Hemos hablado en variadas ocasiones de errores de composición, de los que se cometen al elegir cámara y también de los que se suelen cometer en determinadas situaciones como los viajes, pero en esta ocasión vamos a tratar esos fallos típicos de los principiantes que comienzan a hacer fotos de forma manual.

Por supuesto partimos de la base de que el fotógrafo novato ya tiene una cierta base sobre cómo se debe exponer correctamente, pero aun así hay cosas que en la práctica pueden producir que una toma resulte fallida, problemas que se cometen más frecuentemente de lo que pudiera parecer en principio.

Foto de Md Iftekhar Uddin Emon

Sobre todo porque suelen ser cosas que se aprenden con la experiencia. Por eso, si las conocemos de antemano nos será mucho más sencillo no caer en ellas y avanzar más rápidamente. Así que vamos con esos errores que suelen cometer los fotógrafos que empiezan cuando se “lanzan” a disparar en manual.

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Cómo encontrar cosas interesantes que fotografiar en lugares aburridos

Usar una velocidad incorrecta

Utilizar una velocidad de obturación demasiado lenta es la causa número uno de las fotos movidas, borrosas o faltas de nitidez. Como sabréis (y si no os remitimos a nuestro curso), la velocidad de obturación es el tiempo que el obturador permanece abierto dejando llegar la luz al sensor de la cámara, de tal manera que cuanto más corto sea menos posibilidad de que haya movimiento en la toma.

Movimiento que puede darse en la escena que estamos captando o puede venir producido por nuestra propia mano sujetando la cámara (tal y como explicamos al hablar sobre el movimiento en fotografía). En cualquiera de los dos casos, a mayor tiempo mayor probabilidad de que la imagen no sea lo nítida que esperábamos.

Una velocidad de obturación insuficiente hizo que esta toma resultara trepidada. Foto de Oscar Condés

Para evitarlo, siempre se recomienda que la fracción de segundo empleada esté por encima de la distancia focal que usemos. Ya sabéis, si estáis disparando con un 50 mm, una velocidad de 1/60 sería suficiente, mientras que si es un tele de 200 mm lo suyo sería emplear una velocidad de 1/250 seg.

Esta regla general funciona bastante bien en la mayoría de los casos, pero la práctica nos ayudará a entender mejor a qué velocidades podemos trabajar sin problema, además de enseñarnos otras cosas cómo qué tal es nuestro propio pulso o qué tal se porta el sistema de estabilización que, probablemente, incorpore nuestra cámara u objetivo.

Elegir un punto de enfoque inadecuado

Además de porque se mueva algo, la segunda causa de falta de nitidez es un enfoque en el lugar incorrecto. Algo también bastante habitual en determinadas situaciones, como cuando captamos escenas con mucho dinamismo. En este sentido hay que conocer bien tanto los distintos tipos de AF que existen como las formas de enfocar que ofrecen las cámaras.

Un ejemplo (un poco exagerado) de una mala elección del punto de enfoque. Foto de Oscar Condés

Familiarizarnos con la nuestra y saber hasta qué punto es capaz de llegar es fundamental, porque si la cámara que usemos no puede rastrear objetos en movimiento estaremos “vendidos” si queremos enfocar escenas de tipo deportivo o similar. Para estas y otras situaciones, quizá sea mejor echar mano del enfoque manual.

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La regla de los tercios a fondo: Qué es, cuándo y cómo usarla (y cuándo no hacerlo)

No medir bien la luz

Saber exponer es otra de esas claves de la fotografía que hay que dominar y de la que se aprende sobre todo con la práctica. Pero además de ajustar los valores de velocidad, diafragma e ISO según el momento, hay que tener muy presente dónde medimos la luz y cuál es el modo de medición que estemos utilizando en cada toma.

El las fotos de atardecer y amanecer es crucial elegir bien el lugar en el que medimos la luz para obtener un buen resultado. Foto de Biel Morro

Estos modos de medición son una gran ayuda para evaluar la luz de una escena y poder decidir los valores de exposición de una forma más precisa. Por ejemplo midiendo la luminosidad sólo en un punto concreto, porque es el que nos interesa que aparezca correctamente expuesto. Un error típico de los novatos es limitarse al modo matricial que viene por defecto en la gran mayoría de cámaras, una opción que suele ir bien como norma general, pero que no debería usarse en todas las ocasiones.

Por cierto que otro error que puede cometer un novato es desechar el uso del formato RAW. Este tiene sus inconvenientes, claro está, pero puede ser una gran ayuda para un novato que empieza y, como es lógico, se equivoca, y con el formato crudo tiene un útil recurso que le permite paliar parte de los posibles errores.

No exprimir el ISO

Todos sabemos que la máxima calidad de imagen se obtiene utilizando la sensibilidad del sensor estándar (normalmente 100 ISO), pero las cámaras de hoy día están perfectamente capacitadas para trabajar con valores más altos sin que prácticamente se note. Así, un novato obsesionado por el ruido podría tener la tentación de no subir nunca el ISO y, ante una situación de baja luminosidad, tendría que disparar muy probablemente a una velocidad baja. Esto, como contábamos al principio, puede derivar en una trepidación o falta de nitidez que podría haberse evitado fácilmente.

