Ayer pudimos ver el segundo capítulo de la serie documental 'Detrás del instante'. En esta ocasión está dedicado a Estela de Castro, una de las fotógrafas con más proyección de los últimos años gracias a sus retratos con luz natural, su forma de mirar a lo animales y su compromiso social.

Estela de Castro lleva la fotografía en la sangre. En el capítulo descubrimos a una fotógrafa que empezó a fijarse en la luz desde pequeña, cuando veía las fotos de su casa que hacía su padre. Poco a poco se dio cuenta de todo lo que podía hacer con una cámara entre las manos. Y hoy le llaman desde la Casa Real para los últimos retratos oficiales de los reyes de España.

Ella empezó buscando respuestas a los problemas de salud de su hermano. Puede que fotografiar a él y a su familia le ayudará a entender que la vida muchas veces no es fácil y que la magia de la luz canalizara todos sus sentimientos hasta llegar a ser reconocida como una de las mejores retratistas de la actualidad.

Estela de Castro, la fotógrafa de barrio que ha seguido el camino de Velázquez

Los fotógrafos reales están muy reconocidos. Ahí están las imágenes para la historia de Alberto Schommer, Pedro Madueño, Dany Virgili o Gorka Lejarcegi. Ellos son los continuadores de los pintores de cámara.

Pero el trabajo de Estela de Castro no empezó en los salones reales sino en su barrio, con sus amigos y sobre todo con su familia, con su hermano. A lo largo del vídeo no vemos solo a grandes autores de la fotografía española hablar sobre su trabajo, también a su madre.

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El mayor error de Capture One a la hora de organizar nuestro catálogo

La presencia de la madre en el documental le da un espíritu totalmente familiar y potente al documental de Estela. A lo largo de los minutos la vemos crecer como persona y descubrimos que gracias a la fotografía, ella encontró un camino junto a su querida Hasselblad. Es emocionante escuchar a una madre reconociendo todo lo que ha hecho la cámara por su hija.

Fotograma del documental

Estela de Castro reconoce que fotografiar a su hermano, darle protagonismo a través de la cámara, le sirvió para darse cuenta de todo lo que se puede contar con semejante herramienta entre las manos, siempre y cuando lo tengas todo claro en tu cabeza.

Por fin me atreví a coger la cámara y fotografiar eso que tanto daño me hacía, que es lo que más daño me ha hecho en mi vida, y enfrentarme a ello fotográficamente

La fotografía le marcó desde que a los doce años hizo una sesión con unas amigas. Donde los niños solo ven un juego ella descubrió algo. Decidió que solo quería mirar a través de un objetivo. En la escuela 'Look', en los estudios de 'Ciclorama' y en el mundo de las bodas, bautizos y comuniones se curtió como profesional.

De la serie 'Fotografxs' (fotograma)

Ella aprendió el oficio año tras año, para ganarse el pan y para luchar contra sus demonios interiores, hasta que su trabajo lo ven Eduardo Momeñe y Leopoldo Pomés. En ese momento, después de que ellos la fotografíen, ella emprende uno de sus trabajos más reconocidos 'Fotografxs', los retratos con luz natural de los fotógrafos españoles más importantes.

Y de ahí al reconocimiento. La serie aparece en muchos medios y festivales. Ella empieza a sonar y se puede dedicar a fotografiar su otra gran pasión, el mundo de los animales y sus derechos y su gran proyecto social, FES, la fotografía española solidaria, de la cual ya hemos hablado en Xataka Foto.

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Los archivos fotográficos perdidos que nos sirven para no olvidar

Su fotografía se basa en la relación con los modelos, animales o personas, y el uso de la luz natural. Su obra es tan reconocible que terminaron llamándola desde la Casa Real para los retratos oficiales. Su carrera es fruto del curso de su vida y ahora está recogiendo los merecidos frutos al trabajo bien hecho.

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Lograr un buen retrato no es una tarea nada sencilla, sobre todo para los principiantes. Estos no sólo deben tener un cierto dominio del equipo y la técnica necesaria, sino que también deben enfrentarse al reto de manejar al modelo retratado. Para hacer un poco más fácil la primera parte, aquí van unos consejos para novatos sobre cómo ajustar la cámara para lograr un retrato con buenos resultados.

Porque ciertamente hemos hablado muchas veces de cómo mejorar nuestra fotografía de retrato, pero quizá nos faltaba un artículo donde expliquemos lo más básico: Cuáles son los mejores valores de diafragma, velocidad e ISO, cómo se debe enfocar, qué tipo de objetivo es mejor, etc. Es decir, una serie de consejos prácticos para novatos sobre cuáles son los ajustes más adecuados para los retratos, tanto si queremos hacerlos aprovechando la luz natural como si vamos a recurrir al flash.

