Ahora que estamos de acuerdo en que las mirrorless son las nuevas reinas de la fotografía (no por nada, sino porque los números así lo dicen) y finalmente han destronado a las DSLR, hay quien puede pensar que cambiar desde una cámara réflex a una sin espejo es un paso similar al que se produjo cuando la fotografía digital desterró (no totalmente, ojo) a la foto analógica (osea, la que se hacía con película química) ¿Podemos equiparar estas dos transiciones tecnológicas?

Nuestra opinión es que no, que para nada hay un salto tan grande, y lo mismo opina Illya Ovchar, un fotógrafo húngaro especializado en moda que ha escrito este artículo en FStoppers en el que habla de ello y saca a colación esta interesante comparación y la posible confusión que provoca en muchos (sobre todo aficionados).

Viendo determinados modelos (como los de esta foto) se entiende mejor como el cambio de réflex a sin espejo no es tan radical.

Según el autor, mucha gente compara el rápido aumento de las cámaras sin espejo con los días en que lo digital superó a la película y cuenta que a él el cambio no le parece tan radical, demostrándolo de la mejor manera: echando la vista atrás. Pero antes, comenta que se siente confuso cuando la gente afirma que se es mejor fotógrafo por tener una cámara más moderna (algo con lo que estamos totalmente de desacuerdo) y también que cree que hay demasiada publicidad en torno a la tecnología sin espejo.

Por si fuera poco, Illya cuenta que se acaba de comprar una réflex y que no se va a pasar a una sin espejo... Pero no por nada, sino porque "lo que tengo hace el trabajo [...] No puedo decir que no haya diferencia entre réflex y mirrorless, pero no es tan grande como a algunos les gustaría".

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Su nueva cámara (no vamos a citar marcas pero si os interesa él sí lo cuenta en el artículo) tiene todo lo que él necesita para los próximos años: "un buen enfoque automático y un mercado de lentes con el mejor rendimiento óptico para cámaras de 35 mm". Por supuesto el coste también es un factor importante, porque la cámara le ha costado 900 dólares, cuando es un modelo de 2016 que salió al mercado por 3.500 dólares, y afirma que no tiene dinero para invertir en un sistema de formato medio o comprarse dos cuerpos de sin espejo profesional.

El cambio no es para tanto

El fotógrafo no está preocupado por si las DSLR son una raza en extinción, porque él no lo ve así; básicamente porque el método de captura de imágenes no ha cambiado tanto como lo hizo cuando el auge de lo digital llevó a la (casi) desaparición de la película fotográfica. Antes de esto, la película química era la única manera de capturar imágenes, ya fueran fotografías o vídeo. En aquellos momentos había pocas marcas fabricantes de película y la mayoría de las que se utilizaban habitualmente tenían una sensibilidad máxima de 800 y, como mucho, la posibilidad de hacer 36 fotografías.

Las cámaras de película sí que tenían muchas diferencias frente a las digitales.

Eso significaba que se hacían muchas menos fotos y que las posibilidades de disparar con poca luz eran mucho más escasas que hoy día. Luego también estaba el inconveniente de que era imposible ver lo que se hacía, porque antes había que revelar la película y eso era caro y complicado. Por eso, la fotografía era un medio mucho menos extendido que ahora entre principiantes y aficionados.

También habla de su experiencia como "fotógrafo químico" y como sus primeros trabajos fueron decepcionantes, de modo que se pasó al digital lo más rápido que pudo con una cámara de segunda mano, momento a partir del cual su fotografía cambió enormemente. Aquella cámara tenía la "friolera" de 8.2 Mpíxeles de resolución digital, un ISO de 50 a 3.200, conexión USB 1.1, ráfaga de 8,3 fps y 45 puntos AF.

Pero más allá de la hoja de especificaciones, el salto al digital facilitó mucho su trabajo. Gracias a eso podía ver lo que estaba haciendo en una pequeña pantalla TFT de 2' y no estaba limitado a 36 exposiciones. "La capacidad de evaluar mi trabajo, cambiar las velocidades ISO, capturar una mayor cantidad de imágenes y postprocesar e imprimir con facilidad me convirtió en un mejor fotógrafo al brindarme unas posibilidades creativas mucho mayores".

Sin espejo Vs DSLR

Illya sigue contando que, aunque no se haya pasado a las mirrorless (ni tiene intención de hacerlo de momento), sí que ha utilizado alguna y ha comprobado como aportan ventajas en aspectos como el tamaño, peso, AF y posibilidades de grabación de vídeo. Sin embargo, tiene claro que "simplemente son mejores que las DSLR, no diferentes de ellas. La tecnología es mejor, pero no es diferente".

Foto de Peter Anderson

Por eso, al preguntarse si las sin espejo cambiarán la industria tanto como lo hizo la cámara digital, la respuesta es clara: No. "No ofrece una forma completamente nueva de interpretar qué es una imagen, ni cambia la definición de una cámara. Simplemente hace un mejor trabajo en ciertas áreas".

Para el autor, actualmente hay un gran esfuerzo de marketing con cada lanzamiento de una cámara. "Se invierte mucho en I + D en cada cámara nueva y es normal que tengan que vender para recuperar ese dinero". Pero comparar el salto de las réflex a las mirrorless con el que supuso la transición de película a digital sería como comparar coches actuales con coches voladores del futuro. Por eso, para él la comparación adecuada sería "de coches viejos a coches nuevos: más seguros y rápidos, pero no revolucionarios".

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Nuestra opinión

Nosotros estamos totalmente de acuerdo con el autor del artículo; buena parte del equipo de Xataka Foto ha vivido una transición similar a la que cuenta el autor, desde la foto química a la digital, y estamos convencidos de que aquello fue un salto abismal, mucho mayor que el que se plantea ahora con las réflex y las sin espejo.

Por mucho que las réflex hayan sido destronadas, sus cualidades siguen siendo muy valiosas.

Por eso, por más que digamos de que las sin espejo han desterrado a las réflex y ya son el futuro presente de la fotografía, eso no significa que las DSLR ya no sean válidas. Muy al contrario siguen siendo unas cámaras muy válidas para muchos tipos de usuarios y para muchas situaciones.

