Han pasado ya unos días desde que Adobe ha publicado los primeros vídeos oficiales de cómo será su nuevo Photoshop. A conciencia hemos dejado pasar la actualidad esperando que mostrasen una serie numerosa y completa de vídeos que analizar y poder mostraros. Esperábamos más. Parece que Adobe no va a soltar mucho más. Apenas un vídeo a la semana y de un par de minutos. Supongo que se trata de crear espectación con el producto. En fin, que leyendo los comentarios los usuarios no parecen demasiado contentos con las “novedades” del nuevo producto estrella de Adobe, al menos por lo visto y filtrado hasta ahora, pues al menos lo que se ve parece insuficiente. Al menos por la opinión de los usuarios como os decía.

La cosa prometía con este primer vídeo, oficial de Adobe. El primero de la serie Sneak Peek. Bien es cierto, que desde hace meses corren por Youtube cientos de vídeos donde, a partir de filtraciones de los propios los diseñadores y beta testers, hemos podido ir viendo la pinta que tendrá CS6, muchos bastante más interesantes. Lo cierto es que esta serie corresponde con los primeros vídeos oficiales de Adobe y ese es el interés. En el vídeo que os traemos, Bryan O’Neil Hughes, Product Manager de Adobe, hace un adelanto de lo que va a ser Adobe Camera Raw 7 en la nueva versión de Photoshop. Para demostrar “sus habilidades” carga una foto de la Torre Eiffel, pero mejor veis los resultados y juzgáis por vosotros mismos. Esta serie de vídeos los podéis encontrar en el canal de Adobe Photoshop bajo el título “Sneak Peek”.

En Xataka Foto | Cómo será el nuevo desenfoque gaussiano en Photoshop CS6

Vía | Canal de Adobe Photoshop

En un momento en el que la globalización ha hecho mella en todos nosotros, y sigue haciéndolo cada vez más, la fotografía no ha quedado en absoluto al margen. Como muchos de vosotros sabéis, las nuevas tecnologías se han introducido de lleno en el sector fotográfico, y no sólo en lo que a técnica y a equipo se refiere.

El conocimiento del funcionamiento del sector es algo más que importante para cualquier fotógrafo, y lo que antes se solucionaba teniendo unos pocos contactos, unas agencias publicitarias, galerías, o clientes, hoy eso no es para nada suficiente si queremos conseguir orientar nuestra carrera dentro del medio.

Todos los factores enumerados anteriormente siguen siendo válidos, pero los bajos costes y la mayor cantidad de trabajos a los que se tienen acceso, hacen que el modelo de negocio tenga que cambiar si se quiere avanzar o mantenerse en él.

Fotografía de xpjt06 en nuestro grupo de Flickr

Uno de los puntos más importantes es conocer y saber el funcionamiento de los medios que promocionan y/o enseñan fotografía. El saber usar estos canales de información es una de los métodos más importantes si queremos llegar a mostrar a un amplio abanico de gente nuestro trabajo. La facilidad con la que dicho trabajo puede “transportarse” a dichos medios hace que sea mucho más factible su visionado.

Al parecer, últimamente, se paga menos por el trabajo y más por la forma de llegar a él. ¿Qué significa esto? Muy sencillo, la gente que ve los trabajos puede sentirse agradado por ellos, pero los valora mucho más si son capaces de ver parte del proceso de los mismos. Esto es debido a que la cantidad de material cada vez es mayor, y el visionado en demasía puede llegar a cansar. Los medios nos solemos sentir atraídos no sólo por los técnicas perfectamente llevadas a cabo, sino también por los temas de actualidad, y sobre todo con grandes dosis de originalidad.

Forma de llegar a los medios

Una de las formas de llegar a la prensa especializada, galerías, blogs, y/o a cualquier medio de difusión (no hablamos de redes sociales, ni nada por el estilo) es, como primer consejo, seguirlas. Parece un punto básico, pero no deja de ser necesario nombrarlo. Es imposible saber si tu material tiene cabida, o puede ser visto como algo bueno, si no sabes lo que se demanda en cada medio. Por ello es importantísimo conocer las tendencias.

En segundo termino, conocer y saber si nuestro material es original o “esta muy de moda”. Si nuestro trabajo está enfocado a un tema muy candente, debemos saber que habrá mucha oferta , por lo tanto la calidad debe estar fuera de toda duda.

Un punto muy favorable y muy atractivo hoy día, tanto para los medios como para las personas que están dentro del proceso creativo, es saber como se realiza vuestro trabajo; desde el primer momento hasta el último. Cómo llegan las ideas, cómo se plantea el trabajo, los medios para realizarlo, su coste… Los Making off son una buena forma de resumir todos estos apuntes sin necesidad de aburrir al personal. Son una forma amena y divertida de mostrar todo un proceso creativo; y es que ya sabéis, es la era multimedia…

Makin off de una sesión fotográfica del proyecto Alternative View

Obviamente hay cosas que no cambian con respecto a lo ocurrido antes del boom “digital”, y es la insistencia. A veces los contenidos no llegan a los medios si no se muestran, y es que aunque se dispone de gente que rastrea todo tipo de trabajos, hay una cantidad monstruosa de ellos, por lo que poner a todos ellos sobre la pista de tus proyectos sigue siendo algo que no debe desaparecer. Este punto podría decirse que sigue siendo parte del Old-School.