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Trucos y consejos para conseguir buenos retratos de grupo

Retratos con luz natural

Comenzamos con la que sin duda es la opción más común (y también recomendable), usar luz natural, viendo cómo configurar la cámara para lograr buenos retratos con este tipo de iluminación. Por supuesto, antes que nada hay que decir que hablamos de hacerlo en modo manual, lo que nos permitirá tener un control completo y creativo de la exposición.

Foto de Gabriel Silvério

Distancia focal y enfoque

De cuáles son los mejores objetivos para retrato sí que hemos hablado, y es moneda común que lo mejor es utilizar un teleobjetivo corto, del orden de los 90 a los 135 mm (equivalentes en 35 mm). Además, es conveniente que sea un objetivo luminoso, ya que permite mejores desenfoques. Y ya si es fijo será lo ideal, puesto que su calidad de imagen suele ser mayor que los zoom.

Aún así, también podemos emplear el objetivo de focal variable que suele venir en el kit de las cámaras (ajustado a esas distancias focales), ya que bien usado puede ser muy aprovechable.

Foto de Hean Prinsloo

Sea como fuere, es recomendable que lo ajustemos en modo de enfoque manual para que el punto de foco esté bien fijado en los ojos del retratado, lo que (salvo que busquemos algún efecto especial) será siempre lo más recomendable.

Ajustes de exposición

En cuanto a los valores del triángulo de exposición (ya sabes, diafragma, velocidad de obturación y sensibilidad), lo más recomendable es comenzar ajustando el ISO al valor mínimo que permita la cámara para conseguir la mejor calidad de imagen y evitar el posible ruido, que además puede resultar muy pernicioso en este tipo de fotos. Sin embargo, depende de la luz que haya en la escena podemos compensar la exposición subiendo la sensibilidad si lo vemos necesario (ojo, siempre dentro de valores que sepamos no van a dar problemas).

Foto de Ayo Ogunseinde

Lo siguiente entonces es el diafragma, que ajustaremos dependiendo de la profundidad de campo que queramos tener en la foto. Un ejemplo muy habitual es que queramos desenfocar el fondo (como en la foto de arriba), para lo cual habrá que usar un diafragma lo más abierto posible, siendo ideal valores entre ƒ1.4 y 2.8. Si, por el contrario, queremos que todo lo que aparece detrás esté enfocado (siempre que no distraiga del protagonista de la foto) habrá que hacer justo lo contrario: cerrar el diafragma.

Entre medias tenemos la opción (muy recomendable) de elegir el punto dulce del objetivo que será el ajuste donde la óptica ofrezca su mejor rendimiento. Este punto se encuentra, normalmente, dos o tres pasos de luz por encima de la abertura máxima; así por ejemplo, un objetivo ƒ2.8 tendrá su punto más nítido alrededor de ƒ5.6 y ƒ8.

Foto de Davids Kokainis

Por último, será momento de decidir la velocidad de obturación, que elegiremos en función de los otros dos valores siguiendo lo que nos diga el fotómetro, ya sea el de la cámara (el más habitual) o uno externo. Eso sí, hay que fijarse bien en el valor para evitar posibles trepidaciones, de modo que debería ser de al menos 1/125 seg (y subiendo) para conseguir la anhelada nitidez, a menos que estemos usando un trípode.

Por cierto que para este tipo de fotos es recomendable utilizar el modo de medición ponderada al centro, que da más importancia a lo situado en la mitad de la imagen donde, por lógica, suele estar situado el rostro del retratado. Sólo en casos muy concretos (como el de abajo) sería recomendable utilzar el modo puntual, para medir la luz en los ojos, y en principio no es recomendable el matricial.

Foto de Daniel Silva Gaxiola

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Cómo perder el miedo a hacer fotos a desconocidos (con o sin permiso)

Retratos utilizando la luz del flash

Pasamos ya a hablar de realizar las fotos utilizando iluminación artificial, una práctica algo más compleja y que requiere de ajustes diferentes al caso anterior. De los flashes hemos hablado también largo y tendido porque son un elemento muy útil pero que, ciertamente, tiene su complicación y sus particularidades.

Foto de Erik Lucatero

Es cierto que si queremos conseguir un retrato profesional tenemos que saber que hay muchos tipos de flashes y aparatos de iluminación, y utilizar configuraciones con varios flash de estudio, pero como este artículo va dirigido a principiantes nos vamos a limitar a hablar de cómo sería utilizar un simple flash externo (el de tipo pop-up que incluyen muchas cámaras lo desechamos por su escasa potencia).