Por eso, nadie debería obsesionarse con el tema de si son mejores las réflex o las mirrorless, simplemente evaluar las ventajas e inconvenientes de uno y otro sistema y decidir por lo que considere más adecuado para disfrutar de la fotografías. Al fin y al cabo, y esto es algo que repetimos a menudo, lo importante son las fotos, no con qué las hacemos.

Foto de portada | Daniel Jericó

Vale, es cierto que llevamos oyendo decir eso de la muerte de las DSLR prácticamente desde que llegó al mercado el sistema Micro Cuatro Tercios y con él la primera sin espejo del mercado (y va para trece años ya), pero últimamente estamos viendo movimientos que nos llevan a pensar definitivamente en el ocaso, ojo que no la desaparición, de este sistema.

Mismamente la semana pasada muchos medios se han hecho eco de la aparente descatalogación de las cámaras Sony A, pero llevamos semanas viendo rumores de que tanto Canon como Nikon están descatalogando y/o dejando de producir cámaras de este tipo y objetivos para ellas. Esto tampoco es nuevo por cierto, pero sí es verdad que desde que en 2018 tanto Canon como Nikon se “lanzaron” al ruedo de las mirrorless de formato completo sus esfuerzos están centrados en este tipo de cámaras.

No hay más que ver que entre el año 2019 y el pasado 2020 apenas hemos visto novedades en este ámbito (apenas tres o cuatro por año), mientras que las sin espejo han seguido acaparando nuestra atención con muchos lanzamientos... Y no digamos ya los móviles que, nos guste o no, cada vez hacen mejores fotos y se han convertido en una alternativa para muchos fotógrafos (aunque desde nuestro punto de vista no son los culpables de jubilar a las réflex).

Pero si hay algún dato que pueda aclarar definitivamente este debate es que en 2020 por primera vez se vendieron mas cámaras sin espejo que réflex. Este sorpasso ha sido algo paulatino, poquito a poco a lo largo de los años, pero ya es una realidad; por eso podemos decir que las DSLR están superadas, que son un sistema en decadencia como los televisores de plasma o los fax; decir que han muerto no sería ni correcto (ni ético posiblemente), y está claro que se van a seguir vendiendo durante mucho tiempo, pero se acabó su reinado.

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Reflex Vs Mirrorless: Los miedos a cambiarse de sistema

No hace falta que lo digan directamente, pero ni Canon ni Nikon creen ya en el futuro de las réflex, aunque está claro que siguen teniendo muchos usuarios de sus sistemas y no les van a abandonar; la única que va a contracorriente es Ricoh, que con sus Pentax no sólo no ha abandonado el mundo réflex sino que se atrevieron a decir que las sin espejo son una moda. Esto ya contamos que tiene toda la pinta de ser o una estrategia o una maniobra de distracción, pero no deja de ser curioso en el contexto que estamos contando.

Así las cosas, puede que sigas convencido de las ventajas de las cámaras réflex frente a las sin espejo, pero no se puede negar que las mirrorless han mejorado mucho sus aspectos negativos. Hemos recuperado (abajo) el cuadro comparativo con las diferencias entre sistemas réflex y CSC que os ofrecimos en este artículo de hace algo más de tres años y es curioso ver como las cosas se han ido igualando. Hoy por hoy diría que sólo el precio y la autonomía son factores diferenciales; el resto está prácticamente superado.

Incluso el tema del visor, uno de los más importantes, se ha igualado muchísimo en las últimas cámaras sin espejo. Es cierto que para usuarios que tengan que pasar mucho tiempo con el ojo en él, como fotógrafos de naturaleza, puede que el visor réflex siga siendo más cómodo, y por eso es perfectamente entendible que muchos no tengan intención de cambiarse de sistema.

Para estos (y otros) sería deseable que, tal y como cuentan los chicos de The Phoblographer, las marcas que sigan lanzado réflex (ya sea por satisfacer a sus ya usuarios, caso de Canon y Nikon, o por acoger a nuevos, caso de Pentax) apostaran por hacerlas evolucionar e incluir novedades como la vista previa de la exposición (es decir, que se pueda ver cómo va a quedar la foto realmente en cuanto a niveles de luz) o añadir de una vez por todas cosas como el estabilizador integrado en el cuerpo (algo que tienen sólo algunas réflex).

También hablan de incorporar sistemas AF con mayor número de puntos (y que cubran todo el área de la imagen) y, cómo no, que incluyan detección de rostros y ojos. También que apuesten por los cuerpos sellados y las pantallas táctiles en todos los modelos y, por supuesto, que busquen hacerlas más pequeñas para poder competir con las sin espejo.

Incluso llegan a sugerir que no sería mala idea desechar el típico grip que, si no llevan muchas mirrorless ¿por qué mantenerlo en todas las réflex? Por el camino puede que perdieran algo de su longeva autonomía pero, siempre que una batería dure una semana ¿qué más da?

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Canon vs Nikon: La historia de una rivalidad legendaria en el mundo de la fotografía

Estoy de acuerdo en que si se introdujeran estas (y otras) mejoras las DSLR aguantarían mejor, pero no tengo muy claro que ni Canon ni Nikon tengan mucha intención de gastar recursos en ello (Pentax sí, pero desgraciadamente su cuota de mercado es bastante minoritaria), salvo quizá en sus modelos profesionales. Lo que sí tengo muy claro es que las sin espejo no son una moda pasajera.

En fin, veremos qué nos depara el futuro; como decía al principio no creo que las réflex vayan a desaparecer (como no lo han hecho los discos de vinilo o los carretes de película química) porque no han muerto, sólo han pasado a un segundo (o tercer) plano cuando hablamos de cámaras de fotos. Aún así, exagerando un poco, sólo nos queda decir, como harían los ingleses, que si el Rey (las réflex) ha muerto, sólo queda gritar "¡Viva el Rey!".

