En un momento en el que la globalización ha hecho mella en todos nosotros, y sigue haciéndolo cada vez más, la fotografía no ha quedado en absoluto al margen. Como muchos de vosotros sabéis, las nuevas tecnologías se han introducido de lleno en el sector fotográfico, y no sólo en lo que a técnica y a equipo se refiere.

El conocimiento del funcionamiento del sector es algo más que importante para cualquier fotógrafo, y lo que antes se solucionaba teniendo unos pocos contactos, unas agencias publicitarias, galerías, o clientes, hoy eso no es para nada suficiente si queremos conseguir orientar nuestra carrera dentro del medio.

Todos los factores enumerados anteriormente siguen siendo válidos, pero los bajos costes y la mayor cantidad de trabajos a los que se tienen acceso, hacen que el modelo de negocio tenga que cambiar si se quiere avanzar o mantenerse en él.

Fotografía de xpjt06 en nuestro grupo de Flickr

Uno de los puntos más importantes es conocer y saber el funcionamiento de los medios que promocionan y/o enseñan fotografía. El saber usar estos canales de información es una de los métodos más importantes si queremos llegar a mostrar a un amplio abanico de gente nuestro trabajo. La facilidad con la que dicho trabajo puede “transportarse” a dichos medios hace que sea mucho más factible su visionado.

Al parecer, últimamente, se paga menos por el trabajo y más por la forma de llegar a él. ¿Qué significa esto? Muy sencillo, la gente que ve los trabajos puede sentirse agradado por ellos, pero los valora mucho más si son capaces de ver parte del proceso de los mismos. Esto es debido a que la cantidad de material cada vez es mayor, y el visionado en demasía puede llegar a cansar. Los medios nos solemos sentir atraídos no sólo por los técnicas perfectamente llevadas a cabo, sino también por los temas de actualidad, y sobre todo con grandes dosis de originalidad.

Forma de llegar a los medios

Una de las formas de llegar a la prensa especializada, galerías, blogs, y/o a cualquier medio de difusión (no hablamos de redes sociales, ni nada por el estilo) es, como primer consejo, seguirlas. Parece un punto básico, pero no deja de ser necesario nombrarlo. Es imposible saber si tu material tiene cabida, o puede ser visto como algo bueno, si no sabes lo que se demanda en cada medio. Por ello es importantísimo conocer las tendencias.

En segundo termino, conocer y saber si nuestro material es original o “esta muy de moda”. Si nuestro trabajo está enfocado a un tema muy candente, debemos saber que habrá mucha oferta , por lo tanto la calidad debe estar fuera de toda duda.

Un punto muy favorable y muy atractivo hoy día, tanto para los medios como para las personas que están dentro del proceso creativo, es saber como se realiza vuestro trabajo; desde el primer momento hasta el último. Cómo llegan las ideas, cómo se plantea el trabajo, los medios para realizarlo, su coste… Los Making off son una buena forma de resumir todos estos apuntes sin necesidad de aburrir al personal. Son una forma amena y divertida de mostrar todo un proceso creativo; y es que ya sabéis, es la era multimedia…

Makin off de una sesión fotográfica del proyecto Alternative View

Obviamente hay cosas que no cambian con respecto a lo ocurrido antes del boom “digital”, y es la insistencia. A veces los contenidos no llegan a los medios si no se muestran, y es que aunque se dispone de gente que rastrea todo tipo de trabajos, hay una cantidad monstruosa de ellos, por lo que poner a todos ellos sobre la pista de tus proyectos sigue siendo algo que no debe desaparecer. Este punto podría decirse que sigue siendo parte del Old-School.

Por último, uno de los grandes aspectos que pueden decantar este azote es la buena presentación de los trabajos. Como ya hemos mencionado otras veces, disponer de un blog propio y/o una página web ayudan mucho a asociar tu trabajo con un camino más profesional y con mayor posibilidad de mención. Es por esto, que es recomendable disponer también de ello, y no sólo de canales en YouTube, Vimeo, o páginas en Facebook. Lógicamente no significa que no se puedan fijar en tu trabajo teniendo esto último, por supuesto que no, pero ayudará mucho. Recordad que nos guste o no, ser fotógrafo no sólo vale con serlo sino también parecer que lo somos.

Fotografía de dMad-Photo en nuestro grupo de Flickr

Quiero dejar claro que no hay normas fijas ni seguras; pero si es cierto que, hoy día, el sector profesional audiovisual consigue más dinero mostrando el proceso que por el propio material en sí. La cantidad de talleres, conferencias, making off… se han multiplicado en estos momentos, y la gente paga más por saber como se hace, que por el trabajo realizado. Es simple, la gente tiene más facilidades que antes para disfrutar de la fotografía, y sus ansias y ganas por aprender se multiplican. Saber compaginar el trabajo de venta fotográfica, con el de llegar a todas esas personas, en estos momentos, es fundamental.

Fotografía de Portada | Isaac Ferrera – Fotografo

En Xatakafoto | Nuevas tendencias para el fotógrafo actual (I): El uso del vídeo

La fotografía en HDR nos ofrece la posibilidad de combinar varias versiones de una misma fotografía hechas con valores de exposición diferentes. Gracias a esta combinación conseguimos aumentar el rango dinámico de la fotografía.

Lo ideal es crear las distintas esposiciones directamente en la cámara, pero puede que por un motivo u otro no lo hayamos hecho en su momento, y que una vez en casa, delante del ordenador, nos demos cuenta de que esa fotografía podría quedar bien en HDR pero ya no estamos a tiempo de repetir la foto.

En estas situaciones, todavía tenemos una solución, que es crear el HDR a partir del archivo RAW. Los resultados no son tan buenos como con las exposiciones hechas con la cámara, pero podemos conseguir resultados que están bastante bien.

