Tanto si estás empezando como si ya tienes experiencia, es posible que si muestras tus fotos recibas críticas que no siempre son sinceras. De hecho, incluso pueden llegar a ser perjudiciales para quien no tenga experiencia y se las pueda tomar demasiado en serio. En Internet hay mucho troll malintencionado que sólo critica por envidia u odio sin tener criterio. Las ha contado el fotógrafo Miguel Quiles (de quien ya os hablamos a propósito de otro tema) en el siguiente vídeo:

Como habéis podido ver, el fotógrafo habla de cinco razones concretas por las que pueden criticar nuestras fotografías y que deberíamos directamente ignorar. Hablemos un poco de cada una de ellas porque son interesantes:

Imposible hacer una mala foto de alguien muy guapo

Miguel cuenta que es algo que ha escuchado muchas veces pero que le parece totalmente erróneo. Puede ocurrir muchas cosas para que esto pase, por ejemplo que el fotógrafo o el/la modelo tengan un mal día (o ambos a la vez). También puede ocurrir que el fotógrafo no tiene los conocimientos necesarios de su cámara o de iluminación y estropee una sesión por este motivo o que el modelo no tenga ni idea de lo que debe hacer. Hay muchas causas por las que puede suceder y decirle esto a un fotógrafo probablemente sea un intento de quitarle mérito.

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“Con esa cámara ya podrás”, “¿Me puedes sacar más delgado?” y otras de esas frases que nos dicen a los fotógrafos

El trabajo de "X" es mejor que el tuyo

Algo que se escucha mucho en redes sociales, sobre todo en grupos de Facebook según Quiles, donde hay gente que afirma que "no se quien lo hace mejor que tú" o "este trabajo habría sido mucho mejor si hubieras hecho X". Una manifestación de mala educación (y de un ego desmesurado) de quien lo dice que no tiene en cuenta que la fotografía como forma de arte es subjetiva. Por ello siempre habrá fotos que nos gusten y otras que podemos llegar a odiar por una razón u otra, sin que eso signifique que no tengan calidad.

Retocar las fotos es trampa

Es algo que se ha hecho desde los albores de la fotografía pero, por alguna razón, aún es criticado por muchas personas (sobre todo novatos dice Miguel) que piensan que el retoque fotográfico es algo "incorrecto". El autor recurre de nuevo al argumento de que la fotografía, como forma de arte, es subjetiva y todo el mundo tiene su propio estilo y derecho a expresarse como quiera en su trabajo (a menos que le pidan algo específico). Eso no debe significar que tenga más o menos éxito en lo que hace ni debe dar pie a que nadie le critique.

No se puede hacer una mala foto con una buena cámara

Un tema muy popular en la Red de Redes, la cuestión de si el equipo hace mejor al fotógrafo es ya muy antígua y para nosotros tiene una respuesta medianamente clara: no necesariamente. Como cuenta Quiles, a veces algo de equipo nuevo puede suponer un empujón para nuestra creatividad pero, en general, el nivel de habilidad de un fotógrafo no mejora por un equipo mejor. Se puede ser un mal fotógrafo con una buena cámara y uno bueno con un equipo malo o anticuado.

Si disparas con luz natural es porque no sabes usar el flash

Muchos fotógrafos que suelen utilizar luz artificial "atacan" a los que sólo usan luz natural acusándoles de hacerlo porque no saben cómo usar los flashes y sugiriendo que su trabajo es peor por ello. Según Quiles esto puede ser cierto en algunos casos pero también puede ser una elección de estilo o un requisito del cliente de turno, y desde luego no significa que no puedan crear excelentes fotografías.

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Guía para conseguir mejores fotos con el modo Retrato de tu smartphone

Estas son las cinco opiniones tóxicas que podemos recibir sobre nuestras fotos y que es mejor que ignoremos. Pero nos gustaría conocer vuestra opinión y abrir un debate al respecto ¿qué opináis? ¿os han criticado alguna vez con otro argumento que os parecía injusto? ¿habéis oído muchas veces estos argumentos tóxicos?

Miguel Quiles | Página web | Instagram | YouTube

A las puertas de la Navidad inevitablemente quien más y quien menos está pensado en a los regalos, ya sean para Papá Noel o los Reyes Magos. Y, claro, a los que amamos la fotografía nos gusta que nos regalen cosas relacionadas con este arte. Y, como (hay que reconocer), los fotógrafos somos gente un poco rara, a veces no es fácil encontrar el regalo perfecto para nosotros. Por eso os vamos a ayudaros con algunas ideas de regalo para fotógrafos por menos de 50 euros.

No hablamos de regalar una cámara, móvil, objetivo o algún otro de los accesorios habituales de fotografía (como bolsas, trípodes, flashes o tarjetas de memoria), que para eso ya está nuestro Cazando Gangas de los viernes con las mejores ofertas del momento (además de que suelen ser cosas más caras). Ahora vamos a recomendar pequeños regalos asequibles para cualquiera (aunque no te haya tocado la lotería) y que seguro encantarán a los aficionados a la foto y el vídeo.

Si quieres regalar una cámara, objetivo o accesorio como trípode, mochila, flash, etc no te pierdas el Cazando gangas de los viernes. Foto de Elektra Noelani Grey.

Los hemos dividido en dos tipos: los regalos que pueden ser de utilidad para la práctica fotográfica, pero que no son los accesorios típicos que normalmente ya tiene cualquier fotógrafo, y por otro lado cosas que no tienen relación directa con la práctica de hacer fotos o vídeo pero sirven para declarar al mundo que nos encanta la fotografía.

Detalles útiles

Como decimos, una parte de nuestras recomendaciones son pequeños accesorios que tienen su utilidad para el fotógrafo pero quizá no son tan comunes. Pueden ser cosas que se usan poco, que a lo mejor parecen exclusivas para profesionales o, directamente, accesorios sólo para ciertas disciplinas específicas. ¿Comenzamos?

• Un accesorio que resulta muy interesante pero que no tienen todos los fotógrafos es un reflector, elemento muy útil en retrato, bodegones y otras disciplinas. Los venden de muchos tamaños y formas, pero uno pequeño y plegable como este reflector 5 en 1 sale por 29,99 euros.

• Una carta de color es otro elemento que deberíamos tener todos los fotógrafos para poder medir la luz correctamente en situaciones difíciles y controlar el balance de blancos. Y, sin embargo, es algo que pocos tienen a pesar de que se puede comprar un juego de tarjeta gris, negra y blanca por solo 7,99 euros.