Cada año, Shutterstock hace una recopilación de tendencias que pueden aparecer en el mundo de la fotografía, el diseño y el vídeo alrededor del año que viene. Este año, la compañía está presentando estas tendencias en pequeñas tandas y, entre ellas, nos da sus predicciones dentro del mundo de la fotografía de naturaleza muerta.

Estas tendencias visuales suelen ser predicciones basadas en un balance de lo que los fotógrafos están realizando y lo que los diseñadores y agencias buscan para sus diseños y piezas. Para este año, Shutterstock presenta cinco estilos que ellos creen dominarán el mercado en diseño durante 2021.

Ikebana (el arte del arreglo floral)

Una de las principales tendencias se enfoca en el crecimiento de la naturaleza como protagonista de las escenas. Dentro de estos protagonistas las flores han tenido un gran crecimiento como elemento principal en campañas y diseños, lo que ha hecho más popular la fotografía basada en arreglos florales de carácter natural.

El ikebana saca a relucir la belleza de la naturaleza con arreglos, en apariencia, simples. Sin embargo, este arte requiere de mucho refinamiento y de conocer muy bien cómo complementar las ramas, hierbas, flores y hojas para crear un balance y una obra de arte a partir de ellas.

Shutterstock menciona el uso de plantas japonesas y escandinavas para el desarrollo de estas piezas. Además recomienda un buen balance de la imagen y dar espacio para resaltar el arreglo. Alguien con experiencia en el arte será un gran aliado.

El Modernismo

En la mayoría de tendencias, el balance de las figuras y el espacio neutro serán claves. Aquí es donde la inspiración de esta era del arte brota en la fotografía.

Bases neutras, líneas definidas, curvas orgánicas y el uso de la simpleza para evocar sensaciones, mensajes y elementos. Se resalta la figura y sus componentes y se mezclan las propiedades de los elementos para crear más capas de contraste (como usar fondos orgánicos con sujetos industriales).

Para esta tendencia Shutterstock dice que los mejores elementos son el papel de colores y el papel de espuma de manualidades que nos ayudarán a establecer colores y figuras. También se debe aprovechar los elementos de maneras inusuales, aprovechando su geometría y materiales para crear profundidad y potenciar el estilo.

Minimalismo monocromático

Este estilo se enfoca en potenciar los productos y los sujetos dentro de la escena. Al igual que con los estilos anteriores, la clave está en la simpleza. Pero debe ser adquirida con cuidado, ya que se debe jugar con el contraste lumínico y las formas de los sujetos para crear una composición llamativa y agradable.

Los patrones y el análisis del color son elementos importantes para lograr mensajes claros y sensaciones atractivas a la audiencia. A diferencia del Ikebana o el Modernismo, donde la atención está en observar elementos individuales, acá se busca una lectura general de la imagen a través de las variantes de tono que la guía.

En este apartado nuestros aliados son elementos como cajas, escaleras u otros elementos que generen líneas rectas hacia el producto destacado. Buscar que los elementos sean de tonos muy similares (o llevarlos a ello). Jugar con las transparencias en los elementos y con la proyección de sombras y luces para crear caminos de lectura en la imagen.

Antiguedades

Las reliquias de la familia y aquellas baratijas que parecían curiosas durante la visita al mercado de antigüedades van a tener un renacer en el año próximo. La inspiración en lo antiguo define una tendencia en la publicidad de antaño, lo que también nos llevará a complementar estos elementos con la monocromía.

Sin embargo, el juego está más en crear escenas que nos lleven a una estética de los siglos pasados. Tal vez, una buena inspiración será comenzar a visitar piezas cinematográficas que representan épocas como puede ser 'Moulin Rouge' o 'Midnight in Paris'.

Shutterstock dice que las claves para destacar en este campo son tener claros los temas a presentar, de esta manera los elementos a buscar serán para evocar el mensaje del tema. Para no caer en volvernos recolectores de antiguedades, es importante ir depurando elementos que pueden servir como base de estilo o acompañamiento en múltiples temas y solo buscar elementos clave cuando se va a realizar una fotografía. Las frutas, las ramas y flores deshidratadas siempre son bienvenidas.

Integración de ingredientes

Entender las propiedades o características de los productos nos puede ayudar a potenciar la imagen. Algodón sobre una tela de algodón, un tinte de cabello sobre un fondo de cabello tintado o los elementos que componen la cerveza de nuestro cliente acompañando una perfecta fotografía de producto.

Este tipo de asociación permite a los espectadores identificar rápidamente propiedades clave que queremos resaltar en la imagen del producto; lo que lleva a una imagen más efectiva y a un diseño más sencillo donde la atención se centra en la imagen. Así mismo, el color, la simpleza y el balance son claves para no saturar la composición. Si mi producto tiene 50 ingredientes, pero lo clave es su aroma a fresas, un ambiente rojizo y unas fresas acompañando el producto son más que suficientes.

Shutterstock menciona que es importante pensar en la industria que se está presentando para hacer conexiones correctas de los elementos. Muchos elementos de la industria de la ropa, el cuidado personal y el alcohol tienen características basadas en elementos naturales que se pueden conseguir. En industrias más industriales, las texturas, los colores y los resultados serán esos elementos de propiedad que resaltarán el producto.

El debate sobre qué tipo de cámara, DSLR o sin espejo, es mejor es algo bastante habitual en páginas web, redes sociales, foros de usuarios, etc. Y muchas veces puede convertirse en una discusión en la que ambos bandos llegan a exaltarse defendiendo “a capa y espada” las bondades de uno y otro sistema. ¿Tiene sentido esta exaltación o es sólo impulsada por un miedo irracional?

En anteriores ocasiones hemos hablado de las ventajas e inconvenientes entre réflex y mirrorless, de las nuevas funciones que estas últimas han aportado a los fotógrafos e, incluso, de las cosas que nadie cuenta antes de “dar el salto”; pero esta vez vamos a hablar de otros aspectos más emocionales: los posibles temores que puede tener un fotógrafo que se plantea cambiar de sistema.

