby y Calvin Hollywood. ¿Cómo son estos chicos?

Lo cierto es que he tenido la suerte de hacer algunos buenos amigos gracias a esta industria, increíbles … algunas de las personas más generosas y auténticas, ellos dos, hay tantas cosas que podría decir acerca de Scott y de Calvin como de otros tales como Zack Arias y Matt Kloskowski. Lo único que digo es que son buenos amigos y que siempre te brindan ayuda, asesoramiento, apoyo y, por supuesto, unas risas. Hay mucho de lo que les ves a través de la pantalla del ordenador. Son como se muestran. Gente honesta. Os aseguro que sin ellos dudo mucho que hubiera tenido mi propio negocio en esto.

(C) Glyn Dewis

(C) Glyn Dewis

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Pues se acerca ahora el Photoshop World que será en Washington DC, así que ahora mismo tengo mi cabeza puesta ahí. Personalmente me he propuesto 2 proyectos personales al mes, además del trabajo diario. Aún estoy con algunas ideas que estoy madurando y que iré desvelando en mi blog. Aunque os contaré que una de las ideas gira en torno a realizar unas fotografías dentro de una carnicería para usarlas en unos montajes, pero no puedo decir más.

¿No te planteas realizar un workshop de los tuyos en España?

Pues ahora que lo dices suena a gran idea, sí.

XATAKA FOTO: Gracias, Glyn. Ha sido un auténtico placer tenerte aquí.

GLYN DEWIS: Gracias a vosotros por esta oportunidad. Un saludo a vosotros y a los lectores.

Esta ha sido la entrevista con este amable fotógrafo británico de 40 años, casado con Anne desde hace 13 años y cuya ilusión el día de mañana es disfrutar de una pequeña granja en las afueras de Oxford y vivir tranquilo, por supuesto sin dejar a un lado la Fotografía, claro.

Más información | Glyn Dewis

En sus bases de operaciones en las internacionales Granada (España) y Punta del Este (Uruguay), podemos encontrar, a veces, y digo bien, a Fran Russo. Este fotógrafo de bodas además de por la calidad de sus trabajos es conocido también por no parar mucho en ningún sitio. Su apuesta se basa en mostrar su trabajo en gran parte gracias internet, a los foros especializados de bodas y a las redes sociales, donde procurar cuidar bastante su imagen.

Así también, a medio camino entre España y Latinoamérica, hemos podido conversar gracias a las nuevas tecnologías, en el momento que Frank estaba en el Aeropuerto de Veracruz en México. Con un modelo de negocio algo particular (aunque se da cada vez más) el cual mezcla la formación a otros fotógrafos del sector con los propios reportajes. Con un estilo personal ya que según su palabras en el que el número de fotografías sí importa: “La razón por la que incluyo tantas fotografías en el álbum es porque mi estilo narra el día de la boda y es necesario para contar correctamente la historia”.

XATAKA FOTO: Hola Fran, bienvenido a Xatakafoto. Tras algunos problemas técnicos conseguimos por fin realizar la entrevista. ¿Qué tal?

FRAN RUSSO: Hola Alfonso. Muchas gracias de todo corazón por esto. Es un honor que la gente se interese por lo que hago, sobre todo siendo tan denostado el asunto de la fotografía de boda, en gran parte por culpa nuestra y de cómo hemos convertido un arte en un mero negocio.

Disculpa que haya tardado en contestar pero estoy impartiendo seminarios y me pillas en medio de los de México y Argentina y corriendo para España si me solucionan el vuelo de la compañía que me ha dejado colgado y de cuyo nombre no quiero acordarme. Ahora mismo estoy en Veracruz, México, y en una hora comienzo el seminario ante compañeros de aquí.

Un, dos, tres, … tienes que disparar y qué foto nunca, nunca has de fallar en una boda

Todas. Precisamente mi forma de trabajar es evitar las fotos cliché, las que al menos hemos malacostumbrado los fotógrafos de boda a que no falten llegando a que sean siempre las mismas, copias exactas evento tras evento.

Yo trato de que siempre se cuente la historia, a través de las fotografías que sean necesarias y cada boda es diferentes. Siempre intento que se palpe la emoción, el sentimiento y la humanidad en mis imágenes, pero me da igual el momento que sea. Precisamente en los instantes menos esperados es cuando ese día te sorprende con momentos más emotivos. Hay que estar atento todo el tiempo, mirando la realidad a través del visor, o al menos yo así lo concibo y lo hago.

Qué dirías que te diferencia en tus trabajos?

No hay nadie ni mejor ni peor, sino que como bien dices todos somos diferentes. Cada fotógrafo expresa la realidad que percibe y la comparte, eso es la fotografía para mí. Justamente si yo trato de hacer algo diferente es respetar esa realidad, no interferir, no condicionar ni manipular lo que está aconteciendo. Lo que yo hago algunos lo llaman fotoperiodismo de boda, aunque yo considero que solamente es contar historias sin manipularlas.

Me da igual si lo que hago se denomina puro fotoperiodismo o no, o si la gente piensa que hago posar o preparo las imágenes. Yo sé que no, y que todo eso se logra con un trabajo previo, pero sobre todo sustentado en que la pareja se sienta ella misma, se relaje delante mía y de mi cámara. Para eso veo esencial el conocer, a nivel humano sobre todo, a la pareja y para ello siempre hago las prebodas, las que puedan ser, para que desaparezca el rol de cliente/profesional, y aparezca el de humano/humano, persona/persona. Una vez logras eso, lo que haces el día de la boda es seguir a los protagonistas y documentar todo lo que sucede. En parte soy fotógrafo de conflicto frustrado (por amor a mi familia), de modo que cuento la historia igual, sea una boda, una guerra o un reportaje sobre un personaje.

La boda más extraña que te han encargado …

No hago bodas extrañas, son todas maravillosas mientras que la pareja se ame y el casarse para ellos sea sencillamente decir te amo delante de los que le importan, sea cual sea el modo.

En sí no considero ninguna como extraña, todas son diferentes y tienen su personalidad, y eso es lo que más amo de este trabajo. Para mí, al menos, quizás por cómo llego al cliente y lo que entienden de mi trabajo, no llegan bodas todas iguales en las que una llame la atención, son todas en sí únicas.

La más divertida …

Todas. Sería injusto y maleducado si dijera que una es más divertida que otra. Tengo una pasión por lo que hago que muchos piensan roza la locura, así que es imposible no implicarme. Como justamente me implico muy personalmente en cada evento para mí es lo mejor. Siempre trato de cumplir una frase; hagas lo que hagas, ama lo que haces.

Si tuviera que elegir una boda en la que me divertí en exceso quizás fue la de Laura y José en una isla perdida en las Seychelles. Quizás el viaje, el lugar y la belleza de las almas de ellos dos hicieron esta boda muy hermosa para mi corazón y mi cámara.

Coderas, casco, armadura … ¿qué debe llevar el fotógrafo de bodas? … ¿o es mejor ser ligero y ágil como el viento?

Ja ja ja, sí, algunos compañeros parecen Rambo o salidos de un grupo de élite de las fuerzas especiales, ja ja ja. Yo trato de pasar inadvertido, por lo que siempre digo que en las bodas voy disfrazado… de invitado. Lo que amo es que nadie sepa que soy el fotógrafo, no ir de estrella ni llamar la atención. Eso es lo que permite tomar imágenes imposibles si eres el “señor fotógrafo”.

¿Qué equipo sueles llevar a una boda? Imagino que al menos un par de cuerpos, pero ¿qué más? ¿te ayuda alguien o trabajas solo?

Justamente para que nadie me adjudique el rol de fotógrafo de la boda trato de que el equipo no lo aparente. El día que pueda haré la boda con un teléfono, para no levantar sospechas.

Llevo dos cuerpos muy a mi pesar, porque eso indica que o soy un invitado muy amante de la fotografía o el fotógrafo oficial. Como está de moda que la gente se compre cámaras enormes casi siempre en las bodas hay otro que creen es el oficial.La razón por la que llevo dos Nikon D700 es porque son más pequeñas y no aparentan tanta profesionalidad. También porque sólo uso lentes fijas. Un 35mm f/1,4 y el otro un 85mm 1,4mm para alternarlos según necesidades. También considero por experiencia que un profesional debe llevar siempre encima dos cuerpos porque si falla uno no puede perder ninguna foto. Tampoco llevo mochila, porque si no estás más pendiente de dónde la dejaste que de los novios. Con ese equipo me basta.

Estuviste usando iluminación. ¿Se puede usar iluminación tipo strobist en una ceremonia?

Sí, claro, pero yo ya lo descarté. Ahora ya no uso ni flash. Pero hace tres años sí que me dio una época strobist. Llegué a trabajar con 4 SB800 disparados con los Pocket Wizard. En la ceremonia colocaba unos trípodes con dos flashes a cada lado. Pero molestaba, el cura se enfadaba, y acabé por descartarlo porque aunque salían fotos espectaculares tenía que reconocer que estaba “creando” el ambiente, en vez de tratar de fotografiar la belleza de lo que allí había, sabiendo usar la luz que allí exista, aunque sea supuestamente mala o escasa. Me dí cuenta que ser un buen fotógrafo era apañármelas con lo que hubiera, como los fotógrafos de antes, a los que admiro mucho y no tenían los medios de ahora.

Por último, ¿cómo organizas la boda y cómo organizas el día de la boda?

No organizo nada porque quiero que todo sea real y espontáneo. Lo que sí procuro es al implicarme personalmente con la pareja hacerles saber que ellos se casa por primera vez y yo he asistido a muchas bodas y que puedo ayudarles. Eso hace que quieran que les ayude y les comparta dónde la típica boda se puede convertir en especial o al menos dónde ellos estarán más cómodos.

