Ha llegado el momento de probar todo lo que nos han regalado en navidades. Y seguro que si eres fotógrafo algún que otro accesorio te ha llegado. Uno de mis alumnos ha recibido un flash y un emisor. Nada más y nada menos. ¿Se puede empezar a hacer fotos solo con este material? Por supuesto que sí. Vamos a ver qué encontramos por casa para conseguir una buena fotografía con un flash.

Lo que vamos a ver hoy es simplemente una pequeña práctica, un cómo se hizo de prueba para ver todo lo que se puede conseguir con un flash y un emisor. No tenemos fondos, ventanas, octas ni nada parecido. El flash desnudo, una cámara y muchas ganas de experimentar.

El objetivo no es conseguir en este momento la fotografía más bonita, sino ver todo lo que podemos hacer con un flash y lo que encontremos por casa para empezar a experimentar y probar. Y de paso ir soltándose con la iluminación artificial.

Con lo que hemos encontrado por casa

Así que doy las gracias a otro de mis mejores alumnos, con una curiosidad infinita, por cederme las fotos para publicarlas. Están hechas sin ninguna pretensión, solo con el ánimo de aprender.

Cómo hacer una fotografía con tan solo un flash

Un flash es uno de los mejores accesorios que podemos tener los fotógrafos. Es estupendo controlar la luz a nuestro antojo sin depender del sol. Pero hay que conocer sus reglas, sus normas, para conseguir nuestro objetivo, que no es otro más que una buena fotografía.

No es una fotografía de portada pero sirve para aprender

Nos hemos puesto a buscar cosas por su estudio para intentar fotografiar una pieza de su colección de porcelanas. La cuestión era hacer una imagen aceptable, sin pretensiones, con únicamente un flash y un emisor y todo lo que encontráramos.

En Xataka Foto

Modos de medición de la luz: Qué son y cómo utilizarlos adecuadamente

Al final hemos encontrado:

• Trípode de cámara.
• Difusor olvidado.
• Tela con demasiada textura.

Las fotografías que hemos conseguido no son para enmarcar, pero al menos han servido para ver todo lo que se puede conseguir.

La clave para conseguir una buena fotografía es poder separar el flash, un Godox V1 de la cámara mediante el emisor Godox X2T. Esta es la clave para no tener problemas y evitar problemas.

Otra cosa que debemos encontrar es un buen difusor. Lo ideal es una ventana de luz lo más grande posible, o un octa. Pero si no tenemos nada parecido siempre, podemos rebotar la luz en una pared blanca o en el techo de nuestra casa si no es muy alto. Hay que huir de la luz puntual de un flash para evitar los pequeños puntos de luz en las superficies reflectantes.

Los pasos que vamos a ver a continuación permiten conseguir un buen resultado. En Xataka Foto ya hemos hablado del ABC de la iluminación. Y aquí lo vamos a aplicar.

1/125 f8 ISO 100

Personalmente, siempre me gusta hacer un disparo sin flash para comprobar que la luz ambiente no influye en el resultado final. Si el archivo sale negro, es perfecto. En esta ocasión hemos disparado a 1/125 f11 ISO 100.

Como queríamos iluminar la pieza, hemos colocado el flash en el trípode y lo hemos puesto encima de la mesa para conseguir una iluminación cenital. Lo más alejado posible del objeto para dar una luz uniforme.

Por supuesto hemos puesto el flash en modo Manual para tener nosotros todo el control. Podríamos elegir el modo TTL, pero no ofrece tantas posibilidades y no permite aprender cómo funciona la iluminación.

Hemos quemado al pobre cisne

Así que lo hemos encendido, lo hemos sincronizado (con Godox es fundamental ponerlo en posición RX, la pantalla naranja) con el emisor X2T y hemos situado la potencia del flash en 1/8. A todas luces ha sido excesivo.

Bajando la potencia del flash. Un paso equivocado en nuestro proceso

Decidimos bajar la potencia del flash a 1/16. Este paso es un error, pero queríamos ver cómo quedaba la luz. Y vemos claramente un problema. El flash desnudo (da igual que el cabezal sea redondo) es demasiado pequeño respecto al cisne, por lo que no queda más remedio que difuminar la luz para evitar un foco tan puntual... Podríamos haberlo alejado más, pero no teníamos los medios.

Encontramos un difusor, uno de esos que luego son imposibles de cerrar a no ser que tengas la técnica del plegado en ocho depurada. Lo colocamos a mano (recuerdo que no tenemos nada más) y disparamos.

El difusor empieza a hacer su trabajo. En esta fotografía está a la derecha

La fotografía tiene la luz mucho más difusa, menos concentrada. Y como observáis, hemos perdido mucha luz. ¿Cómo lo solucionamos? ¿Abriendo más el diafragma? No, queremos esa profundidad. ¿Bajando la velocidad de obturación? Tampoco, no es especialmente relevante con la luz del flash.

Nos quedan dos opciones:

1. Subir la sensibilidad.
2. Subir la potencia del flash.

Al final optamos por la segunda opción. Si queremos que nuestro flash sea 'más potente' solo necesitamos subir el ISO. Así gastaremos menos batería que subiendo la potencia del flash y podremos hacer más disparos.

El reflector plata rellena las sombras, pero da demasiados reflejos...

El cisne ha mejorado notablemente. Pero la parte inferior ha quedado un poco más oscura de lo que nos gustaría. ¿Cómo lo solucionamos? Sabemos que sería ideal una tela blanca, o una cartulina del mismo color... pero no la tenemos. Así que aprovechamos la funda plateada del reflector. Y conseguimos nuestro objetivo.

El resultado final

Solo nos queda mejorar el fondo. Con la ayuda de unas pinzas de la ropa y una tela con demasiada textura creamos un fondo que nos sirve para terminar la imagen con los recursos disponibles. Un poco de edición en el ordenador y listo.

En Xataka Foto

Estos son los sitios más coloridos del mundo para hacer fotografías

Es verdad que con una buena ventana con una jirafa, un fondo blanco limpio, un reflector y dos banderas tendríamos una fotografía mucho mejor. Y sobre todo no tendríamos que editarla en Photoshop... Pero el objetivo era aprender y aprovechar el material... Si estuvieras en la misma situación en tu casa ¿Cómo lo harías?

A muchos fotógrafos estas cosas no nos gustan, pero hay que reconocer que son divertidas y que las opciones son miles. Como siempre, depende de la creatividad de la persona que se ponga delante del ordenador. Vamos a ponernos con las manos en Adobe Photoshop para cambiar rostros, o lo que se nos ocurra, con esta sencilla técnica.