Por último, uno de los grandes aspectos que pueden decantar este azote es la buena presentación de los trabajos. Como ya hemos mencionado otras veces, disponer de un blog propio y/o una página web ayudan mucho a asociar tu trabajo con un camino más profesional y con mayor posibilidad de mención. Es por esto, que es recomendable disponer también de ello, y no sólo de canales en YouTube, Vimeo, o páginas en Facebook. Lógicamente no significa que no se puedan fijar en tu trabajo teniendo esto último, por supuesto que no, pero ayudará mucho. Recordad que nos guste o no, ser fotógrafo no sólo vale con serlo sino también parecer que lo somos.

Fotografía de dMad-Photo en nuestro grupo de Flickr

Quiero dejar claro que no hay normas fijas ni seguras; pero si es cierto que, hoy día, el sector profesional audiovisual consigue más dinero mostrando el proceso que por el propio material en sí. La cantidad de talleres, conferencias, making off… se han multiplicado en estos momentos, y la gente paga más por saber como se hace, que por el trabajo realizado. Es simple, la gente tiene más facilidades que antes para disfrutar de la fotografía, y sus ansias y ganas por aprender se multiplican. Saber compaginar el trabajo de venta fotográfica, con el de llegar a todas esas personas, en estos momentos, es fundamental.

Fotografía de Portada | Isaac Ferrera – Fotografo

En Xatakafoto | Nuevas tendencias para el fotógrafo actual (I): El uso del vídeo

Después de muchos años, la fotografía digital se ha establecido hasta un nivel en que a la mayoría de la gente le resulta extraño ver a alguien con una cámara de carrete al cuello. En todo este tiempo, miles y miles de fotógrafos de toda la vida han hecho un esfuerzo en migrar sus equipos químicos en electrónicos, adaptando flujos de trabajo y haciendo a veces enormes inversiones. ¿Tiene sentido entonces plantearse la vuelta atrás?

Para los que ya somos nativos digitales, comprar una cámara de carrete (o desempolvar la de nuestros padres o abuelos) puede resultar una jugada complicada, pero es algo que perfectamente se puede conjugar con nuestro sistema actual, especialmente si comparten la misma montura.

Como sé que no soy el único que se ha planteado esta vuelta a los orígenes, voy a intentar responder a la pregunta que me llevan haciendo los últimos meses, en los que me he embarcado en esta aventura de hacer fotos “como se han hecho toda la vida”: ¿por qué molestarte en andar peleándote con carretes?

1. Aprenderás a medir la exposición…

A día de hoy muchos estamos tan ligados al RAW que no concebimos hacer una foto en JPG, por el miedo a no poder editarla a gusto a posteriori. Esto nos hace a menudo despreocupados en cuanto a la exposición, recurriendo al famoso “me puedo equivocar en 1EV y no pasa nada”.

Al tirar en carrete perdemos en muchos casos ese control (la mayoría de los aficionados revelarán en laboratorios estándar, sin intercambiar indicaciones sobre cómo realizar el proceso), pero eso nos puede ayudar a entender e interiorizar mucho mejor algo que hemos relegado a la cámara, y que es uno de los pilares básicos de la captura fotográfica: la exposición.

Después de una temporada en el mundo analógico, conceptos eminentemente digitales como el histograma o el derecheo serán mucho más naturales, y otros como la edición por zonas tendrán un sentido más completo.

Fotografía con película Kodak Vision 3 250D de 35mm (16EV de latitud). Foto: Eloy Gómez

2…aunque tendrás más latitud

Siguiendo con la exposición, trabajar en negativo le da la vuelta a la tortilla, llegando tiene un punto que tiene su pequeña carga d e ironía: aunque estamos cuidando con mimo la exposición, tendremos una latitud que puede rondar los 15 pasos, igualando o superando a la mejor de las cámaras digitales.

Sumando estos dos puntos descubriremos que si somos capaces de cuadrar la iluminación para cada momento y situación, aprenderemos a sacar el máximo partido al elemento sensible de nuestro equipo, sea un carrete caducado que tenemos en el congelador, o el último sensor recién salido del horno. Una vez más, la fotografía tradicional nos da lecciones que podemos aplicar cuando intentemos que nuestro móvil haga mejores fotos.

3. Tendrás más implicación con todo el proceso

Aunque en digital hagamos capturas, revelados o impresiones, la accesibilidad de la fotografía actual ha convertido a las cámaras en cajas negras que a partir de un botón generan un fichero en una tarjeta de memoria. Con una cámara clásica, en cambio, tendremos más a mano (literalmente) cada uno de los elementos que conforman nuestro equipo.

El simple hecho de montar el carrete, exponerlo, rebobinarlo y llevarlo a revelar hace que trabajemos con elementos mecánicos que en muchos casos siguen estando presentes aunque ocultos. Y, cuanto más antigua y manual sea la cámara, más reales y tangibles serán los conceptos que aparecen en los menús de nuestra digital: el obturador, las aperturas, el disparador, el exposímetro…

Cuando le he explicado las bases de la fotografía a algunos amigos, siempre he agradecido llevar un 50mm manual en el bolsillo: girar la rueda de aperturas y ver cómo se abren y se cierran las palas del obturador es mucho más gráfico que cualquier artículo que podamos escribiros sobre el tema.