Ajustes para retratos con flash

De la distancia focal y el modo de enfoque no hay nada que comentar, ya que en este caso no varía nada respecto a hacer las fotos con luz natural. En cuanto a los ajustes de exposición, hablamos de nuevo de exponer en manual y también de utilizar el flash de este modo. Es cierto que si tenemos un flash con TTL, que varía la potencia de luz de acuerdo a la escena, será más sencillo, pero lo que queremos es aprender a utilizarlo en modo manual de modo que el uso de otro tipo de configuraciones será aún más sencillo.

Foto de Rosemary Ketchum

A la hora de exponer disparando con luz artificial, nuestros ajustes van a depender del número guía del flash en cuestión. Una cifra que sirve de guía (de ahí el nombre) para saber el alcance de su luz y que determina el diafragma que debemos usar en base a la relación Diafragma = Número Guía / Distancia. Como estamos trabajando en un entorno controlado, podemos medir la distancia a la que estará el sujeto fotografiado y dividir esa cifra entre el número guía para obtener el valor de diafragma que hay que poner en la cámara para una exposición correcta.

Ahora bien, posiblemente os estaréis preguntando qué pasa con el ISO y la velocidad. Pues bien, se trata de valores que, en principio, serán fijos. La sensibilidad por doble motivo, el primero porque de nuevo (y esta vez con más razón) nos interesa que sea el menor valor que permita la cámara para obtener la máxima calidad y el menor ruido posible. El segundo, y más importante, porque ese número guía del que hablamos está calculado en base a un valor de sensibilidad estándar, normalmente ISO 100, y sólo variará si el estándar de nuestra cámara sea ISO 64 o 200.

Foto de Kim Carpenter

En cuanto a la velocidad de disparo, como sabrás en principio hay que dejarla fija teniendo en cuenta la velocidad de sincronización que permita el binomio de cámara y flash. Un valor que habitualmente (en modelos no profesionales) suele ser de 1/250 seg (y por debajo), para asegurar que el disparo del flash queda captado en nuestra toma.

Ajustes “finos” para retratos

Ahora bien, esto que hemos contado es la teoría para exponer correctamente con flash, pero como de lo que estamos hablando es de conseguir buenos retratos, hay que apuntar algunas consideraciones específicas. La primera relacionada con que, como ya sabrás, la luz del flash es muy intensa y potente lo que puede repercutir en fuertes reflejos en los rostros así como profundas sombras en la cara y los fondos.

Como nuestra intención es utilizar el flash sin que lo parezca, hay varias estrategias posibles a seguir. La primera utilizar algún tipo de difusor para matizar la luz que sale de la antorcha, de modo que la que llegue al retratado sea más suave y matizada. Otra es bajar la potencia del flash (si es posible) para utilizarlo más como relleno que como luz principal en el caso de que estemos en un entorno en el que haya una cierta iluminación natural.

Foto de Jurica Koletić

En ambos casos, como puedes entender, tendremos que ajustar la exposición acorde con la cantidad de luz que se pierde al usar estos dos recursos; y aunque no se puede decir un valor fijo (sobre todo si usamos difusores caseros), en principio con abrir el diafragma uno o dos pasos de luz debería ser suficiente.

Por otro lado, si lo que queremos es poder usar un diafragma abierto para lograr que el fondo pueda estar desenfocado, podemos recurrir a lo último (bajar la potencia del flash) y también a otro recurso interesante: Usar un filtro de densidad neutra. Así por ejemplo, si empleamos uno que reste tres pasos de luz, esto debería permitirnos disparar a ƒ2.8 en vez de a ƒ8.0 sin tocar el resto de valores de exposición.

Foto de Hassan Khan

En cualquier caso, la gran ventaja de la inmediatez de la fotografía digital nos permitirá ajustar in situ los valores e ir comprobando que los resultados son adecuados. Y esperamos que con estos consejos tengáis claro cómo se deben elegir los ajustes de la cámara para lograr que vuestros retratos suban de nivel.

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Trece ideas y consejos para hacer retratos diferentes (o al menos más originales)

Foto de portada | Matheus Ferrero

Es muy habitual considerar que para conseguir buenas fotografías es necesario tener un gran equipo, y aunque es verdad que esto ayuda, en general no es necesario contar con muchos medios para obtener buenos resultados. Es el caso por ejemplo de los retratos, un campo en el que con medios modestos y sabiendo aprovechar la luz natural es más que suficiente.