No es el mejor método del mundo para fusionar caras, pero desde luego es el más rápido y eficaz si las imágenes son parecidas en lo que respecta a la iluminación y las texturas. He escogido dos fotografías de JumpStory para seguir los pasos que indican en este vídeo de Youtube.

Como siempre, seguiré los pasos que indican, pero intentaré aportar algún paso para que todo sea más sencillo para todos los que quieran hacer este truco. Toca recordar a esa película llamada 'Cara a cara'.

Fotografía original

Y siempre podemos acudir a alguna app del móvil -como Photo Face Swap- que haga todo por nosotros y no tengamos que esforzarnos en absoluto, como cuando conseguíamos que nuestros padres nos hicieran los deberes el último día de vacaciones.

El efecto no queda bien con fotografías con distintas texturas

Combinar caras en Adobe Photoshop

Lo primero que necesitamos es tener dos fotografías con un encuadre y una luz parecidas. He probado con imágenes distintas y no ha funcionado correctamente. Si queremos hacerlo así tendremos que trabajar con capas de ajuste y demás...:

El rostro copiado

• Abrimos las dos fotografías en Adobe Photoshop. Si trabajamos con Adobe Lightroom podría ser interesante revelarlas a la vez para conseguir los mismos valores en lo que se refiere a temperatura y exposición.

En Xataka Foto

Fujifilm GFX50SII, análisis: cuando el tamaño del sensor importa y lo demuestra

• Con la herramienta Lazo seleccionamos la cara que queremos pegar en otro cuerpo. No hace falta que sea como vemos en el vídeo. Solo se tiene que adaptar a la cara donde la pegaremos.
• Con Ctrl+J duplicamos la selección en una capa nueva. Esta capa, con la ayuda de la herramienta Mover, la arrastramos al archivo donde queremos pegarla.

Cambiar la Opacidad nos ayuda a colocar mejor la fotografía

• Llega el momento de ajustar el tamaño. Es más cómodo si vamos a la ventana Capas y bajamos la Opacidad para colocar correctamente el rostro encima de la nueva cara.
• En Selección>Transformar selección ajustamos el nuevo rostro al retrato... Es importante colocar los ojos a la misma altura. A lo mejor tenemos que ampliar o reducir el recorte... Todo depende de la fotografía.

La función Deformar en acción

• En algunos casos será necesario hacer clic con el botón derecho y elegir la opción Deformar para mejorar el ajuste de las caras.
• Cuando esté todo ajustado, en la ventana Capas hacemos Ctrl+clic en la miniatura del rostro, para recuperar de nuevo la selección.
• Vamos al menú Selección>Modificar>Contraer y ponemos entre 10-20 píxeles. La selección irá hacia dentro.
• Este paso es importante. Desactivamos la visibilidad del rostro recortado con el icono del ojo de la ventana Capas y activamos la otra capa. Ahora damos a la tecla Borrar (del teclado)y eliminamos esa selección del rostro.

La imagen final

• Para terminar, activamos de nuevo la visibilidad de la capa, seleccionamos ambas con Ctrl+clic y vamos a Edición>Fusionar capas automáticamente. En esta ventana no tenemos que cambiar nada. Solo elegir como Método de fusión>Panorama y dejar todo marcado.

En Xataka Foto

No siempre es fácil distinguir una foto hecha con una cámara profesional o una de aficionado

Como veis el resultado es muy convincente. Lo más difícil es trabajar con las fotografías adecuadas. Es un divertimento con muchas posibilidades creativas. Seguro que se puede hacer de una forma más profesional con la separación de frecuencias, por ejemplo. Pero si te encuentras sin saber qué hacer o quieres hacer una broma a tus amigos o familiares seguro que te servirá.

En Xataka Foto hablamos mucho de la fotografía en blanco y negro. Tras unos principios dubitativos en el mundo digital, es un proceso que ha ido ganando más y más adeptos y ha recuperado el lugar que no debería haber perdido. Así que vamos a diseccionar cómo podemos conseguir una buena imagen en blanco y negro.

El blanco y negro es difícil. Pero no más complicado que la fotografía en color. No os fieis nunca de quien os dice lo contrario. No es tan fácil como mirar una foto y decidir en el momento que quedaría bien sin color alguno. Tampoco podemos ir por ese camino en el que muchos hemos caído una y otra vez intentando salvar lo insalvable: la pasamos a blanco y negro y todo solucionado.

La intuición es importante. Y puedes tener una visión que te anime a cambiar todas las fotografías de ese viaje para pasarlas a escala de grises. Pero este no es el mejor camino para lograr una imagen impactante.

Después de muchos años detrás de las claves para conseguir la mejor fotografía he llegado a varias conclusiones. Puede que no sean las mejores para ti, oh lector, pero seguro que os servirá para empezar a decidir cómo podéis hacerlo.

Las claves de la fotografía en blanco y negro

La fotografía digital permite conseguir algo que era muy difícil con la fotografía química. En los tiempos pasados teníamos un filtro por el que había que mirar un mero instante para ver la escena sin color. Solo funcionaba si eras rápido.

Ahora tenemos la opción de configurar la cámara en blanco y negro directamente para hacer la visualización mucho más sencilla. Ya no tenemos que imaginar, directamente la vemos en la pantalla o en el visor. Y lo mejor de todo es que seguimos teniendo a nuestro alcance la información original.

En Xataka Foto

“El 90% de las fotos se descartan de los concursos por tener colores artificialmente saturados”: Tino Soriano y 'Los colores y tú'

Así que es el momento de descubrir todos los pasos que podemos dar para conseguir el mejor blanco y negro. Y ojo, es mi método, no es que sea el único ni el mejor. Es algo que hay que especificar últimamente:

Visualizar la fotografía final

Esta es la clave. Y nos la dio Ansel Adams hace mucho tiempo. Es tan importante para mí, que en mis diez pasos de revelado ocupa el primer lugar.

@ferfoto

Si no eres capaz de ver cómo quedará la fotografía en el momento justo en el que miras por el sensor es que te quedan muchas horas de aprendizaje.

Como ya hemos indicado, es posible ver en escala de grises en la cámara. Pero, por favor, hay que disparar siempre en RAW para evitar perder información muy valiosa. Salvo que tengas la Leica Q2 Monochrom, por supuesto, con sensor monocromático.

Componer en blanco y negro

A la hora de elegir el encuadre no podemos regirnos por las normas del color. Tiene poco que ver. El color es tan protagonista que puede destrozar un disparo solo porque en una pequeña porción de la imagen aparezca el color rojo de una señal de tráfico.

