Vamos a imaginarnos ese lugar que nos apasiona pero que ha sido fotografiado hasta la saciedad y el cual no hemos visitado antes pero morimos por pasear entre sus rincones. En nuestra cabeza tenemos mentalmente imágenes que no tardaremos más de medio minuto en ejecutar, las hemos pensado tantas veces que la inercia hace el resto. Pero, ¿y si le damos emoción y nos divertimos un poco?

Os cuento mi experiencia

Cuando visité Nueva York hace ya dos años sabía que no me aburriría, fotográficamente hablando. Cada rincón es fotogénico per se. Tanto de día como de noche, la ciudad está llena de vida. Es uno de los lugares más maravillosos de la tierra para practicar fotos callejeras. La historia de la fotografía nos ha regalado imágenes memorables y el cine le ha regalado papeles protagonistas.

Iba con las ideas muy definidas sobre lo que quería fotografiar, algo que sin embargo me producía una sensación de desencanto. Necesitaba algún tipo de reto que me mantuviese alerta, pero más allá de comprometerme conmigo misma, se me ocurrió hacerlo con un grupo de personas con las que por aquel entonces mantenía una relación virtual en torno a la fotografía.

De este modo les pedí que me encargasen fotografías según sus propios gustos. Desde captar una mariposa en Manhattan o captar un árbol, pasando por inspirarme en “Un poeta en Nueva York”, hasta ideas más concretas como la secuencia de “Desayuno con diamantes”.

Gracias a ello, mis sentidos estuvieron alerta durante toda la estancia en la Gran Manzana. No sólo me permitió desarrollar mi capacidad de captación, sino que disfruté muchísimo buscando los retos que mis colegas me habían propuesto. Aquello además me hizo obtener fotografías que no habría imaginado de no ser por el trabajo conjunto entre ellos y mi mirada. Fue curioso cómo encontrar el árbol perfecto se hizo más complicado de lo que pensaba o cómo resolver la escena inspirada en Lorca apareció de pronto de forma casi mágica.

Algunos consejos

• Pide a colegas fotógrafos o gente de tu entorno una serie de retos fotográficos para tu próximo viaje. El número ideal sería de 6 a 8, no es cuestión de agobiarse asumiendo más desafíos que nos harían pasar del divertimento a la obligación.
• Apunta mentalmente los retos y tenlos presentes durante el viaje. Tener poquitos garantiza que podamos retenerlos más fácilmente en nuestra memoria.
• Relájate y disfruta haciendo tus fotos habituales. Sobre todo no te estreses en la búsqueda de los retos. Al final es sólo un juego y lo importante es llevarnos buenas fotos de regreso, independientemente vengan de donde vengan.

En resumen

Hay quienes pueden pensar que la apuesta fue arriesgada, que bastante fotogénica es Nueva York como para asignarle más tareas al hecho de fotografiar. Por experiencia os digo que tanto el principio donde pedía los retos, pasando por el proceso de búsqueda de las fotos hasta la exposición final, fue de lo más enriquecedor y divertido.

No hay que tomárselo más en serio de lo estrictamente necesario, sin olvidar en todo momento que estamos de vacaciones y disfrutando de lo que nos gusta. Si pensamos que una ciudad con solera es demasiado para llevar a cabo estos retos, siempre podemos empezar por lugares más pequeñitos, sólo que una localización como puede ser Nueva York, París o Londres nos dará más juego respecto a la interacción con nuestros amigos, puesto que tenemos más lugares icónicos en nuestro imaginario.

Si alguno de vosotros se anima o si por el contrario ya tiene experiencia en algo parecido, nos encantará conocerlo, al final se trata de compartir experiencias y enriquecernos entre todos. Os animo a llevarlo a cabo aunque sea una vez, ya nos contaréis.

En Xataka Foto | La persona aficionada a la fotografía que a su vez le gusta viajar

De la mano de AdoramaTV y su fotógrafo de cabecera, Mark Wallace, os traemos este vídeo en el que se puede apreciar lo simple que es realizar este proceso para obtener buenos resultados. Iluminar correctamente el fondo es algo que, en bastantes ocasiones he visto y de lo cual también he pecado. Pero, como todo, hay solución.