De hecho la luz natural ofrece resultados más naturales e incluso ayuda a que nuestra relación con el retratado sea más fluida. Sobre todo en el caso de que queramos retratar a alguien que no es modelo profesional y que seguro se sentirá mucho menos intimidado que si se ve rodeado por un armamento de flashes. Por si fuera poco, la luz natural es mucho más barata y evita que tengamos que lidiar, o cargar, con complicados artilugios de iluminación artificial.

Así que dejemos de lado la idea del fotógrafo de retratos en un estudio con un equipo de flashes, paraguas y cajas de luz y aventurémonos a utilizar la luz natural aprovechando todas sus posibilidades, que son muchas. Por ello, en el siguiente artículo os vamos a contar cómo aprovechar la luz natural para hacer buenos retratos.

Foto de Pexels

Obviamos un montón de consejos generales para lograr mejores retratos que sin embargo no nos resistimos a mencionar para que podáis repasarlos antes de meteros en faena. Aspectos como qué objetivo es el más adecuado para los retratos, cómo mejorar el fondo de este tipo de tomas o cómo lograr tener un buen trato con los modelos.

Por supuesto, tampoco está de más repasar algunos de los errores que se suelen cometer al abordar esta disciplina y no desechar la importancia de las manos en los retratos, porque no debemos olvidar que un retrato es algo más que la fotografía de una cara.

Conocer la luz

Sin duda la luz es uno de los aspectos más importantes para la fotografía de retrato por su crucial aportación tanto estética como psicológica. En el vídeo que os mostramos hace tiempo en esta entrada se ve muy claramente como los cambios de luz influyen notablemente en un rostro, por eso es necesario tener unas nociones previas sobre la luz, sus diversas formas y su manera de actuar en diferentes situaciones.

Foto de Joe Gardner

Los cuatro puntos fundamentales que determinan cómo es la luz serían su calidad, su intensidad, su color y su dirección. Sobre lo primero, como sabéis en fotografía básicamente hablamos de dos tipos de luz, dura y difusa; es decir la que crea sombras bien definidas y elevados contrastes y la que hace justo lo contrario. Y por supuesto la luz natural puede presentarse de ambas maneras dependiendo de la situación.

En cuanto a la intensidad, no hace falta explicar en qué consiste pero sí conviene saber que, aunque nos pueda parecer que es un factor que no podemos controlar hablando de luz natural, por el contrario siempre podemos echar mano a recursos para ello. Por ejemplo recurriendo a un reflector (un elemento que nos permite añadir más luz para eliminar sombras aprovechando el reflejo de la luz natural) para aumentar la intensidad o, por el contrario, echando mano de algo que rebaje el nivel de luz (por ejemplo unas cortinas en interiores o algún elemento que dé sombra en exteriores).

Foto de Scott Swigart

Respecto a la temperatura de color, ya sabes que cada tipo de luz tiene una determinada dominante de color que afecta a la tonalidad de la imagen. En este caso hablamos de luz natural y por tanto con una tonalidad azulada en la mayor parte del día pero que en las primeras o últimas horas del día se vuelve anaranjada. Eso sin contar que en interiores la luz que llega puede verse adulterada por los elementos del entorno y ofrecer tonalidades diferentes ya que, como sabéis, el color no es una característica propia de los objetos sino que depende de otras variables.

Por último, la dirección de la luz se refiere a la trayectoria que sigue ésta y puede ser frontal, lateral, trasera, cenital o nadir. Su incidencia es crucial ya que permite reforzar o suavizar las formas y el volumen de los objetos fotografiados. La luz frontal minimiza el volumen y las sombras, mientras que, por el contrario, la luz lateral y trasera acentúan las sombras y las texturas y definen el contorno de los objetos. La luz trasera en concreto permite lograr siluetas y efectos como el aura alrededor de la figura, pero por contra atenúa el color del sujeto fotografiado.

La luz cenital, por su parte, es la que incide desde arriba y por tanto es la típica del sol. Y aunque ayuda a crear profundidad, ya que nos permite separar los objetos del primer plano del fondo, si es muy dura puede crear sombras muy fuertes en los ojos que estropeen los retratos. Por último, la luz nadir es justo la contraria a la cenital, es decir la que ilumina los objetos desde abajo. Se trata de una iluminación que produce sombras bastante extrañas pero como es muy poco frecuente en la naturaleza apenas deberemos preocuparnos de ella.

Foto de Rory MacLeod

Hablando de luz natural, no es raro pensar que este tipo de iluminación solo la encontramos en exteriores, es decir en la calle o en el campo, pero por supuesto no debemos olvidarnos de los interiores, donde las ventanas y ventanales dan paso a una luz que puede dar muy buenos resultados.