En blanco y negro estos matices no son tan importantes. Como nos contó Tino Soriano:

Cuando trabajas en blanco y negro estás pendiente de unas constantes como la textura, el volumen o las líneas... En color todo esto queda más desapercibido porque cuando lo que manda es el contraste cromático, la influencia de cada color.

@ferfoto

Nos tenemos que fijar en menos cosas. Y podemos jugar más con el contraste que nos dé la luz en ese momento y cómo responden las diferentes texturas que entran en el encuadre.

El revelado es esencial

De nuevo tenemos que recordar a Ansel Adams. La técnica mejora notablemente todas las fotografías, pero en blanco y negro es obligatorio dominar el proceso que elijas para tener un estilo propio.

Otro aspecto que nos impide evolucionar es probar mil métodos distintos con cada fotografía hasta dar con el resultado apetecido. Así solo tendremos muchas imágenes en escala de grises, no un estilo propio.

@ferfoto

Ansel Adams decía en sus manuales que para que una copia sea perfecta deberá tener un blanco y un negro absolutos y buena gama de grises en función de la luz que se captó en el momento del disparo.

Si no cuidamos algo tan sencillo nuestras fotografías serán planas o demasiado contrastadas, sin vida alguna.

Aprender más allá de nuestros propios límites

Cada vez me asombro más cuando doy clases a los fotógrafos más jóvenes. En los cursos están atentos a todas las técnicas de Adobe Photoshop, Lightroom o Capture One posibles. Pero cuando entramos en la historia se quejan.

La técnica es esencial

Todavía recuerdo un día en el que una alumna que se atrevió a montar un motín en la clase si no dejaba de hablar de historia... solo eran seis horas en un curso anual... Al final convenció a dos más y por lo que veo en su Instagram han aprendido a la perfección las técnicas más complejas. Sin embargo, no se ve nada de ellos.

Estamos equivocados si pensamos que la técnica lo es todo. El blanco y negro es una forma artificial de ver las cosas. No existe en la realidad. Por este motivo tenemos que tener fuentes en las que beber... Si nada más aprendemos técnica lo único que haremos es clonar información.

En Xataka Foto

Saul Leiter, el artista que fotografió a Cartier Bresson sin avisarle

Y de verdad no hay nada más que debamos tener en cuenta para mejorar nuestro blanco y negro. Hay que dedicarle tiempo, olvidarse de técnicas rápidas que hacen todo por nosotros y trabajar, trabajar y trabajar. Tan fácil y tan complicado.

Se ha convertido en algo ya habitual en todo móvil de gama media/alta que se precie. Hablamos, claro está, del modo Retrato, una posibilidad que brindan las cámaras de los smartphones para conseguir de forma muy sencilla un retrato con fondo desenfocado... Con el paso del tiempo los resultados cada vez son mejores, pero no siempre se logra lo esperado; por ello, no te pierdas los consejos que vamos a dar a continuación para mejorar tus fotos.

Pero antes vamos a dejar claros unos pocos conceptos para saber qué es y cómo funciona. Porque un desenfoque es algo relativamente fácil de conseguir con una cámara y un objetivo luminoso, pero no con un móvil. Partiendo de todo esto estaremos en posición de entender mejor como sacarle el mayor partido posible al modo Retrato. Vamos con ello.

Foto de Apple

¿Qué es el Modo Retrato?

Es una característica que apareció por primera vez en el iPhone 7 Plus gracias a sus dos cámaras y que permitía un efecto de desenfoque en los retratos. Un efecto que realiza directamente el terminal creando una ilusión de profundidad de campo donde el plano principal está perfectamente nítido y los planos posteriores quedan difuminados.

Es decir, lo que los fotógrafos hemos conocido de toda la vida como un retrato con el fondo desenfocado. La cuestión es que, por la propia idiosincracia de los móviles, con sus pequeños sensores y lentes, en principio la posibilidad de lograr grandes desenfoques es algo utópico debido a que estos son mayores cuanto más grande la distancia efectiva entre las lentes y el sensor.

En Xataka Foto

Nueve trucos y consejos que te permitirán mejorar tus fotografías hechas con el móvil

Encima, en los smartphone el diafragma, que es el otro ajuste decisivo para conseguir jugar con la profundidad de campo (es decir, controlar lo que sale y lo que no nítido en los distintos planos de una foto), casi siempre es un valor fijo. Por tanto, la posibilidad de conseguir un desenfoque se esfuma. Sin embargo estamos en los tiempos de la inteligencia artificial y, de la mano de ésta, de la fotografía computacional, así que los fabricantes buscaron otro método: hacerlo por software.

Y eso y no otra cosa es lo que hace el modo Retrato: analizar la imagen en base a los datos que recogen los distintos sensores y decidir qué es lo que debe estar nítido en primer plano y lo que no. Aclarado esto hay que hablar también del bokeh, un término que se suele asimilar al modo retrato de forma errónea. De hecho incluso podemos oir hablar de móviles con efecto bokeh, porque efectivamente es algo que tiene que ver con el desenfoque; sin embargo, hay que dejar claro que el bokeh hace referencia a la calidad del desenfoque.

Foto de Dan Silva

En concreto, se suele hablar de que un objetivo tiene buen bokeh cuando el desenfoque que se logra con él en sus máximas aperturas es estéticamente agradable. El mejor ejemplo son esas fotos que hemos visto mil veces con luces desenfocadas al fondo que forman bonitos círculos de colores (arriba). Eso no es algo que se consiga porque sí, sino que es una cualidad del objetivo.

Por tanto, dado que (de momento) los móviles no pueden lograr el desenfoque a través de la óptica, no tiene sentido hablar de bokeh en ellos, sólo de desenfoque por software. Que ese desenfoque esté más o menos logrado y sea más o menos estético ya es algo que dependerá exclusivamente de la IA del móvil y de los algoritmos que aplique.

¿Cómo funciona?

Aclarado que se trata de una característica que se realiza vía software, veamos un poco cuál es la mecánica que sigue el teléfono para realizar el desenfoque. Antes comentábamos que el iPhone 7 Plus tenía dos cámaras, y no era un dato baladí porque esta dualidad es clave para poder conseguir el efecto.

Gracias a ello el móvil puede hacer una foto con una de las parejas objetivo-sensor y crear un mapa de profundidad con la otra. Ésta segunda cámara "mide" la distancia de los elementos que se encuentran en la imagen y los estructura en diferentes capas según su lejanía. Con estos datos, pasados por el tamiz de la fotografía computacional, el deep learning y los algoritmos avanzados de aprendizaje automático, (que le permiten identificar rápidamente caras y rostros), el smartphone determina qué es lo que debe aparecer perfectamente nítido en la imagen y qué desenfocado.