Holga GN de formato medio (18€) con película Fuji Across 100. Foto: Eloy Gómez

4. Conocerás el formato completo, o incluso más allá

Hemos mitificado los 35mm como el summum de la calidad, dándoles incluso el rimbombante nombre de “formato completo”. Una vez más, podemos encontrar mucha ironía en esto, si tenemos en cuenta que en su día este formato nació para crear sistemas de tamaño reducido a riesgo de reducir su calidad, y tuvieron que pasar muchos años y muchos grandes fotógrafos para llegar a dignificarlo y estandarizarlo.

Volviendo un paso atrás del mundo de los sensores, un altísimo porcentaje de las cámaras que podemos encontrar son de ese “formato completo“, y no es difícil ni extraño llegar a sistemas de formato medio por menos de lo que nos cuesta un teleobjetivo de gama baja. Incluso algunas de las cámaras lomográficas más conocidas, como la Holga (arriba) o la Diana, son de 6×6.

Por tanto, Si vuestra obsesión es que vuestro 35mm ha dejado de ser angular, ¿por qué no buscar un cuerpo de respaldo donde vuelva a serlo?

5. Obtendrás resultados en papel

Cuando por fin hayamos tomado la foto, inevitablemente acabaremos teniendo en la mano su representación física, el negativo o la diapositiva, que en la gran mayoría de los casos se verán positivados en papel fotográficos.

A día de hoy vemos las fotos en pantallas que muchas veces están sin calibrar, y sólo en muy contadas ocasiones sacamos copias de las imágenes, muchas veces en impresoras domésticas de dudosa calidad. Aunque este sistema es cómodo y productivo, tener todas nuestras imágenes en papel sigue siendo una forma muy natural de repasar nuestro archivo y de compartirlas con amigos y familiares.

Si con estos cinco puntos aún no os hemos convencido para lanzaros a la aventura de los químicos y el carrete, esperad a la segunda parte del artículo: Aún hay muchos más motivos.

Foto de cabecera | Nina Across the Universe (Rolleiflex 3.5, Fuji Velvia 100 ASA, digitalizada con iluminación natural sobre una ventana)

Un domingo cualquiera del mes de noviembre de 2010, zumo de naranja, pan con mermelada y un café con leche. Me encuentro desayunando en el restaurante del Museo de Arte Moderno de Salzburgo gracias a una de esas ofertas raras que pocos museos se atreven a ofrecer. Situado en un enclave espectacular de la ciudad austríaca que vió nacer a Mozart, este espacio dedicado al arte contemporáneo viene apostando por la fotografía desde hace tiempo.

Hablo de este museo, aunque nos encontremos a varios miles de kilómetros de él, porque es el ejemplo perfecto para ilustrar el cambio que poco a poco están llevando a cabo los museos de arte contemporáneo. Cada vez están mirando más hacia la fotografía, como también lo hacen las galerías poco a poco, y aunque todavía queda camino por recorrer, la presencia de este arte en los espacios museísticos es una práctica cada vez más común, algo que debemos tener en cuenta y analizar.

Volviendo al museo de Salzburgo. En sus paredes descubrí la obra de Jürgen Klaune, artista sobre todo dedicado a la performance, que para aquella ocasión con sus fotografías de “Aesthetische Paranoia”, nos situaba frente a enormes composiciones cercanas al surrealismo más minimalista.

Y también entre otros muchos jóvenes creadores, me sorprendió la obra de Nina Rike Springer y sus secuencias fotográficas. Dos generaciones distintas, cuyas imágenes, aunque separadas por el uso del color, nos venían a hablar de lo absurdo, del papel del individuo aislado del mundo, de caras tapadas y poses hieráticas. Echad un vistazo a sus webs personales, seguramente encontraréis esa línea creativa (visual) que les une.

También, en aquel momento, se celebraba una exposición dedicada a la fotografía latinoamericana bajo el título “La mirada”. De aquella muestra, Luis González de Palma era el fotógrafo más destacado. Su última serie de 2010, “Ara solis” es un bello ejercicio sobre un barco que navega entre las sábanas de varias camas fotografiadas. Echadle un ojo, aunque sólo sea por curiosidad.

Exposición La Mirada sobre fotografía contemporánea en el MdM de Salzburgo

Lo sé, todos estos ejemplos se engloban en una fotografía demasiado conceptual, quizá es la que sólo tiene cabida en los museos de arte contemporáneo. Pero no deja de ser fotografía al fin y al cabo, y ocupan espacio y tiempo en los grandes templos de la cultura actual. Es muy difícil, por no decir casi imposible, encontrarse con paisajes nocturnos de ensueño colgando de las paredes de estos museos. O perfectas imágenes encuadradas de un atardecer en la playa. No, estos museos no son lugar para mostrar ese tipo de trabajos.

Por eso, cuando se muestra este tipo de fotografía conceptual, donde en ocasiones la técnica está descuidada y se tiende a decir que en Flickr se encuentran mejores imágenes, es porque no se tiene constancia de que estamos ante un tipo de creación diferente, que los baremos de valoración son distintos, y que lo que se pretende mostrar está a años luz una imágen de la otra. Creo que cuando el espectador llega a comprender las diferencias, su deseo por entender los parámetros conceptuales de una fotografía hacen que a la larga el viaje entre lo visto y su comprensión, se haga más duradero en el tiempo que la simple contemplación de una imagen bella.