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Cómo utilizar el balance de blancos con fines creativos

• Otra opción para regalar a un fotógrafo puede ser un estuche para guardar las tarjetas de memoria bien protegidas. Por ejemplo uno como éste que protege del polvo y los golpes por 10,99 euros.

• Otro elemento que seguro gustará como regalo es un kit de limpieza, un accesorio para tener impolutas nuestras cámaras y objetivos por muy poco dinero: sólo 10,37 euros por este kit 5 en 1.

• Otro regalo que puede encantar al fotógrafo, y al tiempo se puede conseguir por poco dinero, es una correa para su cámara que le dé un toque diferente. Por ejemplo una de lunares por 6,99 euros, una de colorines por 7,99 euros o una de neopreno (para que pese menos la cámara) por 12,99 euros.

• Para los que tengan algo más de presupuesto un buen regalo puede ser una caja de luz para iniciarse en la fotografía de producto. Hay muchísimas opciones en Amazon (de distintos tipos y tamaños) pero por ejemplo esta de 40x40x40 que incluye luces led para iluminar y cuatro fondos de colores sólo cuesta 24,99 euros.

• Finalmente, para los que prefieren hacer fotos con el smartphone un buen regalo puede ser un juego de lentes como este que incluye tres (ojo de pez, gran Angular y lente macro) y es compatible con todo tipo de móviles por solo 19,99 euros.

Merchandising variado

Pasamos ya a nuestras siguientes recomendaciones de regalo que, en esta ocasión, no son cosas necesariamente útiles sino que sólo sirven para sacar pecho de nuestra profesión/ afición. Vamos, eso que todos conocemos como merchandising y entre el que, por supuesto, hay muchas cosas para fotógrafos.

• ¿Qué mejor para ello que una camiseta relacionada con fotografía? Pues en La Tostadora hay un montón de diseños específicos de camisetas para él o ella a elegir entre variados colores. Claro que en Amazon también tienen propuestas curiosas como una camiseta que proclama "Si no puedo llevar mi cámara, no voy" por 19,99 euros u otra con un picante "Camera Sutra" por 16,49 euros.

• Muchos de estos diseños también puedes encontrarlos en otros productos como una sudadera con capucha por 32,49 euros.

• Otro típico regalo de merchandising que no puede faltar en la casa de un fotógrafo es una taza de desayuno con motivos alusivos a su afición. Por ejemplo una para la mejor fotógrafa del mundo por 11,99 euros, o para el mejor fotógrafo del mundo también por 11,99 euros. También puedes optar por una algo más decorativa como en color azul por 12,90 euros o la típica con forma de objetivo por 15,99 euros.

• Otro posible regalo es una hucha con forma de cámara que sea decorativa para poner en la estantería. Por ejemplo una inspirada en una cámara antigua por 16,21 euros.

• Otra opción muy original es una tarjeta de felicitación para montar con forma de cámara y que sale por sólo 5,90 euros.

• Por supuesto no podía faltar una funda para el movil que simule una cámara de fotos. En este caso tenemos una compatible con un montón de modelos de iPhone y que para el iPhone 12 y 13 Pro Max solo cuesta 10,96 euros (más 1,99 de gastos de envío).

• Otro regalo que seguro gustará al aficionado a la fotografía bien puede ser un llavero como forma de cámara que sólo cuesta 12,95 euros. Además tienes otro con luz y sonido por 13,30 euros y uno que es un llavero USB de 64 GB por 18,99 euros.

• Un regalo muy personal con el que podemos quedar muy bien es un colgante con forma de cámara. Por ejemplo este que imita una Nikon FM2 por 24,95 euros.

• También una pulsera con motivos fotográficos. Desde unas sencillas pulseras de goma que imitan los aros de los objetivos por 8,90 euros hasta una mucho más sofisticada "Pulsera de la fotógrafa" en plata por 44,95 euros.

• Si el regalado es un hombre puede que le guste tener unos gemelos con forma de cámara por 20,99 euros o unos con la forma de la rueda de modos de las cámaras por 19 euros.

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Las siete claves para elegir bien un segundo objetivo para tu cámara

• Si a quien le queremos regalar es a los más pequeños de la casa, una buena idea de regalo puede ser un set de Playmobil fotógrafo; por ejemplo para jugar a ser fotógrafo de una sesión de moda por 24,99 euros o meterse en la piel de un fotógrafo de niños por solo 9,99 euros.

• Por último, cómo no, no podíamos olvidarnos de recomendar un libro como regalo ideal para un fotógrafo. Si no lo hemos mencionado antes es porque precisamente el otro día hicimos un artículo recomendando los mejores libros para regalar en Navidad aunque también puedes echar un vistazo a los que os hemos enseñado en los últimos meses.

Tino Soriano ha escrito muchos libros en los dos últimos años. Desde que publicó en 2019 'Ayúdame a mirar' no ha parado de contar su visión del mundo fotógrafico. Ahora es el turno de 'Los colores y tú. Entender el color y las emociones en la fotografía'. Si quieres entender qué es el color y cómo funciona en el mundo de la imagen, es el libro que debes pedir en la lista de deseos.

Los libros te enseñan a pensar. Son capaces de contarte las cosas como nadie. Además tienes la oportunidad de marcarlos, escribir sobre ellos y volver una y otra vez sobres sus ideas para aprender. Si además tocan un tema que te apasiona, se convierten en los mejores consejeros. Y eso es lo que ocurre con el último libro de Tino Soriano que ha publicado Anaya PhotoClub.

La portada del libro

'Los colores y tú. Entender el color y las emociones en la fotografía' te cuenta cómo trabajar con el color desde el principio, justo antes de llevarte la cámara al ojo. Si quieres entenderlo, saber cómo enfrentarte a él y encontrarle sentido (además de disfrutar leyendo) este libro servirá para tu mesilla de noche y para tu mesa de estudio.

Tino Soriano es uno de los mejores fotógrafos que tenemos por esta tierra. Junto con Cristóbal Hara y José Manuel Navia forma la trinidad del color. Y ha decidido contar todo lo que sabe, todo lo que ha aprendido a lo largo de más de 40 años de experiencia, en un libro.

Por esta razón en Xataka Foto hemos hablado con él sobre los rojos, los verdes, los azules y todo lo que nos permita comprender sobre algo tan cotidiano y tan desconocido como mirar en color.