Así, aunque la luz natural no sea tan controlable como la artificial, conociendo sus variables siempre podemos aprovecharla para nuestros propósitos. Además, que utilicemos solo luz natural no significa que vayamos a desechar el apoyo de ciertos elementos como son los reflectores que antes citábamos o alguna clase de difusores.

Cómo aprovechar luz natural: Exteriores

A la hora de trabajar con luz natural, está claro que las propiedades que hemos apuntado tienen una relación muy estrecha con la situación concreta que elijamos y las horas del día. Como sabréis, si hablamos de exteriores, sin duda tenemos en nuestra mano aprovechar la iluminación que proporciona el sol pero que tiene unas características muy concretas.

Foto de Flavio Lorenzo Sánchez

Durante la mayor parte de los días soleados su luz es muy dura y llega de forma cenital, lo que no suele ser muy adecuado para retratos porque provoca sombras en ese elemento tan importante en un retrato como son los ojos. Sin embargo en las primeras horas del día y al atardecer su luz es bastante más suave y cálida y en días nublados la luz del sol llega de una forma mucho más difusa y con unas tonalidades más frías.

Por supuesto la elección de un tipo de luz u otro es algo muy personal y dependerá sobre todo del objetivo que queramos lograr con nuestra foto. Está claro que hacer un retrato con luz dura no es lo mejor para sacar “guapo” al modelo pero ¿quién dijo que en eso consiste hacer un retrato? Muy al contrario, la capacidad de expresión del fotógrafo debería estar por encima de todo.

En cualquier caso, está claro que la mejor luz para los retratos normalmente es la luz difusa, y por eso hay una serie de lugares y momentos que suelen ser más propicios para ello. Por supuesto en los días nublados, cuando las nubes actúan como difusor y proporcionan una luz muy suave. Pero ¿y si el día es soleado?

Foto de Ramón Portellano

Pues siempre podemos recurrir a sitios como el porche de un edificio, debajo de un puente o a la sombra de un árbol. En todos estos sitios, si el día es soleado, lograrás una buena iluminación pero con una suavidad imposible a pleno sol y encima puede que obtengas un fondo atractivo para la instantánea.

Si no podemos refugiarnos en uno de estos sitios hay otros recursos más modestos como utilizar una sombrilla o un paraguas, quizá haciendo que este elemento forma parte del retrato o simplemente usándolo como difusor de la luz, y siempre teniendo cuidado con el color del elemento en cuestión. Otro elemento similar que podemos usar es un gorro o sombrero de ala ancha que evite que la luz directa incida sobre el rostro del modelo.

Todos estos consejos pueden ser muy útiles para lograr una iluminación difusa a pleno sol, pero si nos encontramos en uno de esos momentos mágicos del atardecer o el amanecer seguramente será un buen momento para aprovechar la luz directa de esas horas. Una luz algo más suave que incide lateralmente y tiene un tono muy cálido que suele ser muy atractivo en los retratos.

Foto de Pixabay

Cómo aprovechar luz natural: Interiores

Por lo que se refiere a los interiores, lógicamente hablamos de utilizar la luz que entra por las ventanas del lugar en que nos encontremos, así que en buena parte dependerá de lo grande que sea la ventana elegida y su orientación. Ten en cuenta que no es lo mismo una ventana en la que el sol incida directamente que una mirando al norte. Así, la luz que entra puede ser dura o difusa, aunque en el primer caso no será complicado difuminarla con algún elemento como una cortina o un papel de seda.

Foto de Alexander Solodukhin

Más importante aún en este caso es tener en cuenta que la intensidad de la luz que llega desde las ventanas suele disminuir rápidamente al entrar en la habitación. Así, aunque nuestro ojo nos engaña y nos hace parecer que toda la estancia tiene una iluminación similar, la cantidad de luz que entra disminuye rápidamente a medida que los objetos se alejan de la ventana. Así, para aprovechar bien su luz normalmente tendremos que acercarnos bastante a ella, y para paliar los fuertes contrastes que pueden producirse en los rostros (y que quizá a simple vista no aprecies) siempre se puede recurrir al uso de un reflector.

Y con esto hemos acabado esperando que nuestros consejos hayan sido útiles y emplazando a nuestros lectores a que nos ofrezcan sus propias recomendaciones al respecto.

Foto de Simon Wijers

En Xataka Foto | 15 consejos para mejorar las fotografías de paisajes otoñales

Foto de portada | Splitshire

El prolífico Michael Freeman vuelve a la carga con un nuevo libro: 'El registro de la luz'. En su afán por recopilar y ofrecer lecciones de fotografía en todos sus aspectos posibles, ahora se centra en la luz. Una obra detallada y profusa para aprender a leer la luz.