Y con esto no estoy menospreciando una fotografía bellísima y perfecta, es más, siempre admiraré a quienes la practican, sólo me gustaría que el espectador diese una segunda oportunidad a aquella fotografía que pretende ir más allá del deleite efímero. Aunque sólo sea porque al intentar comprender ideas, la mente se enfrente a aspiraciones e inspiraciones mayores. Que digo yo, por probar que no quede.

Sin más os invito a que cuando visitéis una ciudad, os informéis sobre qué exposiciones hay en sus museos contemporáneos, mirad si hay alguna dedicada a la fotografía y así podréis anotaros un punto para engrosar la lista de espacios que están apostando por ella. Si de antemano ya conocéis algunos que actualmente estén proyectando exhibiciones fotográficas, no dudéis en contárnoslo. Poco a poco vamos a ir viendo como nuestra aficción, al menos en España (porque en el resto de países parece que sí tiene más presencia) irá albergando más instantáneas y, además, de toda índole creativa.

En Xataka Foto | Tres museos de fotografía imprescindibles
Fotografías | Gema S. Nájera

El color. Empezaré con una pequeña queja, hay gente que cuando se relaciona fotografía con pintura, parece que le molesta. Es algo que he oído en distintos foros y círculos. No entiendo porqué. La pintura es una disciplina artística de la cual ha de beber un buen fotógrafo, así como de otras muchas. Al menos en mi opinión. El manejo de la luz, perspectiva y profundidad de los grandes maestros pintores te puede ayudar muchísimo como fotógrafo.

¿Qué es la composición por color? Veamos un ejemplo para empezar a entenderlo. Cuando llega la pintura barroca, la forma comienza a definirse principalmente por el color. También por el movimiento y la luz, pero principalmente por el color. Se comienzan a adoptar nuevas perspectivas y volúmenes. Pero sobre todo hay un cambio grande en cuanto al color. Comienzan los degradados de color. El color se degrada según se alejan los objetos, esto provoca una sensación de profundidad en el espectador. Si no sabes a qué me refiero fíjate en el conocido cuadro de Las Meninas, de Velázquez.

El contraste y el color

A la hora de componer por color, uno de los principales factores es el contraste. Pensemos en dos colores que están juntos. El contraste intensifica las diferencias entre los dos. Lo sé bien, pues debido a mi cierto grado de daltonismo, cuanto más contraste existe entre dos colores contiguos mejor diferencio ambos. Podemos concluir que todos los colores de una composición fotográfica se ven influenciados por los colores con los que tienen contacto.

Así podemos hablar del Contraste de luminosidad, o de claro-oscuro, que ocurre cuando enfrentamos un color oscuro frente a uno claro. En estas ocasiones solemos decir que la imagen presenta un alto contraste. Aunque haya ausencia de color y tengamos una imagen en blanco y negro, también encontramos este contraste y, lo solemos llamar Blanco y Negro de Alto Contraste.

Artigazo en nuestro grupo de Flickr

Suele funcionar muy bien en estas imágenes. El resultado es una imagen donde priman los negros y blancos por encima de la escala de grises, resultando un contraste alto entre el negro y blanco. Por eso en post-producción podemos potenciarlo como lo hicimos en el capítulo VIII de Aprendiendo con Adobe Camera RAW.

Otro tipo de contraste es el Contraste de temperatura, que resulta cuando juntamos color cálido con otro color frío. La calidez o frialdad de un color es un hecho subjetivo, que aunque tiene su explicación en la cual no voy a entrar, nos quedamos con que asociamos colores cálidos con rojo, naranja, amarillo y verde frente a colores fríos como azul, magenta, cyan

La división de los colores en cálidos y fríos “puede” responder a una sensación térmica (de las estaciones del clima) y a la vez psicológica (melancolía, alegría, rechazo, …) que producen los colores, pero depende muchísimo de cada persona. Pues aunque asociamos colores cálidos a un atardecer o fríos a una fotografía invernal quién nos dice que no podamos cambiarlo y evocar en el espectador diferentes sensaciones.

También existe el llamado contraste de saturación, cuando enfrentamos un color puro con otros. O el contraste de valor y el contraste simultáneo (para un color dado nuestro ojo busca su complementario y si no existe lo “crea” ficticiamente). Quedémonos de momento, en que el contraste influye en color y, por tanto en la composición.

¿Entonces?¿Cómo es la composición por el color?

Atendiendo a una definición clásica de lo que es la composición de una obra artística podríamos decir algo así como que componer es ordenar los elementos plásticos y visuales de la obra teniendo en cuenta el equilibrio, distribución de pesos de luz y color, las simetrías, asimetrías y otros elementos. Es decir, la composición es el factor que proporciona coherencia formal a la fotografía, en nuestro caso.

En el caso del color se busca que las composiciones sean armónicas (por eso no suelen gustarnos las dominantes de color o los hdr exagerados), haya más o menos contraste (por ejemplo, con las claves altas o bajas, bajo contraste cromático o desaturación parcial). Siempre buscando un equilibrio que es lo que hace que funcione visualmente. Con el Blanco y Negro (sí, lo metemos aquí pues es una manera de componer por color) pasa eso mismo. Cuántas veces te has dicho: “Esta foto queda mucho mejor en blanco y negro”.