Los colores y tú: Entender el color y las emociones en la fotografía

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La entrevista a Tino Soriano

El color es uno de los temas más complicados de la fotografía. Por eso es una suerte poder hablar y aprender con uno de los que mejor lo dominan. La entrevista ha sido a través de una plataforma digital justo antes de que salga de viaje en busca de nuevas historias.

Entiende la fotografía de una forma directa, sin intermediarios: la cámara, la realidad y tú. Y realmente no se necesita mucho más... Y el ordenador lo justo. Se trata de atraparlo y darle forma, no de crearlo con un programa.

¿El color cambia la percepción del mundo desde un punto de vista fotográfico?

El cerebro asocia los colores a sensaciones. Nadie se puede imaginar un fuego azul porque siempre lo traducimos con tonos cálidos. Y al revés, tú no puedes concebir el hielo rojo. Así se descubre que el color influye directamente en la percepción. Esto para los fotógrafos supone algo positivo y algo negativo.

La parte positiva es que puedes utilizar el color de forma inteligente para enfatizar mucho más la intencionalidad de tus imágenes. Lo que se suele llamar atmósfera en un lenguaje más coloquial.

La parte negativa es que es muy fácil emplear mal el color. Si hacemos una fotografía en color sin pensar, lo que le estamos dando al espectador es una ensaladilla rusa, todo mezclado, y eso es complicado de leer. En el libro enfatizo mucho una máxima: Cuántos menos colores más potencia tendrá la fotografía final.

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La clave de la fotografía en color y por qué es más difícil que el blanco y negro

¿Por qué se lanzaron los maestros a apostar por el color? ¿Por qué apostaron por él?

Los primeros fotógrafos que trabajaron en color conscientemente, se sentían como miembros de una secta. Estamos hablando de la década de los sesenta, hace más de 50 años. En ocasiones se reunían para hablar de su color... Las galerías de arte no entendían que esta fotografía pudiera ser artística y la dejaban fuera del circuito.

Ellos se pasaron al color, según mi opinión, porque existen cerebros que tienen una especial percepción cromática y fotógrafos como Jay Maisel o Ernst Haas son un buen ejemplo de esta virtud. Y se sentían insatisfechos con el blanco y negro...

El problema es que al color no le damos importancia porque lo vemos siempre. Un pez nunca se plantea qué es el agua ni por qué está nadando. Así nadie se plantea que algo tan cotidiano pueda ser considerado como arte u cuando toman una foto no se dan cuenta de que tienen que ordenar los colores.

Robert Capa y Henri Cartier Bresson trabajaron en color. Pero ellos lo utilizan mal, sus imágenes son vulgares porque sienten en blanco y negro. En aquellos años era más exclusivo y por ese motivo era más apreciado. Las revistas y la publicidad pedían color para lograr mucha más difusión.

Además, el color retiene mucho más tiempo la atención del espectador. Concretamente dos segundos. El blanco y negro solo una sexta parte. Esto en publicidad tiene unos números. Un anuncio gris es un 42% menos eficaz.

El blanco y negro tiene una lectura mucho más directa. El color crea una especie de barrera entre el cerebro y la imagen. Cuando percibimos algo en color, antes de entrar en el contenido analizamos el continente. Es un retardo, no es que la foto nos atraiga más, sino que necesitamos más tiempo para procesar porque le estamos dando mucha más información.

Nos aporta datos sobre diversas sensaciones, como que algo puede estar frío o recordarnos lo que se siente al contemplar una estación del año.

¿Se compone de distinta forma en color que en blanco y negro?

Por descontado... El gran error de los aficionados es considerar que pasar a color o blanco y negro es una cuestión de gusto personal o de procesado. Cuando trabajábamos con película el cerebro lo tenías en modo color o en blanco y negro, según el carrete que tuvieras. No podías trabajar con las dos cosas a la vez.

Cuando trabajas en blanco y negro estás pendiente de unas constantes como la textura, el volumen o las líneas... En color todo esto queda más desapercibido porque cuando lo que manda es el contraste cromático, la influencia de cada color.

Y esto es lo que la gente no sabe distinguir... Hay unos colores que percibimos claramente, pero luego están las dominantes que no se notan tan fácilmente y marcan el disparo.

¿La temperatura de color digital complica la fotografía? ¿Tantas opciones en el revelado que tenemos nos dificultan la vida?

Mi suegra suele decir que el gran problema que tiene esta generación es la abundancia. En el momento en el que tienes demasiadas opciones te pierdes... Hoy es muy fácil seguir a mil fotógrafos en internet, sin embargo, si tratas de analizar el trabajo de todos ellos ya no sabes con qué te tienes que quedar.

Con el color pasa algo parecido. Los grandes artistas como Miró suelen soltar lastre con el tiempo y se quedan con la simplicidad. Y esta es la clave, utilizar una paleta reducida. Como sucede con las buenas películas, que no suelen disponer de más de 6 colores...

Hay que restringir las posibilidades que tenemos hoy en día. Hay que limitar las opciones como metodología... Si tienes 3000 canciones en un disco duro al final no escuchas ninguna.

Uno de los capítulos que más me ha gustado es el de las curiosidades del color. ¿Cuál es la que más te llamó la atención?

Puede parecer frívolo, pero al final habla del comportamiento del ser humano. Durante siglos las mujeres se han muerto por maquillarse con cianuro. Sabían que cuando se pusieran el blanco como maquillaje, el cianuro entraba en contacto con la piel y podía provocar su muerte.

Pasaba lo mismo con el tono verde. El componente era tóxico y tardaron tiempo en darse cuenta. En el libro cuento que Napoleón sufrió envenenamiento por su preferencia con dicho tono en todo lo que le rodeaba.

¿Dónde se aprende a fotografiar en color?

Es una pregunta que me hicieron hace 40 años cuando empecé a dar clases. Y he estado 40 años reflexionando hasta que he escrito este libro porque no sabía cómo explicarlo.

He leído docenas de libros sobre el tema. La gran mayoría van dirigidos a diseñadores gráficos y acaban con pantones y similares... Todos acaban con páginas y páginas de postproducción, así que yo me centro en explicarlo a base distintas aproximaciones con el mismo espíritu que 'Ayúdame a mirar'.

El resumen sería buscar pocos referentes y elegir pocos colores... Trabajarlos poco a poco. Desde un punto de vista teórico tendrías que encontrar a Ernst Haas o cualquier otro maestro e intentar entenderlo. Lentamente, de uno en uno...