Freeman, tras sus últimas obras como 'La narración fotográfica', 'La mente del fotógrafo' o 'La visión del fotógrafo', que ya revisamos en Xataka Foto, ahora plantea algo que parece esencial, como él mismo subtitula, el alma de la fotografía.

La luz natural y cómo aprovecharla al máximo

En esta obra se plantea una mirada detallada en todos los aspectos que rodean a la luz, aunque siempre enfocado en fuentes naturales, esto es, la luz que nos encontramos. Deja de lado cualquier explicación sobre la creación y manejo de flashes o luces de estudio, quizás para un próximo libro.

Pero en cualquier caso, no me parece mal que se haya centrado exclusivamente en la luz natural, a fin de cuentas es la más habitual y con la que se puede aprender todo lo necesario. Freeman es un fotógrafo de naturaleza, de viajes y de paisajes y sobre los tipos de luz que podemos aprovechar en cada caso se centra esta obra.

Freeman plantea numerosos ejemplos prácticos, con profusión de imágenes, tanto fotografías como gráficos que sirven de ejemplos didácticos acompañando a cada lección.

'El registro de la luz': Esperar, Perseguir y Ayudar

'El registro de la luz' en un primer vistazo para una recopilación exhaustiva de los distintos tipos de luces naturales que podemos encontrar, en cualquier situación y momento: con niebla, con lluvia, luz dura, luz de tormenta, la hora dorada...

Prácticamente una doble página con cada tipo de luz en la que incluye una fotografía a gran tamaño como base. Luego acompaña un texto explicativo y algunas imágenes complementarias e incluso gráficos para entender bien cómo se comporta, qué hay que tener en cuenta, cómo aprovecharla e incluso, en algún caso, cómo trabajarla en post-producción.

Pero, si nos detenemos en la estructura de la obra, encontramos que Freeman la estructura en tres bloques diferenciados que ha denominado Esperar, Perseguir y Aprender. Plantea así, un proceso que comienza por aprender el arte de la paciencia para encontrar la luz apropiada, por saber anticiparse y planificar cada escena y su luz para aprovecharla bien.

En una segunda parte, encontramos las explicaciones más técnicas y al final se centra en las herramientas para mejorar y manipular la luz, tanto en el momento de la captura como en el momento de la edición y post-producción.

Muy enfocado en fotografía de viajes y naturaleza

Como especialista en la materia, el libro aborda el registro de la luz y su aprendizaje a través de sus propios ejemplos como fotógrafo de naturaleza y viajes. Y esto condiciona, como es lógico, la comprensión de los tipos de luz, ya que siempre se plantea para este tipo de fotografía.

Por tanto, los fotógrafos viajeros encontrarán buenos ejemplos y explicaciones para aprovechar la mejor luz posible en cada escenario y rincón del mundo (Freeman se afana por plantear situaciones en escenarios exóticos), especialmente en lugares tropicales, bosques y paisajes asiáticos. No se obvian otras opciones extremas como lugares gélidos o abrasadores desiertos, pero no son el centro de su planteamiento.

Quizás en este sentido es donde le puede faltar visión a Freeman. No encontramos ayuda o soluciones a luces habituales que nos podemos encontrar a nuestro alrededor, en cualquier ciudad. Y si lo hace, es de forma muy genérica. Como digo, se centra mucho en sacarle el partido a la luz en viajes o bien para el fotógrafo de naturaleza y paisajes (aunque en éstos tampoco con profusión).

Por último, y aunque siempre se agradece la inclusión de numerosas imágenes (de hecho el formato de este libro es algo mayor que los anteriores de Freeman que hemos analizado), sí tenemos que poner un punto negativo en cuanto al diseño, en lo referente al tamaño de letra. Se ha querido dar tanta relevancia a los ejemplos gráficos que el texto ha quedado tan minimizado que resulta difícil de leer. Aprovechando que el libro tiene un formato algo mayor, se podría haber aprovechado para que la lectura fuera más cómoda.

En cualquier caso es sólo un detalle menor que en nada se puede achacar al autor. Que de nuevo se ha esforzado por ofrecer su amplia experiencia, con nociones siempre explicadas con sencillez y muy fácil de entender para cualquier nivel de fotógrafo. Es un acierto centrar una obra exclusivamente en aprender el registro de la luz, así que lo recomendamos especialmente para fotógrafos viajeros que quieran aprovechar las mejores condiciones lumínicas de cada lugar y situación.