Gerard Amela en nuestro grupo de Flickr

Aunque elementos importantes en la composición son la simetría, la proporción, el ritmo y el movimiento, también lo es el color. En general los colores cálidos, los oscuros y los terrosos pesan más que los colores fríos, los claros, los saturados o puros. Pero que queremos decir con pesar: pues que reflejan mayor importancia. La regla aquí es que no hay regla, quizás sea la menos estricta de cuanto hemos visto y la más subjetiva, pues la percepción del color es muy diferente para cada uno. También puede ser la más creativa.

En resumen: Equilibrio y color

Normalmente el color se ve influenciado por muchos factores. Por la presencia de la luz ambiente más o menos fría o cálida. Por nuestra iluminación artificial o incluso si usamos geles de color. Pero donde más podemos manipular el color es dentro del proceso de post-producción como ya sabemos.

Un pequeño esquema, sencillo, para decidir nuestro estilo de post-producción en base al color, puede ser el siguiente:

• Decidir entre Blanco y Negro o Color, aunque tratemos el Blanco y Negro como un caso especial de color.
• Estilo suave, agresivo o neutro. Más contraste en los colores denota agresividad, menos contraste implica suavidad.
• Recortar, reencuadrando la imagen para dar más peso a unos elementos u otros en función del color.
• Y, recuerda, la psicología del color es importante a la hora de provocar sensaciones en el espectador.
• Si usas un programa que permite guardar ajustes preestablecidos, úsalos pues así podras ajustar una imagen y aplicar ese ajuste de color a la serie a la que pertenezca, si lo deseas.

En Xataka Foto | Las Reglas de Composición: Hay que conocerlas para saber romperlas (Serie)

Fotografía de portada | Javier Camporredondo en nuestro grupo de Flickr

Desde hace unos pocos días tengo una Sony NEX-7, que era, desde que había leido los primeros análisis, la cámara que andaba buscando. Aún con poco tiempo entre mis manos, he empezado a probar todo lo que puede dar de sí, pero voy a resumir las primeras impresiones que me ha causado.

Unboxing Sony NEX-7

Sony NEX-7 + Leica = WIN!

La caja de la cámara es bastante compacta y muestra bastante información de la cámara y sus características técnicas. Una vez levantada la solapa vemos que la verdadera caja con la cámara está rodeada de ese exterior. Cuando lo desplegamos por completo podemos ver más información de los accesorios compatibles y liberar la caja de la NEX-7. Completamente negra y con solo una tipología NEX-7.

Dicha caja tiene como “tapa” un compartimento que a modo de libro guarda el manual en diferentes idiomas, la garantía, un manual de objetivos y accesorio y el CD del software. Un formato muy acertado que hará que guardemos todo en orden.

Al levantar esa tapa aun no vemos la NEX-7 si no una gamuza con una etiqueta NEX-7. Un muy buen detalle que podremos usar para limpiar la pantalla de la cámara, aunque es un poco grande, la verdad. Al levantar la gamuza, ahora si, veremos la cámara encajada en un compartimento de imitación a terciopelo. La correa, esta dispuesta en otro hueco, con la leyenda “NEX-7” tiene un acabado de bastante calidad, con cuero o simil.

Como compré el cuerpo de la cámara suelto no venía más en la caja que el cargador, una visera para el visor y la batería en otro compartimento de cartón. Decir que el cable del cargador es algo corto, demasiado para mi gusto, por lo que, o usas otro, o tendrás que buscar un enchufe cercano a una mesa o al mismo suelo ;)

Sony NEX-7 en las manos

Cuando ves la cámara lo primero que piensas es que es pequeña, acostumbrado a la Canon 5D MKII o incluso a la Leica M8 lo es. Las cámaras pequeñas suelen darme problemas de ergonomía pero en este caso no fue así. Al cogerla ves que es ligera pero para nada da imagen “plasticosa”, de hecho el agarre es muy bueno, la empuñadura tiene un acabado rugoso y un tamaño-profundidad adecuados. Vaya, que muy buenas impresiones en mano.

Procedemos a cargar la batería con ansia para poder encenderla al fin. ¡Hecho! La pantalla tiene un brillo y un contraste adecuados y que sea abatible no está nada mal, hubiera preferido un sistema que permitiese más versatilidad, en este caso está muy limitado a un movimiento sobre un solo eje, pero lo suficiente para poder hacer fotos desde la cintura ;) La acercas al ojo y… ¡zas! el EVF realmente sorprendente, la verdad.

He probado unos cuantos y éste se va acercando algo a lo que sería un óptico, aunque todavía está a bastante distancia… Yo le puse la visera al visor antes de encenderla siquiera y ahora no sé si lo haría, de hecho me da miedo quitarla porque no tengo claro cómo hacerlo sin forzar demasiado :) Al usar gafas me queda “algo” separado por culpa de este “parasol”. Me da la sensación que para ver todo lo del EVF tengo que mover la cabeza :)

Bueno, pues todo lo bueno que he contado hasta ahora se pierde al entrar en los menús… Hacía tiempo que no me liaba tanto con una interfaz de un aparato electrónico, y manejo muchos ¿eh? Pues nada, éstos un lío, parecen no tener mucha lógica la ubicación de algunas secciones es confusa. Lo es incluso la presentación en pantalla, que no sabes bien al principio que menús tienen otro nivel o dónde acaba una sección y empieza otra.

En una cámara así, con la capacidad de personalización que he descubierto tiene después, es una pena que los menús no sean acordes, a ver si Sony los mejora vía firmware, no?