Y a la hora de practicar, tendrías que tomar color por color y trabajar en diferentes sesiones el amarillo, el azul o el rojo. Analizando cómo responden, cómo interaccionan entre ellos y facilitan las sensaciones. Con cuál se llevan bien o son incompatibles...

Hay pocos fotógrafos que sean referentes en color, David Lachapelle sería uno de ellos. Sus colores son el verde y el magenta, dos complementarios difíciles de encontrar en el mundo real, Y así consigue llamar la atención... Steve McCurry siempre trabaja con tonos complementarios con un toque de rojo, por ejemplo.

También podemos fijarnos en los maestros de la pintura. Picasso, cuando murió su amigo de la juventud, entró en la época azul durante varios años. Con el tiempo conoció a una de sus mujeres y avanzó a la época rosa. Esto es un ejemplo perfecto de lo que nos puede enseñar la pintura a los fotógrafos en este tema. Es interesante ver cómo trabajó con dos tonos opuestos de tal forma.

Los maestros utilizan pocos colores... En 'Las meninas' Velázquez pinta con una gama muy reducida. Básicamente, son tonos ocres con tonos rojos en lugares muy localizados. No podemos olvidar que este tono aumenta la tensión e incrementa la atención del espectador.

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José María Mellado: "la cámara del móvil es un regalo para los fotógrafos"

Como dice Tino Soriano este libro está lleno de anécdotas para que sea ameno, como ocurre con 'Ayúdame a mirar'. Sigue la filosofía de enseñar deleitando. Es un libro gestado en cuatro décadas de trabajo. Te enseña a entender el color en el momento de la toma, que los fotógrafos entiendan la materia prima que tienen desde el momento de la toma.

Y un buen consejo que nos da para terminar el que ha sido jurado de algunos de los concursos más importantes: "el 90% de las fotografías se descartan por tener colores artificialmente saturados. Tienen un uso desmesurado y poco racional del color".

En definitiva, un libro que te ayuda a recuperar las ganas de volver a salir con la cámara al hombro y buscar el disparo desde el primer momento, lejos de la dictadura de los programas de edición. No dudes en pedírselo a Papa Noel o a los Reyes Magos... Y si te has portado mal, acércate tú mismo a las librerías.

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Tino Soriano | Página web | Instagram

En breve comenzaremos a ver recopilatorios de todo tipo con las imágenes de este año que ya entra en su recta final. Algunos tendrán más interés que otros pero seguramente uno de los que más difusión tendrá será este TOP 100 de mejores imágenes del año de la prestigiosa revista Time. Un listado que no clasifica las imágenes por orden pero que, curiosamente, en el artículo de su web ha elegido como portada la foto que habéis visto realizada en la isla canaria de La Palma.

Getting the lead image at @TIME's list of Best Photos of the year. https://t.co/EY9f2IaULo

— Emilio Morenatti (@EmilioMorenatti) November 25, 2021

Una imagen realizada por el español Emilio Morenatti que muestra un paisaje de la isla canaria casi completamente cubierta por la ceniza del volcán Cumbre Vieja creando una estampa insólita. Esta imagen es sólo una de las muchas que el fotógrafo ha tomado en La Palma y que muestran otro de los efectos del volcán que está afectando la vida de sus habitantes más allá de la lava.

Morenatti es uno de nuestros fotoperiodistas más importantes, fotógrafo jefe de la agencia Associated Press para España y Portugal y premiado en numerosas ocasiones. De hecho, hace sólo unos meses fue noticia al recibir el premio Pullitzer de periodismo por una imagen de dos ancianos durante el confinamiento provocado por el COVID-19.

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La mayor cámara digital del mundo (3,2 gigapíxeles) está ya cerca de empezar a tomar imágenes del cielo profundo

Claro que la imagen es sólo una de las 100 fotos elegidas por Time para ilustrar un año que, sin duda, ha estado lleno de acontecimientos que se han plasmado en imágenes. Desde las protestas contra el veredicto del caso George Floyd hasta el regreso de los talibanes en Kabul. Sin duda una interesante selección (quizá muy centrada en los EE.UU como es lógico) cuyas fotos podéis ver en este enlace.

Foto de portada | Emilio Morenatti—AP

El Premio Nacional de Fotografía ha sido este año para Pilar Aymerich, una fotógrafa desconocida para muchos que se ha convertido en una agradable sorpresa. Ha tenido una acogida mucho más positiva en las redes frente a la polémica que surgió el año pasado, cuando el premio fue para una fotógrafa también desconocida para el gran público.

Pilar Aymerich es un descubrimiento. Una fotógrafa que lleva con la cámara al hombro desde los años 60 que ha visto reconocida su carrera con 78 años. Fotografía comprometida y directa, sin artificios y siempre cercana a los acontecimientos y personas que ha retratado a lo largo de más de 50 años.

No es una fotógrafa reconocida por el gran público. Pero si te adentras en su página web sorprende su trabajo. Y la crónica que escribió sobre ella Montserrat Roig, una famosa periodista y escritora catalana que luchó con ella en muchos frentes, es clave para entenderla:

De su página web

Nunca me habría imaginado que no sé encararme con un nuevo personaje, si no tengo cerca a Pilar Aymerich.

Una mujer llena de personalidad que después de 50 años de trabajo ha decidido depositar su archivo en el Archivo Nacional de Catalunya, donde quedará protegido para las generaciones futuras.

Este premio es un reconocimiento al trabajo diario, al esfuerzo por contar historias con la convicción de querer cambiar las cosas y dar voz a los que no la tienen. Y sobre todo a la profesionalidad y calidad de sus imágenes.

El Premio Nacional de Fotografía para Pilar Aymerich

Hay muy poca información en las redes sobre la figura de Pilar Aymerich. Poco a poco vamos descubriendo más sobre ella, encontramos sus fotografías y empezamos a reconocer una mirada comprometida con sus ideas.

Nació en Barcelona en 1943. Y le tocó vivir la época gris de la dictadura en un colegio de monjas. Cuando salió de las clases, descubrió el mundo del teatro que le llevó a Londres, una revolución de color para alguien que vivía en España en aquellos años.

En Xataka Foto

Acordes y desacuerdos sobre el último Premio Nacional de Fotografía

Y ese fue el motivo para engancharse con la fotografía,** la posibilidad de robarle al tiempo aquellas experiencias que no eran posibles todavía en España**. Cuando decidió volver era de las pocas mujeres fotógrafas que trabajaban. Colaboraba con todas las cabeceras, pero su entrada triunfal en el mundo profesional fueron los trabajos que realizó junto a la ya citada Montserrat Roig.