Por cierto que en principio entendemos que estamos hablando de cambiar de una DSLR a una sin espejo, pero como vais a ver muchos de los siguientes miedos también son aplicables incluso si se diera el caso contrario. Por ejemplo que un usuario que lleva pocos años en el mundo de la fotografía hubiera empezado con una CSC y quisiera cambiarse a una réflex. En cualquier caso, vamos a verlos.

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Miedo a perder dinero

Está claro que la cámara es la principal herramienta del fotógrafo y, por tanto, una nueva cámara es una inversión, y cuando se trata del bolsillo ya sabemos que la gente se lo toma muy en serio. Además, lógicamente el modelo perfecto no existe, y para elegir el más adecuado para nosotros hace falta un trabajo previo que también tiene su valor.

Foto de Junpei Abe

Es necesario que nos informemos bien y que seamos capaces de conocer las diferencias entre los distintos sistemas, los modelos que existen, los tipos de sensores que hay… Por ello, una vez que hemos llevado a cabo todo esto y hemos decidido invertir nuestro dinero en un sistema en concreto, tendemos que defender nuestra elección a cualquier precio.

Por otro lado, como todo fotógrafo sabe cambiar de sistema siempre implica unos gastos que van más allá de lo que cuesta una nueva cámara. Especialmente si somos profesionales y necesitamos un equipo amplio para nuestro negocio.

Por ello, además de tratar de calcular el coste total que supondrá el cambio, deberíamos plantearnos si realmente los beneficios justificarán los gastos y si realmente necesitamos un cambio de sistema o no. Por todo ello, no es raro que tengamos miedo a perder dinero si nos decidimos a “dar el salto”.

Miedo al cambio

Otro temor, comprensible, que podemos tener muchos fotógrafos es el de la necesidad de adaptarnos a un nuevo sistema que, inevitablemente, será distinto a lo que estábamos acostumbrados. Tener que volver a aprender el manejo de una cámara, acostumbrarnos a nuevas características y ser capaces de aprovechar funciones hasta ahora desconocidas para nosotros es algo que nos puede echar para atrás.

Foto de Charles Clegg

En este sentido, podemos utilizar un símil referido a los coches que es perfectamente aplicable a muchos otros ámbitos, incluido el de la fotografía: Si sabes conducir un coche sabes conducir cualquier otro. Quizá al cambiar notarás que los mandos son distintos pero, tras un periodo de adaptación, te harás con ellos y podrás disfrutar de las mejoras que (se supone) te ofrece el nuevo modelo porque, lo realmente importante, es tener una base.

Pues en fotografía lo podemos aplicar igual; lo importante es conocer la técnica fotográfica; luego cómo aplicarla no es tan diferente en una cámara u otra, sólo es cuestión de adaptarse para empezar a disfrutar de lo nuevo.

Miedo a verse superado

Otra de las razones que pueden motivar las discusiones entre usuarios de ambos sistemas es, ni más ni menos que, el miedo a quedarse atrás. Porque, ¿y si resulta que esa otra cámara realmente funciona mejor y, en un momento dado, mi sistema se queda obsoleto y no puedo garantizar la misma calidad para mis fotos (o a mis clientes)?

Foto de Burst

Esta cuestión es importante, pero seguramente exagerada. Es cierto que una nueva cámara puede aportarnos algunas ventajas en nuestro trabajo, pero si hemos hecho buenas fotos con el sistema que teníamos no hay razón para pensar que “de la noche a la mañana” dejen de ser válidas.

Así, si nuestra réflex hace buenas fotos no hay razón para pensar que vaya a dejar de hacerlas en los próximos años, sólo porque ya haya modelos más modernos por ahí. Por supuesto hablamos de un corto plazo (¿cinco años quizá?), porque nunca se sabe cómo puede evolucionar el mercado y la tecnología a medio y largo plazo.

Hoy por hoy, las sin espejo parece que definitivamente han cogido impulso en la carrera por ser los modelos que tiran del mercado; pero aunque se vuelva a hablar de aquello de que “las réflex han muerto”, sigue habiendo una importante demanda de cámaras con visor de pentaprisma (según dicen los fabricantes). Por eso deberían convivir unos cuantos años sin problema y lanzarse nuevos modelos (aunque vayan escaseando poco a poco) que recojan novedades tecnológicas.

Miedo a un cambio del mercado

Muy relacionado con lo anterior, está claro que la industria de la fotografía es un mercado altamente competitivo. Si en un momento dado un fabricante de cámaras decidiera descartar un sistema, eso podría hacer que nosotros como fotógrafos nos viéramos obligados a hacerlo también, incluso aunque estuviéramos convencidos de que el sistema anterior es mejor.

Foto de Arno Body

Tenemos que ser conscientes de que los fabricantes antes que hacer “la mejor cámara” prefieren construir “la cámara que se va a vender mejor”. Por tanto, si los usuarios de réflex decidieran claudicar (por decirlo de algún modo), aceptar que los sistemas sin espejo son mejores y proclamar que nadie debería comprar una DSLR, muy probablemente este sistema quedaría definitivamente obsoleto. Sin demanda, no habría desarrollos nuevos a largo plazo y no habría nuevos objetivos, ni software, ni servicio de atención al cliente...

Probablemente, esta es la causa principal de que haya tantas disputas sobre cuál es el mejor sistema. Por eso, siempre que alguien proclame que las réflex han muerto los partidarios de este tipo de cámaras sentirán la necesidad de defenderse. Ambos quieren que su sistema brille de la mejor manera posible porque su opinión es importante, y no solo para ellos sino también para el mercado.

Además, al defender uno u otro sistema también se crea una narrativa que influye en la reputación. Por ejemplo, todos sabemos que está ámpliamente aceptado que una cámara grande es más “profesional”, con lo cual un fotógrafo será mejor visto cuanto más grande sea su cámara, aunque también puede ocurrir que simplemente se fijen en su portfolio.

Porque esto es algo cambiante, y que se ve influido tanto por lo que demandan los clientes en cada caso, como por lo que los propios usuarios decimos sobre nuestras cámaras, así como (muy importante) por el marketing de las distintas marcas y cómo posicionan sus lanzamientos.