Primeras fotos

Sony NEX-7 noche, por Fotomaf

Pero bueno, lejos de los menús lo importante es el resultado, ¿no? Le ponemos el 16 mm f2.8 que es el objetivo de la serie E que he cogido en un principio y salimos a probarla. El sonido del obturador es bastante mecánico y metálico, no es el más bonito pero no está mal. Y no es discreto…

El manejo de las opciones con el sistema TriNavi si que es un invento, Sony en vez de poner ruedas para cada cosa ha dispuesto 3 ruedas sin nada en ellas porque en cada modo pueden servir para una cosa. Cuando estás acostumbrado a los sistemas réflex te choca bastante, pero luego vas dándote cuenta que es más cómodo de lo que creias. Al par de días ya no te acuerdas que te pareció un lío y lo usas de manera supernatural… Lo malo es que son demasiadas sensibles esas ruedas, de hecho la derecha es muy facil accionarla con facilidad y es habitual que haya que cambiar parámetros para devolverlo a los correctos… El botón del vídeo está situado en otro sitio que quizá no sea el mejor, yo al menos lo he accionado por error al llevar la cámara colgada del cuello sin más.

La pantalla es bastante útil para confirmar enfoque de las fotos al usar el modo zoom, el nivel de detalle es el correcto. El flash es bastante prescindible y da sensación de fragilidad que no se corresponde con el resto del conjunto, pero para usarlo de relleno o salir de paso en alguna foto de interior valdrá. Con un uso normal la batería puede durar unos 400-500 disparos.

Al llevar usando la cámara tres días y leído el manual varias veces (sí, no suelo leer los manuales y en este caso lo he tenido que hacer) encuentras todas las posibilidades de configuración personalizada, hay tres “Soft keys” sobre las cuales se puede configurar prácticamente todo, lo cual es brutal. Merece la pena invertir tiempo en encontrar tu combinación adecuada.

Y bueno las fotos… bien, bastante bien para lo que esperaba. Pero no como una Canon 5D MKII en niveles de ruido. No está mal hasta ISO 3200 siendo más que decente el 1600. El sensor promete mucho y si le montas buenos objetivos es bastante agradecido. Además del 16 mm le he usado, con un adaptador helicoidal, varios objetivos de la serie M de Leica, y se nota la diferencia. Vistas las fotos a nivel de “pixel peeper” realmente sorprende y merece la pena ponerle objetivos de calidad. Eso sí, para usar estos objetivos debes ayudarte de las mejoras en el enfoque manual. Hay uno que me ha parecido brutal, el focus peaking... es una ayuda en pantalla que marcará de un color (en mi caso rojo) las zonas de la fotografía que están en foco… cuando aprendes a usarlo te das cuenta que no te importa hacer enfoque a mano, casi siempre las clavas. De hecho esta opción fue determinante en mi decisión de compra al tener los objetivos M disponibles.

En resumen: que me lo estoy pasando muy bien con la NEX-7, tiene una capacidad técnica tremenda y con un sensor competente. No va a cambiar a mi Full Frame en ciertos trabajos pero ya puedo afirmar que será la cámara que más use en este 2012. Si necesitáis saber algo más y creéis que os puedo ayudar sólo tenéis que dejar un comentario más abajo ;)

Fotos | Fotomaf en Instagram y Flickr
En Xataka Foto | Sony NEX-7

Que la belleza está en el exterior y no en el interior, es una de esas frases cogidas al revés del refranero que parece venirle a las mil maravillas a el mundo de la publicidad en general, y al mundo de la belleza más en concreto. En este caso el retoque fotográfico vuelve a ser recelado por las altas esferas del mundo pólitico del Reino Unido.

Hace unos meses el gobierno de las islas británicas se alzaba en armas contra dos campañas publicitarias de la empresa L’Oreal por exagerar de manera desmesurada los efectos de dos de sus productos. Esto no pareció sentar bien a la Autoridad de Estándares en la Publicidad que fue la que mandó retirar todas las imágenes de la actriz Julia Roberts y la modelo Christy Turlington.

Bueno pues parece que la historia vuelve a repetirse, en este caso la “damnificada” es Rachel Weisz y su inmejorable piel de porcelana, dejando un efecto más que ficticio de lo que podría realmente afectar el producto en una piel normal.

Desde hace ya unos años la marca está siendo seguida estrechamente por sus excesivos usos del Photoshop y técnicas de post-producción y al parecer esto en las islas británicas se traduce en más que meras investigaciones. La verdad es que desde la aparición del Photoshop y otros programas de edición, el mundo de la fotografía y en especial el de la fotografía publicitaria y de moda ha sufrido un más que ligero cambio de mentalidad en lo que quizá algunos mencionarían como abuso. Las empresas y las agencias se defienden manifestando su disconformidad ante tales actuaciones de muchas asociaciones y gobiernos, pues según ellos, la alteración es una base lógica y/o técnica publicitaria de siempre.

“La industria de la belleza tiene que dejar de engañar a los consumidores con imágenes fraudulentas”. “Debería haber mucha más diversidad en la publicidad, muchos más colores de piel, muchas más edades, muchas más formas… Las imágenes pueden ser muy seductoras sin necesidad de ser falsas”

Palabras de Jo Swinson política demócrata liberal del Reino Unidos.