De su página web

Entre las dos empezaron a documentar el mundo de la cultura catalana y todos los que empezaron a llegar del exilio durante los años 70. En sus fotografías siempre se ve a la gente en la calle, manifestándose, disfrutando, llorando y sobre todo viviendo. Pocas veces verás a los políticos en sus disparos.

El premio, según ha confesado en distintas entrevistas, le servirá para comprarse una cámara nueva.

La mirada de Pilar Aymerich

Llama la atención que en su página web todavía no figure el Premio Nacional. Puede que no le importe o simplemente no ha tenido tiempo. No parece que siga el camino de Colita, que lo rechazó.

Seguro que su trabajo empezará ahora a darse a conocer al gran público. Es el momento perfecto para que el Archivo Nacional de Catalunya aproveche el archivo que tiene en su poder y haga una exposición para redescubrirlo.

La exposición retrospectiva es una ocasión perfecta para el reconocimiento, pero es una costumbre que se ha perdido desde el año que se lo concedieron a Cristina de Middel. Si no recuerdo mal, los últimos cuatro premiados no han tenido semejante alegría...

De su página web

El trabajo de Pilar Aymerich es puro fotoperiodismo. Como ella misma dice pesca más que dispara. Como decía Doisneau... Espera a que la imagen suceda con mucha paciencia. Llegaba con tiempo, se integraba en lo que estaba pasando y no dejaba de tirar hasta que se iba el último protagonista.

Todo lo que se está viendo es en blanco y negro. Pero el color también lo domina. Solo hace falta ver los retratos de la intelectualidad catalana o sus recorridos por la arquitectura de Barcelona.

Dentro de su galería web solo hay 7 temas: Barcelona, Transición, Feminismo, Retratos, Teatro, La Habana y Gatos. Tres son en color. En el resto apuesta por el blanco y negro cercano al periodismo clásico.

No es una autora de imágenes épicas tomadas con ángulos imposibles. Es una profesional que mira de frente a la realidad para entenderla según sus vivencias y experiencias. De la misma forma que el propio Doisneau que ella nombra, o que otros autores españoles como Paco Junquera, Vicente López Tofiño o Carlos de Andrés.

El sentido del Premio Nacional de Fotografía

Hay que reconocer el trabajo bien hecho. El esfuerzo de toda una vida tiene que ser recompensado. También si te dedicas a la creación, como los fotógrafos.

El Premio Nacional ha sido polémico durante los últimos años. Y depende de tus gustos te puede entusiasmar o no. Y si intentas generar un debate, dando tus razones, los afines a ese premiado pueden lanzar sus hordas sin miramientos.

De su página web

Todavía resuenan en mis oídos las respuestas virulentas que recibí por mi valoración del premio del año pasado a Ana Teresa Ortega Aznar. Entre muchas cosas, me dolió especialmente que me llamaran machista o que disfrutaba criticando a mujeres mayores… Los problemas de la falta de entendimiento en las redes. Y hablar sin conocer a las personas...

Pero este año todo el mundo parece estar de acuerdo con los méritos de Pilar Aymerich. ¿Por qué? Simplemente porque su trabajo es directo y sincero y se me merece el premio como reconocimiento a una obra fruto del esfuerzo durante muchos años.

A través de sus fotografías descubres cómo éramos. Su trabajo periodístico se ha convertido en un trabajo antropológico. Venimos de ahí y si entendemos lo que vemos, posiblemente entendamos un poco mejor cómo estamos ahora.

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Nace una asociación para luchar por un Centro Nacional de la Fotografía y evitar perder los archivos de los fotógrafos españoles

Este es el poder de Pilar Aymerich. Y por eso ha recibido el Premio Nacional de Fotografía 2021. Puede que a mucha gente no le guste. Seguro que a muchos nos ha sorprendido. Habrá quien lance proclamas políticas contra su obra por estar vinculada con el movimiento feminista. Pero ella es testigo de una época. Su cámara habló entonces y a nosotros nos queda la misión de interpretar esos disparos. ¿Qué pensáis de su trabajo?

La cosa puede sonar a ciencia ficción o a película de intriga pero es real: el ejército de los Estados Unidos ha construido pueblos enteros que imitan a los iraquies y afganos dentro de sus bases en norteamerica con el objeto de usarlos para el entrenamiento militar. Y lo peor es que incluso cuentan con actores que interpretan a sus habitantes y a los potenciales terroristas suicidas. El fotógrafo Christopher Sims lo ha documentado y nos lo enseña en su proyecto ‘The Pretend Villages: Inside the U.S. Military Training Grounds’.

Este fotógrafo (licenciado en Historia, con un master de comunicación visual y otro de arte, y que trabaja, entre otros, en el archivo fotográfico del Museo Conmemorativo del Holocausto de EE.UU.) nos cuenta como los lugares que ha retratado "parece como si existieran en una especie de reino fantástico", escondidos en los bosques profundos de Carolina del Norte y Luisiana y en el desierto californiano del Death Valley .

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

Se trata de instalaciones que simulan aldeas de países inventados que sirven "como estaciones de paso extrañas y conmovedoras para los soldados que se dirigen a la guerra y para las personas que han huido de ella". De hecho, además de sitios de entrenamiento para soldados "también son lugares de trabajo para los empleados [...] es una combinación de elementos bastante extraña. Los soldados e infantes de marina estadounidenses interactúan con 'actores culturales' que a menudo son inmigrantes recientes de Irak y Afganistán, incluidos algunos que trabajaron con las tropas estadounidenses en esos países".

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

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Esta es la fotografía de unos talibanes imitando el alzado de la bandera en Iwo Jima que avergüenza a los estadounidenses

Otros de los "jugadores de rol" de estas aldeas ficticias "provienen de ciudades y pueblos cercanos que ahora han encontrado un trabajo remunerado desempeñando el papel de extras en este mundo construido [...] un sector nuevo y emergente de empleo civil por parte de las fuerzas armadas tras el 11 de septiembre".