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Miedo a un mal momento

Puede ocurrir que tomemos la decisión de dar el salto e invertir en un nuevo sistema y, por aquello de la Ley de Murphy (ya sabéis, “si algo puede salir mal…”) resulte que al día siguiente se presente algo totalmente nuevo. O, simplemente, que nos compremos una cámara nueva y al poco se presente una mejor, que haga que la nuestra quede casi instantáneamente obsoleta.

Foto de Melvin Thambi

Desgraciadamente esto es algo con lo que tenemos que convivir. Hoy por hoy, con el mercado de la fotografía ya plenamente integrado en la dinámica de la industria electrónica, tenemos que se conscientes que al comprar cualquier cámara más tarde o más temprano veremos aparecer una mejor que hará que el precio de la nuestra disminuya significativamente.

Es algo inevitable porque el progreso tecnológico no se detiene. Continuamente se lanzarán nuevos modelos de cámaras, objetivos y otros accesorios al mercado que harán que nuestro equipo, sea del sistema que sea, quede desactualizado en mayor o menor medida. Y adaptarse requerirá una inversión costosa pero ¿significa eso que ya no podemos hacer buenas fotos con lo que tenemos? Como decíamos al principio, por supuesto que no.

Foto de Andrew Sales

Lo que queremos decir con ello, y esto ya nos sirve a modo de conclusión, es que el mercado no debería ser quien dicta cuándo es el momento de un cambio de sistema. Esto debería venir marcado por nuestras necesidades y capacidades, lo que puede significar que para algunos nunca llegue ese momento porque no lo necesiten (pensemos por ejemplo en los que disparan con película).

Por eso debemos ser capaces de superar nuestros miedos y, sobre todo, de analizar de la forma más objetiva posible si necesitamos un cambio de sistema o si sólo queremos dar el salto por capricho o “por seguir una moda”. Y, sobre todo, como decimos siempre, disfrutar haciendo fotos con nuestra cámara porque, la mejor es la que tengamos.

Tener en nuestras manos “el poder” para editar las fotografías con programas muy potentes (y sencillos) que nos permiten hacer auténticas virguerías puede tener su “lado oscuro”. Así, cuando empezamos a procesar fotografías es fácil caer en una serie de errores, o dejarse llevar por modas, que probablemente nos perjudiquen si no somos capaces de resistir la tentación de abusar de ellas.

Se trata de cosas que todo principiante debería evitar o, cuando menos, ser consciente de que el exceso no es nada bueno (como en casi todo). Sé de lo que hablo, porque yo mismo (hace unos cuantos años ya) cometí muchas “barbaridades” que os voy a mostrar en este artículo.

Foto de Oscar Condés

Por eso, la mayoría de las fotos que vais a ver son propias y fueron procesadas de forma excesiva cayendo en varios errores que hoy procuraría evitar. Bueno, ciertamente tampoco me arrepiento, porque se trataba de “jugar” con las grandes posibilidades que cierto programa de edición (entonces nuevo para mí) me había descubierto que podía realizar en apenas unos clics para conseguir unas fotos muy llamativas.

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Desaturación selectiva

Es una técnica muy efectista que todos hemos visto muchas veces, sobre todo en folletos publicitarios. Se trata de virar a monocromo una imagen excepto algún elemento, generalmente muy saturado y de un color llamativo. Este recurso puede estar bien en determinadas ocasiones, pero abusar de ello es claramente pernicioso.

Foto de Óscar Condés

Así que, como principiantes, debemos plantearnos si realmente merece la pena aplicar este efecto a una foto en concreto, si la imagen de verdad mejora o si sólo buscamos un golpe de efecto visual. En la imagen de arriba, por ejemplo, tenía su gracia aplicar el efecto para resaltar el bus amarillo (ya sabéis, igualito que en las películas), pero ciertamente la foto más real me parece mejor.

No quiero decir que debamos huir de esta técnica (como del resto), pero sí que deberíamos dejarla sólo para ocasiones contadas y es mejor subir un poco con la saturación para resaltar el elemento concreto sobre el que queremos llamar la atención, pero sin llegar a virar el resto a blanco y negro. O si no, siempre tenemos otros recursos para dirigir la mirada del espectador hacia un elemento, entre ellos algunos muy creativos.

Sobresaturado de la foto

En los últimos años, sobre todo con el auge de redes sociales como Instagram, es más frecuente ver muchas imágenes de colores vibrantes y muy atractivos, a veces irreales. Parece que si nuestro feed no es colorido y un poco chillón es que no somos lo suficientemente buenos. Y esto puede llevarnos a procesar en exceso nuestras fotos, sobresaturándolas o virando el color para obtener resultados más llamativos.

Foto de Oscar Condés

Esto me sucedió en la foto de arriba, cuyo cielo (como se puede apreciar fácilmente) tiene un tono totalmente irreal. Sí, llama la atención, pero una vez pasada la sorpresa uno se pregunta ¿mejora la foto? ¿aporta algo realmente esa saturación excesiva? Así que, cuando empezamos a retocar las fotos, debemos procurar no pasarnos con el color. Una imagen atractiva está bien, pero sobresaturarla no siempre es la mejor receta.

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Abusar del blanco y negro

Justo al contrario que lo anterior, a veces nos ocurre que casi cualquier foto gana interés si la viramos a monocromo. Sin embargo, eliminar la información de color no siempre es adecuado porque si no hay contraste o los colores se empastan, es muy posible que no sea recomendable convertirla.

Foto de Óscar Condés

Incluso si una escena tiene buen contraste es posible que dejarla en color sea la mejor estrategia, porque resultará más atractiva y natural. Es el caso del ejemplo que os pongo, aunque reconozco que la foto monocroma también me gusta pero, en su momento, la convertí casi de forma automática… Y eso es justo lo que se debería evitar.

Uso excesivo del viñeteado

Usar viñetas creadas en el postprocesado de la fotografía es algo bastante personal, pero resulta un efecto bastante artificial que puede ser útil en determinados casos pero se debería evitar abusar. Por ejemplo, en retratos puede ser una forma más de resaltar al protagonista, pero en paisajes quizá no sea lo más adecuado.