El problema de todo esto es que la fotografía de belleza pertenece al mundo publicitario, un mundo en el que estas técnicas están a la orden del día. Si la industria de la belleza empieza a sufrir por así decirlo esta censura, puede que ella mismas se quejen sobre la posibilidad de que el “mismo engaño” u “otro tipo de engaños” recae en otros sectores, y lógicamente no sin falta de razón.

Todos podemos pensar que no es lo mismo engañar basándonos en cuerpos perfectos, o pieles perfectas que en un coche espectacular; pero el caso es que depende más de cada persona que de cada imagen. El retoque fotográfico o la misma fotografía con una luz bien elegida puedes hacernos ver todo de una manera muy diferente a lo que es en realidad, pero… ¿por qué tomarla sólo con el mundo de la belleza? ¿Quizá la excusa de los políticos viene más precedida de la presión ciudadana que por un trato justo?

Personalmente para una mujer ver un anuncio como estos puede engañarla y pensar en la posibilidad de tener una piel perfecta; pero ¿no puede pensar lo mismo un hombre con un anuncio de cuchillas de afeitar, o incluso de marcas de desodorantes en las que las propias fotografías venden algo más que una simple perfecta higiene?

En mi opinión hay tantas fotografías y retoques como sectores. El propugnar una libertad de expresión y una democracia real, no significa prohibir cosas en las que los ciudadanos tengan esa capacidad (siempre y cuando esten enfrascadas en la ley). La gente tiene capacidad de elección y de raciocinio, por lo que ciertas prácticas me parecen absurdas a pesar de que siempre haya gente que no tenga dichas capacidades.

El mundo avanza y temas como estos deben estar más en manos de las empresas y la propia publicidad, que en manos del gobierno. Son modas y por tanto lo que hoy puede “llevarse” mañana no tiene por qué, pero eso no es decisión de un gobierno elegirlo sino del propio mercado. Quizá desviándome un poco del tema fotográfico, es intentar “manipular” ellos mismos lo que el mismo sistema económico que ellos defienden (exceptuando países con un régimen socialista total). El mercado lo mueve el propio mercado, y si no inflige la ley ¿por qué alterarlo? Entiendo que por reducir problemas, pero lo que no se dan cuenta es que estos problemas les pueden ocasionar “daños colaterales”.

En definitiva, quiero acabar este artículo promulgando más educación visual y conciencia humana que la propia prohibición en casos como estos. Creo que el exceso de retoque no hace daño a nadie con cierta mentalidad, pues como siempre digo en estos casos; no es el retoque en si, sino las cabezas y ojos que lo ven.

Via | El Pais

En Xatakafoto | Prohibido Photoshop: Llega a EEUU la ley anti retoque digital en prensa

Durante estos días vengo siguiendo el debate en el perfil de Facebook (aunque también en Twitter se ha comentado) del conocido fotógrafo José María Mellado donde se comentaba entre él y numerosos usuarios qué técnica era mejor: si las tradicionales técnicas o métodos de trabajo sobre HDR versus el método ELE (Extensión de la Latitud de la Exposición/ Exposure Latitude Enhancement) desarrollado por el propio José María Mellado. Al parecer, para una mayor compresión de los argumentos de José María Mellado, el mismo ha hecho públicas unas notas sobre ambos métodos cuyo enlace está al final del artículo.

Sin entrar a decantarnos, sin unálisis más profundo, por ninguna de las técnicas me parece que es un interesante debate el que se ha generado a través de la red. El debate no es, quiero dejarlo claro, si me gusta el HDR o no, cuestión de la que hemos hablado en numerosas ocasiones. El debate es si consideráis que las técnicas habituales para tratamiento HDR son eficaces o, por el contrario, el método ELE que plantea José María Mellado es más eficaz.

HDR

HDR que significa High Dynamic Range o Alto Rango Dinámico en sí no es una técnica aunque por familiaridad ya lo asociamos con estilo de procesar las fotografías. Este estilo es una serie de técnicas que permiten fusionar diversas exposiciones en una única imagen de 32 bits el problema es que ocurre es que la gama tonal que tenemos en ese caso es tan amplia que no podemos representarla “fielmente” en la imagen de un monitor o en papel. Lo que hacen los llamados editores HDR o programas de edición HDR como Dynamic-Photo HDR, Photomatix, Easy HDR o Zero Noise y otros que lo que hacen, como bien apunta Mellado, es comprimir la gama tonal. Es decir, aplicamos la opción de Tone Mapping. La parte, sin duda, más importante para que el HDR resulte bien. De esa manera podremos representarlo en el monitor o en el papel.

ELE

¿Qué plantea el método ELE? Básicamente varias exposiciones para ser fusionadas en post-producción. Doble o triple exposición. Una forma de capturar escenas bastante conocida hace tiempo entre los fotógrafos de paisaje, naturaleza o arquitectura. Dicha técnica se viene utilizando para poder sacar con una correcta exposición la parte del suelo y la parte del cielo. Claro que en determinados casos para hacer una única toma podemos ayudarnos de filtros graduados de densidad neutra pero, en algunas ocasiones es mejor realizar la mencionada doble exposición y fusionar ambas tomas en post-producción. Pero ¿con qué criterios realizamos ambas tomas? Según el método ELE, ampliamos la latitud de exposición efectiva mediante 2 o 3 disparos con diferente exposición y luego los fusionamos. Se basa en la fusión de esas imágenes mediante técnicas de máscaras en Photoshop. No se genera una imagen de 32 para después realizar una compresión de gama tonal por Tone Mapping. Esa fusión se realiza mediante el alineamiento de las diferentes tomas y después enmascarando cada parte según nos interesa. Una máscara para el cielo y otra para el suelo en la mayoría de casos, aunque dependiendo de la escena tendremos más o menos máscaras.