'El registro de la luz' de Michael Freeman

• Editorial: Editorial Blume
• Precio: 29,90 euros
• Encuadernación: Rústica con solapas
• Páginas: 256
• Tamaño: 25,5 × 26 cm
• ISBN: 978-84-15317-92-0

'El registro de la luz' de Michael Freeman es una obra didáctica enfocada en aprender a leer la luz natural en cada situación y escenario que nos encontremos.

En Xataka Foto:

• La narración fotográfica' de Michael Freeman, para iniciarse en la creación de una historia visual
• 'La mente del fotógrafo' de Michael Freeman, para aprender a evitar los clichés
• 'La visión del fotógrafo' de Michael Freeman, para entender las buenas fotografías

Muchas veces la gente considera que para conseguir grandes fotografías es necesario disponer de un grandísimo equipo, y es cierto que el equipo ayuda; pero en términos generales no es imposible conseguir muy buenos resultados dentro de la fotografía si conocemos reglas fundamentales de la composición y por supuesto sabemos como funciona la luz y como emplearla en nuestro beneficio.

Muchos de vosotros me diréis que, el equipo no es necesario pero ayuda, y obviamente no voy a negarlo, pero muchas veces la falta de equipo puede solucionarse con ingenio y conocimiento. Un claro ejemplo es el del uso de la luz natural. La luz natural es un tipo de luz que muchos fotógrafos usan en sus comienzos por no disponer de luz artificial, posteriormente ansían tener luz artificial, pues creen que el verdadero motivo de que sus fotos salgan mal es por culpa de no disponer de ella, hasta que la consiguen para luego darse cuenta que con la luz natural pueden hacerse cosas increíblemente buenas y limpias (siempre y cuando sepamos como "jugar" con ella).

En este caso el fotógrafo Mark Wallace nos muestra en este fantástico vídeo como usando la única ayuda de luz natural difusa (normalmente la de las zonas de sombra), podemos conseguir unos retratos más que decentes. Obviamente aquí entran en juego muchas más cosas, pues jugar con la profundidad de campo, conocer muy bien las reglas de composición y sus posibilidades, al igual que saber las funcionalidades del color son cosas que hacen que una fotografía pase de ser una más a algo diferente.

Yo sólo os puedo decir que desde mi experiencia personal el ingenio es importante, y si no tenéis flashes o reflectores, o incluso alguien que los sujete, debéis mirar a vuestro alrededor, pues siempre puede haber una superficie que actué como tal. Hay que tener en cuenta que ser fotógrafo no sólo es tener todo el equipo que queramos, sino saber solucionar las situaciones que tengamos entre manos cuando no disponemos de él.

Como otras veces que os pongo algo de Mark Wallace... deciros que el vídeo está en inglés, pero a pesar de todo es muy instructivo e ilustrativo; y por tanto creo que os ayudará mucho a aquellos que aún le tengáis miedo a la luz natural, o que creáis que no es posible sacar cosas decentes con dicha luz. Aún así, si tenéis dudas, ya sabéis, preguntad sin miedo.

Sitio Web | YouTube

Me gustan los vídeos de los making-of porque en ellos no hay, o no suele haber, lugar para la trampa ni el cartón. El protagonista acepta desnudar su técnica total o parcialmente para que el conocimiento fluya libre entre los espectadores. En esta ocasión la fotógrafa se llama Faye Sampson y derriba en poco más de tres minutos varios tópicos apocalípticos aceptados por muchos aficionados a la fotografía que vienen a decir que sin un estudio, su caro equipo de iluminación y una cámara Full Frame es imposible obtener resultados profesionales y mucho menos en sesiones de moda.

Soy de la opinión de que tanto en la fotografía como en muchos otros ámbitos de la vida gran parte de los obstáculos que nos separan de nuestras metas son autoimpuestos. Podéis estar de a cuerdo o no pero creo que es muy extendida la opinión de que una producción fotográfica profesional requiere siempre una inversión importante en equipo. Ésto es cierto como regla general, para ofrecer ciertas garantías al cliente pero como se demuestra en el vídeo es posible obtener los mismos resultados sin esa importante inversión.

La cámara, una Canon EOS 60D, es considerablemente más asequible que los modelos de fotograma completo de la misma marca y los miles de euros de un equipo de iluminación se han sustituido por la mejor y más barata fuente de luz, el Sol, amén de un reflector de plata que por el tamaño creo que es de 110 centímetros de diámetro y que se emplea suficientemente lejos de las modelos para que ejerza de relleno y no de propia fuente.