Realmente lo que obtenemos con este método es un pseudo-HDR ya que obtenemos una fotografía con mayor rango dinámico que la original pero a costa de crear ruido durante el procesado.

Existen varios métodos para conseguir un HDR a partir de un RAW. En este truco express os enseñamos el que creemos que es el más sencillo de todos ya que Photoshop hace casi todo el trabajo y nosotros simplemente tenemos que realizar los últimos ajustes según queramos.

En el ejemplo creamos tres archivos JPEG con un paso de diferencia en la exposición entre cada uno de ellos ya que son suficientes para el ejemplo, pero vosotros podéis crear más de tres archivos alcanzando un mayor rango de exposición (por ejemplo desde -2EV hasta +2EV) e incluso disminuir la diferencia de exposición de un archivo a otro, por ejemplo sólo medio paso (0,5EV). De esta forma Photoshop tendrá más opciones para combinar las distintas exposiciones.

Tampoco realizamos ningún ajuste en el panel “Combinar para HDR Pro”, pero es posible mejorar y personalizar los resultados utilizando las herramientas que nos ofrece ese panel o realizar algunos ajustes con capas después en Photoshop. Pero eso os lo dejamos para que lo hagais cada uno a vuestro gusto y nos enseñéis después los resultados.

Vídeo | José Barceló
Música | Olga Scotland (Jamendo)
En Youtube HD | Procesado de un HDR a partir de un RAW
En Xataka Foto | HDR: ¿Sinónimo de éxito o de fracaso?

La nieve y el frío nos ofrecen un sinfín de posibilidades fotográficas que no debemos dejar escapar pese a las condiciones meteorológicas poco agradables a las que tengamos que enfrentarnos. Especialmente si cae una nevada histórica como la que cayó en Mallorca durante el fin de semana pasado, donde las fotografías se convierten con el tiempo en un documento gráfico muy importante.

El frío y la humedad, no nos afectan sólo a nosotros, sino que nuestro material también puede sufrir si lo llevamos a condiciones climatológicas más adversas. Por eso además de controlar la exposición en la nieve, tenemos que aprovechar los fenómenos meteorológicos que habitualmente acompañan las nevadas para sacar nuestras mejores fotografías pero sin descuidar nuestro material.

Por eso vamos a ver cómo podemos sacar el máximo partido en algunas situaciones en las que podemos encontrarnos habitualmente al fotografíar con frío, pero teniendo en cuenta algunos detalles que pueden hacernos pasar ese “mal rato” de una forma más llevadera a nosotros y a nuestro material.

Aprovecha todas las posibilidades

Foto de José Barceló

Intenta llegar el primero después de la nevada. Salvo que aprovechemos las pisadas de otras personas o de algunos animales que hayan pasado por la zona antes que nosotros, suelen quedar mejor las escenas con nieve virgen, sin huellas, que una vez que la nieve está muy pisada.

Un fenómeno que habitualmente acompaña el frío y la nieve, es la niebla. Podemos aprovecharla para crear fotografías con un cierto aire de misterio. Todo se volverá más grisáceo e irá perdiendo visibilidad cuanto más lejos esté de la cámara. Combinando el blanco de la nieve con el tono grisáceo de la niebla conseguiremos fotografías con un efecto monocromo muy interesante.

Foto de Hortolano en nuestro grupo de Flickr

Normalmente no nos apetece levantarnos de la cama para fotografiar un amanecer, y menos aún si hace mucho frío, pero la luz del amanecer es aún más espectacular en paisajes nevados. Además podemos conseguir interesantes contraluces o “jugar” con los brillos de los cristales de nieve creados por la luz anaranjada del sol.

Con el frío llega el hielo, y éste nos abre un mundo de posibilidades fotográficas. Desde tomar fotografías de las heladas matutinas, hasta ir en búsqueda de carámbanos que nos ofrecerán bonitas imágenes al fotografiarlos directamente o a través de ellos. Si además conseguimos encontrar un lugar en el que haya nieve, conseguiremos crear un ambiente más frío todavía.

Para los menos madrugadores, o que no sientan esa terrible necesidad de pasar tanto frío para sacar unas fotos, siempre tendremos días soleados tras las nevadas en los que el azul del cielo contrasta maravillosamente con el blanco de la nieve. En estos casos es importante controlar especialmente el balance de blancos, ya que es fácil que en zonas de sombra abierta obtengamos dominantes muy azuladas.

Primero cuida de tí

Foto de Luis Hernandez en nuestro grupo de Flickr

Cuando salgas a la naturaleza y haya nevado, asegúrate de que conoces bien la zona a la que vas a fotografiar. El paisaje con nieve cambia totalmente y los caminos pueden quedar cubiertos. Al dejar el coche durante unas horas para sacar fotos, piensa que puede que hiele o nieve mientras estás fuera, así que asegúrate de que estas cosas, en caso de producirse, no impedirán que regreses a casa sin problemas. Igualmente piénsatelo dos veces antes de continuar por una carretera con hielo o nieve para ir a buscar una foto que puede que luego ni merezca la pena haber hecho.

Cuida de tu material al hacer las fotos

Fotografía de Jesus Reinoso en nuestro grupo de Flickr

En caso de que haya niebla, la humedad es inevitable, pero podemos proteger nuestra cámara con una bolsa igual que antes, o simplemente colocando un jersey, camiseta o lo que tengamos más a mano para evitar que termine totalmente mojada. Igualmente esta humedad puede entrar en la cámara y convertirse en condensación al aumentar la temperatura, por lo que es importante secar la cámara como podamos mientras estemos sacando fotos.

Algo que ocurre a menudo cuando fotografiamos con frío es que se descargan las baterías o pilas de la cámara o del flash sin utilizarlas, por lo que es recomendable tener pilas y baterías de repuesto y llevarlas en los bolsillos para que la propia temperatura corporal las mantenga algo más calientes de lo que estarían en la mochila.