No tienen experiencia en esas cosas y siempre lo agradecen. De lo que es el orden del día no altero nada, trato de amoldarme. Incluso intento que la sesión después de la ceremonia sea lo más corta posible, para que disfruten de su gente y no de una aburrida sesión de dos horas.

Muchas gracias Fran, ha sido un placer charlar contigo aquí en Xataka Foto.

Gracias a vosotros por esta oportunidad.

Eso has sido todo al respecto de la entrevista con Fran Russo, uno de los fotógrafos de bodas más conocidos en nuestro pais. Como habréis visto, gran parte de realizar un buen trabajo en este campo, como en muchos, reside de aportar entusiasmo, optimismo y buen hacer.

Más información | Fran Russo

Omar Josef es un artista del retoque de fotografías especializado en editorial y publicidad. Ha realizado trabajos para primeras marcas y publicaciones internacionales. Actualmente colabora como retocador en Digital Art Studio, probablemente nos encontramos con una de las personas que mejor controla esta disciplina en nuestro país.

Nos encontramos con una entrevista algo atípica pues Omar es retocador digital, no es fotógrafo. Cada vez es más habitual que el trabajo fotográfico se especialice y se formen estudios con auténticos equipos de trabajo donde cada cual tiene su función. Ese es el futuro. Y el cambio, ha llegado ya.

Xataka Foto: Hola Omar, encantado de poder charlar un rato contigo sobre el apasionante mundo del retoque fotográfico.

Omar Josef: Igualmente, encantado de hablar con vosotros.

Cuéntame un poco como llegas a especializarte en ello, ya que tengo entendido que tus comienzos con el retoque fotográfico son algo atípicos ya que pasas de la aviación comercial al campo de la edición digital.

Pues sí que fue un comienzo raro. Hace algunos años estaba realizando mi formación de piloto, lo que compaginaba trabajando en una aerolínea de Dubai en la que trabajé unos 3 años. Fue allí donde conocí a un fotógrafo de moda bastante establecido hecho éste que me permitió meter la cabeza en las grandes producciones publicitarias y editoriales que realizaba. A partir de ahí, a medida que pasaba el tiempo me vi más involucrado en la producción fotográfica que en la aviación. Si bien terminé mi formación de piloto, el retoque digital es mi profesión.

Entonces tu formación visual y fotográfica es …

Mi formación técnica fue completamente autodidactica, pero sería injusto dejarlo ahí, porque de conocer la herramienta a dedicarme profesionalmente a esto hubo un proceso que no habría sido posible sin la ayuda de varios mentores.

Alterar la morfología ¿cuándo, cómo y por qué?

Pues eso es algo muy difícil de explicar. A veces es por una necesidad estética y otras por requisitos de la producción. Si la imagen necesita ciertas formas, se hace lo posible para proporcionarlas durante pre-producción (casting, localización, escenografía). Todo lo que no se pudo solucionar en pre, se arregla en post.

Retoque excesivo ¿cuándo?

No creo que exista el retoque excesivo. Lo que pasa es que hay tipos de retoque que solo encajan en ciertos géneros de fotografía. Cada estilo de retoque va ligado a cada estilo de fotografía. El problema aparece cuando retocamos una imagen con un estilo que no le encaja. No se debe retocar una retrato de un personaje publico como si estuvieras retocando una campaña alta costura.

¿Cómo y cuándo decides dar el salto al campo profesional?

Antes de hacerme profesional ya trabajaba como asistente para otros retocadores. Realizaba tareas sencillas pero repetitivas como la limpieza de pieles y pelo. Poco a poco empecé a asumir algunos de sus clientes y el cambio fue bastante progresivo. Ese fue realmente el comienzo de mi aprendizaje de la parte profesional de todo esto.

Capture One, Camera RAW y otros … cada uno para qué los usas, qué es lo que más te gusta
de cada y lo que menos.

Hace un par de años esa pregunta era más fácil de responder porque la diferencia de calidad entre ambos era bastante grande. Hoy en día ambos programas son igualmente válidos en términos de calidad visual ya que Camera Raw ha mejorado mucho en el área del color. Uso los dos porque con el tiempo he aprendido cual le viene mejor a cada estilo de imagen (Parece ser que las imágenes más coloridas prefieren Capture One).

La ventaja principal de Capture One es la posibilidad de usar cualquier perfil de color de trabajo que tengamos en nuestro ordenador, mientras que en Camera Raw existe cierta limitación. La ventaja de Camera Raw es la posibilidad de trabajar con objetos inteligentes RAW para montar la capa principal de trabajo sin tener que revelar varios TIFF como cuando trabajamos con Capture One u otros programas ajenos a Adobe. En el día a día trabajando como técnico digital , tenemos que ser completamente eficientes con todos los programas que nos encontremos en los estudios dependiendo de la cámara que se esté usando (Phocus, Leaf capture, Phase One).

Fotografía de Javier Garceche y Luis de las Alas

Cada estilo de retoque va ligado a cada estilo de fotografía.

En Digital Art Studio contamos con instalaciones y profesionales para ofrecer servicios de post-producción de foto fija de alta calidad. Para mí, trabajar en Digital Art Studio supone una enorme ventaja, porque tengo acceso a producciones a los que no podría llegar trabajando únicamente por mi cuenta. Además comparto estudio con gente muy talentosa en sus campos y eso me permite seguir aprendiendo. No puedo decir exactamente los trabajos que vendrán, pero con total seguridad serán de esos que acaban orgullosamente en el portfolio, cosa que para un profesional no es algo que pase con frecuencia.

Te dedicas también a la formación en tu campo. ¿A quién va dirigida? ¿Qué espera la gente que va tus cursos? Qué les enseñas?

Los cursos que realizo van dirigidos principalmente a fotógrafos. Hay mucha gente que empieza en fotografía que necesita ver como trabaja alguien que está establecido en la industria para resolver dudas, aprender trucos y asegurar sus conocimientos. También, aunque parezca difícil, durante mis talleres enseño casi todo lo que sé, técnicamente hablando, e intento dejar unos buenos cimientos para que los alumnos puedan seguir mejorando la parte conceptual y artística luego por su cuenta. Además, gracias a Digital Art Studio, tengo la suerte de poder cubrir el temario completo con imágenes de altísimo nivel, publicadas previamente en revistas tan importantes como Vogue o Elle.

La perfección se roza al tratar cada uno de los detalles … hay mucho trabajo detrás estoy seguro, pero cuál el secreto del éxito porque para llegar hasta donde estás, habrás pasado por muchas dificultades.

Esta es una profesión que depende al 100% de la confianza que deposita un fotógrafo en ti, para que retoques sus imágenes y en cierto modo te conviertas en coautor de la obra. Llegar a establecerse en esto pasa también por tener paciencia y perseverancia, pero sobre todo trata de saber identificar las tendencias actuales. Para trabajar en esto hay que tener un ojo en cada revista de moda y publicidad que sale a la luz. Eso es algo que hacen fotógrafos, productores, creativos y, claro, también nosotros.

Muchos de nuestros lectores se dirán: “Últimamente me apasiona el retoque digital pero me gustaría mejorar”. Alguna recomendación además de acudir a alguno de tus talleres, claro está. ¿Por dónde debería empezar alguien aficionado a la fotografía y con cierta base ya con Photoshop?

Lo primero es deshacerse cuanto antes de todas las limitaciones técnicas. No hay nada peor que ver como tu creatividad se vé limitada por tu técnica. Es importante aprender las herramientas lo más rapido posible para despues dar el salto y empezar a aprender lo que realmente importa, que es la parte artística. Para eso es importante tener claro cuales son las verdaderas referencias a seguir. Un consejo que siempre doy a quien quiere dedicarse al retoque de alto nivel es saber dónde buscar para aprender “lo que vale” y solo apuntar hacia ser capaz de reproducirlo. Durante el proceso de aprendizaje, una foto que hiciste hace tan solo un par de semanas, se convierte rápidamente en algo que no aceptas en tu propio portfolio… y así se va mejorando en esto.

Javier Garceche

Un consejo que siempre doy a quien quiere dedicarse al retoque de alto nivel es saber donde buscar para aprender “lo que vale” y solo apuntar hacia ser capaz de reproducirlo.

A nivel alto profesional los equipos de trabajo son el futuro (por equipo, me refiero al fotógrafo, retocador, asistentes varios, maquilladores, estilistas, … etc) y que España está ofreciendo buenos profesionales en casi todos los aspectos pero, concretamente, a niveles no tan altos parece que el retoque digital está denostado, despreciado incluso. Me parece, en mi opinión, que es por desconociemiento del tema e incluso, en ocasiones, por la envidia de no saber hacerlo. ¿Qué les dirías a esa gente que opina eso?

La razon para eso puede ser que la fotografía como oficio existe en areas de la industria muy lejanas entre sí. Por eso, en fotoperiodismo es claro que no se entienda la necesidad de profesionales como los retocadores, por una cuestión ética. Basta una oportunidad para fijarse como funcionan otras disciplinas de la fotografía para entender el porqué de los actuales sistemas y equipos de trabajo. Tengo la suerte de trabajar con varios fotógrafos que forman parte de un completo estudio de producción. Detrás de cada imagen está el trabajo de decenas de profesionales. Hoy en día los retocadores somos una parte de ese equipo.

…en fotoperiodismo queda claro que no se entienda la necesidad de profesionales como los retocadores, por una cuestión ética…

Qué opinas que en en EEUU parece que se quiere aprobar una ley anti-retoque digital por la que las fotografías publicitarias deben advertir de ello. ¿No nos estamos pasando?

La verdad es que no sé mucho del tema. Supongo que el retoque ha cobrado una falsa fama de cambiar realidades en el peor sentido posible. En realidad, durante un trabajo de retoque, dedicamos más tiempo a la parte artística, como podría hacerlo un fotógrafo de la vieja escuela, que a “malvadamente” introducir la mayor cantidad de mentiras en el lienzo, como se intenta hacer creer.