En conclusión

Según el método ELE evitamos los conocidos problemas derivados de los tratamientos HDR conocidos como pueden ser los halos o el ruido (HDR mal resueltos). Para esto hay gente que fusiona la imagen intermedia sobre tiff generado desde el editor HDR, suavizando el tratamiento del tone mapping. O buscan suavizar el HDR mediante otras técnicas.

Por otro lado, el método ELE, exige un control exquisito de las selecciones y el tratamiento de máscaras pues de no hacerlo así, aparecerán también los conocidos “Halos: detectores de retoques exagerados”, detectándose algo antinatural algo que nos falla visualmente como en el caso de los HDR exagerados o mal resueltos.

En Xataka Foto:

• “Halos: detectores de retoques exagerados”
• HDR: ¿Sinónimo de éxito o de fracaso? (I)

Más información | Reflexiones sobre las técnicas habituales de HDR y mi método de trabajo ELE. Notas completas

El día 13 de enero, uno de los medios de prensa más reconocidos de Estados Unidos, el Washington Post, publicó en su portada una imagen de su fotógrafo Bill O’Leary usando la técnica de HDR, para mostrarnos un avión, sobrevolando el conocido puente de la calle 14, un complejo de 5 puentes sobre el río Potomac que une Arlington, Virginia y Washington DC. Tal vez usando HDR para buscar una sensación evocadora de recuerdos o darle un punto creativo, cuestión que desconocemos. Lo curioso es que la imagen se publica como recuerdo de la tragedia aérea que tuvo lugar en aquella zona hace ya 30 años, y por tanto, en todo caso, debería tratarse de fotografía documental.

Aún con toda la controversia y crítica que se le puede hacer a esta publicación de prensa por haber “manipulado” digitalmente dicha fotografía, más allá de las normales correcciones de niveles o enfoque, necesarias para una correcta visualización, le honra a dicha publicación que haya puesto (no sé bien si empujado precisamente por las críticas) a disposición de sus lectores el poder criticar y dar su opinión al respecto sobre dicho tema.

Recordemos que cuando sucede algún tema similar muchas veces se trata de ocultar e incluso negar. Quizá, en esta ocasión, la evidente transformación al usar HDR, es tan obvia que no haya quedado más remedio que ponerlo a disposición de los usuarios y conocer su opinión. Quisiera pensar que se hizo con buena intención que tan solo se trataba de dar un toque creativo. Pero creo que no fue lo más adecuado. Pienso que, como la mayor parte de nosotros y ya hemos tratado en otras ocasiones, somos de la opinión que determinadas disciplinas como el fotoperiodismo, fotografía documental o la fotografía forense no deben sufrir alteraciones digitales más allá de lo comentado anteriormente. Cuestiones como éstas, tan solo contribuyen, en mi humilde opinión, a levantar suspicacias sobre la información que recibimos. Aceptable o no que decida cada uno.

Via | The Washington Post

Si hay algo que me gusta del mundo fotográfico, es poder recrear por medio de imágenes reales (o que son muy fieles a la realidad) aquellas situaciones que sólo tendrían cabida en nuestra imaginación. Nos han llegado una serie de fotografías en su mayoría muy conocidas que fueron concebidas en blanco y negro pero que hoy, gracias a la tecnología, han sido coloreadas. No es nada nuevo, las películas ya se coloreaban en su momento, pero lo particular de este experimento, aparte de que están realizadas espectacularmente bien, es el hecho de poder ver de qué color podría haber sido la camisa del Ché Guevara, la pajarita de Abraham Lincoln o el poder del fuego en su color natural en la fotografía del monje.

Además nos permite reflexionar sobre las imágenes en blanco y negro. No estamos hablando de fotografías nuestras que tomamos en color pero que luego desaturamos en el ordenador. Estamos hablando de imágenes archiconocidas, que tenemos grabadas en nuestra retina como iconos de la historia de la fotografía y que ahora se nos presentan con hipotéticos colores. Una fotografía en blanco y negro suele gustar. Quizá porque nos transporta a ese momento en la historia que envejecida su memoria en los tiempos actuales nos parecen de una calidad excepcional.

Mirad las fotografías, no ocurre con todas, pero por ejemplo, la del famoso beso en Times Square, ¿qué os produce verla en color? Los retratos, sin embargo, no son especialmente incómodos de ver sin el monocromo. Luego está la escalofriante escena de Viet Cong. Es una fotografía tan impactante que no entiende de colores. Por ello esto es sólo una reflexión. Por supuesto que una fotografía de estas características todo su valor recae en el acontecimiento que ha sido plasmado. Sin embargo y en rasgos generales es curioso cómo se tiende a valorar de forma más positiva aquellas imágenes que han sido presentadas en blanco y negro.

Sin más os dejo observando cada detalle de las fotografías, analizando sobre qué tipo de técnica les favorece más y reflexionando porqué cuando tomamos una foto, muchas veces en nuestra mente la estamos visualizando en blanco y negro y no en color.

Vía | Buzzfeed
En Xataka Foto | Cómo colorear fotos en blanco y negro en Photoshop