El efecto sigue sin ser perfecto pero ha avanzado mucho en los pocos años que lleva en el mercado (no llega a cinco desde que se presentó el iPhone 7 Plus) y se ha extendido a prácticamente todas las marcas. Ahora la separación entre el sujeto y el fondo es mucho mejor que el que se veía en los primeros móviles que lo posibilitaban, y la mayoría de los actuales ya no realizan un desenfoque uniforme del fondo, sino que lo hacen gradualmente dependiendo de la distancia al sujeto retratado.

Es decir, lo que está más lejos del sujeto principal se difumina más, mientras que lo más cercano un poco menos, ofreciendo un efecto gradual que resulta más natural y atractivo.

En Xataka Foto

La inteligencia artificial influye en nuestras fotografías pero no en nuestra visión artística

También hay que saber que hay móviles que lo hacen con una sola cámara, como los Google Pixel que hasta hace nada que sólo tenían un objetivo asociado a su correspondiente sensor. Y también es un modo que está disponible en las cámaras frontales de los móviles, que trabajan con una sola lente y sensor. En estos casos el trabajo recae totalmente en la fotografía computacional, con lo que en teoría los resultados son peores que cuando se utilizan dos cámaras.

Aún así, en el caso de los Google Pixel, hay que reconocer que la empresa del buscador sabe exprimir como nadie las posibilidades de la fotografía computacional, ofreciendo resultados que pueden ser sorprendentes. De cualquier manera, el caso es que el modo Retrato ha ido mejorando en los últimos años y apareciendo en cada vez más móviles aunque los resultados sean diferentes entre unos y otros.

Foto de Apple

¿Cómo potenciarlo?

En principio lo ideal sería utilizar la cámara de nuestro móvil que mayor calidad nos ofrezca, porque es lógico que cuanta mayor información con la que trabajar tenga el procesador mejor será el resultado final. De todos modos para lograr mejores resultados hay que jugar con dos elementos cruciales: fondo y luz

Un fondo adecuado

Sabiendo la importancia del mapa de profundidad, a la hora de potenciar el efecto podemos entender que la separación entre el sujeto y el fondo es una clave fundamental. Así, colocar al retratado lo más lejos posible del fondo ayudará a que el teléfono lo tenga más fácil para discriminar lo que debe aparecer difuminado y lo que no.

Claro que situar al retratado lo más lejos posible del fondo no es suficiente. En otras ocasiones hemos hablado de la importancia de elegir un buen fondo para un retrato, pero aquí es algo que se convierte en crucial, y de ello dependerá en gran medida el resultado.

Lo ideal es "aíslar" al sujeto lo máximo posible, tanto alejándolo del fondo como decíamos en el punto anterior, como eligiendo un fondo correcto, que contraste y, sobre todo "resalte al sujeto". No nos interesa por ejemplo un fondo de color neutro y/o uniforme, ya que aunque pudiera contrastar notablemente con el tono de piel y (quizá) el vestuario del sujeto, el efecto de densenfoque apenas se apreciará por la falta de detalle en el fondo (abajo).

Un fondo demasiado neutro y sin contraste desluce el resultado...

Lo cual no significa que haya que buscar fondos especialmente complejos, porque si hay muchos elementos puede ocurrir que se confundan con el retratado y el software del teléfono no sea capaz de separarlos. En este sentido es importante que no haya líneas que "atraviesan" al sujeto, como puede ser un árbol situado tras su cabeza, y que en general su silueta esté rodeada por tonos que contrasten con su cabello (claros si es una persona morena, oscuros si es rubia...), ya que éste sin duda es el elemento que suele salir peor en los desenfoques por software.

... pero uno con algo de textura lo favorece.

En Xataka Foto

Cómo mejorar los fondos de tus fotografías para lograr mejores resultados

La importancia de la luz

Para lograr buenos resultados hay que tener especial cuidado con la luz, que junto con el fondo sería la otra gran clave para conseguir un buen efecto de desenfoque en modo Retrato. La luz, elemento fundamental en fotografía, juega aquí un papel crucial: por un lado, cuanto más clara sea la información que tenga el sensor, más fácil será para la IA lograr un resultado adecuado.

Por otro lado una buena iluminación de la escena ayudará a que la cámara tenga datos claros para interpretar qué es lo que está situado en diferentes planos. Esto no significa que sea necesario iluminar con luz artificial, sino fijarse bien y elegir un sitio adecuado teniendo cuidado con las diferencias de luminosidad entre los distintos planos.

Un contraluz excesivo no es la mejor idea.

Lo que no es conveniente es que haya un contraste de luz muy fuerte donde el fondo tenga un exceso de luz. Hablamos, claro está, del típico contraluz; sin embargo, sí es interesante que haya algo de luz que llegue al sujeto por detrás, porque eso ayuda a "separarle" del fondo (al modo de las luces de contra que se usan en iluminación profesional).

De todos modos pensemos que al utilizar el modo Retrato normalmente estaremos renunciando al formato RAW y a otras características del móvil como el HDR, así que si el contraste lumínico entre fondo/sujeto es muy fuerte puede que el resultado no sea lo esperado. Lo mejor es que haya buena luz general, que permita "separar" claramente lo que está en primer término de lo que es el fondo.

En Xataka Foto

Apple iPhone 13 Pro Max, análisis fotográfico: probamos el smartphone que quiere convencerte de que no necesitas una cámara

La mejor prueba de esto es que, como seguro ya habréis comprobado, los peores resultados del modo Retrato se consiguen cuando se hacen fotos con baja iluminación. Para estos casos de momento no podemos hacer gran cosa, si acaso intentar que el sujeto principal esté lo mejor iluminado que sea posible (por ejemplo por la luz de una farola).

Por último, dado que estamos hablando de hacer un retrato, hay que aconsejar utilizar el teleobjetivo del móvil (o la focal más larga que nos ofrezca) para evitar las deformaciones que producen los objetivos angulares (al obligarnos a acercarnos mucho al sujeto). Es mejor alejarnos físicamente y acercarnos con el objetivo; no es algo que ayude específicamente al móvil a lograr un desenfoque más acusado, pero sí que permite obtener un resultado más agradable y natural.