La fotografía de conciertos es una disciplina donde elevar el ISO hasta el límite que permita nuestra cámara resulta muy útil. Foto de Zachary Staines

En este sentido, como hemos recomendado muchas veces, lo más importante es conocer nuestra cámara para saber hasta qué valores de sensibilidad puede llegar sin que el ruido suponga un problema. De esta manera, será más fácil que pueda mantener una velocidad de obturación correcta según la norma que antes apuntábamos y lograr una foto sin trepidación. En cualquier caso, incluso aunque haya que subir el ISO a niveles que produzcan bastante ruido, éste puede paliarse a posteriori mientras que una foto borrosa difícilmente se puede arreglar.

Usar siempre aperturas grandes

Un fotógrafo con poca experiencia y un objetivo muy luminoso en sus manos suele tener tendencia a usar siempre la máxima luminosidad en sus tomas, ya sea porque le encanta el efecto bokeh que se puede conseguir con él, o porque le permite hacer fotos sin trepidación en situaciones de muy poca luz.

Reducir la profundidad de campo es una técnica recurrente pero que no es adecuada para todas las tomas. Foto de Adrianna Calvo

Pero esto no es lo más recomendable por varios motivos: primero porque hacer que el fondo de todas nuestras fotografías aparezca desenfocado hará que los resultados sean monótonos, eso sin contar que una escasa profundidad de campo no suele ser adecuada para todo tipo de tomas.

Esto también influye en el enfoque, que con aperturas grandes será más delicado de realizar y producirá, en determinadas ocasiones, que algunas tomas no tengan el foco donde debería estar. Por último, tal y como explicamos en este artículo, la mayor calidad de un objetivo se consigue con aberturas intermedias (alrededor de ƒ5,6 – 8).

Usar trípode y estabilizador de imagen

Hoy por hoy, casi todas las cámaras del mercado incluyen una función de estabilización de imagen, y si no la tienen muy probablemente estará implementada en el objetivo. Esta útil función es estupenda para no tener que utilizar trípode en determinadas situaciones pero hay que acordarse, como norma general, de desconectarlo si se va a emplear uno.

Dejarse el estabilizador de imagen puesto al utilizar el trípode suele ser contraproducente. Foto de Kaique Rocha

Como ya os contamos en un artículo sobre el uso correcto del trípode, utilizar la estabilización de imagen cuando la cámara está montada sobre un trípode puede tener el efecto contrario al que buscamos. Esto ocurre si el sistema no es capaz de detectar la situación correctamente (osea, que estamos usando un trípode) e intente compensar unas vibraciones que no existen, pudiendo dar como resultado un movimiento “fantasma” que se traduzca en trepidaciones en la imagen.

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Cómo romper la regla de los tercios de forma “aceptable”

Olvidarse del ajuste anterior

Por último, un error bastante común y frecuente en los fotógrafos novatos es el de dejar puestos ciertos ajustes de la foto anterior en la nueva sin darse cuenta de ello. Esto puede darse con casi todos los ajustes de la cámara, desde la compensación de exposición, hasta el modo de medición de la luz, pasando por supuesto por el ajuste del ISO.

Es algo más común de lo que pueda parecer, incluso en fotógrafos que ya tienen experiencia (a mí me pasa con cierta frecuencia), y por eso es recomendable revisar todos los ajustes de la foto antes de hacerla. Algo que si nos acostumbramos a hacer desde el principio nos será de ayuda para evitar tomas erróneas.

Dejar un ajuste concreto utilizado en una toma anterior en una nueva donde la situación es muy diferente es algo que pasa con más frecuencia de la que nos gustaría. Foto de Oscar Condés

Y con esto terminamos pero, como siempre hacemos, os animamos a participar en el artículo con vuestros propias aportaciones y comentarios. ¿Os parece que nos hemos olvidado de algún error típico de los fotógrafos que empiezan? ¿Qué errores soléis cometer vosotros?

Foto de portada | Annie Spratt

Si te ha picado el gusanillo de la fotografía, ya sea gracias al móvil y las redes sociales, porque era algo que tenías pendiente o por la razón que sea, es posible que te encuentres ante un mundo desconocido que te resulta complicado. No te preocupes que para eso estamos nosotros; en este artículo vamos a mostrarte las configuraciones, técnicas y reglas básicas de fotografía que debes conocer como fotógrafo principiante y que serán un punto de partida para adentrarte en este mundo de la mejor manera.

Algunas de las cosas que te vamos a contar son muy básicas, mientras que otras son un poco más profundas, pero todas han sido seleccionadas de nuestros archivos específicamente para principiantes y nuevos propietarios de cámaras.

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Lista completa (para principiantes) de las cosas que no debemos olvidarnos de ajustar al hacer una foto

Conceptos básicos de fotografía

1. Modos de disparo

Si no sabes de fotografía y te compras una cámara es posible que no tengas ni idea de qué significan esos pequeños iconos P, A, S, M y demás situados en el dial en la parte superior de la cámara. No te preocupes, en este artículo te explicamos qué significan y para qué sirven los modos de las cámaras más comunes. Conocerlos es básico para empezar a dominar tu cámara y, consecuentemente, la técnica fotográfica.

2. El triángulo de exposición

Se trata de uno de los conceptos más básicos de la fotografía que todo novato debe conocer. Al principio puede resultar un poco lioso pero tranquilo que con estas indicaciones, la práctica y el tiempo llegarás a dominar algo que es la base de todo lo demás que aprenderás en fotografía.