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

"Durante las rotaciones de capacitación de un mes —continúa— por lo general hay media docena o más de pueblos con hasta cincuenta actores cada uno. Cuando no están directamente involucrados en ejercicios de entrenamiento durante sus turnos de doce horas, los actores decoran y modifican su entorno temporal, creando espacios arquitectónicos que son visiones en capas de visiones del mundo occidental e islámico. Los jugadores de rol tienen una amplia libertad para habitar en sus personajes y aportan una impresionante gama de habilidades, actividades y tradiciones a su trabajo. El efecto general de las aldeas es convincentemente preciso y, a veces, cómicamente mal dirigido, mundano o de pesadilla".

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

Sims conoció estas instalaciones gracias al "chivatazo" de un joven soldado, durante una visita a Fort Bragg, en Carolina del Norte, quien le mostró una de estas aldeas ficticias por primera vez. A partir de ahí, el fotógrafo puedo conocer muchas más (entre 2005 y 2018) e, incluso, interpretar un papel activo: el de fotógrafo de guerra.

"Las aldeas imaginarias están ubicadas en diferentes bases en todo el país, y he visitado la mayoría de ellas durante la realización del proyecto. La mayoría de las veces se me permitía acceder a través de las oficinas de asuntos públicos de las fuerzas armadas. Sin embargo, hubo una vez que respondí a una convocatoria para participar como periodista de la 'International News Network' (un trasunto de la CNN) en una de las bases. Dado que siempre hay medios de comunicación 'reales' en los campos de batalla de verdad, también querían medios 'fingidos' en los campos de entrenamiento".

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

"La mayor parte de este trabajo como corresponsal de guerra consistía en perseguir a generales con preguntas peliagudas en simulacros de ruedas de prensa en las aldeas. ¡Me costó muy poco meterme en el papel! A cambio de ello tenía la capacidad de hacer autostop por el área de entrenamiento e ir a fotografiar lugares a los que nunca antes había podido acceder".

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

Sims compara este proyecto con 'Guantanmo Bay', sobre la conocida base militar de EE.UU en tierras cubanas y que en 2010 tuvo una gran repercusión en medios estadounidenses y le valió un premio para fotógrafos emergentes. Según el autor, su experiencia en esta base y la de fotografiar las aldeas simuladas fue similar: "en ambos lugares tuve la sensación de que estaba entre bastidores, en cierto modo", dentro de la guerra global contra el terror y formando parte de algo que "todavía estamos tratando de averiguar cómo se registrará, enmarcará y recordará".

Lo cierto es que las imágenes de ‘The Pretend Villages: Inside the U.S. Military Training Grounds’, con las que Sims ha creado un libro homónimo disponible para su compra, son realmente curiosas y muestran algo que muchos pensábamos sólo era una leyenda. Una de esas cosas que, cuando las ves, te reafirman en que a veces la realidad supera con creces a la ficción. Gracias Chris por tu trabajo y por habernos dejado compartirlo.

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

Del proyecto "The Pretend Villages" de Christopher Sims

Chris Sims | Página web | Instagram | Flickr

Vía | Petapixel

Fotografía de portada recortada para adaptarla a nuestro formato. Todas las imágenes de Christopher Sims reproducidas con permiso del autor para este artículo

Soy de la generación que no vivió la época de The Beatles, pero que recuerda de forma muy difusa el día del asesinato de John Lennon. Su música sonaba siempre en mi casa. El otro día pude ver otra vez 'Qué noche la de aquel día' (1964), la primera película que protagonizaron. Y me encontré de bruces con la afición a la fotografía de Ringo Starr, el genial batería de la banda.

The Beatles fue un grupo que cambió la historia de la música. Solo estuvieron activos durante la década de los sesenta, pero la música sería totalmente distinta sin ellos. Sus temas son míticos ('Hey Jude', 'Get Back', 'And I Love Her'...), muchos de sus discos son obras maestras, como 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band', por poner solo un ejemplo.

Ahora pueden parecer inocentes, pero fueron revolucionarios y el paso del tiempo ha demostrado su valía. Todo el mundo conoce el nombre de sus integrantes (sería interesante hacer una encuesta entre los más jóvenes): John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr... Y nos vamos a quedar con el batería.

'¡Qué noche la de aquel día!', retrato de una época

'Qué noche la de aquel día' la podemos ver ahora en Amazon Prime Video, así que es una buena oportunidad para recordarla o descubrirla. Es una película con un guion, sin embargo sabes que están siendo ellos mismos en todas y cada una de las escenas.

El cartel de la película

Es un homenaje de Richard Lester, el director de 'Superman' o 'Robin y Marian', a las locas películas de los hermanos Marx. Parece que nada tiene sentido en el guion.

Simplemente son dos días en la vida de The Beatles antes de dar un concierto en Londres para la televisión. Y por supuesto todo es estresante y alocado, con la figura única del abuelo 'pulcro' de Paul McCartney durante toda la trama.

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El uso de herramientas de inteligencia artificial no le quita mérito al fotógrafo, ¿o sí?

Precisamente el abuelo es el que provoca una pequeña crisis de identidad a Ringo Starr, por el supuesto eclipse al que le someten sus compañeros (anécdota del guion que le acompañará desde entonces de por vida, como le sucedió también a George Harrison).

Fotograma de 'Qué noche la de aquel día'

Y para reflexionar, Ringo decide salir del hotel acompañado de una cámara Pentax. Seguro que ninguna empresa soñaba con una publicidad semejante en aquellos años.

Otra historia es que las fotografías que vemos al final son de Robert Freeman, el mítico fotógrafo de The Beatles, que jugaba tan bien con los contrastes extremos y sus caras y que podemos ver al final de la película.

Ringo Starr y la fotografía

Esta escena es el momento más celebrado de la película. Poco a poco se va complicando hasta convertirse en un gag visual tras otro. Una de las leyendas que circulan es que Ringo había bebido tanto la noche anterior que era incapaz de aprender un diálogo y se arreglaron para hacer una escena muda.

Podría decirse que es un corto dentro de la propia película. Desde la melancolía hasta la sonrisa cuando se convierte en el antecedente de Mr Bean dentro de un pub con las cervezas, los dardos y demás elementos típicos de estos bares.

He buscado por la red la secuencia completa, pero ha sido imposible. Así que pondré un pequeño fragmento para animaros a buscar la película y pasar un buen rato si eres de los que, de vez en cuando, tienes que escuchar alguna de sus canciones.

Pero esto no es algo inventado para la película, pues resulta que Ringo Starr es un gran aficionado a la fotografía. Él era el que hacía las fotografías del grupo cuando se iban de gira y el único que podía conseguir las imágenes más auténticas del grupo.