¿No te pica el gusanillo de coger la cámara alguna vez?

Los fotógrafos son fotógrafos y los retocadores somos retocadores. Me gusta la fotografía, claro, pero mi gusanillo está contento con las imágenes con las que trabajo día a día. Si me pusiera a hacer fotografía, seguro que iría más de perderme por ahi con una analógica al hombro que de intentar realizar una producción en la que no sabría ni por donde empezar.

Xataka Foto: Muchas gracias Omar, fue un placer compartir este rato contigo y te deseamos mucho éxito en tus proyectos.

Omar Josef: ¡Gracias a vosotros!

Eso has sido todo. Como mencionaba al comienzo ésta resulta ser la primera vez que entrevistamos a un retocador digital. Debemos considerar que esta amada profesión para unos o afición para otros, se encuentra en un punto de inflexión tras la llegada de lo digital hace unos cuantos ya. Esperamos que haya sido de vuestro interés y agradecer de nuevo a Omar Josef su disponibilidad para hablar con nosotros sabiendo la gran carga de trabajo que tiene entre manos en estos momentos.

Más información | Omar Josef
Fotografía de portada | Javier Garceche

Forum del nuevo FNAC situado en el Paseo de la Castellana de Madrid, 10:30 de la mañana. Sentado con su portatil, Salvi Danés, esperando para nuestra entrevista. Nos presentan, nos acomodamos en las butacas del escenario y tomando un café comenzamos a charlar. Tímido pero con las ideas muy claras sobre lo que quiere y cómo le gusta trabajar, este joven fotógrafo barcelonés se está abriendo paso en el mundo de la fotografía gracias a su talento. Un talento por el que fue reconocido y que lo convierten en la nueva promesa FNAC de 2011.

Durante un rato, nos habló de la serie “Dark Isolation, Tokio”, de cómo se siente en las ciudades, de sus proyectos y de su forma de trabajar. Por la tarde, ambientados con sabores japoneses gracias al sake que nos sirvieron, hizo la presentación para el público en general. Un público en su mayoría alejado de los circuitos artísticos por ser un trabajo expuesto en un marco donde se dan cita espectadores de todos los ámbitos. Salvi Danés, que fue a Japón con la idea de retratar la imágen más frívola de Tokio, nos contó cómo se encontró con la soledad y cambió su discurso. De paso nos hizo un adelanto visual del proyecto sobre Moscú que tiene entre manos, porque de algún modo conecta con la ciudad nipona. Y así, entre fotografías y confesiones, fuimos conociendo su obra. Sin más, os dejo con la entrevista.

Xataka Foto: Para empezar quería darte la enhorabuena por este premio como nuevo talento FNAC 2011.
Muchas gracias, para mí es un honor, también por venir a compartirlo aquí a Madrid.

¿Qué está suponiendo para ti este reconocimiento?
Aparte de la difusión de mi trabajo, sobre todo el empujón a nivel emocional y motivacional para seguir trabajando, creo que la parte más importe de los premios al final es esa motivación.

¿Has visto más interés por parte de galerías? ¿Hay alguna que ya te represente?
En este momento no hay ninguna que me represente ni tampoco un interés exagerado pero sí es verdad que el trabajo se mueve, suenan nombres, más espacios donde publicar en medios con cierto renombre y bagaje.

Hay una tendencia actualmente, como por ejemplo vimos con Victor Garrido y su Shanghai, en mostrar las ciudades asiáticas desde la perspectiva de la soledad, del cambio y de cómo ello les afecta. En tu caso nos hablas de todo esto a través de la capital japonesa, ¿por qué Tokio?
Elegí Tokio porque dentro de la temática tratada, es como el aislamiento personal, esa paradoja de sentirse solo en un lugar donde estás muy acompañado, un lugar súper poblado por decirlo de algún modo. Pero no creo que sea una característica especial de Tokio, sino algo más que va implícito en la cultura urbana. No creo que Tokio sea el paradigma en este aspecto. Ahora he vuelto de Moscú y he encontrado muchos paralelismos que convergen en esta idea, por tanto no creo que sea una característica propia de Tokio.

¿Cómo defines tu fotografía? Te defiendes tanto en los espacios urbanos como en el medio rural con mucha soltura.
No tengo problemas en trabajar en los dos ámbitos, lo que sí me da la ciudad es una cierta libertad, pasar desapercibido entre la multitud y poder trabajar un poco más “agresivamente”, que en un entorno más rural o de espacios más abiertos sería más complicado. Pero me siento muy cómodo en las ciudades.

¿Cómo te acercas a los sujetos? En muchos ejemplos es como si invadieras su espacio.
No soy mucho de hablar con la gente a la hora de fotografiarles, casi al contrario, tampoco les asusto pero espero para conseguir una mirada o gesto, que de otra manera no conseguiría. Por eso te digo que mi estilo puede ser un poquito agresivo. Muy cercano al sujeto.

Me llama la atención la manera en que expones tu trabajo en tu web, el modo en que abres las series con una portada a modo de cuaderno, como si quisieras contar una historia.
Exacto, aparte de tener buenas imágenes, tiene que tener una narrativa, tiene que contar una historia. Por ello el formato de una exposición o un libro permite este tipo de narración. Independientemente de la calidad de una imágen individual.

¿Tienes una idea previa o te vas encontrando las fotos en tu camino?
Una idea previa siempre hay, también marcado un poco por el estilo, pero las fotos me van surgiendo, a veces sí que te quedas en un sitio para pescar una buena foto porque ves una buena situación, una buena luz.

Es curioso cómo en los trabajos que he podido observar, sueles incluir árboles, que en entornos rurales puede tener más sentido su inclusión en la historia, pero en los urbanos, ¿qué quieres mostrar con ello?
Sí, en el entorno rural por su presencia, pero en entornos urbanos como representación del ahogamiento que el asfalto produce en el ser vivo, que puede ser tanto un árbol como una persona en el metro.

También es interesante cómo mezclas fotografía a color con otras en blanco y negro en algunos de tus trabajos.
En algunas series sí, en esta de Tokio no, con el uso de flash que fue por experimentación e instintivamente, y este estilo que un poco busqué, el color funcionaba muchísimo mejor. En este caso conseguí una serie donde el color no es que destaque con su presencia pero entiendo le da un carácter que envuelve todo y por eso me sentí muy cómodo. Si la narrativa no se rompe, no tengo problema en mezclar ambas técnicas.

En “Blackcelona” sí que mezclas otro tipo de soportes y distintas ediciones.
Sí, porque es un trabajo muy instintivo, aparte de ser un trabajo en proceso, es menos premeditado, tomo imágenes de lo que representa para mí la ciudad y edito con un cierto sentido independientemente de lo que comentabas del color o el blanco y negro e incluso el formato.

Polonia, Tokio, ahora nos comentabas que acabas de llegar de Moscú, ¿cómo consigues la financiación para tus trabajos?
Muy sencillo, búscandome la vida como puedo. Para Tokio tuve la suerte de que me dieran una beca de fotoperiodismo joven de Barcelona (Click), pero normalmente es totalmente autofinanciado, aparte de que no vivo de mis fotografías, tengo mi trabajo pararelo a la fotografía. Y a veces tener la oportunidad de que alguien confíe en ti y te facilite el capital para poder realizar el reportaje. Porque éste de Tokio no es una producción barata, el viaje, los costes de la vida allí, la estancia de mes y medio…

Háblanos de tu serie sobre Polonia.
Pues la hice justo después de mi viaje de Tokio y buscaba encontrar algo totalmente distinto, y por gente de la profesión y conocidos que también tengo allí, me decidí a ir. La verdad es que me encantó, aparte esa mezcla con la religiosidad, con la entrada a la UE y ese proceso de cambio constante. El aislamiento por su religión y sus raíces me impactó bastante y así lo he intentado plasmar en las imágenes.

La serie sobre los gitanos, “Sara’s Gypsies” nos parece muy impactante, ahí sí nos encontramos con una invasión de su espacio más cercano, sobre todo en las imágenes de la playa. Supongo que para estas fotografías sí hablaste con ellos.
Aparte de las fotos de los campamentos que es donde viven, hay una semana, cuatro o cinco días donde hay una concentración religiosa y no era el único fotógrafo allí presente. Sí estableces una cierta relación, aparte de los estereotipos que tienen, son gente muy amable y me sentí muy arropado, por ello esa aproximación que creo se refleja en las imágenes.

En la web, nos llama la atención el apartado de “Fragments”.
Es un pequeño capítulo en la web de cosas que me gustan, como un capricho. En una postal donde sale una imágen, detrás hay una historia. Ese paralelismo con la fotografía, la historia que hay detrás es muy personal. Son postales encontradas en el mercado de San Jerónimo, donde voy habitualmente.

Y ahora, ¿qué proyectos tienes en marcha?
He vuelto de Moscú, donde buscaba un trabajo con convergencias con el de Tokio, no para justificar que no es sólo Tokio donde se puede encontrar ese aislamiento personal dentro de las ciudades, sino que es un caso de dinámica urbana, algo que se da en las capitales del mundo y creo que voy a seguir en esa línea. Recuperar capital e intentar mover las imágenes y a ver si sale alguna ayuda para poder contribuir trabajando en ello.

Te interesan las ciudades de fuera de España, seguirás trabajando con ellas por lo que veo.
Sí, me tiene bastante enganchado esta línea de aislamiento que tienen las ciudades. Paralelamente como te he comentado está el proyecto de Barcelona.

Pero también es un trabajo distinto porque es tu ciudad.
Exacto, en Madrid, por ejemplo, sí he encontrado un poco esa sensación de aislamiento, quizá por no ser la ciudad propia de uno y no conocerla. Creo que es más difícil encontrarlo en tu propia casa, es complicado.