Una vez en casa

Foto de fender5 en Flickr

Podemos incluso dejarlo cerca de alguna fuente de calor, sin que esté en contacto directo con ella, pero sí lo suficientemenete cerca, para que termine de secarse totalmente. Si pensamos que puede haber entrado agua en la cámara, separaremos el cuerpo del objetivo y lo dejaremos abierto para que seque bien y evitar condensaciones (cuidado a la vez con el polvo).

Son muy útiles las bolsas de silica gel, esas bolsitas antihumedad que suelen venir con aparatos electrónicos. Podemos guardar alguna en nuestra bolsa fotográfica y así evitaremos que, en caso de que se haya mojado, siga húmedo su interior la próxima vez que metamos la cámara.

Conclusiones

En estas condiciones, el material puede sufrir daños si no le prestamos atención. Personalmente soy de la opinión de que no tengo que dejar de hacer fotos por pensar que el material está sufriendo, pero también evitaré al máximo exponerlo innecesariamente a condiciones que puedan estropearlo, por lo que siempre intento llevar en la mochila una bolsita de silica gel y alguna funda impermeable para la cámara.

Vídeo | José Barceló / Youtube
En XatakaFoto | Fotos de nieve para inspirarte

La copia en papel es una de las grandes damnificadas de la fotografía digital. Pero tener copias en papel de nuestras fiestas, excursiones, viajes o vacaciones hace que el recuerdo perdure y las copias ganan valor con el tiempo.

Hacer copias de nuestras fotografías en papel ha cambiado mucho en los últimos años. Con la revolución digital, la oferta se ha ampliado. Hemos pasado del revelado en una hora, al revelado instantáneo; de entregar el carrete en una tienda que se encargaba de todo, a los kioscos de auto servicio.

Diferentes tecnologías de impresión conviven con servicios que nos pueden parecer similares. En estos consejos, para sacar copias en papel de nuestras fotografías, conoceremos los tipos de impresión posibles, como sacarle más partido a la tecnología y la mejor manera para conservar nuestras copias.

Tecnología de impresión

Conozcamos los servicios a los que accedemos en las tiendas de fotografía.

El kiosco digital, recoge y toma nota de nuestro pedido, pero también es la fachada común para las diferentes tecnologías de impresión.

Cuando hablamos de revelado instantáneo suele ir ligado a impresión por sublimación. Las impresoras de sublimación se diferencian de las impresoras de inyección porque usan “tintas”(ceras) Roja, Verde y Azul Cian, Magenta y Amarillo para imprimir y sustituyen el negro (K) por un barniz, o lo que es lo mismo, usan RGB al igual que nuestras cámaras para obtener la imagen.

La impresora de sublimación realiza tres pasadas sobre el papel, una por cada color, y aplica un acabado final o laminado que puede ser brillo o mate. Este acabado protege nuestra copia hasta el punto que podemos limpiar nuestras fotografías de huellas o pequeñas manchas con un trapo un poco húmedo.

El Minilab químico es la otra opción que podemos encontrarnos y suele usarse para encargos de 1 hora si la tienda tiene el minilab en el local, o para encargos de 24 horas si la tienda trabaja con un laboratorio externo. Los minilabs trabajan con química y con papel fotográfico sensible a la luz. La exposición se hace con cabezal láser por lo que, al igual que la sublimación, trabajan en RGB.

En la actualidad, se empiezan a introducir minilabs de inyección de tinta o impresión en seco, con unos resultados muy buenos y garantías sobre la duración de las copias a muy largo plazo.

Consejos al hacer el encargo en la tienda

Tenemos que tener claro que las copias, en este tipo de máquinas, no nos garantizan la exactitud de color entre lo que vemos en la pantalla y la copia final.

Siempre que podamos, tenemos que huir del revelado instantáneo por sublimación. Este tipo de máquinas funciona de manera automática, sin ningún tipo de supervisión. Con lo cual, los resultados no siempre serán los esperados. Sobre todo en el tema de los colores o la luminosidad de la copia. Buscaremos siempre servicios donde tengan a un técnico supervisando la impresión.

Llevaremos nuestras fotografías en formato JPG, sin bajar de calidad y con el espacio de color en sRGB. Para tener nuestras fotos en sRGB, tenemos dos opciones:

• Si disparamos en JPG, elegiremos el espacio de color sRGB en la cámara. Si nuestra cámara no tiene esta opción, casi seguro que trabaja en sRGB.
• Si disparamos en RAW, realizaremos nuestros ajustes y exportaremos o guardaremos en JPG, asignando el perfil sRGB. El kiosco digital no reconoce nuestros archivos en RAW.

También es importante tener en cuenta las proporciones de nuestras fotos. Con la mayoría de cámaras digitales, podemos cambiar el formato de nuestras fotografías. Hacerlas más cuadradas o más panorámicas. El papel fotográfico tiene formato 3:2, pero en las cámaras podemos elegir el 4:3, más cuadrado, y el 16:9, más alargado. Tanto el 4:3, como el 16:9 son formatos más adecuados para la pantalla. Si usamos estos formatos, al imprimirlos en 3:2, tendremos que recortar imagen o dejar margen blanco.

El tamaño de la copia es otra de las opciones que tenemos. Lo mas habitual es el 10×15 cm, el más práctico para los álbumes y el mas económico. Pero si queremos copias mas vistosas, no descartéis tamaños mayores como el 15×20. Dependiendo siempre de la máquina, podemos llegar a 30×40 cm.

¿Brillo o mate? La eterna pregunta ante la que siempre dudamos. Pero mas allá, de la cuestión estética o del gusto personal, las diferencias son estas:

• El acabado brillo da más profundidad de color. Los colores son mas intensos, pero tenemos reflejos al ver las copias. También se marcan mas fácilmente los dedos.
• El acabado mate apaga los colores, pero es menos delicado.