Con esto hemos acabado de repasar cómo podemos sacar mayor partido del modo Retrato, esa característica de nuestros móviles que sin duda ha alcanzado gran popularidad. Eso sí, recuerda que como todo efecto conviene no abusar. Que tu smartphone haga muy bien el desenfoque por software no tiene que significar que lo utilices en todas las ocasiones, porque puede acabar siendo aburrido. ¿Vosotros qué opináis? ¿Sois partidarios de utilizarlo siempre? ¿conocéis algún truco para conseguir mejores resultados?

'Origen' es una de las mejores películas de Christopher Nolan. La recreación del mundo de los sueños es uno de los momentos más recordados. Así que vamos a intentar simular el mismo efecto de los horizontes doblados con nuestras fotografías y la ayuda de Adobe Photoshop.

Mirando por las redes he encontrado varias formas de doblar la realidad de la misma forma que vimos en la película. Me he dado cuenta de que lo más importante es la fotografía de partida. Y entender cómo funciona la luz para que el resultado sea, dentro de lo que cabe, lo más realista posible.

La fotografía original

He buscado un método sencillo y rápido al alcance de todo el mundo. Seguro que muchos de vosotros podéis ir aportando ideas para lograr que quede mejor. Así que vamos a empezar sin más dilación a crear mundos de fantasía.

Cómo hacer el efecto 'Origen' con nuestras fotografías

Ya lo he señalado en el primer párrafo, la fotografía es lo más relevante. Como todavía no puedo acceder a mi biblioteca de imágenes, he decidido trabajar con una imagen sencilla del campo alcarreño, sin más pretensión que tratar de explicarlo de la mejor forma posible.

• Revelamos la fotografía tal como estamos acostumbrados en Camera RAW.
• Abrimos la fotografía en Adobe Photoshop.
• Lo primero que tenemos que hacer es duplicar la capa (Ctrl+J). Así evitamos tocar el original.
• Vamos al menú Edición>Transformación libre. Con el botón derecho del ratón, y según nuestra visualización, elegimos Rotar 90º a la izquierda o a la derecha.
• Si creemos que es necesario también podemos, con el botón derecho del ratón, elegir Voltear vertical. Damos a Intro para validar la acción.

Todas las capas a la vista

• Con la herramienta Mover, colocamos la fotografía exactamente en el lugar que queramos.
• Buscamos la herramienta Lazo poligonal (debajo de Lazo) y trazamos un triángulo para conseguir el efecto buscado.
• Una vez hecha la selección, hacemos clic en el icono Añadir máscara de capa de la ventana Capas.
• Si el corte no ha quedado como pensábamos, cogemos de nuevo la herramienta Mover y recolocamos el plano vertical para ajustarlo de la mejor manera posible.

La máscara del cielo perfecta sin ningún esfuerzo

• Evidentemente, tenemos que quitar la zona del cielo. Si queremos, podemos acudir a la herramienta Pincel, activar la máscara de capa y borrar con cuidado. Pero tengo una idea mejor; si vamos a Edición>Sustitución de cielos conseguiremos una máscara de capa que, con solo pincharla con Ctrl+clic, nos dará una selección perfecta en la máscara de la capa volteada... Si es mucho lío, borra con Pincel y listo.

Ya tenemos casi todo hecho. Hay que darle un poco de realismo en las luces y las sombras, para que sea más claro el efecto imaginario.

El resultado final

• Creamos una capa de ajuste de Curvas (Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas) que afecte únicamente a la capa volteada en Capa>Crear máscara de recorte.
• En la fotografía de ejemplo nos interesa aclarar la pared vertical, así que subimos un poco el punto central de la curva.
• Para terminar hacemos una capa vacía en Capa>Nueva>Capa, justo encima de la capa original, y pintar con la herramienta Pincel en la intersección de ambas capas en color negro. A continuación vamos a Filtro>Desenfocar>Desenfoque gaussiano para difuminar esa línea y generar esa sensación de sombra.

En Xataka Foto

La clave de la fotografía en color y por qué es más difícil que el blanco y negro

Seguro que vosotros encontráis miles de ejemplos más prácticos que el que he utilizado para este artículo. Lo importante es entender el proceso para que luego tengamos la libertad de crear lo que queramos. Ya nos enseñaréis vuestros resultados.

En el mundo de la fotografía hay muchas modas que aparecen y se van. Iluminar con luces de neón de colores lleva tiempo en las redes sociales. Puede que no tengamos acceso a este tipo de iluminación o que queramos ponerlo en alguna imagen antigua... Así que vamos a aprender a iluminar nuestras fotografías con luces de colores en Adobe Photoshop.

Si se puede hacer con la cámara no tiene sentido hacerlo en el ordenador. Es algo que llevo siempre a rajatabla con mis fotografías personales. Otra cosa es lo que te pide el cliente y si quiere luces de colores y no las tienes, hay que recrearlas con algún programa.

Fotografía original

Hoy vamos a recrearlas con Adobe Photoshop y es sorprendente lo fácil que puede llegar a ser. El método lo vi hace tiempo en Instagram. Y por más que lo he buscado no encuentro la referencia para nombrarle aquí.

Solo necesitamos el programa en cuestión, una foto que quede bien con esta técnica y conocer dos o tres cosas de las capas y de la herramienta Degradado. Vamos a hacerlo.

Crear luces de colores con Adobe Photoshop

Hay que tener una fotografía contrastada, que permita jugar con el color en las luces y las sombras. En este caso lo vamos a ver con una escultura que encontramos en el museo Arqueológico Regional de Alcalá de Henares.

En Xataka Foto

El documental de un fotógrafo que abandonó la agencia Magnum: 'Sergio Larraín, el instante eterno'

• Revelamos la fotografía con nuestro flujo de trabajo.
• Creamos tantas capas vacías como colores queramos poner en la imagen. Tan fácil como ir al menú Capa>Nueva>Capa. En este caso vamos a poner dos.
• Marcamos la primera capa vacía en la ventana Capas y seleccionamos la herramienta Degradado.

La barra de configuración de la herramienta Degradado

• En la barra de configuración de la herramienta elegimos, dentro de la Edición del degradado, la opción Color frontal/Transparente.
• Y hacemos doble clic sobre él, con el fin de poder elegir el color con el que queremos iluminar la escena.
• En la ventana Editor del degradado hacemos clic en el cuadrado de la izquierda y buscamos el tono elegido.

La ventana del editor de Degradado

• Ahora solo queda pinchar en una zona de la fotografía con el ratón y moverlo hasta el punto en el que queramos ver el degradado de color.

El resultado final

• Por último, vamos a la ventana Capas y elegimos dentro de los modos de fusión el de Color.