Por tu experiencia, ¿recomiendas presentarse a concursos?
Sí, por supuesto. Siempre que tenga una repercusión que a ti te aporte algo, no por motivos económicos ni fama, sino por buscar el apoyo de las personas que miran esas imágenes y las valoran de alguna manera, ese feedback que ves de que la gente se interesa por ellas, independientemente de que no te ganes la vida con ello, sí ayuda a motivarte para seguir trabajando.

Te deseamos mucha suerte y te damos las gracias por dedicarnos parte de tu tiempo.
A ver, a ver cómo va surgiendo todo. Muchas gracias a vosotros.

Desde aquí recomiendo un paseo a fondo por sus fotografías a través de su web y una visita a la exposición en el FNAC de Castellana en Madrid que podrá verse hasta el 29 de febrero, pero después podrá visitarse en Zaragoza, Málaga y Valencia en los próximos meses. Desde Xataka Foto le deseamos una carrera llena de éxitos y le agradecemos la oportunidad al igual que al FNAC de habernos acogido e invitado a pasar un día muy fotográfico.

Más información | Salvi Danés | FNAC
En Xataka Foto | La Shanghai de Víctor Garrido en Blank Paper

Pere Larrègula, fotógrafo profesional bastante conocido dentro de canonistas.com ha tenido a bien concedernos esta entrevista en la cual desgranaremos algunas de sus opiniones al respecto del mundo aficionado y profesional así como algunas de las claves que él mismo utiliza en su trabajo diario.

Los comienzos de Pere, como cuenta en primera persona en su web, fueron más o menos con 14 años fue cuando su padre le dejó utilizar su Voigtländer. Todo un descubrimiento. Poco tiempo después cayó en sus manos su primera réflex, una Praktica MTL 5 con un objetivo Pentacon 50mm f/1.8. Se considera un fotógrafo de profesión y vocación, dedicando siempre especial atención a la técnica fotográfica, en definitiva la luz, ya que para entenderla y manejarla es la base fundamental para luego crear sin limitaciones. Cuenta también que como disfruto de la fotografía, le gusta compartir todo lo que ha ido aprendiendo estos años, procurando colaborar con todos aquellos proyectos que difundan la fotografía como medio para la creación artística, hasta el punto que actualmente dedico una buena parte de mi tiempo a responder dudas a todos aquellos aficionados que empiezan. Así que si sois canonistas por aquel foro le veréis y si no lo eres, tampoco pasa nada, por compartir algo sobre fotografía con Pere.

XATAKAFOTO: ¿Qué ingredientes tiene un buen retrato?

Pere Larrègula: Para mí lo principal es la luz y el cómo aprovechemos la luz que tiene la escena o si la podemos crear o modificar nosotros. Ya sé que parece un tópico muy utilizado, pero la verdad es que lo creo firmemente, que la luz es la que nos debe, en cierta manera, obsesionar a los fotógrafos, porque con ella reafirmamos el mensaje marcado por la composición y la expresión en el retrato. Además si necesitamos un retrato técnicamente bueno, no nos podemos olvidar de tener un enfoque claro en los ojos, o como mínimo en el que está más cerca si la profundidad de campo es reducida y como decía, una composición que transmita un mensaje claro, pero sin bloquearnos en las “reglas” de composición, que son una guía general, no una obligación, ahora deben conocerse profundamente.

Aunque todo es muy importante, quizás lo más importante es saber transmitir al modelo lo que buscamos, porque un retrato técnicamente perfecto puede no decir absolutamente nada, y darnos un mensaje que dependa en exceso del atractivo del modelo en cuestión, y un buen retrato no debe depender de eso nunca… a mi modo de ver y es ahí donde está la diferencia real.

¿Cómo es tu equipo? (estilista, retocador, asistente de iluminación, modelos, ...)

Pues no cuento con un equipo fijo, aunque resultaría más sencillo en algunos casos, sobre todo en los proyectos personales…, pero es así porque cada trabajo requiere lo mejor de cada área y en algunas ocasiones que dicha área sea muy especializada, así que es difícil tener un equipo fijo de profesionales como estilista, maquillaje y peluquería a no ser que siempre te caracterices por una única línea editorial, cosa que no es mi caso… En cuanto al retoque, cuando necesito algo muy específico cuento con retocadores, pero no suelo necesitarlos, ya que en mis trabajos comerciales me piden imágenes muy naturales o sin retoques, lo que hace que juegue mucho más con la luz para evitarlos o bien son muy sencillos, por ejemplo los que hago en las fotografías que son para mí o como ejemplos de los talleres que imparto, ya que estos están orientados fundamentalmente a la iluminación y la gestión de modelos, no al postproceso.

Más que equipo, pero prefiero llamarlos colaboradores y me reservo para mí la iluminación, porque disfruto con ello y para mi es la base de una buena fotografía, de hecho es mi sello personal… además mis colaboradores son fotógrafos y ex-alumnos de mis talleres (personas que son capaces de entender lo que pienso, que sé que tienen una base técnica solida y son capaces de darme ideas cuando la sesión o el cliente es complejo, o ayudarme a preparar el equipo y la logística de la sesión, etc…).

La verdad es que la base para hacer un buen equipo es confiar en la profesionalidad de todos los que lo forman, así que solo les pido que se impliquen y sean proactivos, vamos que no dependan de mis indicaciones y sobretodo que me ayuden a crear un buen ambiente de trabajo, ya que eso es vital a mi modo de ver. Pero algo característico es que siempre hacemos uno o varios “briefing” donde pongo en la mesa las ideas que tengo o las del cliente y como me gustaría ordenar la sesión, para que el equipo aporte su experiencia, sus visiones y la sesión sea fluida, se enriquezca de esas aportaciones, que en algunos casos cambian en parte la idea inicial si es posible, claro,… siempre se aprende cuando haces equipo.

Y aunque el equipo sea puntual y solo para una sesión en la mayoría de casos, es fundamental transmitir que todos los que participan son igual de importantes, en esos casos hay que todavía prestar más atención a los detalles que generan buen ambiente… el director puede marcar los pasos a la orquesta, pero sin músicos no hay nada.

¿Al aficionado que le gusta este estilo de la fotografía de moda qué le dirías que hiciera? Conozco a muchos compañeros que realizan intercambios (TFCD) con gente que le interesa, hacen las fotos y pasan un rato divertido. Pero parece que a determinado sector profesional le molesta, ¿porqué ocurre esto?

Al aficionado que le gusta el retrato o la moda, le animo a practicar todo lo que pueda y que disfrute de la fotografía, porque es una disciplina apasionante que puede darle muchas satisfacciones, como todas en fotografía. Al respecto de los TFCD, pienso que hacer fotografías por puro placer para ambas partes no hace daño a nadie, pero claro, hay gente para todo, ahora a mí me parece un poco absurdo molestarse porque los aficionados busquen hacer sesiones de intercambio, máxime cuando la mayoría de profesionales hemos empezado así.

Pero ante todo les pido a los aficionados que sean muy francos, y no engañen a un modelo novel diciéndole que pueden hacer un book profesional gratis a modo de intercambio, porque seguramente muchos no sabrán lo que es un book, ni cuál es el trabajo real de un fotógrafo profesional en ese tipo de sesiones (que no es solo hacer fotografías).

Lo que si nos molesta a los fotógrafos profesionales, que trabajamos con modelos, es que los aficionados se hagan pasar por profesionales y engañen a los modelos, o usen las sesiones para ligar, porque eso sí desprestigia al sector, ya que el modelo novel no es capaz, de entrada, diferenciar entre un trabajo profesional o el que no lo es (no conoce la diferencia), lo que genera “modelos” quemados antes de empezar… y en algunos casos son irrecuperables.

Lo que está claro es que el fotógrafo profesional debe marcar claramente la diferencia en el resultado y no me refiero solo a las fotografías como decía, ya que concebir un buen book o un intercambio, al margen de hacer buenas fotografías (no es necesariamente hacer fotografías visualmente impactantes, que las agencias no piden), lo que debe ofrecer son otros servicios, como una ayuda inestimable sobre cómo mejorar la expresión, el posado, cuales son los estilismos más adecuados, o incluso le podrá aconsejar que fotografías espera recibir una agencia en particular o cuáles son las más idóneas para el tipo de trabajo al que aspira como modelo, aunque solo sea por experiencia.

A los aficionados con aspiraciones profesionales (tanto fotógrafos como modelos), les diría que las fotografías que en muchos casos gustan, no suelen ser las que debe tener un buen book o portfolio profesional, ya que en la mayoría de casos se abusa del procesado, o no tienen calidad suficiente en alta resolución que permita tenerlas en papel (porque sigue usándose como soporte), o no cuentan con buenos retratos de plano corto, o se caracterizan por contar solo con expresiones o posados muy simples que no sirven para todos los modelos y lo que es peor, en algunos casos con un claro componente sexual en las mismas, por lo tanto se juega muy poco con la expresividad de cada modelo en particular… y así un largo etcétera de detalles… esas prácticas dejan ver, poco o nada, de cómo es realmente el candidato a modelo y dicen poco del fotógrafo.

Cada vez hay más aficionados que les gusta el strobist. ¿Por dónde les dirías que empezaran?

Que empezaran por entender la luz primero para no sufrir demasiado y por descontado que empiecen con un solo flash, no más es mejor, pero en estudio igual… cuando “dominas” o mejor dicho, sabes sacarle partido a una fuente de luz, te das realmente cuenta que pocas veces necesitas más, ya que hay multitud de modificadores para esa luz, al margen que además dispones de la luz día si quieres.