De hecho publicó un libro llamado 'Photograph' en 2015. Era una edición limitada de 2500 ejemplares que se agotaron en dos semanas. Ahora lo podemos encontrar en formato digital y todos los beneficios van a la fundación que creó junto con su mujer para financiar proyectos caritativos de todo tipo. Como ya hemos dicho, nadie podía estar más cerca de ellos con una cámara:

Starr dijo que descubrió miles de negativos antiguos en cajas que no había mirado en casi 30 años. "Tenía muchas cosas almacenadas y tuvimos que mover todo y comencé a encontrar libros de negativos, muchos de ellos no sabía que todavía los tenía".

Pero la relación con la fotografía no termina aquí. Cuando The Beatles se separaron, cada uno siguió con su carrera en solitario. Y en el primer álbum que sacó el gran éxito fue la canción 'Photograph', compuesta junto a su leal amigo George Harrison en un yate en 1973.

Cuenta la historia de un amor perdido del que solo queda una triste imagen:

Cada vez que veo tu cara Me recuerda a los lugares a los que solíamos ir Pero todo lo que tengo es una fotografía Y me doy cuenta de que ya no volverás

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“Smartphone kill the camera star”: por qué los teléfonos móviles son el futuro de la fotografía

Así que no queda más remedio que amar todavía más a uno de los personajes más icónicos del siglo XX porque además de llevar el ritmo en todos los discos de The Beatles tenía tiempo para sacar su cámara y perderse con ella como a tantos de nosotros nos gusta hacer.

Sin duda la fotografía infrarroja tiene mucho de magia y nos enseña a ver las cosas de otra manera pero, como dice el fotógrafo Pierre-Louis Ferrer, "sin inventar ni añadir nada, solo revelando un mundo invisible que tiene una realidad física más allá de los ojos humanos". En este caso ese mundo invisible son los lugares más famosos del país vecino, desde la archiconocida Torre Eiffel hasta lugares menos populares, pero de indudable belleza, de Francia.

Su colección, que compartío en Petapixel a través de un artículo propio, traza un completo recorrido por varias regiones del país galo mostrando imágenes de los lugares más icónicos pero también de "joyas escondidas" y, por tanto, no conocidas por el gran público. Aquel artículo llamó nuestra atención por la espectacularidad de las fotos, así como por la variedad de lugares y paisajes que nos muestra de una manera inédita. Porque fotos de París hemos visto miles, pero de esta manera muy pocas (quizá ninguna).

El lugar icónico de Saboya: la montaña del Mont-Blanc. Es el punto más alto de la cadena alpina; por tanto el pico más alto de Europa. Se encuentra en la frontera franco-italiana. Si su ascenso parece demasiado difícil, se puede optar por rodearlo durante una caminata de diez días.

Para este profesional de la foto infrarroja (incluso imparte un taller de la materia en París) esta técnica "no solo sirve para ofrecer un ambiente pop y psicodélico: es también, y sobre todo, un medio para visualizar cómo la naturaleza se difunde en función de su entorno, desde el más urbano hasta el más aislado de la mano humana".

La joya escondida de París: Park of Bercy. Ubicado en el distrito 12, cerca de la Biblioteca Nacional, ofrece diferentes comodidades como un jardín de rosas, una cascada arquitectónica y un lago. Una verdadera fuente de calma y serenidad para una escapada o un picnic.

"La fotografía infrarroja —continúa— es una forma única de mostrar y revelar la propagación de la naturaleza al uniformizar los colores del follaje. En lugar de posprocesamiento, esta técnica mantiene la lógica fotográfica al filtrar la parte interesante de la luz e interpretarla a través del sensor, como en la fotografía tradicional".

Para realizar toda esta colección de fotos, el artista se ha pasado los últimos veranos viajando por Francia y descubriendo la diversidad de sus paisajes y su patrimonio natural. Y aunque el verano sea normalmente sinónimo de aglomeraciones de turistas, "para este proyecto el verano también es sinónimo de naturaleza exuberante, en la que la fotografía infrarroja funciona mejor para revelar colores alternativos".

La joya escondida de Saboya: la cascada de Arpenaz. Esta cascada sorprende por su altura y por la presencia de tres saltos antes de llegar al suelo. Su acceso es sencillo y ofrece un entorno muy agradable para un picnic familiar.

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Cómo, cuándo y por qué utilizar dos cuerpos de cámara

Nosotros felicitamos a Pierre-Louis por sus fotos, le agradecemos que nos haya dejado compartirlas con vosotros y os remitimos al citado artículo donde tenéis el recorrido completo que el fotógrafo hace de Francia a través de su fotos de infrarrojos.

El lugar icónico de Périgord: Jardines colgantes de Marqueyssac. Son los jardines más visitados de la región, destacando el boj tallado en las formas más fantasiosas. Su posición elevada ofrece un panorama único de toda la región de Dordoña.

El lugar icónico de Champagne: las viñas. Estas vides son visibles en todas partes de la región y se extienden a lo largo de los valles. La vendimia a principios de septiembre es motivo de fiestas locales.

La joya escondida de Provenza: la laguna azul. Comparte el color de su agua turquesa con el lugar del mismo nombre de Islandia. Pero la comparación se detiene ahí: una antigua cantera excavada en la roca, la laguna solo es visible desde sus bordes y su acceso está prohibido por razones de seguridad.

El lugar icónico de Auvernia: Puy de Dôme. El volcán más alto de la Chaîne des Puys es un sitio emblemático de la región de Auvernia, catalogado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Ofrece un panorama único de 360 ​° alrededor de toda la región, desde los volcanes hasta las ciudades.

El lugar icónico del Valle del Loira: el castillo de Chambord. Catalogado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, este suntuoso castillo es el más grande de los castillos del Loira y la única finca real que sigue intacta desde su creación.

El lugar icónico de la Provenza: Baux-de-Provence. El pueblo de Baux-de-Provence se alza sobre un afloramiento rocoso y domina el parque natural de Alpilles. Tiene un patrimonio arquitectónico increíblemente rico, incluida una ciudadela que ofrece un panorama único de la región.

La joya escondida de Périgord: Brantôme. En medio del exuberante río Dronne y su paisaje bucólico, se encuentra el pueblo de Brantôme, construido alrededor de su Abadía, un monumento del patrimonio arquitectónico y religioso francés. Rodeado por su río, a la sombra de un acantilado, el pueblo parece una isla de piedra en el corazón de un paisaje verde (o dorado).