En Xataka Foto

No necesitas muchos ‘likes’ (ni que nadie vea tus fotos) para poder considerarte buen fotógrafo

Como podréis ver, el efecto queda perfecto. Solo hay que ir probando el degradado hasta encontrar el que quede mejor en nuestra fotografía. Pocas cosas hay tan sencillas en este mundo de Adobe Photoshop.

Todos sabemos que la fotografía es una arte en dos dimensiones pero en el que normalmente se simula una ilusión de realidad que, lógicamente, tiene tres dimensiones. Pero lograr esta sensación de tridimensionalidad no siempre es fácil, y a veces nos encontramos con que nuestras fotos parecen planas, sin vida... Claro que hay maneras de evitarlo y de conseguir sensación de profundidad de forma bastante sencilla. Te contamos cómo.

Por cierto que si hemos incluido lo de "con tu móvil o una cámara" en el titular no es sino para dejar claro que es algo que podemos conseguir sea cual sea el tipo de dispositivo que utilicemos para hacer la foto. Igualmente, aunque los consejos que os vamos a dar funcionan sobre todo en foto de paisaje (que es el ejemplo principal que vamos a usar), la mayoría de ellos también son aplicables a muhcos otros géneros fotográficos.

Usa el punto de fuga

Quizá el recurso más sencillo e inmediato para lograr que una foto tenga profundidad, gracias a la perspectiva, es el conocido "punto de fuga". Se trata, como ya estáis imaginando, de buscar líneas en la composición que se dirijan hacia un punto imaginario al fondo de la imagen.

El ejemplo más habitual es el de unas vías de tren cuya proyección hacia el fondo de la foto hace que parezca que las traviesas se unen en algún punto del infinito. Algo que, de forma natural, dirige la mirada del espectador hacia el fondo de la fotografía.

En Xataka Foto

Nueve trucos y consejos que te permitirán mejorar tus fotografías hechas con el móvil

Introduce líneas diagonales

Muy relacionado con lo anterior, pero sin necesidad de que las líneas den la impresión de no tener fin, es utilizar líneas diagonales dentro de la composición. Éstas son especialmente llamativas si se dirigen de izquierda a derecha (como en la imagen de abajo), ya que esa es la forma instintiva que tenemos de leer una imagen, de manera que guíamos al ojo de una forma muy natural.

Cuida el primer plano

A la hora de componer hay que pensar que estamos plasmando una escena de tres dimensiones en dos; pero eso no significa que debamos subestimar los distintos planos que pueden aparecer en la imagen. Así, del mismo modo que es importante cuidar el fondo que aparece en nuestras fotos, también es recomendable incluir un primer plano con elementos que tengan interés.

Foto de Courtney Kenady

Esta técnica puede dar mucha profundidad a la imagen, pero hay que tener cuidado para que estos elementos del primer plano no sean demasiado protagonistas y concentren toda la atención del espectador, quitando importancia al resto de planos de la imagen. Para ello, como arriba, podemos recurrir a desenfocarlos.

Desenfoca el fondo

Aunque también podemos hacer lo contrario, desenfocar el fondo de la fotografía, para añadir profundidad. Tanto en el caso anterior (incluir elementos desenfocados en primer plano) como en éste se trata de dar la idea de que hay algo más allá del plano que está enfocado/desenfocado y que se encuentra a cierta distancia.

Por cierto que si piensas que este consejo no es muy aplicable a móviles que sepas que estás equivocado porque sí se puede hacer con los smartphones; basta con situar al sujeto principal lo más alejado posible del fondo, poner el zoom al máximo y situarnos a la distancia mínima a la que nos permita enfocar el móvil.

En Xataka Foto

Cómo y dónde enfocar correctamente en fotografía de paisaje

Compara tamaños

Todo el mundo sabe que cuanto más cerca está un elemento más grande se ve, y cuanto más lejos más pequeño. Pero también sabemos que una roca es más pequeña que una montaña entera. Pero, si nos acercamos a una roca y la situamos en primer plano, puede pasar que la roca parezca incluso más grande que la montaña en la distancia, lo que ofrece una gran sensación de profundidad.

Esto lo podemos combinar con un desenfoque (como en la foto de arriba) o bien con una distancia focal corta, acercándonos lo más posible al objeto en primer plano para hacer que este elemento sea aún más grande y los elementos distantes más pequeños.

Busca patrones

La repetición de objetos, lo que en fotografía denominamos “patrones”, son una técnica recurrente a la que se le puede sacar mucho partido. Tiene muchas utilidades y una de ellas es ayudar a crear profundidad en las fotos si encontramos elementos repetidos que se alejen hacia el fondo de una imagen como la de abajo.

Como se puede comprobar, si tenemos un mismo elemento que se repite de manera prominente desde el primer plano hasta el fondo, esa repetición nos permite obtener ritmo en la imagen y una poderosa sensación de profundidad.

Utiliza marcos

Otra manera de obtener profundidad en una imagen consiste en enmarcarla dentro de algo. Puede ser a través de elementos buscados a propósito o encontrados por casualidad, pero es algo que permite (entre otras cosas) dirigir la mirada del espectador y, con ello, ofrecer sensación de tridimensionalidad.

Aprovecha las condiciones atmosféricas

Si hablamos de fotografía al aire libre siempre hay que tener en cuenta las condiciones atmosféricas, pero a veces éstas también son una forma simple y poderosa de dar profundidad a las imágenes. Hablamos de la neblina, un fenómeno que bien aprovechado ayuda a obtener un agradable efecto de capas en las montañas vistas desde la distancia que acaba ofreciendo una gran sensación de profundidad.

La neblina, que enfatiza el espacio entre las distintas montañas, y el contraste decreciente que ofrecen cuanto más lejos estén, permite un efecto muy atractivo que se puede potenciar aún más con el uso de una distancia focal larga.

En Xataka Foto

Cómo dominar como un pro la profundidad de campo en fotografía móvil

Usa la luz en tu beneficio

Finalmente había que hablar de la luz, cómo no. La dirección y calidad de la luz permiten añadir tridimensionalidad a nuestras fotografías de una manera natural y visualmente muy atractiva. La luz lateral suave, por ejemplo, enfatiza la plasticidad de un elemento y hace que parezca que llega más lejos hacia el fondo.

Foto de Joshua Reddekopp

Por otro lado, la luz permite revelar contrastes y texturas en las superficies de los elementos que aparecen en la imagen que también pueden ayudar a ofrecer la idea de que esos objetos pertenecen a un mundo tridimensional auténtico.