Pensemos fríamente que nuestro cerebro está acostumbrado a evaluar las escenas con una sola fuente de luz, el Sol, y cuando usamos más de una, sin criterio, lo que hacemos es generar imágenes confusas o con sombras cruzadas, por eso es muy importante llegar a entender la luz, primero la luz día (es más barato), y luego como jugar con otras fuentes, empezando por una, ya sea como sustituto o complemento a la luz día… luego ya vendrá utilizar más fuentes de luz, sobre todo por pura evolución en la complejidad de las escenas que intentaremos plasmar.

El abecedario de la luz, por favor.

En los talleres siempre digo lo mismo, entender la luz es fácil si tienes claro cómo se comporta y sabes cuatro conceptos de física muy sencillos…, por ejemplo, saber cómo cae la luz dependiendo del tamaño de la fuente y que contraste nos da a la escena dependiendo de cómo la modifiquemos… vamos que tienes clara la ley inversa del cuadrado de la distancia (que es muy sencillo), como modificar la luz para lo que necesitamos y si usamos más de una fuente de luz pues tener claro que es eso de la suma de luces.

Y aunque parezca algo arcaico o sacado de otro tiempo, recomiendo usar un fotómetro/flashimetro para entender mejor la luz, como cae o como cambia en función del ángulo, pienso que ayuda a tener claro el concepto de contraste de una escena con suma facilidad, sin él, se convierte todo en un prueba y error que puede llevar a conclusiones erróneas, con lo que no se gana confianza… y la confianza es fundamental para hacer fotografías de calidad, además pienso, que usándolo, los que empiezan entienden mucho mejor como mide la cámara lo que simplifica mucho el aprendizaje.

Estilismo, maquillaje, iluminación, modelo, fotógrafo y su equipo… etc. Todo es importante, pero cuál es la receta. Danos unas pistas aunque el punto de sal y alguna especia la guardes para ti.

La verdad es que me caracterizo por no guardarme nada, jeje, hasta me critican por eso otros fotógrafos, por explicar según ellos “demasiado” en foros… Como dices, lo que está claro, es que todos los que forman el equipo son igual de importantes para el resultado, pero lo que realmente hace que todo funcione es la confianza de todos con todos. Por ponerte un ejemplo, si el modelo no confía en el fotógrafo o no tiene un buen día, por muy profesional que sea el modelo, la tensión será alta y el fotógrafo tendrá todo el peso de la sesión, así que dependerá en exceso de su experiencia para encauzar el rumbo de la misma.

Así que, para mí, lo primero es tener paciencia, y antes de hacer una sola fotografía es generar un alto grado de empatía y confianza con todo el equipo, por eso dedico una buena parte del tiempo a poner en común lo que haremos en la sesión, incluso días antes, para que todos se sientan realmente parte de un equipo… si un solo miembro no está bien o no esta cómodo, eso se paga caro en el resultado.

El fotógrafo profesional debe marcar claramente la diferencia en el resultado, lo que debe ofrecer son otros servicios.

De cara al fotógrafo, lo importante es conocer bien el equipo que utilizara durante la sesión (cámara, objetivos, iluminación, etc…), incluso saber algo de maquillaje o estilismo para entender bien ese mundo, tener todo a punto antes de empezar, aprovechar bien los tiempos muertos para refrescar ideas y saber que puede o qué no debe hacer, y así escoger lo mejor para cada fotografía, o bien como evitar que sea muy evidente que el equipo no es el idóneo cuando no hay otro y luego viene lo difícil, el aspecto psicológico de trabajar con personas y eso también se aprende, pero es lo que más le cuesta a la mayoría.

El desnudo es un tema muy complejo pero sin embargo es lo más natural ¿Cómo aconsejas a tus alumnos afrontar el desnudo artístico? ¿Cómo sacar belleza y no caer en lo vulgar?

Si es complejo, sobre todo por como vemos cada uno el desnudo. No es lo mismo un desnudo artístico, que hacer fotografías a una mujer o un hombre desnudos, la diferencia estriba en la sensibilidad que le aportemos a esa visión, y eso también se puede aprender o mejor dicho, educar a mirar, y no solo a ver, qué es lo que suele pasar al principio cuando hacemos nuestras primeras fotografías de desnudo y pasa igual con cualquier especialidad de la fotografía, hay que aprender de nuevo a mirar.

Para empezar es importante tener en cuenta que la mirada a cámara del modelo es lo que carga de erotismo el desnudo con suma facilidad, así que lo ideal en el desnudo artístico es evitar esas situaciones de entrada, que además dan tranquilidad a los que empiezan, ya que no se sienten observados por el modelo, cosa que puede condicionar bastante en algunos casos.

Como consejo diría de empezar a fotografiar la piel, solo piel, y olvidarse de la genitalidad del desnudo, buscar formas, curvas, líneas y acercarte a componer como si de un paisaje se tratase, lo que suele llamarse “body landscape”, porqué un desnudo también es un pie, la espalda, el cuello, un hombro, etc… Cuando vean el desnudo como un paisaje o un retrato, que de hecho lo es, todo les será mucho más fácil.

Muchas gracias, Pere.

A vosotros, un saludo.

En resumen

Estas han sido las opiniones de Pere sobre diversos aspectos del sector fotográfico actual, supongo que estaréis de acuerdo en algunas y en otras no, así como de su trabajo en estudio. Pere Larrègula nos ha hablado del comportamiento manejo y control de la luz, pero sobre todo de aprender a leerla. Un buen consejo. Por otro lado recordaros otro buen consejo que puede formar parte de vuestro próximo proyecto fotográfico: Fotografiar la piel, el Paisaje de la Piel.

Fotografías por cortesía de Pere Larrègula.

La idea es sencilla, juntar a Perkins, uno de los bateristas más aclamado internacionalmente en las últimas décadas y darle baquetas (los “palos” con los que se toca la batería) iluminadas con LED de diferentes colores y hacerle tocar durante algo más de una hora. Obligarle a tocar canciones propias, improvisar ritmos, tocar más suave… más acelerado. Mi preferida (de todas las que he visto), es la imágen que acompaña a este artículo, Summertime. Predominan los rojos y consigue que se forme la silueta de la batería que está tocando.

No han quedado aquí los experimentos (en este baterísta me refiero) ya que también han hecho sesiones con Matt Sorum (Batería de “The Cult”, “Gun´s n´Roses” y Velvet Revolver) y Rick Allen (“Def Leppard”) con la curiosidad de que Rick perdió un brazo en un accidente de tráfico (lo cual no le impidió seguir tocando). En las páginas que han creado para este experimento se pueden reservar, para su posterior compra las imágenes que más te gusten, resultan interesantes ya que los resultados son bastante abstractos. Veremos cual es su precio final.

Más información | The Art of Stephen Perkins

Hace unas semanas fuimos invitados desde el estudio de Mario Sierra a pasar un dia con él y su equipo durante una producción de moda. Por si muchos no conoceis a Mario Sierra, comentaros que es uno de los fotógrafos de moda más importantes en España, trabajando para la mayoria de las revistas del panorama nacional, retratando tanto temas de publicidad, celebrities, como la ya mencionada moda.

La producción a la que fuimos invitados, era para la revista Mujer Hoy (publicada recientemente) con cuatro de las modelos jóvenes más importante de la pasada Madrid Fashion Week (Carla Crombie, Madeleine Hjort, Denise Sommers y Marta Español). Mario está rodeado de un equipo que trabaja con el día a día, desde un jefe de relaciones publicas, ayudantes, retocador etc… Todo esto lo pudimos ver claramente durante la sesión fotográfica como se trabaja conjuntamente y de una manera muy organizada.

La producción

El primero de los detalles en el que me pude fijar es en el trato de los componentes del estudio hacia las modelos y en especial de Mario. Como bien sabéis las modelos son parte importantísima de las tomas finales, y es por eso que hacerlas participe de lo que se quiere conseguir es una tarea más que importante, como bien os comentaba en uno de los articulos publicados sobre los consejos para tratar con modelos. Es por eso que antes de que todo empezara a ponerse en marcha, todas las modelos tenían ya muy claro cual era su cometido, al igual que su actitud ante la cámara.

La actitud de las modelos ante la cámara es siempre primordial

El equipo de maquilladores, peluqueros y estilistas fueron una parte muy importante dentro de una sesión como estas, y más si cabe el maquillaje por la importancia de la luz. Todos los detalles son importantes y no se dejaba ninguno en el aire. Recordad que todo esto lo explicamos muy bien en los primeros apartados del nuestro Especial del flujo de trabajo, en el que todo tiene que estar muy bien gestionado y preparado. En este caso y al ser una publicación importante, junto a Mario y demás equipo siempre estaba una persona de la revista que consultaba con el fotógrafo todos los pormenores que podían surgir, y que era la persona encargada de darle las primeras directrices sobre como enfocar la sesión (a pesar de que todo estaba bastante hablado días antes).

Cuando todo estuvo listo y el set preparado para las fotos, las modelos se colocaron y la sesión fue de lo más fluida. Una de las partes del flujo de trabajo consistía en disparar las fotos y posteriormente visualizarlas en un ordenador que se encontraba al lado. En él se podía realizar una primera visualización y un ligero toque de luces y color (si era necesario), para posteriormente mandarlas al retocador y que comenzara a editar. En este caso la producción no exigía esto último de una manera tan rápida, por lo que no se realizó.

La consulta entre el equipo editorial y el fotógrafo siempre debe ser fluido

Mario en toda la sesión fue muy detallista con las modelos, al igual que con las personas de su equipo y con la personas de la revista, dejando patente que el trabajo en equipo es algo importantisimo para el resultado final sea el deseado. Una de las cosas en las que más me fijé fue que la mayoría del tiempo era invertido en tener todo controlado al milímetro, y aunque parezca mentira el mínimo tiempo era el de la realización de las fotografías. Su Hasselblad permaneció en trípode de estudio y a penas se le prestaba atención más que para el instante de las tomas. En momentos como estos es cuando uno tiene que darse cuenta que ser fotógrafo, y más en moda y publicidad profesional, no es dejar patente sólo que sabes usar la cámara, sino saber controlar todo lo que tienes a tu alrededor (incluyendo la cámara y el material fotográfico por supuesto).