3. El balance de blancos

Uno de los errores más comunes en las fotografías de principiantes se manifiestan en unos colores incorrectos. La culpa es del balance de blancos, una función que sirve para eso y que, a pesar de todos los avances técnicos, es algo en lo que el automatismo de la cámara aún sigue fallando. Pero no te preocupes, con este artículo puedes aprender qué es y cómo usarlo correctamente.

4. El histograma

Se trata de un elemento que resulta muy útil pero que suele dar miedo a los que se enfrentan a él por primera vez. Y es cierto que pueden parecer un poco técnicos, pero es sorprendente lo simple que es interpretar un histograma si sigues estos consejos básicos.

5. Cómo sujetar la cámara

Puede parecer tonto pero es un tema que la mayoría de los propietarios de cámaras pasan por alto sin darse cuenta de que es una lección fundamental de fotografía. Porque si no se sujeta bien la cámara esto puede afectar drásticamente a la calidad de las fotos. La cosa tiene su miga, pero este tutorial para principiantes cubre todo lo que necesitas saber.

6. Cómo enfocar adecuadamente

"Las fotos me salen borrosas" es una queja que se suele escuchar bastante entre los novatos. Un problema que sucede con cierta frecuencia porque no conocen su cámara y, sobre todo, las distintas formas de enfocar que se pueden utilizar.

7. La ansiada nitidez

Conseguir que nuestras fotos sean nítidas es una preocupación de cualquier fotógrafo pero más incluso de los novatos. Para saber qué es lo que puede hacer que tus fotos no lo logren echa un vistazo a este artículo sin precio.

8. La profundidad de campo

Una de las cosas más interesantes que podemos conseguir si controlamos la técnica es el control de la profundidad de campo de nuestras tomas. De esa manera, podrás por ejemplo conseguir que un sujeto resalte del fondo gracias a un fondo borroso.

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Los errores más habituales que cometen los fotógrafos principiantes (desde la elección del equipo hasta el postproceso)

Consejos de composición

9. Encuadre y composición

Lo más básico en composición es saber que el encuadre no es otra cosa que definir los elementos que van a aparecer en nuestra imagen y que nuestra labor es componer estos elementos para lograr una imagen adecuada. Se trata de algo básico pero fundamental para que los principiantes comiencen a hacer buenas fotos.

10. La regla de los tercios

Una de las mejores herramientas para los principiantes, una regla muy útil que, de manera sencilla, ayuda a los más novatos a conseguir composiciones equilibradas.

11. Un elemento de interés

Hablando de normas, una importante es que en una foto siempre debe haber un elemento principal de interés. Esto podemos lograrlo de muchas maneras, por ejemplo con estas técnicas creativas.

12. Un fondo adecuado

Tener un buen fondo para nuestras fotografías tiene una gran importancia y, sin embargo, esto es algo en lo que suelen flojear los más novatos. Tranquilo, aquí tienes los mejores consejos para corregirlo.

13. El espacio negativo

Otro aspecto de las composiciones que los principiantes no suelen tener en cuenta es el espacio negativo de los fotografías, algo que también tiene su importancia.

14. Marcos en fotografía

Otra técnica muy interesante en composición fotográfica consiste en utilizar marcos en las imágenes, una manera muy útil de centrar la atención de la mirada del espectador en una imagen.

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Lista de los quince pasos básicos que no hay que olvidar para lograr una buena composición

Técnicas avanzadas de disparo

15. Horquillado

Para un novato puede sonar raro pero el horquillado (normalmente de exposición pero también disponible en otras modalidades) es una técnica muy útil para muchas situaciones que conviene conocer y que explicamos aquí.

16. Compensación/ bloqueo de exposición

Muy relacionado con los modos de exposición, hay algunos controles de nuestra cámara que no son tan conocidos pero que conviene conocer; por ejemplo el control de compensación de exposición y el bloqueo de la exposición, técnicas un poco más avanzadas pero que muy pronto pueden ser útiles para los novatos.

17. Disparo con flash

La fotografía con flash, ya sea el integrado en la cámara o uno externo, tiene su miga, pero con la información adecuada no tiene porqué resistirse. Lo primero sería aprender los conceptos básicos, conocer los distintos tipos de flash, los modos de disparo asociados y, finalmente, echar mano de estos consejos.

Cuidado del equipo

18. Mantenimiento habitual

Sin duda, si cuidas de tu equipo lograrás que siga como nuevo el mayor tiempo posible. Y para ello lo mejor es que sigas estos consejos prácticos de limpieza y mantenimiento.

19. Limpiando la cámara

Si, a pesar de todo tenemos que limpiarla, te interesa conocer cómo desinfectarla para mantener el COVID a raya y cómo dejarla como los chorros del oro.

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Siete fotos que todo aficionado debería hacer cuando empieza en fotografía

Y con esto hemos acabado; por supuesto esto son solo algunas de las miles de cosas que tienes que aprender para dominar la fotografía, pero estamos seguros de que pueden ser un buen punto de partida y, desde luego, todas muy útiles para ti que estás empezando ¿no te parece?