Conservar las copias

La humedad y la luz son nuestros peores enemigos. Guardaremos nuestras fotos en lugares secos y resguardados de la luz directa del sol. Así evitaremos que las copias se curven o pierdan color.

Lo mejor son los álbumes, a poder ser, con hojas libres de ácido, donde la copia está protegida y facilita el visionado de las fotos.

Si la foto va en un marco, conviene dejar secar bien el cristal después de limpiarlo y antes de poner la copia. Situar el marco lejos de la luz directa del sol.

Conclusión

Tener copias en papel hace que la fotografía sea mas física, potenciando el recuerdo del momento. También se convierten en un respaldo del archivo digital, mas fácil de perder. Yo os recomiendo seleccionar las fotografías que cuenten los momentos clave de esa excursión, viaje o vacaciones y hacer copias. Seleccionando bien, las copias no serán muchas y no supondrá una gasto muy elevado.

En Xataka Foto | El placer de abrir el cajón de las fotos

Fotografía | José Juan Gonzálvez

Existen multitud de situaciones en las que podemos fotografiar a desconocidos en la calle, pero lo primero que tenemos que hacer es sentirnos cómodos en mitad de la calle con nuestra cámara, no es necesario empezar directamente al estilo, un tanto agresivo, de Bruce Gilden, sino que podemos ir acostumbrándonos a acercarnos a las personas poco a poco y a medida que nos sintamos más cómodos, conseguir acercanos más y con menos miedo.

Vamos a ver entonces algunas cosas que podemos hacer para conseguir nuestras primeras fotografías en las que aparezcan desconocidos y no lo pasemos tremendamente mal al disparar. Al fin y al cabo de lo que se trata es de disfrutar. Pero antes de empezar, debemos tener claro que si alguien no quiere ser fotografiado es mejor respetarlo, y si dudamos sobre si puede molestarle, preguntando simplemente “¿Le importa si le saco una foto?”, saldremos de dudas. Una sonrisa siempre ayuda.

Un teleobjetivo no es nuestro mejor amigo

Foto de SlapBcn en nuestro grupo de Flickr

Además, salvo que hagamos las fotos desde detrás de la persona que fotografiamos, en cuyo caso da igual usar un teleobjetivo que un angular, seguramente se percatarán igualmente de que les estamos apuntando con nuestra cámara, pero con la diferencia de que pueden molestarse más ante la sensación de ser espiados desde la distancia.

Lo mejor para empezar es hacerlo con un objetivo normal (50mm en formato de 35mm), o incluso algún objetivo zoom con un rango que vaya desde angular a un tele corto (por ejemplo, un 24-85mm en formato de 35mm) que nos permitirán mantenernos a una cierta distancia pero a la vez nos obligarán a acercarnos si no queremos que la persona se convierta en un simple punto en nuestra foto, ayudándonos a perder el miedo a ser vistos.

Ya tendremos tiempo, una vez que estemos más familiarizados con la fotografía de desconocidos, de utilizar el teleobjetivo largo buscando un efecto determinado en nuestras fotografías, como desenfoques marcados o acercamiento de los planos, que no nos aportan otros tipos de objetivos, o bien para fotografiar escenas a las que por el motivo que sea no podemos acercarnos físicamente.

Las personas como parte de la composición

Foto de soybuscador en nuestro grupo de Flickr

Observamos a ver si se acerca alguien y mientras tanto vamos midiendo la luz y buscando un buen encuadre. Aprovechamos para previsualizar mentalmente por donde tendría que pasar una persona para encajar y mejorar la composición inicial. En cuanto veamos que alguien se acerca y que pasará por donde queremos, hacemos como si sacásemos la foto a ese rincón tan bonito, es decir, disimulamos, pero disparamos en el momento en el que la persona cruza ante nuestra cámara.

Es probable que la persona al vernos con la cámara, se pare y espere a que saquemos la foto o cambie su rumbo y pase por detrás nuestro para no molestarnos, en ese caso, le damos las gracias y sonreimos, que le vamos a hacer, pero en algunas ocasiones puede funcionarnos y conseguir una buena foto sin molestar a nadie.

La ventaja de esto es que podemos conseguir fotografías interesantes gracias a una buena composición en las que la persona nos ayuda a componer la imagen sin sentir que la estabamos fotografiando al no ser el motivo principal de la fotografía.

Se trata de un tipo de fotografías en las que da igual quién o cómo sea la persona de la foto, simplemente son un elemento más de la fotografía, que añaden interés pero sin sentirse acosados. Esto nos permite mantener una cierta distancia para ir acostumbrándonos a disparar cuando una persona está ante nuestra cámara.

El angular nos puede ayudar a disimular

Fotografía de José Barceló

Es cierto, tendremos que acercarnos más, pero aprovechemos eso para hacer fotos con personas cerca de nuestra cámara sin que les intimide nuestra presencia. En la foto de arriba, esta pareja me preguntó: “No salimos en la foto, ¿no?” Es decir, estaban convencidos de que no salían, pero querían confirmarlo.

Volvemos a la escena de antes, estamos haciendo una foto en la calle, sin personas, pero alguien aparece, se mete en nuestro encuadre y antes de que salga disparamos. Podemos conseguir fotos en las que la persona sí sea el motivo principal de la foto pero sin que se agobie demasiado por eso ya que no tiene del todo claro si ha salido en la foto.

El problema que tenemos con los objetivos angulares es que la persona tiene que estar cerca de la cámara, sino, como sabemos, todos los planos se alejan y la persona perderá protagonismo.

Otra ventaja de utilizar objetivos angulares en estas situaciones es que disponen de una gran profundidad de campo, con lo que si se trata de una foto rápida y no acertamos el punto de enfoque exactamente donde queremos, tampoco será un gran problema ya que prácticamente toda la foto aparecerá enfocada.