La actitud de las modelos ante el trabajo era excepcional y se notaba mucho su profesionalidad, pero en todo momento sabían que se debían a lo que el propio fotógrafo mandase, y estaba claro que Mario dejaba patente que todo debía pasar por él. Recordad como siempre os he comentado, un fotógrafo no sólo debe serlo sino también parecer serlo. En este apartado a Mario se le nota las tablas que tiene, lo bien que maneja las situaciones, y parece desenvolverse como pez en el agua. Esto, sin duda, es uno de los principales valores para poder llegar a ser un buen fotógrafo.

Entrevista a Mario Sierra

Posterior a esto, Mario me respondió a unas preguntas que le realicé sobre todo pensando en la gente que quiere llegar a lo que hoy es él:

Xatakafoto – ¿Te costó mucho comenzar en la fotografía? ¿Cómo fueron tus inicios?

La verdad es que fue difícil porque estaba trabajando con mi padre y no me gustaba nada el trabajo. La fotografía fue un mundo que me atrajo y decidí lanzarme a la aventura. Me metí en una escuela en la cual asistía a los cursos gracias a trabajar como ayudante en ella, y a raíz de eso conseguí aprender bastantes fundamentos de la fotografía.

Posterior a esto monté un laboratorio de fotografías en blanco y negro, en el cual positivaba a otros fotógrafos. El dinero que ganaba lo invertía en material y también en la realización de intercambios para ir mejorando mi book. Después entre en una agencia haciendo test, y cuando tuve un buen book comencé a moverlo.

¿Crees que el equipo es importante para conseguir buenas fotografías?

El equipo te puede dar más calidad pero realmente la herramienta es la cámara y es la que hace la fotografía, sin ella no puedes desempeñar tu trabajo pero no es necesario disponer del mejor equipo en absoluto.
Lo que si es cierto que dependiendo del cliente y del trabajo se te puede exigir un tipo de equipo u otro, pero muchas veces no es por la calidad en si, sino por otro tipo de factores.

Una buen equipo ayuda, pero nunca te hace ser mejor fotógrafo

¿Siempre has hecho fotografía de moda y publicidad?

Si, creo que uno debe intentar centrarse en un estilo y no hacer de todo. Uno de los factores es que si intentas hacer de todo, nunca podrás mejorar como a buen ritmo y otra es que puedes dar una impresión de poco profesional.

¿Qué consideras primordial en una buena fotografía de moda?

La chica tiene que estar guapa eso siempre, ella es la que te va a vender la fotografía y por consiguiente el saber dirigirla es otro aspecto importante.

Últimamente han salido muchas informaciones sobre intentos de legislaciones para limitar y/o regular el retoque. ¿Estás a favor de que se regule?

No, siempre y cuando el retoque sea bueno. Creo que el retoque en la fotografía de moda siempre tiene que estar pero hay tremendas salvajadas que hacen que te lleves las manos a la cabeza. A pesar de todo no creo en la regulación.

¿Qué consejo darías a la gente que quiere llegar a trabajar en este mundo o llegar a un nivel mayor?

Ser muy detallista, tener mucha confianza en lo que uno hace y poner muchísimo empeño en lo que se hace. Las cosas no siempre vienen cuando uno quiere, y todo eso unido a la paciencia son cosas esenciales. Otro aspecto importante es ver muchas fotos de moda, no parar de ver fotos para seguir tendencias, poses, luces usadas etc…

Muchas gracias por todo Mario y esperamos que todo te vaya como hasta ahora

Gracias a vosotros y espero que os haya servido todo lo acontecido

El buen trato con las modelos es un punto importante

Apunte final

Para terminar me gustaría comentaros que la profesionalidad dentro de la moda se consigue a base de mucho esfuerzo y sacrificio, y en el trabajo de Mario Sierra se ve. Su empeño por llegar a su meta se ve en sus fotografías, pero sobre todo al realizarlas junto con todo lo que lo engloba. Además todo este profesionalismo lo deja patente en los talleres que imparte en su estudio sobre fotografía de moda, excelente oportunidad para aprender grandes y pequeñas cosas de como trabajar.

Si muchos estáis en ese proceso de llegar a ser profesionales, que sepáis que todo lo que os he comentado que vi en la sesión es más que esencial. Y sobre todo, nunca creerse el mejor y seguir trabajando para mejorar es otro factor que nos ayudará.

Sitio Web | Mario Sierra

Fotografías | Rodrigo Rivas

En Xatakafoto | Especial Flujo de Trabajo

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

María Zarazúa es una fotógrafa que dedica parte de su tiempo a la búsqueda de hermanos gemelos, se esfuerza en conocerlos y persuadirlos para que posen ante su cámara en unos escenarios muy bien seleccionados. Podríamos decir que se trata de una auténtica coleccionista de gemelos.

“Parte de ti” es el título de la exposición que reúne el trabajo realizado como coleccionista hasta el momento. Se trata de una colección de dípticos en los que nos encontramos a la izquierda una fotografía de la pareja de hermanos posando relajados ante la cámara transmitiendo de algún modo una sensación de unidad que podría llegar a confundirnos y pensar que se trata de una misma persona. A la derecha los mismos sentados sin mirarse, dos personas distintas que parecen ignorarse aunque nos transmiten un cierto aire de complicidad. Podéis visitar su exposición en la Galería Cero de Madrid hasta el 11 de enero de 2012 de lunes a viernes de 09:30h a 14:30h y de 16:30h a 22h

Muchas son las historias sobre la conexión especial entre gemelos, dicen que cuando uno sufre, el hermano puede sentir ese sufrimiento, uno termina las frases del otro, todo como si se tratara de una única persona. Creo que la mayoría de personas sentimos una sensación extraña al ver una fotografía con dos personas casi idénticas ante la cámara pero no sabemos muy bien por qué. Por esto, entre otras cosas, decidimos entrevistar a María Zarazúa a ver si nos desvelaba alguno de los misterios que envuelven a estos hermanos.

Bienvenida a Xataka Foto, María, un placer.
¿En qué momento o a través de qué situación decidiste comenzar con la idea de un discurso fotográfico de esta índole?

Se puede decir que empecé este proyecto un poco por azar. Hice la fotografía de Mar y Bea sin saber que estaba iniciando este proyecto. Lo comencé como un juego con estas dos amigas, y luego me di cuenta de que, si indagaba más, este mundo de los gemelos era muy interesante. Así que comencé, casi de manera obsesiva, a buscar y localizar gemelos para continuar el proyecto. Hasta ahora, que sigo trabajando en él y se ha convertido en un proyecto de vida.

Parte de ti. Bea y Pati.

¿Cómo encuentras a los gemelos? ¿son amigos o conocidos, o ves a unos gemelos en la calle e intentas acercarte y hablar con ellos para que posen para ti?

Los gemelos los localizo por cualquier vía. La verdad es que es un proceso productivo bastante lento. Muchas veces, gemelo llama a gemelo, porque los mismos que posan para mi, me hablan de unos amigos gemelos. Otras veces me los encuentro por la calle, a veces, mis propios amigos que saben que estoy metida de lleno en este proyecto, cuando conocen a unos gemelos les hablan de mi o les mandan mi mail… Siempre estoy abierta a que puedan aparecer de cualquier sitio y en cualquier ciudad de España.

Por lo que vemos, los fondos de tus fotografías son escenarios que de algún modo añaden personalidad a los retratados ¿Cómo los seleccionas?

Ya os comento que el proceso es bastante lento. Primero les pido a los gemelos una fotografía de los dos lo más reciente posible. A partir de ahí, intento conocerles personalmente para ver cómo son, cómo visten… y fruto de ese conocimiento, me sugiere un lugar u otro. suelo hacer las fotos en escenarios naturales, asi que lo siguiente es encontrar el espacio donde fotografiarles y coordinar todo para poder coincidir un dia. En el caso de los espacios, muchas veces son los que “llaman” a los gemelos y no a la inversa, porque lo que pretendo es que se complementen mutuamente.

Vemos que la ropa que llevan tus modelos no es idéntica a la de sus hermanos pero sí se complementa de algún modo ¿Les pides que se vistan así o es la ropa que llevan habitualmente?

La ropa también es parte de lo que intento coordinar. Una vez localizado el lugar donde retratarles, les sugiero que lleven ropa de una determinada gama tonal para que se complemente con el fondo. Les sugiero que sea lisa o estampada, claro está, siempre en función de su vestuario, pero dando prioridad siempre a que sean ellos mismos en las fotografías.

¿Qué equipo fotográfico utilizas?

Trabajo con una Canon 5D.

¿Y para la iluminación?

Dos flashes con ventana.

¿Le das mucha importancia a la técnica fotográfica o más bien intentas olvidarte y dejas que las cosas fluyan para poder centrarte en tus modelos?

La verdad es que soy una fotógrafa más bien impulsiva. En cuanto estoy haciendo las fotos me dejo llevar por el feeling que me dan los hermanos, el espacio, las energías que van fluyendo… Me olvido de la técnica y me centro más en disfrutar del instante de fotografiar.

Hice la fotografía de Mar y Bea sin saber que estaba iniciando este proyecto.

Háblanos un poco de la exposición ¿Por qué “Parte de tí”?¿Por qué dípticos?