Estamos ante otro libro de la colección Serie 50 que, con un formato eminentemente práctico y un precio sin competencia, busca llamar la atención de los fotógrafos que empiezan en esta especialización que cada vez tiene más demanda. 'Fotografía de arquitectura e interiorismo. Consigue realizar estas imágenes' es un libro que da las primeras respuestas para empezar a fotografiar edificios e interiores.

Los libros de esta colección de JdeJ Editores tienen dos partes diferenciadas: una introducción para aprender el abc de la especialidad que toque y 50 fotografías en las que el autor explica en tres puntos -en este caso Descripción, Composición y Técnica- cómo ha hecho cada una de las fotografías. Una idea sencilla y directa.

En esta ocasión tenemos 'Fotografía de arquitectura e interiorismo. Consigue realizar 50 imágenes espectaculares' de Víctor Sájara, un fotógrafo de arquitectura que recibió la Medalla de oro de la Asociación Española de Profesionales de la Imagen de 2017.

Y esa experiencia es la que se traslada al libro que podemos encontrar ya en las librerías. Un libro de 22x22 cm que podemos consultar en casa para aprender e intentar emular, más tarde, todas las fotografías comentadas.

'Fotografía de arquitectura e interiorismo. Consigue realizar 50 imágenes espectaculares'

La filosofía de esta colección es presentar una serie de consejos sencillos para iniciarnos en la especialidad que toque el libro (este es el séptimo) y luego enseñar 50 fotografías con las que el lector puede encontrar inspiración. No es un análisis profundo de la toma, ni de la elección del lugar. Es un análisis esquemático que será muy útil para los fotógrafos más experimentados o constantes.

Algunas de las 50 fotografías

Nunca se aprenderá fotografía leyendo solo un libro. Debería estar acompañado de práctica, mucha práctica. Pero siempre es bueno poder encontrar en uno los principios para empezar a disparar con cabeza:

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Si queremos almacenamiento de fotos debemos pagar, así que, ¿a dónde podemos migrar para reemplazar Google Photos?

El libro está dirigido a cualquier persona con interés en estos temas, no importa la formación previa en fotografía y el equipo fotográfico con el que cuente. En una parte inicial indico los parámetros más usuales para entender lo que buscamos y cómo hacerlo; también doy unas pautas básicas para empezar a hacer fotos desde ya. En cuanto al equipo, se puede empezar con cualquier cámara digital; de hecho, una de las fotos seleccionadas ¡la hice con mi móvil!

La primera parte apenas ocupa 30 páginas de las 136 que forman el libro. Ahí están, de nuevo, todos los conceptos básicos de la fotografía como disparar siempre en RAW, los principios de la exposición, qué equipo necesitamos, etc... Y algo que a muchos nos chirría un poco que es el neologismo para los destacados, los arquiconsejos.

En la segunda parte tenemos las 50 fotografías colocadas en la página de la derecha con todos los consejos que hemos comentado a la izquierda. Y uno de ellos destacará por encima de todos los demás: la necesidad de hacer siempre un hdr... Además de disparar muchas veces con polarizador y contar con la ayuda inestimable de los programas de edición fotográfica para enderezar líneas y montar las dos o tres fotografías que haremos para conseguir un buen alto rango dinámico.

Una de las fotografías analizadas

Nuestra valoración

Ahora mismo la demanda de fotógrafos arquitectónicos es alta. Desde estudios hasta constructoras, pasando por revistas y agencias. Así que si quieres empezar con los conceptos claros este libro de Victor Sájara es una buena elección.

Pero nada más terminar de leerlo el buen fotógrafo empezará a practicar día tras día hasta encontrarse totalmente seguro para montar un buen porfolio y lanzarse a buscar trabajo. Y en los tiempos que corren no será fácil. Me ha gustado mucho que no recomienda equipos profesionales para empezar, sino un equipo coherente para lograr buenos resultados.

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Cómo ajustar la reducción de ruido de forma adaptativa y automática en Adobe Lightroom

El precio es uno de sus mayores atractivos de este libro que ayudará a empezar en este mundo de la fotografía arquitectónica. El lector encontrará los consejos básicos y mucha inspiración en las imágenes del autor que ilustran el manual. Una buena forma de animarte a coger la cámara.

• Título: 'Fotografía de arquitectura e interiorismo. Consigue realizar 50 imágenes espectaculares'
• Autor: Víctor Sájara.
• Edita: J de J Editores, Colección Serie 50.
• PVP: 16,90€

Este verano me he propuesto un objetivo: utilizar al 100% mi tableta gráfica. La tengo instalada, actualizada y nueva. Siempre me ha costado mucho trabajar con ella. Y según muchos maestros del Photoshop es una herramienta básica. Así que vamos a adentrarnos en el mundo de las tabletas gráficas y descubrir sus virtudes y sus problemas.

Empezamos hoy una nueva serie de artículos sobre el mundo de las tabletas gráficas. Vamos a conocer qué son, cuál elegiremos en función de nuestras necesidades y presupuestos y sobre todo cómo configurarlas para sacarles todo el provecho.

Y lo dice un zurdo convencido que usa el ratón con la mano derecha desde tiempo inmemorial. Tengo una Wacom (ya hablaremos de marcas) de la gama sencilla y precio económico. Nunca he probado una Intuos Pro pero he tenido la suerte de probar una Cintiq y una Huion, esas tabletas con pantalla. Aquí las cosas cambian y mucho, pero el precio es imposible para la mayoría de los usuarios.