La persona que ha pasado ante nuestra cámara, puede preguntarnos a ver si realmente sale en la foto. Ahí cada uno debe decidir su respuesta en función de la situación en la que se encuentra y la reacción de la persona de la foto, pero suele dar mejor resultado decir que sí, que realmente ha salido en la foto, e inmediatamente antes de que ponga mala cara o proteste, ofrecerle una copia de la foto y sonreir.

Espacios para fotógrafos

Foto de Lograi en nuestro grupo de Flickr

Por ejemplo podemos frecuentar zonas turísticas, monumentos, catedrales, etc. donde es habital que la gente esté un rato dando un paseo y sacando fotografías y no se nos quedarán mirando por hacer lo mismo.

También podemos asistir a lugares frecuentados por personas con una mentalidad más abierta hacia lo que es la fotografía, como puedan ser los alrededores de galerías y museos por ejemplo. Es cierto que esto no nos asegura buenas fotos ni evitar algún problema, pero si vamos con la mentalidad de que a las personas de estos espacios no les molesta, a nosotros también nos costará menos hacer las fotos y transmitir a los fotografiados que no estamos haciendo nada por lo que pedir disculpas.

Situaciones especiales para quitarte el miedo

Fotografía de José Barceló

Podemos aprovechar estos eventos para mezclarnos con la multitud y pasar más desapercibidos. De esta forma podremos conseguir fotografías más naturales sin que la gente se moleste por ser fotografiada.

Puede que nos pregunten a ver si la foto que acabamos de hacer va a salir en algún periódico. De nuevo podemos responder en función de la situación y la personalidad de cada uno, pero simplemente con decir que eso no depende de nosotros, sino que es el editor el que decide, podemos evitar tener que dar más explicaciones.

Acordaos de la fotografía analógica

Fotografía de José Barceló

Lo que ocurre es que gracias a que no puede verse la foto al instante, tenemos la excusa perfecta para no tener que enseñarla cuando alguno de los fotografiados nos pregunta si ha salido en la fotografía.

Bastará con decirle que no estamos seguros, que pensamos que sí o que no, según prefiramos, pero que si sale y quiere una copia de la foto cuando la tengamos revelada, que puede ponerse en contacto con nosotros.

Conclusión

Como decía al principio, la educación y la simpatía pueden ayudarnos mucho para evitar problemas. Cada uno debe conocerse a sí mismo y saber en qué puede mejorar a la hora de relacionarse con los desconocidos, pero personalmente lo que mejor me funciona es ir con la verdad por delante.

“¿Por qué me has hecho una foto?” suele ser la pregunta más temida cuando le sacamos una foto a algún desconocido. Debemos tener una respuesta más o menos en la cabeza para las distintas situaciones. Si tenemos un motivo, podremos explicárselo. Si no lo tenemos, podemos inventárnoslo o bien explicarle que nos gustan este tipo de fotografías, ofrecerle ver la foto y, si le ha molestado, pedirle disculpas.

Al fin y al cabo de lo que se trata es de disfrutar al máximo, conseguir buenas fotografías y no meternos en problemas gordos por una foto que puede que ni nos guste. A medida que vamos perdiendo el miedo y experimentando, cada uno termina conociendo qué le funciona mejor según su personalidad.

Foto de portada | #Sanxo#
En Xataka Foto | Fotografía Callejera

Hace no demasiado tiempo cuando estuve impartiendo mi último taller sobre iluminación y strobist para retrato, me di cuenta que había alguna persona que aún creía que el uso del flash era única y exclusivamente para cuando a penas existía luz.

En general frases como estas no están exentas de razón, pero obviamente no es una verdad absoluta ni mucha menos. El flash es una herramienta de iluminación que puede servirnos tanto como una luz principal como una luz de relleno. ¿Qué significa esto? Pues muy sencillo, significa que un flash no sólo podemos, sino que muchas veces debemos usarlo en situaciones de luz, y cuando digo luz me refiero a mucha luz, al igual que los reflectores (como ya os comenté en un artículo sobre su uso y sus tipos).

Según mi manera de ver y conocer la luz, podría catalogar al flash como un arma potentísima dentro de la creatividad fotográfica. Los diferentes motivos por los que se usa un flash podrían ir desde intentar iluminar escenas(cuidado con esto, porque hablo de iluminar no de alumbrar) que no tenga casi luz, pasando por usarlo para iluminar un fondo, hasta usarlo como luz de relleno para conseguir rebajar el contraste de escenas… Además la luz del flash puede conseguir darnos ese volumen que muchas veces nos falta en muchas de nuestras fotografías, potenciando formas, figuras y un sin fin de estructuras.

Es en parte por todo esto que os explico traeros unas pequeñas explicaciones más visuales sobre el uso del flash cuando nos encontramos a plena luz del día. Corre a cargo de Mark Wallace, y en el podréis ver como el uso de la luz natural junto con la del flash es mucho más utilizado de lo que muchos creen.

En próximos artículos os hablaré un poco más sobre algunos usos del flash y sus posibilidades.

Y recordad que la luz de una fotografía es uno de los factores que pueden encumbrarla o eclipsarla con respecto a los ojos de quien la mira.

Sitio Web | YouTube

La regla de oro a la hora de asegurar el enfoque en una fotografía es pinchar la cámara sobre un trípode y usar un disparador remoto para asegurarnos de que no habrá trepidación, por grande que sea, capaz de arruinar nuestra fotografía. Es un buen comienzo pero nos equivocamos si pensamos que ésto es suficiente para nuestro propósito. Aun podemos ser más concienzudos y ahora veremos cómo.