Foto de Oscar Condés

El ejemplo que he escogido creo que es bastante significativo, porque muestra como un ligero viñeteado puede ayudar a dar interés en la foto, pero un efecto demasiado marcado casi la estropea.

Abuso del HDR

He dejado para el final el que posiblemente sea el efecto más recurrente de los últimos años (aunque parece que se ha pasado un poco de moda). Hablo efectivamente del HDR o High Dynamic Range, esa técnica para conseguir fotos con alto rango dinámico que clarísimamente (creo) es el ejemplo de que el abuso es altamente pernicioso.

Foto de Eneas De Troya

Esta vez la foto que ilustra este punto no es mía (por eso no hay "antes y después") ya que, por una vez, apenas he incurrido en este error y sólo lo he usado unas pocas veces buscando siempre un resultado realista. Y es que las fotos en las que se abusa de esta técnica son totalmente irreales… y encima feas (es una opinión, claro), pero si se usa con tino es una solución totalmente recomendable para situaciones de alto contraste.

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El mundo de la fotografía HDR: ¿Cómo, cuándo y por qué?

Claro que me gustaría conocer vuestra opinión al respecto ¿Os parece que estos cinco errores que hemos mencionado son correctos o estamos exagerando? ¿Los habéis cometido? ¿Echáis en falta algo en la lista?

Hace poco os informamos que Pantone había lanzado su color para 2020, el ‘Azul clásico’. Por la mísma onda, Shutterstock acaba de anunciar, en una publicación interactiva, los que ellos creen serán los colores tendencia de 2020: Lava Lujosa, aqua menta y azul fantasmal.

Como cabe resaltar, el anuncio de estos colores suelen mostrar la tendencia hacia la que la publicad se mueve y los colores que veremos en la mayoría de piezas gráficas. A diferencia de la elección de Pantone, lo más llamativo de las elecciones de Shutterstock es que dan un rango que muestra claramente el contraste y rango de tonos sobre los que se mueve esta tendencia.

Este año, podemos ver lo bien que se complementan el color lava lujosa con el azul fantasmal y con el aqua menta. Son tonos que directamente resaltan a la vista. Por lo que no se debe hacer raro que el próximo año veamos el famoso ‘Teal & Orange’ hacer un regreso a las fotografías y vídeos alrededor de la web.

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Así puedes conseguir un estilo 'Teal and Orange' en un revelador RAW y Photoshop

Como reporta Fstoppers, en el reporte de Shutterstock también podemos ver las tendencias de color de algunos países. En España esta tendencia ha ido hacia el azul fantasmal, específicamente hacia el código de color #0000FF. Será interesante ver qué tan certero resulta ser esta predicción de tendencias.

El mundo retro se mueve entre la nueva generación de fotógrafos de manera muy curiosa. Cuando la curiosidad de experimentar surge, algunas tecnologías de antaño tienen un renacer fotográfico. En esta ocasión, parece que las cámaras desechables son el nuevo foco de atención entre nosotros los millenials y los jóvenes de la generación Z.

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Flickr pone en marcha un nuevo servicio de impresión para nuestras fotos

Como reporta el LA Times, los fotógrafos de ambas generaciones están siguiendo una tendencia que arrancó con algunas celebridades que han sido vistas capturando imágenes con cámaras desechables, como Gigi Hadid y su Kodak FunSaver o David Dobrik quien abrió un instagram dedicado a realizar fotografías en cámaras Fuji QuickSnap. Esto se replica entre los millones de seguidores de estas celebridades, quienes por curiosidad comienzan a investigar y a pedir el regreso (y el desentierro) de las viejas cámaras.

La tendencia se está moviendo principalmente entre los jóvenes de la generación Z, quienes han encontrado diversión en esta tecnología analógica. En el artículo del LA times, se ven entrevistas donde los jóvenes hablan de cómo “las imágenes se ven más auténticas” y “cómo permiten capturar lo imperfecto de una manera casi perfecta en tan solo un disparo”. Definitivamente el look de estas cámaras tiene un gran valor de enganche.

Entre los que somos generación millenial, tal vez el enganche no va tanto hacia el look, sino hacia la expectativa de la toma. Tenemos alrededor de 27 exposiciones, que tomamos de un rollo vencido y que debemos esperar a revelar. Muchos de los millennials adoptando esta tendencia de cámaras desechables deben venir de la misma camada que practica con cámaras Lomo, que experimenta con rollos vencidos y que simplemente encuentra ese amor en los límites del fílmico que el digital no puede reemplazar.

En los noventa, las cámaras eran una herramienta que no podía faltar en las familias. Sin embargo, no todo el mundo tenía la posibilidad de acceder a estas. Fue cuando compañías como Kodak y Fuji comenzaron a ofrecer un servicio de cámaras desechables. Por un precio muy bajo, los usuarios podían comprar cámaras plásticas que estaban precargadas con un rollo fotográfico. Al gastar el rollo, llevarían la cámara a un centro de revelado oficial, donde podrían comprar una cámara nueva y obtener el revelado gratis o, simplemente, pagar el revelado e irse.

En promedio, Kodak precargaría las cámaras con una película de 800 ISO para poder cubrir todo tipo de escenas. Las cámaras de Fuji eran precargadas con película ISO 400. Al ser cámaras principalmente usadas en situaciones de vacaciones o familiares, cuentan con un color más saturado, contraste alto, pero con tonos de piel muy naturales. Los rollos viejos deben generar alguna pérdida de color, pero aquellas cámaras que se han mantenido en condiciones óptimas deberían producir resultados muy fieles a lo original.

Como toda tendencia de moda, el precio de las cámaras desechables subirán. En Amazon España se pueden conseguir algunas entre lo 13 y los 20 €.

En fotografía, como en todas las artes, siempre ha habido modas. Y éstas, como nos dice la RAE, no son sino un uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país”. Y es que, como se suele decir, “lo malo de las modas es que se pasan de moda”. Pero, ¿y en el mundo de la fotografía? ¿Cuáles son las tendencias actuales y cuáles las más populares o polémicas del pasado reciente?