El título de la exposición viene porque al final los dos hermanos son parte el uno del otro, porque desde que se gestaron han permanecido siempre juntos. También alude a que entre los hermanos gemelos tienen entre ellos una relación muy especial. El formato díptico me viene muy bien porque la foto de la izquierda, en la que miran a cámara, lo planteo como una tipología. Los hermanos posan como ellos quieren, de manera espontánea porque me interesa que muestren su relación, el vínculo que les une. sin embargo, la foto de la derecha es más simbólica. Los gemelos están siempre sentados y construyo una especie de ficción porque lo que me interesa es mostrar a dos personas muy diferentes, a dos individuos que parecen, a primera vista, uno solo.

Todos conocemos la famosa fotografía de Diane Arbus de las dos niñas gemelas, una fotografía intrigante y misteriosa ¿crees que es simplemente el hecho de ver a dos personas casi idénticas lo que nos causa esa intriga o realmente entre gemelos surgen misterios que nos cuesta comprender?

Pienso que ahora mismo, entre la manipulación genética y los avances de las técnicas digitales aplicadas a la imagen, es desconcertante que dos personas bien por genética, bien por azar se parezcan tanto (y no solo en lo físico), durante toda su vida. A mi, personalmente, me inquieta mucho este gran parecido. Me desconcierta y a la vez me atrae inmensamente… me genera mucha intriga. De ahí mi obsesión por los hermanos gemelos.

Sabemos que deseas continuar con este proyecto ¿Cómo pueden contactar contigo nuestros lectores si tienen algún hermano gemelo o conocen a alguna pareja de gemelos y quieren posar ante tu cámara?

Este proyecto pretende ser de muy largo recorrido. Mi idea es continuar con él a lo largo de mi vida. No quiero cerrarme a ninguna edad o cultura, sino que sea como un glosario de similitudes y diferencias entre seres muy iguales pero muy distintos a la vez. De hecho en breve tengo pensado hacer un viaje a Marruecos, donde ya he localizado tres parejas de gemelos, y a Alemania, en donde fotografiaré a un par de hermanas. Así que cualquier persona que le interese mi proyecto y que esté dispuesta a participar, puede mandarme un mail a mi correo electrónico (mzarazu@ya.com) o ponerse en contacto conmigo a través de mi web o de Facebook.

Muchas gracias por compartir tu tiempo con nosotros.

Gracias a vosotros y enhorabuena por vuestra revista.

María Zarazúa | María Zarazúa | Facebook
Parte de ti | Galería Cero

Y es que en nuestro país, cuando nos ponemos, podemos hacer cosas buenas. Así nace el proyecto Wemories, un nuevo servicio online fotográfico con un carácter diferente a lo que puede ofrecer Flickr o 500px. Una idea que nace de Fernando Rodríguez y Cesc Vilanova, dos buenos analistas aficionados desde hace mucho tiempo a la fotografía. Fernando, ingeniero informático, desde que en su infancia le regalaron un Spectrum, ha estado relacionado con el mundo de los videojuegos. Antes de lanzarse a la aventura de Wemories estuvo varios años trabajando en de Pyro Studios. A Fer, como prefiere que le llamen, le apasiona la fotografía, la tranquilidad y jugar en el salón de su casa con sus hijos. Cesc, Licenciado en Comunicación Audiovisual, ha estado los últimos años conceptualizando, desarrollando y comercializando productos y experiencias interactivas para Pyro Studios y Zinkia Entertainment. A Cesc le gusta viajar sin prisas, estar con la familia y trabajar en cosas que hagan feliz a la gente.

Wemories hace poquitos días que ha salido a la calle, y en Xatakafoto hemos sido invitados en exclusiva pero sin hacer mucho ruido como era su idea. Hoy os contamos qué es Wemories. Detalles de última hora les han venido obligando en los últimos meses a retrasar la salida por lo que he tenido oportunidad de saber. Hemos de agradecerles además la oportunidad de haber sido unas de las primeras personas en probarlo y poder así realizar una entrevista más personal, íntima y casi privada. Tal como pretende ser Wemories. Wemories comienza con un servicio web donde coleccionar los momentos fotográficos más especiales de tu vida. Es un lugar privado, tranquilo e íntimo donde los recuerdos pueden ser sólo tuyos o ser compartidos de manera individualizada con las personas que de verdad te importan. En cierto modo puede decirse que estamos en el extremo opuesto a una red social. En la primera versión del servicio, que es completamente gratuito, los recuerdos son fotografías principalmente o imágenes que van acompañadas de un texto escrito. Conceptualizar los recuerdos a tu modo, a tu manera, con tu lenguaje. Una fecha, una fotografía y una historia son los ingredientes necesarios para lograrlo. Hemos charlado con Cesc y con Fer y os lo contamos a continuación, en la primera entrevista sobre Wemories.

XATAKAFOTO: Cómo surge la idea … web+memories=wemories

La idea ha ido cogiendo forma en el último año a medida que desarrollábamos el proyecto, pero el origen se remonta a 2009, cuando una de nuestras abuelas encontró una caja mientras hacia limpieza de trastos viejos. Dentro de la caja había cartas y fotografías antiguas de cuando ella y su entonces novio se conocieron, allá por los años 30. Ella ni se acordaba de que existían, pero encontrarse de nuevo con esos recuerdos fue una alegría enorme.

Nosotros estábamos por aquel entonces hablando ya de montar un proyecto de empresa y nos dimos cuenta de que, aunque ahora hacemos más fotografías que nunca, no había una manera sencilla de separar lo realmente importante que nos pasa de lo que no lo es. Más complicado, aunque parezca lo contrario, fue encontrar el nombre. Wemories viene de “Memories” (recuerdos) en inglés, pero como ese dominio era imposible de conseguir le dimos la vuelta a la “m” y obtuvimos la “w” de Wemories, además de hacerlo coincidir en parte con el término web.

Defínid que es un “wemory” en pocas palabras

FER: Un recuerdo con una historia.
CESC: Algo que queremos recordar siempre.

¿Qué pretendéis? ¿Cuál deseáis que sea la experiencia de usuario?

FER: Queremos que el usuario disfrute buscando aquellas fotografías que son realmente importantes para él y que llevan tiempo olvidadas en su disco duro. Queremos conseguir que el usuario las comparta con aquellas personas que han formado parte de una etapa de su vida o que lo siguen haciendo. Quizás la parte más bonita de Wemories es aquella en la que recibes un recuerdo de alguien y no sabes qué historia esconde.

CESC: Nos gustaría que Wemories te haga sentir como cuando tu madre saca en una sobremesa una foto que no sabías que existía, o cuando en una charla con unos amigos sale de nuevo una anécdota con la que siempre os reís… Cuando recibes un recuerdo de alguien que conoces y lees la historia que acompaña a la fotografía, tienes esa misma sensación.

¿Dónde se posiciona Wemories? ¿Con quién compite?

FER: Wemories es un diario privado y en ese sentido nos movemos a contracorriente del resto de redes sociales más populares. Desde el punto de vista de producto físico tampoco tenemos un competidor claro porque la Wemory Box es como una cápsula del tiempo en donde los recuerdos, los wemories, se pueden coger. No vendemos libros impresos. Al mismo tiempo, el papel Hahnemühle que usamos está muy por delante del de la competencia a nivel de gramaje y calidad fine art.

CESC: Pero más allá del servicio web, la diferencia principal es que queremos que esta web sea el punto de partida desde el que crear una marca. En otras palabras, la experiencia empieza con el servicio web, completamente gratuito, pero se expande con productos que queremos introducir poco a poco y que solo tienen en común que te ayudan a mantener vivo un recuerdo.

¿A dónde queréis llegar?

CESC: Nos gustaría que, cada vez que a alguien le pase algo importante en su vida o que encuentre una fotografía de un momento especial, piense en Wemories como el mejor sitio donde guardarlo.

FER: Queremos hacer de Wemories la marca de los recuerdos. Nuestra misión dice que “mantenemos vivos los recuerdos” y eso da pie a muchas acciones, tanto fuera como dentro de nuestro diario.

Cómo creeis que puede impactar wemories en la comunidad fotográfica

CESC: Creemos que Wemories es un sitio donde cualquier fotógrafo disfrutará guardando, compartiendo y reviviendo aquellas fotos que hablan de momentos personales. No competimos con Flickr, 500px o 1X…creemos que somos un complemento para esas otras fotos que nos quedamos en nuestro disco duro o que subimos en masa a servicios de almacenamiento en la nube, tratándolas a todas por igual cuando quizás no lo son.

FER: Wemories es para todo el mundo. Todos tenemos recuerdos. Si además te gusta la fotografía, partes con la ventaja de que habrás podido capturar muchos más instantes irrepetibles que el resto de personas. Para los que nos gusta la fotografía, el diario y la Wemory Box son productos que juegan en una liga diferente a la de los productos de otras marcas muy conocidas y que hacen libros impresos. A diferencia de ellos, para nosotros, los protagonistas indiscutibles son las fotografías. Para conseguirlo, en el diario lo hemos dejado todo lo más minimalista posible en cuanto a funcionalidades y en la Wemory Box, además de una caja de diseño y alta calidad, vamos con un tamaño y una calidad de papel superior. La fotografía se tiene que tocar, se tiene que sentir.

Muchas gracias por hacernos partícipes de vuestra aventura y que todo salga muy bien.

CESC y FER: Gracias a Xataka Foto y a todosvosotros por esta oportunidad.

Web + Memories = Wemories

Ahora, gracias a la revolución digital, los recuerdos se guardan cada vez más en la nube, donde en teoría los tenemos localizados y donde están probablemente tanto o más seguros que en nuestros hogares. Pero también lo que ha provocado esta revolución es que el contenido que generamos se haya multiplicado y sea más efímero que nunca.