Así que vamos a centrarnos en este mundo de control en principio más adecuado para la ilustración digital. No es tan sencillo como parece en un principio. Conozco a muchos fotógrafos que tienen, como yo, la tableta aparcada en un rincón del armario. Vamos a empezar.

¿Qué es una tableta gráfica?

Antes de empezar a divagar sobre lo divino y lo humano, conviene aclarar qué es una tableta gráfica. Como hemos señalado al principio es un dispositivo formado por un lápiz óptico y una superficie sensible sobre la que lo deslizamos.

Las tabletas gráficas son periféricos del ordenador que nos permiten controlar las herramientas de los programas que utilicemos y que son sustitutos de los clásicos ratones. Dicen que es fundamental para trabajar con Adobe Photoshop y que si quieres hacer algo bueno en el mundo del retoque fotográfico no eres nadie sin ellas.

Tableta gráfica

Creo que son afirmaciones excesivas. No hay nada que por sí mismo te haga mejorar. Solo aquello a lo que te adaptes será clave en tu forma de revelar, fotografiar o vivir. Sinceramente creo que es más natural que el ratón para trabajar, pero exige un proceso de adaptación que muchos no somos capaces de superar.

El funcionamiento es muy similar al del ratón pero con la particularidad de hacernos sentir que estamos trabajando con un lápiz y un papel. Algo a lo que estamos acostumbrados desde pequeños.

Para hacer cualquier acción nos moveremos con el lápiz por la superficie de la tableta sin rozarla pero muy cerca de ella. Si la tocamos será igual que dar al botón izquierdo del ratón. Luego tenemos botones en el mismo lápiz o en la tableta que nos permitirán hacer lo mismo que el clic derecho.

La ventaja evidente es que si hacemos muchas selecciones, somos amigos de afinar las máscaras de capa y nos ha dado fuerte por el retoque con técnicas como la separación de frecuencias o el famoso dodge&burn, estos dispositivos nos permitirán trabajar con mucha más precisión porque estamos acostumbrados a pintar así, con el lápiz sujetado con los dedos y no mediante pulsaciones.

Qué tableta comprar

Aunque lo que voy a decir va contra mis principios, creo que, para empezar, lo más inteligente es comprar un modelo económico antes de gastar mucho dinero en modelos profesionales. Nunca sabes si te vas a adaptar a su uso y conviene ser precavido antes de gastar más de 200€ en algo que terminará cogiendo polvo con una alta probabilidad.

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Seis consejos para ser mejor fotógrafo en verano

Si al final te sientes como en casa con ella puedes ir en un futuro a un modelo superior sabiendo que vasa disfrutar todas y cada una de sus ventajas, que no son más que más opciones y una mayor sensibilidad, algo que en un principio no se necesita.

Solo es un dispositivo más, no un ejemplo de profesionalidad

En el mercado reina Wacom por encima de todas las marcas. Aunque las marcas chinas están ganando mucho terreno por sus precios agresivos. Hace tiempo pude probar una Huion y me sorprendieron los resultados. Los últimos problemas de Wacom a la hora de actualizar el firmware de sus tabletas ha hecho dudar mucho a sus potenciales usuarios...

Otro tema es el tamaño. En el mercado podemos encontrar dos o tres tamaños distintos: S, M o L. Creo que es más claro cuando lo expresan con la norma DIN para el papel. Porque las medidas textiles siempre pueden llevar a confusión.

A no ser que tengamos la suerte de poder comprar una tableta con pantalla, es más práctico trabajar con una pequeña, de tamaño cuartilla o DinA5. Nos cansaremos menos y ocupará mucho menos espacio en nuestra mesa de trabajo. No podemos olvidar que sustituye al ratón (muchos fotógrafos lo mantienen) pero el teclado sigue ahí.

Si podemos evitar cables todo quedará más limpio pero el precio subirá por la versión Bluetooth. Luego está el tema del lápiz óptico. Lo mejor es que no dependa de las pilas. Tengo uno para la tablet y cada poco tiempo tengo que cargarlo y no es nada práctico no poder usarlo cuando estás en medio de un trabajo.

Con el lápiz en la mano

Mi recomendación es clara. El modelo ideal para empezar a experimentar con estas cosas es la Wacom Intuos S. La tengo desde hace mucho tiempo (se llamaba de otra forma) y me permite ir a poco a poco hasta que al final de este verano sea totalmente mía... Entonces me pensaré comprar una más avanzada.

Desde luego que podemos ir a por otras marcas y modelos. Pero a fuerza de preguntar parece que la mayoría de los entrevistados apuestan por esta marca. Solo he podido probar la Huion de gama alta y alguna que otra de una marca conocida por sus teclados y ratones que no me convenció. Somos libres de elegir y probar, faltaría más.

Y hasta aquí la primera parte de esta serie en la que descubriremos cómo podemos trabajar con nuestras tabletas gráficas para mejorar nuestro rendimiento delante de los programas de edición.

Si eres fotógrafo profesional es muy posible que alguna vez hayas pensado “ojalá hubiera sabido yo esto cuando empecé”. Y cuando decimos “esto” nos referimos, lógicamente, a esas cosas que uno aprende con la experiencia. Trucos, consejos o, simplemente, vivencias que, de boca de fotógrafos experimentados, pueden ser extremadamente útiles para los que empiezan en esta profesión y/o afición.