Vamos a suponer que ya tenemos la cámara pinchada en el trípode y que vamos a usar un disparador remoto o el temporizador en el peor de los casos. Para asegurar la máxima estabilidad del conjunto seleccionaremos en la cámara la opción de bloquear el espejo (si dispone de ella), que consiste en que al pulsar el disparador primero se levantará el espejo y pasado un tiempo prudencial comenzará a tomar la fotografía. De todos los consejos éste es el único que depende de la cámara y el que probablemente ya conozcáis, el resto de trabajo lo haremos sobre el trípode.

Para asegurar, como decíamos, la estabilidad del conjunto hay que usar correctamente el trípode y ello implica, por ejemplo, usar el gancho que cuelga de uno de los extremos de la columna central: sirve para colgar peso, generalmente nuestra propia mochila. Con respecto a las patas y secciones del trípode, desplegad solamente las necesarias y siempre empezando por las más gruesas. Igualmente con la columna central, cuanto más la subamos más vulnerable se volverá a las trepidaciones. El último consejo es que, cuando uséis un teleobjetivo, coloquéis sobre el mismo una pequeña bolsa o saco lleno de tierra, arroz o algo similar que os ayudará a amortiguar los movimientos de la maquinaria de la cámara.

Foto | Mike Baird

Repasando mi documentación, me encontré hace poco este tema del rendimiento de Adobe Photoshop que tenía apuntado hacía tiempo. Confieso que la mejor recomendación para mí, en este caso, es seguir lo que recomienda el fabricante aunque con algunos matices que te da la experiencia de los años. Hablando con una amiga en su estudio hace poco me comentó que ni se había planteado la posibilidad de configurar Photoshop: “Pero, ¿no viene ya configurado?”, me preguntó. Miré la configuración del sistema, abrí su Photoshop CS5, entré en Editar/Preferencias/Rendimiento y le configuré unos cuantos parámetros. El otro día me llamó y me dio las gracias porque notaba que había mejorado el rendimiento.

Existen cuatro formas principales de mejorar el rendimiento de Photoshop: optimizar la configuración del hardware, especificar las preferencias de rendimiento, utilizar buenos hábitos de trabajo en Photoshop (como el uso de capas de ajuste, por ejemplo) y llevar a cabo ciertos pasos para acelerar el sistema operativo (no tener el disco duro hasta arriba, limpiar ficheros temporales, defragmentar y cuestiones similares que os sonarán). No solamente disponer de un buen equipo nos permitirá un mejor flujo de trabajo, también una configuración adecuada contribuirá a ello.

No hay una receta mágica. En cada uno de vuestros casos dependerá de vuestras configuraciones particulares pero esperamos que algunos de estos consejos os ayuden a mejorar el rendimiento de Photoshop.

La CPU

Como decía contar con un buen hardware de lo más potente siempre nos ayudará. Pero ¿cuál son los parámetros hardware adecuados para un funcionamiento digno de Photoshop?. La velocidad de procesamiento de Photoshop está limitada por la velocidad de la CPU. La versión CS4 de Photoshop requería un procesador de al menos 1,8GHz (con un rendimiento bastante pobre en mi opinión) y la CS5 admite ya procesadores multicore como punto de partida en Mac Os aunque en Windows rebaja las pretensiones a un procesador de un solo núcleo pero de al menos 2GHz. Así que cuántos más núcleos, mayor velocidad, en definitiva mayor potencia de CPU mejor. Aquí no hay mucho misterio.

La memoria RAM

Otro factor muy importante, es la memoria RAM. Cuánta más dispongamos mejor, evidentemente. Aunque aquí hay ciertas limitaciones provenientes del propio sistema operativo y la gestión de la misma. Pero, ¿cuál es la cantidad de RAM que maneja Photoshop?

Versión de Photoshop	Versión de sistema operativo	Cantidad máxima de RAM que Photoshop puede usar
CS4, CS5, 32 bits	Windows 32 de bits	1,7 GB
CS4, CS5, 32 bits	Windows de 64 bits	3,2 GB
CS4, CS5, 64 bits*	Windows de 64 bits	Tanta memoria RAM como pueda contener su ordenador
CS4, 32 bits	Mac OS	3 GB
CS5, 32 bits	Mac OS	2,1 GB
CS5, 64 bits	Mac OS	Tanta memoria RAM como pueda contener su ordenador

Por defecto, Photoshop utiliza el 70% de la memoria RAM disponible. Observa el “indicador de eficiencia” mientras trabajas en Photoshop para saber cuándo Photoshop agota la memoria RAM y empieza a usar el disco de memoria virtual, lo cual reduce el rendimiento. ¿El valor de eficiencia te estarás preguntando? Ahora lo vemos. Si el valor de Eficiencia es inferior a 100%, Photoshop está utilizando el disco de memoria virtual y, por tanto, el funcionamiento es más lento. Si la eficiencia es inferior a 90%-95%, asignas más memoria RAM a Photoshop en las preferencias de rendimiento Editar/Preferencias/Rendimiento, en caso de haber asignado el máximo posible no nos quedará otra que añadir más memoria RAM al sistema. ¿Dónde vemos este valor de eficiencia y otros valores interesantes?: observa la siguiente imagen.

Disco Duro(HDD)

El siguiente factor es el disco duro. Ya que Photoshop lee y escribe casi constantemente información mientras se trabaja con una imagen, cuanto más rápido sea el disco que contenga la imagen o el disco de memoria virtual, más rápidamente podrá procesar Photoshop la información de la imagen. Seguramente os habréis dado cuenta de un indicador en la parte inferior de las imágenes que indica: “tamaño en disco”, esto nos da idea del tamaño que ocupará el archivo en disco pero también es indicador del uso que está haciendo Photoshop en el disco. Para mejorar el rendimiento de Photoshop, es conveniente usar un disco con una velocidad de transferencia de datos rápida, lo más rápida posible.