Un mensaje que escribimos en nuestro muro de Facebook, Flickr, Picassa, Smugmug o nuestro timeline de Twitter muchas veces no lo verá ni el 10% de nuestros contactos porque competimos con toneladas de contenidos del resto de contactos. Wemories nace para cubrir esa necesidad de compartir nuestros recuerdos con quien realmente nos importa. Deciros que aún siguen haciendo pruebas y ajustando la máquina así que cualquier cuestión seguro que agradecen que se lo comentéis.

Más información | Wemories

El martes 27 de septiembre, Nieves Herrero y Sandra Ibarra inauguraron la exposición fotográfica “Mujeres al natural”, un proyecto solidario para luchar contra el cáncer. El fotógrafo, Luis Malibrán. Luis, conocido profesional del sector fotográfico de la moda y la publicidad nos presentaba así su visión al natural de la mujer. En un mundo lleno de retoques exagerados, Luis apuesta por su visión limpia y sencilla. No es cuestión de prohibir ni de censurar como veíamos hace poco con la posible regulación y/o prohibición del retoque digital en EEUU en prensa y publicidad. Es cuestión de poner cordura.

El retoque digital, nos permite crear mundos imposibles y fantásticos pero como nos contará Luis en la entrevista somos nosotros y no el programa los que debemos tener un criterio claro. Luis es gamberro, transgresor y divertido pero es de esas personas que aunque tienen ese punto rebelde son sinceras. Y sincera y directa es su fotografía.

Luis, según nos cuenta, nació allá por 1960 en Madrid. Desde hace muchos años es considerado uno de los más reconocidos fotógrafos de moda de España. Aunque su trabajo esta centrado en este campo, desde que abrió su estudio allá por el año 1987, también realiza publicidad y retratos de importantes personalidades públicas como Penélope Cruz o Antonio Banderas, entre otros. Sus fotos te sonarán bastante porque ha trabajado para clientes como L´Oreal, Scharzkopf, Sony, Cortefiel, la Compañía Nacional de Danza, El País, El Corte Inglés, la revista Elle y otros muchos.

Xatakafoto: Gamberro, transgresor, divertido pero con mensaje. Un cuidado delicado de los detalles, de la mirada. ¿Me dejo algo?

Luis Malibrán: ... jeje, me encanta tu definiciòn. Tal vez añadirìa que suelo enamorarme de lo que tengo que fotografiar.

¿Por qué moda, publicidad y belleza? ¿Qué te hizo decantarte por estas disciplinas?

Siempre he creído que son las facetas de la fotografìa en las que podìa aplicar màs de mì mismo. En todas se puede hacer un trabajo personal, por supuesto, pero en èstas puedes crear cada elemento del mundo que propones.

Sin embargo todo tipo de gente pasa por delante de tu objetivo. ¿Cuál ha sido la sesión más complicada que has tenido y cuál aquella más divertida?

... Este es el momento de salirse por la tangente (jeje), pero seré sincero: Sufro antes de empezar todas y cada una. Me divierto mucho recordando prácticamente todas. Pero tengo que decir que los personajes que he fotografiado me han tratado con mucha comprensión y, aunque dudasen al principio, creo que siempre han visto un trabajo bien intencionado y se han entregado a lo que les pedìa.

Han sido complicadas, sesiones como una que hicimos con Leo Messi, que nos daba dos horas del único día libre que tenía, para un catálogo de zapatos de primavera-verano en exteriores. Cuando empezábamos la primera foto se nos vino encima la tormenta perfecta, allí en Barcelona, con el cielo negro oscuro y lluvia a gritos. Los clientes que habìan venido de Argentina casi entran en coma y el representante de Leo empezó a recoger sus cosas para irse. de repente, improvisamos un día primaveral a base de luces cálidas al lado de ventanales y semi-interiores, fingiendo seguridad en lo que hacíamos… y ¡¡funcionó!!.

Y las divertidas, ya te digo que son la mayorìa, porque solemos hacer muchas coñas en el equipo y el personaje o las modelos se unen a las bromas facilmente.

Las modelos precisamente y no los modelos. ¿Por qué crees, en general, que los hombres somos más reacios a este tipo de fotografías? Me refiero a sesiones o books.

Por supuesto, es una generalización, con la parte que tiene de exageración y de verdad. Pero en este caso es bastante cierto que la la mayoría de las veces los hombres entendemos muy poco de cómo proyectar nuestra personalidad con nuestro aspecto… nos lo planteamos en ocasiones contadas. Sin embargo, las mujeres lo hacen continuamente. Me entiendo mejor con ellas cuando les planteo la imagen de ellas que quiero… además son más atrevidas.

¿Fuera de Barcelona o Madrid, por qué crees que es más complicado trabajar en esto de la fotografía?

Hay una cuestión a tener en cuenta. Cuanto más pequeño es tu entorno o tu ciudad, más te preocupa la opinión de los demás. Hace falta tener una personalidad muy fuerte para mantenerte firme en unas ideas o una estética diferente a lo tradicional. Pero si pretendes ser creativo es una obligación.

En “Mujeres al Natural”, me comentabas que sí que las mujeres llevan maquillaje, por lo menos un maquillaje básico. Pero que el único “retoque”, por así decirlo, ha sido tal vez alguna espinilla del momento o una arruga por la postura extraña de un cuello, pero no hay retoques correctivos de formas de cuerpos o ensanchamientos/estrechamientos, que tu religión me lo prohibe. ¿Entoces este es el límite que debe autoimponerse uno mismo?

No. Depende de tu estilo fotográfico. Si fotografío una modelo para una publicidad , un catálogo u otro tipo de trabajo editorial de moda, me permito un poco más, porque el espectador sabe que estás construyendo una fantasía. Pero si hago un retrato, me gusta fotografiar a la persona tal como es, porque dentro de unos años será ridìculo verla con un retoque de cara intemporal, habré perdido entonces la ocasiòn de fijarla en el tiempo que es uno de los milagros que hace la fotografía. Ella misma habrá perdido, también, la oportunidad de ver su evolución.

Los retoques “embellecedores” siempre se han hecho. Lo que ocurre es que antes se hacían bien, porque los hacían especialistas, con un criterio y mucha técnica detrás. Hoy en día, los que se hacen bien, apenas los notamos y los que se hacen “a capón” son chapuceros y exagerados. No olvidemos que Stalin retiraba personajes de las fotos y que todas las grandes revistas de moda tenían un departamento de retoque y coloreado, desde los años 20.

Tengo que preguntarte por una foto en particular, que me encanta (refleja tu personalidad). En la campaña de Federópticos, el Papá Noel gamberro de los muñequitos de South Park, con el dedo levantado fue idea tuya? Si fue así, como les convenciste para esa pose transgesora. Sabiendo cómo vamos evolucionando como sociedad un desnudo “no nos molesta tanto” pero parece que sí “determinados gestos”. ¿Se puede ser gamberro en el mundo de la publicidad y no morir en el intento?

Por supuesto, en la publicidad es muy habitual. Esa campaña de Federópticos, se hizo en Navidad y era sobre gafas de sol… una aparente incongruencia. Entonces al creativo de la agencia, se le ocurrieron estas actitudes de los personajes típicos de la Navidad, para llamar la atenciòn sobre alguien tan familiar y estereotipado en esas fechas. Había también un rey Gaspar con collares de oro, sortijas ostentosas y piercings en la nariz. Y también un arcàngel Gabriel femenino con las alas tatuadas en la espalda. La publicidad tiene que llamar la atención, y si no, es un fracaso. Por desgracia ahora se ven muchas campañas tan “políticamente correctas” que pasan desapercibidas, es una forma de tirar el dinero incomprensible, porque la creatividad no tiene por qué ser cara, pero sí atrevida.

En tus jam sessions te dejas llevar por trabajos más creativos entrelazados con la pintura y la fantasía así como mezclados con el mundo acuático. ¿Es puro experimento creativo para disfrute personal o es una manera de romper con el mundo y decirles aquí estoy yo?

Es más bien una forma de expresión personal. A la hora de contar mi mundo, no me planteo ser transgresor. Me basta con tratar de ser sincero, que no es nada fácil y la sinceridad, a veces, llama la atención. Pero supongo que si yo siento algo de una forma determinada, habrá un montón de gente que siente igual o parecido pero no sabe cómo contarlo. Por eso lo que me parece más honesto al presentar un trabajo como “personal”, es tratar de ser sincero y huir de los tópicos y los lugares comunes de la fotografía… algo dificilísimo y que muy pocos consiguen, pero me parece un ejercicio obligado y encantador.

Una última cosa a modo de curiosidad, Luis. ¿Qué le pides a quién se pone delante de tu cámara tanto a profesionales de la fotografía como pueden ser las/los modelos como a aquellos que no lo son?

Siempre lo mismo: que Yo no salga en la foto.

Que no pongan cara de que tienen un señor delante, amenazándoles con un objeto de acero y cristal. Al cual le tienen que poner una cara determinada para pasar a la posteridad con un aspecto “mono”.

Trato de que se abstraigan y que lleguen a un estado en el que ponen la cara que conocen sus amigos y amantes. Entonces tengo foto.

Xatakafoto: Muchas gracias Luis. He disfrutado enormemente charlando contigo.

Luis Malibrán: A vosotros. Enhorabuena por vuestra página, no la conocía hasta contactar contigo y últimamente la he visitado bastantes veces… vuestra información siempre es útil y lo presentáis de una forma visualmente muy atractiva.

De mayor quiero ser tan gamberro y pasármelo tan bien como lo hace Luis disfrutando de este mundo maravilloso que nos permite congelar momentos e instantes de toda una vida y que es la Fotografía. Y recuerda, el don está en la mirada del fotógrafo y la mirada de Luis, impresiona.

En Xataka Foto | Prohibido Photoshop: Llega a EEUU la ley anti retoque digital en prensa
Más información | Luis Malibrán | Mujeres al Natural