Foto de Elvert Barnes

En este caso queremos compartir con vosotros los consejos que ofrece en DIY Photography el norteamericano Asher Svidensky, un profesional independiente especializado en foto artística y documental cuyas fotos se han publicado en medios como National Geographic, BBC, The Guardian, GEO y AD. Curiosamente, Asher comenzó haciendo fotos en el ejército y lleva diez años como fotógrafo profesional, y precisamente para celebrarlo quiso compartir estos consejos.

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Tu web, con un propósito concreto

Si aspiras a convertirte en fotógrafo profesional es más que probable que en un momento dado necesites tener tu propia página web como una plataforma desde la que desarrollar tu trabajo. Sin embargo, antes de empezar deberías pararte a considerar exactamente que es lo que quieres conseguir con ello.

Si tu único objetivo es tener un lugar donde mostrar tu trabajo online, quizá como una forma de darte a conocer y captar posibles clientes, deberías tener suficiente con lo que ofrecen las redes sociales ya existentes (que además son gratuitas). Es decir, según este fotógrafo, sólo merece la pena invertir tiempo y/o dinero en la construcción de un site propio si lo que necesitas es algo más que una galería de fotos online.

Foto de Gregory Hayes

Cómprate una buena cámara y olvídate del equipo

Al menos por unos cuantos años dice Asher, quien afirma que no deberíamos comprar una cámara que se adapte a nuestras habilidades actuales como fotógrafos sino a las futuras. Es decir, el autor recomienda invertir en una cámara profesional (¿quizá una full frame?), incluso aunque supere nuestros conocimientos.

Lejos de ser un contrasentido, él opina que esto nos permitirá enfocarnos principalmente en crecer como fotógrafos. Además, tiene el beneficio de poder olvidarnos durante años de estar pendientes de la novedades del mercado. En concreto, dice que él estuvo ocho años (de los diez de su carrera) con un mismo equipo.

Prepara proyectos a largo plazo

Según el autor, si bien una sola foto individual puede ser muy importante en un portfolio, al ver los medios de comunicación actuales se aprecia que las imágenes que acaban siendo más vistas y reconocidas suelen ser producto de proyectos fotográficos a largo plazo, por lo que Asher nos recomienda empezar a trabajar en nuestro propio proyecto fotográfico.

Foto de Justin Main

Claro que para eso, continúa el fotógrafo, no hace falta irse a ningún lugar remoto, “se puede comenzar poco a poco. Todo lo que necesitas hacer es simplemente elegir un tema que realmente te interese y usar tu cámara”. Según él, trabajar en nuestros propios proyectos no solo nos hará mejorar como fotógrafos, sino que el proceso en sí mismo será una experiencia notablemente gratificante.

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Aprende de los maestros

Asher confiesa que “cuando comencé a aprender sobre fotografía, sentí que no había mucho que aprender de los fotógrafos del pasado. Que el estilo de fotografía en blanco y negro de la ‘vieja escuela’ tenía poca relevancia en el mercado altamente competitivo de hoy ¡Pero no podría haber estado más equivocado!”

Una buena amiga suya le sacó del error al decirle que los antiguos maestros de la fotografía “hicieron fotos similares a las actuales, o incluso mejores, ¡hace casi 50 años!” Por eso, para obtener una comprensión más profunda sobre el arte de la fotografía es recomendable invertir parte de nuestro tiempo en explorar el trabajo de los grandes maestros gracias a los cuales la fotografía ha llegado a ser lo que es hoy.

Foto de Marco Xu

No te dediques solo a la fotografía

“Una de las mejores lecciones que aprendí cuando me convertí en fotógrafo a tiempo completo fue que, para despuntar en el competitivo mercado actual, los fotógrafos necesitan poder ofrecer algo más que su capacidad para hacer fotografías interesantes”.

Así, para Asher un fotógrafo debería poder ofrecer una amplia gama de “productos”. Se refiere, claro está a las conferencias, talleres de fotografía, venta de imágenes o incluso tours fotográficos guiados, cualquier cosa que nos permita obtener unos ingresos complementarios a nuestra dedicación principal.

Especialízate en algo

Al empezar en el arte de la fotografía siempre es recomendable probar tantas disciplinas fotográficas como se pueda. Sin embargo, una vez que se haya experimentado lo suficiente, el fotógrafo nos recomienda tratar de averiguar qué tipo de fotografía nos gusta más para dedicarnos a él.

Foto de Robin Elzerman

Es decir, se trata de especializarnos en una disciplina concreta para mejorar como fotógrafos y ser mucho más productivos. La idea es que al enfocar nuestro esfuerzo en dominar un campo concreto de la fotografía podremos conseguir un mayor dominio de esa disciplina. Sobre todo, Asher recomienda evitar que puedan encasillarnos como “ese fotógrafo que hace todo correcto pero nada especialmente bien”.

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No esperes las oportunidades sentado

“A muchos fotógrafos —continúa Asher— les encantaría la idea de ser contratados por una revista famosa de esas que envían a los fotógrafos por todo el mundo para realizar increíbles proyectos”. Pero, como podíamos esperar, esta receta no lleva a ningún lado porque “si decides simplemente sentarse a esperar que una revista te ofrezca un trabajo, me temo que ese tren nunca pasará”.