Discos de estado sólido(SSD)

Instalar Photoshop en un disco de estado sólido (SSD) permite que Photoshop se inicie con rapidez pero ninguna ventaja más. Para sacar el máximo partido de un SSD, lo mejor es usarlo como disco de memoria virtual de Photoshop. De este modo, ganamos en importantes mejoras de rendimiento cuando tengamos imágenes que superen el tamaño de la memoria RAM asignada a Photoshop ya que intercambiar segmentos entre la RAM y un SSD es mucho más rápido que intercambiar entre la RAM y el disco duro. De hecho, esta ampliación usando un SSD es rentable una vez que hayamos instalado el máximo de memoria RAM, ya que, en principio (relación calidad-precio-rendimiento añadir RAM para mejorar el rendimiento es más rentable que adquirir un SSD actualmente).

Fotografía de Isaac Ferrera en nuestro grupo de flickr

GPU o tarjeta gráfica

Photoshop usa la GPU de la tarjeta gráfica del ordenador para que la pantalla se redibuje más rápidamente. Por eso es importante tener una tarjeta gráfica dedicada y no integrada (cosa que suele ocurrir sobre todo en portátiles). Otro requisito es que la tarjeta soporte el estándar OpenGL. Existe una lista de tarjetas “probadas” que podéis comprobar aquí. En este caso cuanta más memoria dedicada tenga nuestra tarjeta gráfica mejor.

Otros factores que afectan el rendimiento

A pesar de todo ello, para trabajar con Photoshop, tanto si andamos justos de recursos como si no siempre viene bien tener en cuenta otros factores que, en ocasiones, provienen de hábitos que tenemos acumulados con el paso del tiempo:

1. Tener demasiados documentos/imágenes/fotografías a la vez disminuye el rendimiento
2. Los llamados efectos de las opciones de fusión de las capas como sombreados o relieves afectan extrañanamente al rendimiento (pues no le he encontrado explicación a esto con el paso del tiempo). También
3. Configurar un número de estados de historia adecuados. Un tamaño de 40 pasos en el histórico es más que suficiente en la mayoría de los casos. Y si vas a hacer una edición destructiva como puede ser clonando o usando las herramientas de subexponer o sobreexponer, siempre tienes la opción de hacer una instantánea en el histórico. Opción ésta recomendable y mucho más eficiente siempre.
4. Generar y duplicar en exceso capas cuando podemos usar en muchos casos capas de ajuste, más eficientes.
5. Aunque desde Adobe recomiendan utilizar una profundidad de 8 bits para mejorar el rendimiento, en nuestro caso, como fotógrafos, no debemos utilizarla por una cuestión de calidad de imagen y primarlo sobre el rendimiento. La conversión a 8 bits por canal elimina datos de la imagen.
6. Deshacer, el portapapeles y los estados de historia que contienen datos de imagen en ocasiones nos puede venir bien. Para liberar memoria RAM, seleccionas Edición > Purgar y, a continuación, Deshacer, Portapapeles, Historias o Todo.
7. Photoshop usa un sistema de almacenamiento de imágenes en caché para redibujar más rápidamente las imágenes. El valor predeterminado de Niveles de caché es 4, aunque este valor debe configurarse en función de la memoria y el tipo de imágenes habituales que trabajes. Así si utilizas archivos relativamente pequeños (1 megapíxel) y muchas capas (más de 50), establecer la caché en 1 ó 2 es lo mejor. Para archivos de más de 10 megapíxeles lo mejor es poner un valor superior a 4.
8. Usar un sistema de 64bits te permitirá usar Photoshop casi un 15% más rápido ademñas de como veíamos en la tabla más arriba no tener limitaciones en el uso de memoria RAM más que la impuesta por el propio sistema operativo.

En resumen

Es casi cierto que, en este caso, se cumple la máxima de “cuanto más, mejor” pero has visto que podemos ajustar algunos aspectos de nuestra configuración para sacar más partido a Photoshop. Esperamos que estos consejos te ayuden a mejorar el rendimiento de tu Photoshop y vaya algo más ligero. Recuerda que no hay una receta mágica y que dependerá en gran parte de la configuración de tu sistema e ir probando algunas de las propuestas aquí expuestas. Próximamente saldrá Photoshop CS6, pero seguramente lo aquí expuesto seguirá teniendo validez pues gran parte de estos consejos podrían valer para otras muchas aplicaciones.

Fotografía de Portada | Manurs en nuestro grupo de flickr
Más información | Adobe | Blog de Jhon Nack

Así como Ansel Adams hablaba de la previsualización y de como el fotógrafo tenia que tener presente la copia final en todo momento, los fotógrafos digitales tenemos que tener presentes los tres pasos de la fotografía hoy en día: capturar, procesar y compartir. Trabajar estos tres aspectos harán que nuestras fotografías mejoren, se visualicen correctamente y las vean más gente.

A la hora de la captura

En el momento de tomar tus fotografías, piensa en estos consejos para trasmitir el máximo de información.

Busca situaciones dinámicas. Nuestras fotografías tienen que transmitir actividad, movimiento (abrazos, saltos, sonrisas…). No hagas posar a la gente si no buscas la formalidad. Pensar en la foto de un grupo, todos posando, uno al lado del otro, mirando a la cámara, es aburrido. Mejor capturar al grupo desarrollando la acción para la que se han reunido.

Encuentra un punto de vista diferente. Baja la cámara al suelo para potenciar a los personajes o sube a una silla para mostrar más. Sorprende al espectador enseñando algo que él no hubiera visto de estar en tu sitio.

Acércate y luego acércate más. Yo empleo este truco: cuando tengo en el encuadre todo lo que quiero fotografiar, doy un paso o dos hacia adelante. Así elimino aire de la foto y concentro la atención del espectador.