A lo largo de la historia de la fotografía ha habido muchas, algunas más exitosas que otras, y hoy día, con la popularización de la fotografía móvil y de redes como Instagram podríamos decir que las modas “están más de moda” que nunca. De algunas de ellas hablamos hace años: El Tilt-Shift, el Efecto Dragan, el Timelapse o la Lomografía.

Foto de Allef Vinicius

Algunas ya están bastante superadas y otras aún de plena actualidad. Sea como fuere, vamos a hacer un repaso a algunas de las tendencias que han sido populares en el pasado reciente (y pueden seguir siéndolo) y otras que están de plena actualidad.

Por supuesto, por muy polémicas que sean, nuestra intención es que las conozcáis, por si os sirven para desarrollar más vuestra creatividad como fotógrafos y sin entrar a juzgar su valía, que sobre gustos no hay nada escrito y todas las opiniones merecen respeto. Vamos a ello.

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Tendencias “clásicas”

HDR o alto rango dinámico

Además de los ya citados, en aquel artículo también incluimos el HDR (High Dinamic Range), ya que seguramente es una de las modas más populares, y también de las más controvertidas, de los últimos tiempos. Venerada por algunos y vilipendiada por otros, esta técnica de procesado consiste, como sabréis, en tratar de registrar el máximo rango dinámico en las fotos mostrando el mayor nivel de detalle posible tanto en las zonas de luces como en las sombras.

Foto de shontz photography

Su popularidad fue muy grande hasta hace pocos años y ahora parece haber decaído, más que nada porque su abuso es claramente pernicioso. Enamorados del efecto que produce, muchos fotógrafos lo han aplicado a todo tipo de situaciones, haciendo que todas las imágenes parecieran iguales y, sobre todo, muy poco realistas. Sin embargo, cuando se usa para resolver el problema de las situaciones de alto contraste sin caer en la irrealidad (es decir, sin que se note), es una técnica perfectamente válida y nada censurable.

Desaturación selectiva

Quizá por el nombre no os quede muy claro a qué nos referimos pero seguro que al ver la foto rápidamente habéis caído. Conocida en el lenguaje de Shakespeare como Spot Color, consiste tal y como ya contamos en pasar una imagen a blanco y negro salvo una parte que se deja en color, lo que inevitablemente llama la atención del espectador.

Foto de Oscar Condés

Un recurso muy efectivo para destacar un elemento, pero que, hay que reconocer, es demasiado fácil (no de hacer, que también) y, desde luego, muy evidente e irreal. Habitual en fotografía publicitaria, igual que en el caso anterior, la mejor receta es usarlo con moderación, aunque en este caso sí que es casi imposible utilizarlo sin que se note que lo estamos haciendo.

Soft focus

Otro efecto clásico, también conocido como ‘flou’, consiste en difuminar la imagen mediante alguna técnica (lo más común es usar un filtro específico o untar un UV con vaselina) con la idea de alejarse de la realidad, distorsionarla para crear un mundo bucólico y romántico.

Foto de Wikimedia Commons

Muy popular en los años 80, se ha utilizado hasta el infinito en retratos, especialmente en el ámbito de la fotografía de boda, aunque también en otros campos. Actualmente parece que está de capa caída, aunque seguro que se sigue usando. De nuevo, nada que objetar al respecto salvo lo que ya hemos apuntado en los anteriores puntos: La moderación es la mejor receta porque, claramente, no es algo que sea conveniente para todo tipo de fotos.

Pictorialismo fotográfico

Lo anterior, el soft focus, se inscribiría dentro de la corriente pictorialista de la fotografía que, como contábamos hace unos meses, es una tendencia muy antigua. De hecho surgió a finales del Siglo XIX como una forma de que la fotografía rompiera las cadenas que la unían a la pintura y dejara de ser simplemente un medio de la reproducción de la realidad.

‘El desahucio’ de la serie 'Murillo fotógrafo' de Laura León y Jose Antonio de Lamadrid

Se caracteriza, por tanto, por tratar de interpretar la realidad (cual pintor) y hacer que la fotografía se convierta en un arte por sí mismo (algo que hoy día no creemos que nadie dude). Fue la primera gran corriente del arte fotográfico y quizá por eso siempre ha estado ahí. Nunca desapareció del todo, en realidad, y parece que en estos momentos se encuentra de actualidad de nuevo e inunda las redes sociales en múltiples formas y manifestaciones.

Fotografía química e instantánea

¿Es una blasfemia decir que la fotografía química es una moda? Algunos pensarán que sí, otros que no, pero está claro que después del advenimiento de lo digital, y que la película química quedara claramente aparcada, nunca ha habido tanta gente haciendo fotos con una cámara “analógica”.

Foto de Caleb Woods

Por eso creíamos que tenía que estar aquí, lo consideremos tendencia o no. Porque ya no es sólo que la lomografía (de la que ya hemos hablado) siga en vigor, sino que las cámaras instantáneas han supuesto una revolución entre la gente joven y muchos también están descubriendo esa “magia” de la foto química que, en parte, se había perdido en el baúl de los recuerdos.

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Las modas más actuales

Alto contraste

Empezando con las tendencias más actuales, últimamente estamos viendo mucho el uso de un elevado contraste como medio de expresión. Sobre todo en fotografía callejera, donde encontramos un montón de ejemplos como este que os mostramos hace poco y una de cuyas fotos hemos usado de ejemplo.

Foto de la serie ‘Psilocybe’ de Antonio E. Ojeda

Como veis, se trata de buscar escenas con un elevado contraste que tiendan al blanco y negro puros, incluso en fotografías que no son monocromas. Imágenes donde los volúmenes y las formas, las líneas y las geometrías y, por supuesto, la luz se convierten en protagonistas casi absolutos.