Para ver nuestro trabajo publicado en los medios de comunicación es mucho mejor no quedarse parado y lanzarse a realizar fotos y nuestros propios proyectos. De hecho, adelantarnos y hacerlos por nuestra cuenta es la otra vía para conseguir que, en el futuro, una revista se sienta interesada por nuestro trabajo y éste acabe publicándose.

Foto de Elizeu Dias

Busca historias interesantes

Sin duda, la fotografía se puede describir como el arte de crear imágenes. Sin embargo, para este fotógrafo el trabajo de un profesional “no es buscar fotografías geniales sino personajes únicos con historias interesantes que valga la pena contar. Solo entonces, utilizando tus habilidades fotográficas, tendrás que descubrir cuáles son las mejores imágenes que ayudan a visualizar y dar vida a esa historia”.

Así, si se trata de que los espectadores se interesen en nuestro trabajo fotográfico, lo realmente importante es que las imágenes reflejen una historia verdaderamente auténtica e interesante, aunque sean técnicamente imperfectas. Y si tenemos un historia que contar seguro que encontraremos imágenes atractivas que capturar.

No te limites al “retrato clásico”

Según Asher, algunas de las imágenes más icónicas e influyentes de la historia son retratos. Pero hacer un “retrato clásico” de una persona quizá es una solución fácil o rápida para conseguir una fotografía atractiva, especialmente si estás en un lugar exótico del mundo. “*Pero si te enfocas principalmente en hacer este tipo de ‘retratos clásicos’ terminarás dañando una de las características más importantes de un portfolio exitoso: la diversidad”.

Foto de Antiporda Productions

Por eso, al crear nuestro portfolio, el fotógrafo recomienda hacer algo más que retratos geniales: “Intenta desafiarte y explorar una gama más diversa de posibles disparos: mejorarás tu catálogo enormemente y obtendrás como resultado imágenes más potentes”.

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Recuerda por qué haces fotos

Por último, Asher apunta el que dice es el consejo más importante de toda la lista: “Todos empezamos en fotografía por una razón. Depende de qué manera afronte cada uno su relación con ella, pero cualquiera que fuera la razón para ello deberíamos no olvidarla nunca”.

El fotógrafo cuenta cómo ha visto demasiados fotógrafos que se convertían en lo que él llama “técnicos”; es decir simplemente ocupados por perfeccionar los aspectos técnicos de su fotografía, “hasta un punto en el que pierden de vista por completo la razón original por la que empezaron a hacer fotos en sus comienzos […] Al final del día, ya sea que hagas fotos profesionalmente o por hobbie, la fotografía te hará feliz, no lo olvides”.

Foto de Todd DeSantis

¿Qué os ha parecido? Como siempre, esperamos que estos consejos os resulten útiles y os emplazamos a conocer vuestra opinión vía comentarios.

Foto de portada | Banter Snaps

Por todos es sabido que los libros son uno de los vehículos de conocimiento más antiguos. Con la fotografía esto no es diferente y en sus páginas podemos encontrar respuesta a muchas de nuestras dudas o un poco de luz sobre cuestiones que desconocíamos totalmente.

Es cierto que desde el nacimiento de lo digital se ha multiplicado el número de títulos de libros técnicos que giran en torno a la fotografía. Paralelamente, por muchos rincones de internet se acumula información de todas las calidades imaginables en blogs, foros, portales…

El problema es que cantidad casi nunca es sinónimo de calidad, por lo que en medio de la avalancha de información que recibimos cuesta seleccionar cuál es de calidad. Es por ello que quizás, para iniciarse en fotografía, lo más adecuado sea optar por libros de “eficacia probada”. La siguiente selección es mi recomendación:

‘LA FOTOGRAFÍA PASO A PASO’ de Michael Langford

Un gran clásico de los manuales de fotografía. Seguramente es perfecto como primer libro para iniciarse en este mundillo, además está escrito por uno de los autores más reputados en esta materia, el británico Michael Langford. Actúa como un curso estructurado, que parte de un nivel básico y llega a un nivel técnico elevado siguiendo pasos lógicos en esta evolución.

‘LOS SECRETOS DE LA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA’ de Bryan Peterson

Sus páginas desvelan todos los misterios de las buenas exposiciones. Cuándo subexponer, cuándo sobreexponer, cómo medir, etc. Sobre todo me parece muy interesante que enseña a razonarlo todo por ti mismo, de forma que una vez lo has entendido difícilmente lo vas a volver a olvidar. Con ejemplos prácticos. Interesante no sólo para principiantes, sino también para usuarios medios. Escrito también por uno de los autores más reputados en la materia, Bryan Peterson.

‘FOTOGRAFÍA DIGITAL DE ALTA CALIDAD’ de José María Mellado

Tiene sus seguidores y sus detractores e indudablemente se ha convertido en un clásico en España desde el día de su lanzamiento. Me parece un manual muy válido para aprender cómo funciona lo digital. Además de las explicaciones generales, el autor hace propuestas de retoque fotográfico, para mi gusto un poco barrocas. Pero sobre gustos… De todas formas se aprovecha cada uno de los conceptos que toca. Por cierto, pronto podréis ver una revisión a fondo de este libro aquí, en XatakaFoto.