Cuando procesamos nuestras fotografías

Crea un flujo de trabajo antes de subir tus fotografías a internet. Con estos pasos mejorarás el aspecto de tus fotografías haciendo que resalten en la pantalla.

Si no te acercaste lo suficiente, ahora tienes tu segunda oportunidad. Usa la herramienta recortar. Elimina los elementos que no aporten nada a la fotografía. Pero al recortar no pienses sólo en mejorar el encuadre, piensa también en las proporciones de la fotografía y en el tamaño en que va a verse. Al recortar, no debemos deformar. Por otro lado, en la pantalla, una fotografía con un tamaño pequeño y con un personaje u objeto pequeño, no es atractiva.

Vigila las luces y las sombras. No podemos controlar el brillo y el contraste de todas las pantallas, pero podemos subir nuestras fotografías con el máximo detalle en las luces y en las sombras. Usa el histograma y los niveles para comprobar que no se recortan. Puedes chequear tus imágenes con Ajuste —> Niveles.
Pulsando la tecla ALT y un click de ratón en el deslizador blanco, compruebas las luces. ALT y click en el deslizador negro, compruebas las sombras.

Para publicar nuestras fotografías estamos obligados a reducirlas de tamaño. Los detalles más pequeños y las texturas más finas se pierden. La solución: Enfoca. Para hacerlo sencillo y siempre en la misma cantidad usa, en Adobe Photoshop, el Filtro —> Enfocar —> Enfocar. Nuestras fotografías serán más nítidas y resaltarán más en la pantalla.

Añade una viñeta o un marco. Parece que nunca pasan de moda y nos dan un aspecto más profesional.

Trabaja en sRGB. Asegúrate de que las fotografías que guardes para subir a internet estén en este perfil de color. Con esto, te aseguras que los colores se vean lo más parecido a tu procesado, en el mayor número de pantallas.

Si usas Adobe Photoshop, confía en la opción “Guardar para web y dispositivos”. Conseguirás la mejor compresión, a la mejor calidad de imagen y tus archivos pesarán menos, haciendo que suban y se vean mas rápido en la web. La mejor configuración: guarda en formato JPG, no comprimas nunca por debajo de 80 y redimesiona tus fotos.

Las medidas más habituales para la web son:

• Para tamaños grandes: 1024, 960 y 768 pixels.
• Tamaños medianos: 600 y 480 pixels.
• Tamaños pequeños: 300 y 150 pixels.

Siempre aplicado al lado mas largo de la fotografía.

Comparte

Hazte visible, sube tus fotos a las redes sociales de fotógrafos o abre un blog. Pero sobre todo, usa los Metadatos, esa información que podemos añadir a nuestras fotos y que los buscadores de internet son capaces de leer.

De todos los metadatos disponibles los más recomendables son:

• El Título del documento. Palabra o frase que puedes compartir mas de una fotografía. No confundir con el nombre de archivo.
• La Descripción.Piensa un pie de foto de un diario y escríbelo en este apartado.
• Palabras clave. Etiqueta tu fotografía con términos referidos, tanto a la foto en si, como al concepto que trasmite.
• Copyright, firma tus fotos en los metadatos para que se sepa que es tuya.

Para acceder a Metadatos ve a Archivo -> Información del Archivo en Adobe Photoshop.

Conclusión

En las fotografías hay que cuidar hasta el último detalle y no podemos olvidarnos de la visualización en pantalla. Tener en cuenta estos consejos de procesado y rellenar los metadatos puede parecer una tarea engorrosa, pero los beneficios son grandes. Una buena fotografía puede arruinarse por un mal visionado. Una fotografía mas floja puede mejorar si destaca en la pantalla.

En Xataka Foto | Perfiles de color e Internet – Truco: mejora la calidad de tus fotos al reducirlas y ampliarlas en Photoshop
Fotografía | José Juan Gonzalvez

Hace unas semanas os traíamos una selección de pinceles de humo para Adobe Photoshop, pero somos conscientes de que el humo siempre resulta más real si lo captamos directamente al hacer la fotografía en lugar de añadirlo en el procesado utilizando pinceles.

Para conseguir crear humo en una fotografía y que dure lo suficiente como para tener tiempo de hacer la foto, existen algunos trucos, como por ejemplo calentar algodón mojado en el microondas y esconderlo en la fotografía, o utilizar un vaporizador, pero algunas veces es difícil que estos elementos no se vean en la foto.

Para salvar estas situaciones hemos encontrado Smoke Drops, un kit de dos líquidos que al mezclarlos producen inmediatamente un humo bastante denso y fácil de captar con la cámara ya que dura unos cinco o diez minutos.

El precio del kit es de 49 dólares, un precio que puede parecer elevado, pero si vemos el vídeo que nos presentan en la web del vendedor, comprobamos que la cantidad de líquido que utilizan para que el humo dure esos cinco o diez minutos es muy pequeña, por lo que podremos utlizar un único kit en muchas fotografías

La gran ventaja que veo que tiene esta forma de crear humo es que no necesitamos un bote, algodón o cualquier otro elemento que pueda salir en la fotografía, simplemente vertemos unas gotas de líquido A sobre otras de líquido B y al instante aparece el humo, sin necesitar un recipiente.

De esta forma si estamos fotografiando un filete por ejemplo, podemos hacer la mezcla directamente sobre el filete y que parezca que es éste el que echa humo en lugar de un elemento escondido por detrás del trozo de carne. Eso sí, no creo que sea muy recomendable comerse ese filete después de las fotografías.

Cómo utilizar el humo que fabricamos con esta mezcla dependerá de la creatividad de cada uno de nosotros, pero recordad que el humo se hace más visible en las fotografías si lo iluminamos con una luz situada por detrás del humo, es decir, un contraluz.

Vía | Gizmodo
Más información | Smoke Drops
En Xataka Foto | 350 pinceles de humo para Photoshop