El mayor inconveniente de entregarse a la aleatoriedad del cielo con respecto a usar luz artificial es que no puedes controlar si una nube traicionera te tapa el Sol o la merma de luz conforme se apaga el día. Por lo demás, como veis, no hay problemas para obtener grandes resultados. El maquillaje deberá adecuarse a las circunstancias y el post procesado estará más elaborado pero eso es solo cuestión de aprendizaje y práctica, depende enteramente de vosotros. Con demostraciones como ésta se nos acaban las excusas y los pero….

Vídeo | Faye Sampson | Vimeo
Vía | F Stoppers

Recordando que hace poco hablábamos de buscar la luz natural en uno de nuestros artículos, desde el sitio web de Photoactive, nos llega la noticia de que el ex fotógrafo del Sunday Times, Philip Dunn ha lanzado su segundo DVD de la serie Photoguru: “Mejor Fotografía: Retratos con luz natural”. En este DVD Phillip nos muestra todos sus secretos a los fotógrafos de todos los niveles para realizar mejores retratos en luz natural. Como muestra tenéis el vídeo.

También os dejamos con un pequeño vídeo para que tengáis un poco la idea de cómo procesar este tipo de retratos, aunque ya realizados con un setup de iluminación, pero el procesado estotalmente aplicable. Nos llega de la mano de Adrian Blachut que en youtube nos enseña de forma fácil y sencilla cómo combinando adecuadamente y con gusto, en mi opinión, combina diversos plugins cómo los conocidos Topaz Adjust o Nik Color Efex junto con el uso de curvas de tonos con máscaras consigue unos resultados bastante interesantes.

Vía | Phillip Dunn | Brian Blachut

Quizás hayas oído hablar sobre la hora azul en algún texto sobre fotografía. Si lees en inglés, quizás la magic hour o incluso la golden hour. Y además seguro que ya debes saber que es uno de los momentos más espectaculares para realizar fotos. Pero ¿ya sabes qué es? ¿Y cuándo se produce? ¿Y qué hacer cuando te la encuentras?

No creas que fotografiar en ese momento es algo complicado, nada más lejos de la realidad. Además, vale la pena hacerlo, ya que puedes conseguir instantáneas de una espectacularidad impresionante.

Para empezar, la definición. La hora azul no es más la hora previa a la salida del sol y la previa a su puesta (estos intervalos de tiempo son aproximados). Esta luz tiene ciertas particularidades. Por ejemplo, durante estos periodos de tiempo, la luz natural es muy difusa, lo que se traduce en una alta calidad de la iluminación de la escena. Por otro lado, la situación del sol respecto al horizonte hace que se produzca un curioso fenómeno físico, de manera que se produzcan los espectaculares amaneceres o atardeceres repletos de colores cálidos. Si te apetece conocer más detalles sobre esta cuestión puedes leer este post sobre la dispersión de la luz.

Además de fotografiar paisajes con esta luz tan sugerente, fotografiar durante estos periodos es altamente apropiado para los paisajes urbanos por un simple motivo. Y es que entonces las ciudades están alumbradas mediante la luz artificial de farolas, edificios, carteles publicitarios, etc, con lo que se mezcla la luz natural con la artificial, pudiendo captar cielos y construcciones urbanas iluminadas simultáneamente, como por ejemplo, la fotografía que puedes ver a continuación.

¿Qué es lo que puedes hacer para tomar fotografías durante la hora azul? Pues tendrás que practicar y hacer diversas pruebas, pero os dejamos unas directrices básicas:

• Uso del trípode. Indispensable.
• Deberás jugar con el tiempo de exposición. En función de la luz natural que todavía puedas apreciar será más o menos larga.
• Deberás hacer lo mismo con la apertura del diafragma, jugando con los valores de uno en función del otro (mayor tiempo de exposición implica menor apertura y viceversa).
• Para conseguir que la luz de las farolas parezca una estrella (con aspas) lo que debes hacer es cerar el diafragma.
• Al utilizar tiempos de exposición largos, usa el disparador remoto o el temporizador de tu cámara.
• Si disparas en RAW te ahorrarás problemas con el balance de blancos.

Si lo que te preocupa es cuando se pone el sol o cuando amanece, puedes utilizar alguna de estos dos servicios que calculan estos dos momentos: Sun/Moon Calculator o Gaisma.

Como últimos consejos, te diremos que pienses con antelación qué foto quieres hacer. Si conoce bien la ubicación desde donde dispararás mejor. Piensa que aunque tendrás un buen rato para fotografiar, la hora azul no es infinita. Y no olvides contemplar la opción de que en la composición de tus fotos aparezcan elementos móviles como coches o personas...

¿Tienes alguna foto que mostrarnos?

Más información | Microsiervos Fotografía | Sets de Flickr de thinkingpicture y Dr Jaus