‘LEARNING TO SEE CREATIVELY’ de Bryan Peterson

Otro de Bryan Peterson. Éste es un gran libro que explica fundamentos de composición: cómo crear ritmo, tensión, ayuda a que aprendamos a resaltar lo que queremos mostrar, fotografiar paisajes con tele y retratos con angular, etc. De forma que queda bastante claro que es algo que se puede aprender practicando y modelando la forma de mirar, más que algo inaccesible que sólo algunos ‘tocados por la mano de Dios’ poseen. No lo he podido encontrar en castellano.

Hay muchos manuales clásicos que pueden servir de ayuda. De algunos de estos clásicos, normalmente de aquellos escritos por autores que siguen en activo, se pueden encontrar reediciones con referencias más directas al mundo digital o al menos con un apéndice referido a ello.

No obstante, no conviene despreciar aquéllos que hayan sido escritos antes de la era digital. La fotografía se basa en los mismos principios desde su nacimiento, lo ‘único’ que han cambiando han sido los captadores. Los fundamentos de las cámaras, las reglas de composición, etc. siguen siendo los mismos.

Generalmente, este tipo de libros no suelen ser demasiado baratos. En los más antiguos podrás encontrar versiones ‘analógicas’. Ediciones que, por no ser la última y no incluir un enfoque a lo digital, han quedado apartadas y se venden a mejor precio. Por tanto, a no ser que quieras aprender algo muy concreto sobre digital, cualquier manual de fotografía de este tipo te servirá para aprender los fundamentos de la materia sin desembolsar demasiado.

Una vez se tiene cierta visión de conjunto de la materia, uno ya ‘vuela solo’ y es capaz de discernir cuál es la documentación más conveniente para su nivel y para sus necesidades. En este punto, casi siempre suele ayudar más internet, los talleres especializados o compartir experiencias con otros que los libros.

La propuesta de títulos de este post es una selección personal en la que he tratado de tocar diferentes aspectos de lo fotográfico y creo que a cualquiera que empieza en fotografía puede servirle de ayuda. Pero estoy seguro de que podéis aportar muchos títulos interesantes a esta pequeña lista. ¿Es así?
Imagen de cabecera | Texasgurl

Cuando cogemos una cámara entre las manos por primera vez y nos pica el gusanillo, se abre ante nosotros un camino igual de apasionante que largo: el aprendizaje de una forma de expresión, de un nuevo lenguaje y de una forma ver las cosas.

Desde XatakaFoto recopilamos una serie de consejos para comenzar en fotografía:

• Ármate de paciencia: al principio todo te va a sonar a chino, pero cuando comiences a entender algunas cosas tu velocidad de aprendizaje se multiplicará, al igual que las satisfacciones que te dará tu nueva afición.
• Lee, lee y lee: trata de empaparte de la materia. Hay muchos libros para principiantes en bibliotecas y librerías, muy adecuados para entender de qué va la fotografía. No te centres en lo digital. Leer sobre el funcionamiento de una cámara analógica te ayudará a entenderlo todo del mismo modo.
• Ve muchas fotos y analízalas: ¿Por qué te gustan? ¿Por qué no? ¿Qué funciona en ellas? ¿Qué falla? A medida que vayas leyendo y viendo más fotos, tu capacidad crítica irá aumentando.
• Entra en contacto con comunidades de fotógrafos: Sitios como Flickr o Photo.net son ideales para publicar tus fotos y que te las critiquen. De esto se desprende otro consejo...
• Sé humilde y escucha, escucha y escucha: En internet conocerás a decenas de fotógrafos mejores que tú. No les quites méritos. Es un hecho objetivo, son mejores que tú. Mejor aprender de ellos y escuchar lo que tienen que decir que ponerse a la defensiva.
• Conoce tu equipo: No achaques tu falta de técnica, ideas o experiencia al equipo. Las fotos las haces tú, no el equipo. Conoce en qué circunstancias puedes sacarle mayor partido a cada pieza de tu equipo y úsalo para sacarle el máximo jugo.
• Pon en práctica lo que aprendes: es importante que fijes conceptos practicando. ¿Mejoras? ¿Estás estancado? ¿Qué falla en tus fotos? ¿Qué haces bien?
• Pregunta, pregunta y pregunta: si estás cerca de gente que sabe más que tú pregunta todo lo que no entiendas.
• Observa cómo fotografían otros: si puedes ir a hacer fotos con otra gente fíjate en cómo se aproximan ellos a las fotos, cómo usan su equipo, qué visión tienen de ciertos aspectos, ¿qué diferencias hay con tu forma de trabajar? ¿Es mejor su método? ¿Es mejor el tuyo?
• Si puedes, no te ciñas a la información disponible en español. Hay muchas páginas en inglés con información muy específica sobre fotografía. Desde las que están centradas en retoque a las de marketing en foto, pasando por iluminación o consejor para fotógrafos viajeros. En eso nos llevan ventaja, así que aunque cueste un poco más es interesantísimo no rechazar esa información.

Y sobre todo, disfruta, disfruta y disfruta. Puede que nunca llegues a ser Ansel Adams, pero si disfrutas y te satisface lo que haces, aunque sólo sea a ti, el esfuerzo habrá valido la pena.