El lugar icónico de Normandía: Acantilados de Etretat. Es un antiguo pueblo de pescadores convertido en balneario, y ha inspirado a muchos artistas (pintores, escritores…) a lo largo de los años. Sus acantilados son maravillas de la naturaleza y son visitados por miles de turistas cada año. Etretat también tiene jardines colgantes donde se exhiben obras de arte contemporáneo.

El lugar icónico de la Bretaña: Belle-Ile-en-Mer. Es la isla más grande de Bretaña, un verdadero paraíso para los amantes de la playa. Después de 40 minutos en un transbordador marítimo, descubrirá una tierra aislada que puede visitar en bicicleta o en automóvil eléctrico. Los más aventureros disfrutarán descubriendo viejos búnkeres de guerra incrustados en la costa.

La joya escondida de Champagne: Bar-sur-Aube. Este pueblo vitivinícola, atravesado por el Aube, ofrece en su centro histórico los restos de un antiguo molino reconvertido en modernas habitaciones.

Pierre-Louis Ferrer | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Pierre-Louis Ferrer reproducidas con permiso del autor para este artículo

Ahora que aún estamos en época de vacaciones probablemente muchos de nosotros hayamos practicado la fotografía de viajes, una popular disciplina que sin embargo puede ser muy dura si se realiza de forma profesional. La presión del tiempo y la necesidad de familiarizarse con un entorno y crear buenas imágenes del lugar son un reto único para este tipo de fotógrafos que no están al alcance de la mayoría de nosotros. Sin embargo, Jim Richardson, fotógrafo de National Geographic, nos explica en este vídeo recomendaciones para mejorar nuestras fotografías de viaje.

Como habéis visto, Jim ofrece una lista de cinco consejos dirigidos a todo aquel que esté pensando en convertirse en fotógrafo profesional de viajes. Las recetas que da son varias, empezando porque un buen fotógrafo de viajes no debe limitarse a plasmar un sitio bonito sino investigar sobre él, fotografiarlo desde distintos puntos de vista y tratar de pensar menos en lograr una gran foto individual y más en el conjunto de imágenes que describan el lugar.

En este mismo sentido, cuenta cómo para ser un buen fotógrafo de viajes se necesita combinar muchas disciplinas para poder enseñar los lugares, capturar a quienes viven allí y el ambiente del lugar e, incluso, captar algo de acción; por tanto, debemos ser capaces de afrontar distintos tipos de fotografía (y, por tanto, entrenarnos en los que peor se nos den).

Foto de Jim Richardson capturada del vídeo 5 Tips for Travel Photography from National Geographic Photographer Jim Richardson

También habla de cómo las fotografías deben ser variadas y buscar sorprender al espectador cuando pase la página de la revista, y de cómo al hacer las fotos hay que pensar también en las necesidades del formato en que se vayan a publicar. Por ejemplo, para una revista en papel (recordamos que Jim trabaja para la National Geographic Magazine) tenemos que hacer tomas verticales (y con espacio en la parte de arriba para el logo de la revista) que puedan ser susceptibles de aparecer en la portada de la revista; y para cubrir una doble página es importante que el sujeto principal de la imagen no esté justo en el centro de la foto.

En Xataka Foto

La regla de las probabilidades (o impares) en fotografía: qué es y cómo usarla para componer mejores fotos

Sin embargo, si las imágenes se van a publicar en Instagram deberíamos pensar en usar el formato cuadrado que caracteriza esta popular red social, En definitiva, hay que intentar adelantarse al resultado final del producto que va a ilustrarse con nuestras imágenes.

Por último, el fotógrafo recomienda volver a los sitios ya visitados en horarios y condiciones distintas para verlos con otra luz, otras condiciones metereológicas y poder conseguir la mejor foto que se pueda hacer de ese lugar. Por eso aconseja volver siempre a los sitios, aunque no nos gustaran en la primera visita, y tratar de hacer una foto mejor que la que ya hicimos.

Foto de Jim Richardson capturada del vídeo 5 Tips for Travel Photography from National Geographic Photographer Jim Richardson

Evidentemente son consejos muy enfocados en quien quiera ser fotógrafo profesional de viajes, pero la verdad es que pueden ser muy útiles también para quien se plantee realizar un reportaje... digamos "serio" sobre algún sitio visitado. Por cierto que precisamente Jim Richardson apareció en nuestro listado de 100 frases para la posteridad dichas por fotógrafos con una frase reveladora: “Si quieres ser mejor fotógrafo, ponte delante de cosas más interesantes”.

Jim Richardson | Página web | Instagram

Vía | FStoppers

Hace dos años ya que os presentamos a Antonio E. Ojeda, un fotógrafo andaluz totalmente autodidacta con un excelente ojo para la street photo. Hoy volvemos a hablar de él para enseñaros esta serie de imágenes que ha llamado ‘Deconstrucción’ y en las que demuestra su gran talento.

"Es una serie de fotos que he ido haciendo desde hace algún tiempo de forma ailsada —nos cuenta— El nombre surgió porque en ellas hay mucha geometría, perspectiva y parecen que están construidas con piezas, como un puzzle. Están realizadas en Lisboa, Oporto, Sevilla, Mairena del Alcor y El Viso del Alcor".

En el artículo mencionado ya nos contaba que en sus fotos intenta "jugar con la luz, con las sombras, con la geometría y con diferentes planos” y sin duda en esta serie lleva esta idea a su punto más álgido. Cada encuadre se convierte en una especie de juego geométrico, en donde los volúmenes se equilibran perfectamente y el color saturado consigue dar el toque perfecto a la composición.

En Xataka Foto

Cómo perder el miedo a hacer fotos a desconocidos (con o sin permiso)

A eso añade una figura protagonista que queda perfectamente enmarcada en los volúmenes de la imagen; además, la introducción de ese elemento humano consigue atrapar la atención del espectador y que cada foto sugiera una historia, algo bastante frecuente en sus imágenes pero que no es fácil de encontrar.

Por todo ello, y confesando que hemos seguido su trayectoria, no nos cabe la menor duda de que en este tiempo la fotografía de Antonio ha ido claramente in crescendo. De modo que si en aquel artículo le animábamos a que siguiera haciendo fotos, ahora sólo podemos desearle lo mejor para que sea cada vez más conocido por el gran público (porque se lo merece).

Antonio E. Ojeda | Instagram | Facebook

Fotografías de Antonio E. Ojeda reproducidas con permiso del autor para este artículo