Proceso cruzado y otros filtros

La popularidad de Instagram puso de moda los filtros y sus posibilidades para hacer que una foto “corriente” se convierta en algo mucho más aparente con sencillez. Sin embargo, esto no es nada nuevo y ya se realizaba en los tiempos de la foto química (por ejemplo usando líquidos como contábamos aquí) para conseguir cosas como el efecto de proceso cruzado que, en distintas variantes, sigue de plena actualidad.

Foto de Oscar Condés

Y es que, algo similar es lo que utilizan los instagramers de moda para conseguir que todas sus fotos tengan un look parecido. Muy respetable, aunque nosotros pensemos que hacer que todas nuestras fotos se parezcan es abusar del efecto (lo cual nunca es recomendable) y limitar nuestra creatividad.

El selfie

De nuevo nos surge la duda: ¿Podemos decir que los selfies son una moda fotográfica? Si nos ponemos puristas seguramente no, pero no podemos dudar de que en la actualidad se realizan miles de selfies todos los días, tantos que han llegado a convertirse en una causa de muerte.

Foto de Daniel Lincoln

Si somos fotógrafos hasta es posible que miremos con cierto desdén a quien, en un bello lugar, se limita a hacerse un autorretrato con el móvil en vez de tratar de captar la belleza del sitio. Sin embargo ¿quién no ha querido hacerse una autofoto cuando ha visitado algún lugar muy famoso? Claro que la pregunta clave aquí sería ¿dejarán de estar de moda los selfies?

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El “postureo instagramero”

Terminamos con esta tendencia directamente relacionada con la anterior y que llevamos “sufriendo” desde hace ya bastantes años. Tanto que incluso hay una cuenta en Instagram (@insta_repeat) que denuncia la falta de originalidad de muchas de las fotos de esta red social.

Foto de IB Wira Dyatmika

Hablamos, claro está, de esa moda tan extendida de publicar fotos que hacen que tu perfil de Instagram sea la envidia de cualquiera (no por las fotos, sino por lo que muestran), normalmente posando con determinadas posturas y en lugares exóticos, todo para sugerir lo cool o atrevido que es su autor (y con la intención de captar seguidores).

Foto de Lance Anderson

Y así hemos terminado pero, como siempre, no podemos hacerlo sin apelar a vuestra participación para completar el artículo. En este caso con más razón que nunca porque nos gustaría que nos contarais si os sobra alguna de las modas fotográficas que hemos incluido o si echáis en falta alguna otra. Gracias por anticipado.

Foto de portada | Anita Huber

La ceremonia de los Óscar sigue dando que hablar gracias al famoso 'selfie' de Ellen Degeneres que ha reflotado la moda de los autorretratos casuales o selfies. Así que, siguiendo la moda, los chicos de la NASA, ni cortos ni perezosos se plantearon que nuestro planeta había de tener su propio selfie.

Las imágenes de la NASA casi siempre sorprenden pero, en esta ocasión, han pensado en realizar algo más casual. Pero cómo resolverlo, os preguntaréis. Decidieron que la forma de crear este curioso 'selfie' sería recurrir a una antigua y conocida técnica para crear imágenes de gran tamaño a partir de pequeñas fotografías. Una imagen de 3,2 gigapixels, alojada en GigaPan.

La imagen en cuestión, una versión preliminar por el momento, está realizada a partir de las fotografías realizadas en el el llamado Día de la Tierra que se celebró el pasado 22 de Abril. A través de esta iniciativa se invitó a la gente de todo el mundo a salir al aire libre a tomar una foto de sí mismo y compartirla en las redes sociales. La NASA ha compuesto un gran mosaico con todas ellas para ofrecer una nueva y curiosa visión de nuestro planeta creada a partir de esas fotos.

El mosaico 'Global Selfie' fue construido con más de 36.000 fotografías individuales tomadas de los más de 50.000 imágenes etiquetadas #GlobalSelfie en Twitter, Instagram, Facebook, Google+ y Flickr. El proyecto fue diseñado para fomentar la conciencia ambiental y reconocer la labor en curso de la agencia para proteger nuestro planeta. Así que si participaste, tal vez puedas jugar a "¿Dónde esta Wally?" y buscarte en la imagen (a alta resolución) de este gran mosaico.

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Imagen | Selfie de la Tierra en Alta Resolución | Imagen en Gigapan
Vía | NASA

Los expertos de Project 1709, de Canon, se «han mojado». Y es que acaban de sorprendernos vaticinando cómo evolucionará la fotografía profesional durante los próximos cinco años. La dificultad que entraña esta predicción estriba, precisamente, en lo complejo que resulta prever qué sucederá en un mercado sujeto a un desarrollo tecnológico tan rápido.

Aun así, están convencidos de que el rol de las mujeres se desarrollará y muchas más se involucrarán activamente en el mercado de la fotografía profesional, siguiendo, quizás, la estela de fotógrafas consolidadas como Annie Leibovitz u Ouka Leele, entre muchas otras. Además, confían en que el precio de las cámaras RED, que son unidades de grabación de vídeo de alta resolución, sufrirá un importante descenso, lo que permitirá a muchos profesionales del fotoperiodismo, la fotografía de deportes, e, incluso, la fotografía de bodas, utilizarlas.

Su tercera predicción vaticina que la enorme popularidad que tiene la fotografía digital actualmente provocará que muchos aficionados adquieran la formación necesaria para incorporarse a este sector como profesionales, por lo que la competencia será en pocos años mucho mayor. Por otra parte, los fotógrafos profesionales deberán expandir su «campo de actuación» y apostar con más fuerza por los contenidos multimedia, que durante los próximos años serán, si cabe, aún más demandados.

Curiosamente, su último vaticinio parece contradecir en cierto modo la previsión que acabamos de exponer. Y es que, aunque defienden la necesidad de apostar por los contenidos multimedia, también pronostican que la fotografía «fija» recuperará su relevancia, sobre todo en el campo de la publicidad. Interesante, ¿verdad? ¿Estáis de acuerdo con estas predicciones? Animaos y contadnos cómo creéis que evolucionará la fotografía profesional durante los próximos años.

Sitio oficial | Project 1709 Vía | Digital Camera World En Xataka Foto | Project 1709 de Canon, primeras impresiones