En los tiempos que corren, puede que no tenga mucho sentido hablar de cómo difuminar el borde de una selección. Muchos manejamos ya las máscaras de luminosidad o directamente trabajamos con Capture One y sus infinitas posibilidades... Pero resulta que la mayoría de los fotógrafos siguen haciendo las selecciones a mano y luego acuden al Desenfoque gaussiano. Hoy vamos a descubrir que Desvanecer es uno de los mejores inventos de Adobe Photoshop.

El flujo de trabajo más habitual con Adobe Photoshop es revelar la fotografía en Adobe Camera RAW y luego trabajarla por zonas con la ayuda de las herramientas de selección. Es decir, seleccionar con Lazo, elegir una capa de ajuste y difuminar la máscara de capa hasta que no se note su presencia.

Si no lo hacemos bien tendremos halos, cambios evidentes de luminosidad y saturación y la sensación de que hacer estas cosas con Adobe Photoshop no está bien... Pero si tenemos una serie de precauciones el resultado será bueno en la mayoría de los casos.

Una selección

Después de un tiempo he logrado desenmascarar el misterio de Desvanecer, esa herramienta escondida en la ventana Propiedades de las máscaras (solo tienes que pinchar en la máscara y la verás en dicha ventana).

La verdad es que no he encontrado mucha información en las redes. En la mayoría de los casos hablan de ella de pasada y no describen sus virtudes. De hecho solamente la he utilizado en situaciones muy concretas. Más ya he descubierto todo su potencial.

Desvanecer, la herramienta secreta de las máscaras de capa

La mayoría de nosotros, que nos formamos con el primer libro de José María Mellado para pasar del mundo químico al digital, seguimos fieles al Desenfoque gaussiano. Para evitar al máximo la aparición de los halos tenemos que acordarnos de estas tres cosas:

• Seleccionar siempre equivocándonos hacia dentro.
• No hacer ajustes extremos en las capas.
• Corregir los posibles fallos con la herramienta Pincel con una Opacidad baja y una Dureza suave.

En Xataka Foto

20 años de Amelie, la película de los rojos y los verdes

Pero, como no es lo mismo seleccionar el borde del mar que un bosque de árboles invernales, es casi seguro que vamos a encontrarnos con problemas. Lo mejor de todo es que son los mismos que teníamos en el laboratorio químico y algunos de esos fallos están considerados como estéticos.

Pero existe otra herramienta igual que el Desenfoque Gaussiano, con virtudes extra. Se llama Desvanecer y la encontramos en la ventana Propiedades, como ya hemos dicho.

La ventana Desvanecer

En la ventana Propiedades se convierte en una herramienta no destructiva para difuminar el borde de la selección y encima en directo. Algo que es imposible de hacer si la aplicamos desde el menú Selección>Modificar>Desvanecer.

El problema es la traducción. Desvanecer aparece en muchas ventanas, más no siempre cumple la misma función ni tiene el mismo nombre. En el idioma original aparece como Feather (Pluma). En español lo llaman Desvanecer, Suavizar... y con misiones distintas.

Vamos a ver cómo funciona en la ventana que hemos comentado:

• Hacemos una selección.
• Aplicamos el ajuste que necesitemos.
• Para difuminar el borde de la selección hacemos clic en la máscara de capa. Así se abre su ventana de Propiedades y pinchamos en Desvanecer.
• El efecto del desvanecimiento se ve en directo, como ocurre con el filtro de Desenfoque gaussiano. El resultado varía según la resolución de la imagen y el tamaño de la selección.
• Y lo mejor de todo para el final. Si tenemos que modificar la máscara con la herramienta Pincel, este se comportará con el mismo desvanecimiento, por lo que no tendremos que ajustar en absoluto su Dureza, como ocurre con Desenfoque Gaussiano.

Si os fijáis Pincel está mejor integrado en Desvanecer

• Para terminar, recordemos que es una herramienta no destructiva, es decir, podemos volver a ellas todas las veces que necesitemos para ajustarla las veces que sea necesario.

En Xataka Foto

Si encontramos el punto de interés de nuestra fotografía la composición será más sencilla

Por estas cuestiones parece que algunas veces no responde como debería. Solo es cuestión de fijarse y aprovechar todo su potencial. El acceso es más directo que el clásico desenfoque, y tiene más funciones ¿Vas a cambiar?

No hay nada más frustrante que una fotografía desenfocada, sobre todo cuando sabemos que sería mucho mejor enfocada. En las películas parece que no hay problema alguno en enfocar una imagen para encontrar al malo... Pero está lejos de la realidad. Hoy vamos a conocer un método rápido y eficaz, con alguna consecuencia, para enfocar una fotografía desenfocada.

En las tiendas de aplicaciones tenemos la conocida Remini, que hace un año llamó la atención de propios y extraños. El problema es que funciona con inteligencia artificial en la nube. Y siempre te puede dar miedo compartir tus fotografías privadas con una aplicación cuyo proveedor se llama Splice Video Editor srl...

Así que he buscado un método que, aunque no es tan espectacular, podemos hacerlo en nuestra casa, con nuestro Adobe Photoshop y sin necesidad de compartirlo con nadie. Eso sí, a cambio tendremos más ruido digital en nuestro archivo.

Imagen original

Así que si quieres una fotografía perfecta lo único que tienes que hacer es enfocar bien y listo. Más rápido y eficaz imposible. Pero como somos humanos y nos equivocamos, no está de más conocer este pequeño truco que hemos visto a Unmesh Dinda, sin duda uno de los mejores divulgadores a nivel mundial.

Enfocar una fotografía desenfocada con Adobe Photoshop

Es el momento adecuado para buscar una fotografía desenfocada para seguir los pasos que vamos a ver a continuación. No es un método perfecto, sin embargo, os aseguro que esa imagen sin foco va a mejorar mucho.

No debemos confundir imagen desenfocada con fotografía trepidada. Los efectos son totalmente distintos y tenemos que identificarlos. En los archivos trepidados siempre se observa una estela en los puntos brillantes que delata el movimiento de nuestro pulso.

Las imágenes desenfocadas pierden contraste en las zonas con detalle, precisamente por la falta de foco. Esto es precisamente lo que vamos a hacer, dar contraste mediante un filtro de enfoque en las zonas con detalle. Vamos a ver cómo hacerlo:

• Duplicamos la capa principal (Ctrl+J). No os olvidéis que la fotografía tiene que estar con su tamaño final.
• Convertimos en objeto inteligente esta capa duplicada en Capa>Objetos inteligentes>Convertir en objetos inteligentes. ¿Para qué? Para que el filtro que vamos a utilizar se vuelva también inteligente y podamos cambiar los parámetros cuando necesitemos.

Los parámetros de enfoque

• Ahora es el momento de ir a Filtro>Enfocar>Enfoque suavizado.
• Subimos el parámetro Cantidad al máximo: 500%. Y bajamos los otros dos a 0.
• Subimos el Radio poco a poco, observando la imagen al 100% hasta conseguir enfocar la imagen pero sin generar halos. En el archivo de ejemplo he llegado a 4,4 píxeles. Es importante ser precisos para conseguir el mejor resultado.
• Para rematar la faena trabajamos con Reducir ruido hasta conseguir ver la imagen enfocada con el menor ruido posible... Si subes mucho este valor, estropeas todo lo que has conseguido antes... Así que mucho cuidado. Yo me he quedado en 6% para evitar el horrible efecto acuarela.
• Damos Ok.
• El filtro inteligente genera su propia máscara de capa. Ahora hay que pinchar en ella con el ratón e invertirla (Ctrl+I).

Resultado final

• Y con la herramienta Pincel (B) en blanco, empezar a pintar con un Flujo bajo (15-20%) en las zonas donde queremos recuperar la nitidez. Es fundamental que la herramienta no tenga Dureza.

En Xataka Foto

'Hay que dotarle de suficientes medios para que permanezca en el tiempo': los fotógrafos celebran el nuevo Centro de Fotografía

El resultado es muy llamativo. Es verdad que tenemos ruido, pero a cambio podemos observar la fotografía con todo lujo de detalles. Fijaos cómo se ven los hilos del calcetín sin problema... Ya nos contaréis cómo os sentís al ver vuestras fotografías resucitadas.

Uno de los grandes problemas de los fotógrafos que empiezan es que tienen muchas dudas a la hora de componer. Hay cientos de artículos, libros y vídeos explicando técnicas y trucos que los terminan sumergiendo en un mar de líneas ficticias que no llevan a ninguna parte, solo a repetirse una y otra vez. Y todo sería más sencillo si antes de llevarse la cámara al ojo analizaran lo que están viendo. Y si eres capaz de trasladar la realidad a un mundo bidimensional, tus fotografías mejorarán rápidamente.

Adelanto, como siempre, que hacer fotografías no es fácil. No te las hacen ni el mejor móvil ni la cámara más moderna, ni los filtros ni la inteligencia artificial. Disparar (o pescar) es un acto creativo que depende enteramente del que esté detrás. Y que una buena técnica no es lo único necesario.

Ahora todos estamos obsesionados con el teléfono, la cámara o el objetivo. Hemos caído en las redes de valorar más el dedo que el objeto que señala. Es increíble la de comentarios que vemos en las redes: 'pues está hecho con el móvil'... 'pues resulta que mi cámara consigue esto'... 'no entiendo que la gente lleve la cámara teniendo este móvil'...

Primero no se valoran ellos mismos como fotógrafos, sino que le dan todas las loas a la máquina. Y segundo que confunden la técnica con la expresión... Pero esto es otra historia.

Basado en el color

Las fotografías salen bien o mal por diferentes motivos. Muchas veces son cosas puntuales y casi siempre tienen que ver con nosotros. La exposición perfecta ya no es un problema porque las cámaras han alcanzado tal nivel que es difícil equivocarse salvo que te empeñes en seguir disparando en Manual.

Todo consiste en saber mirar y trasladar la realidad a un plano bidimensional. En la fotografía es complicado trasladar las sensaciones que nos trasmite el aire, los olores o las vivencias de ese momento. Para conseguirlo tenemos que entender la composición, las normas que nos dictan cómo colocar los elementos. Sin embargo, siempre se olvidan de recomendar lo más importante: el punto de interés.

El punto de interés es la clave de la composición

Si estás empezando te pido que después de leer este artículo vayas a por tus fotografías y te prepares para mirarlas de otra forma. Olvídate de los recuerdos que te inspiran, de lo que te dijo ese youtuber tan famoso para mejorar una fotografía con Adobe Photoshop. Incluso de lo que muchas veces contamos aquí sobre tal programa.

Siéntate con tranquilidad en tu silla de trabajo y mira. Limítate a mirar tus mejores trabajos, los que más te gustan. Los que te llevaron a comprarte una cámara mejor. Y te darás cuenta de una cosa.

En Xataka Foto

Cómo convertir una fotografía en un archivo PDF en cualquier dispositivo y de la manera más rápida, sencilla y efectiva

Todos tus buenos disparos tienen un punto de interés, un lugar al que pueden mirar los espectadores entre toda la información que tiene una instantánea. Esa es la clave que tenemos que perseguir.** Y si no lo tienen, no son tan buenas como te parecían**.

Aquí no pasa nada

No tiene sentido hacer un paisaje donde todo tiene el mismo protagonismo, donde solo hay cielo y tierra. Esas vistas funcionan en la realidad, pero un espectador fotográfico no puede tener la mirada perdida sin fijarse en nada.

Tiene que saber, inconscientemente, dónde tiene que mirar porque se lo estás diciendo tú. Has hecho la foto y has revelado para conseguir eso. Esto es, has trabajado la visualización, el concepto que introdujo Ansel Adams para explicar cómo hacer una fotografía.

Si antes de llevarte la cámara al ojo, decides qué es lo importante en el encuadre que has elegido, todo vendrá detrás corriendo... La composición empezará a funcionar por sí sola. Es verdad que podemos servirnos de las líneas ficticias para no andar perdido. Pero con el punto de interés el 80% del trabajo está hecho.

El punto de interés es el espacio, lugar u objeto que quieres destacar dentro de la composición. Y tiene que estar muy claro. A partir de esa decisión todo girará en torno a él. Si estás empezando te ayudarán las líneas que se formularon en un libro del siglo XIX, escrito por un pintor que no destacaba.

¿Es un punto de interés el jarrón?

Pero si quieres avanzar de verdad te darás cuenta de lo poderosa que es la luz para dirigir la mirada. O la importancia que tienen los colores para componer. Ahí es cuando entran los grandes maestros que tenemos que entender para mejorar. Y nunca menospreciarlos.

Ahora se insiste mucho en el concepto. Y muchos fundan su carrera en las ideas, pero se olvidan de las imágenes. Tienen que convivir las dos... Esto es otra historia, desde luego.

En Xataka Foto

La astronomía desvela el misterio de las fechas en las que Ansel Adams fotografió el parque nacional de Denali

Así que, a partir de ahora, si te ves atascado con tu trabajo, empieza a fijarte primero en lo que te llama la atención, busca ese punto de interés y tus disparos empezarán a mejorar.