Esquema básico con dos luces para iluminar el fondo

El esquema básico de iluminación lo tenemos al inicio. En él podemos apreciar un esquema simplificado con dos luces: la principal para iluminar a la modelo y la que ilumina el fondo. Para ello primero, Mark Wallace, ajusta la luz principal midiendo con el fotómetro y ajusta los parámetros que éste le indica en su cámara (1/125 y f/5.6 a ISO100). De no utilizar la luz del fondo, éste queda de un color grisáceo como vemos en la primera toma realizada sobre el minuto 3:10. La razón de esto es que, como ya hemos visto alguna vez tiene que ver con la ley del cuadrado inverso, pues el fondo no recibe la misma luz que nuestra modelo que está separada unos metros de él. Fijaros nuestra luz principal va desde arriba a abajo y va cayendo hacia el suelo por tanto la luz que recibe el fondo es muy poca y de ahí, su color grisáceo.

Alguna gente piensa entonces en acercar el paraguas con su flash más cerca, lo cual es un error pues nuestra modelo recibirá mayor cantidad de luz y quedará sobreexpuesta. Para solucionar ésto y ajustarlo adecuadamente la respuesta está, en este caso, ajustar nuestra flash de relleno para el fondo.

Así, Mark Wallace, realiza una segunda medición de luz con el fotómetro sobre el fondo (1/125 y f/7.1 a ISO100) por lo que ajusta un paso más por encima la potencia del segundo flash, siempre considerando que los dos flashes son iguales o similares en potencia. De forma general (si no tienes un fotómetro), necesitaremos este segundo flash un paso o dos más brillante que la luz principal. Para ello realiza una segunda toma (minuto 5:06), todavía sin la luz principal, para observar bien el color blanco del fondo.

Ya tenemos todo listo, encendemos el flash principal y disparamos. Ya tenemos correctamente expuestos tanto a la modelo como al fondo, podemos empezar a dar paso a nuestra creatividad. Posteriormente el proceso se repite utilizando luz continua y vemos los resultados.

Cambio de esquema, iluminando y controlando las sombras

Finalmente, cambiando de esquema, Mark decide utilizar un paraguas parabólico y acercar a la modelo mucho más al fondo, en este caso para realizar una toma de cuerpo entero o plano americano (tres cuartos). En este caso con luz continua, también, pero imaginad ese mismo paraguas con tres flashes, por ejemplo para conseguir una potencia similar. Ahora necesitamos iluminar el fondo y a nuestra modelo correctamente. El objetivo es tener un poco de sombra que nos separe a nuestra modelo del fondo blanco.

Pero ¿qué ocurre con las sombras? ¿cómo lo controlamos? En el primer esquema la sombra caía hacia el suelo pero ahora la tenemos sobre el fondo. Para salvar este asunto la luz se dirige de forma frontal hacia nuestra modelo para tener unas sombras suaves. La toma la realizamos de frente y obtenemos una iluminación compensada con unas sombras muy suaves. Si realizamos la toma lateral y más cercana a la modelo la sombra trasera se muestra con mayor fuerza, quedando una fotografía mucho peor en este caso.

En Xataka Foto | Diez cosas que deberías saber de un flash

Vía | ISO1200

Hace poco os mostrábamos un post escrito por mi amigo y compañero Sergio Perea, en el cual nos adentrabamos en el terreno de la previsualización y la busqueda de la fotografía antes de realizarla.

Hoy, vamos a llevar este pequeño apartado a un terreno más concreto; aunque no por eso exento de generalismos. Este punto es el de la búsqueda de texturas, colores, luz y demás elementos fotografiando los detalles que nos podemos encontrar andando por la calle.

La calle es, casi, uno de los mejores lugares para conseguir una fuerte diversidad de contrastes en todos los elementos de la fotografía. La gran heterogeneidad a la que estamos sometidos cuando caminamos por ella es una gran fuente de inspiración; y el verdadero ejercicio es el de previsualizar estos puntos, llevándolos a nuestros sensores en forma de instantáneas.

Para que veáis ciertos ejemplos, en el video se muestran como podemos salir a la calle en busca de este tipo de fotos y como a su vez debemos también pensar en la posterior edición de las mismas para saber que detalles son mejores de una forma u otra. Por ejemplo, Elegir una imagen para revelar en color o blanco y negro; cuando saturar los colores gracias a la inclusión de diferentes de ellos en la toma, etc…

Un vídeo que seguro que os ayuda a algunos que queráis empezar en este tipo de fotos y necesitéis unas pequeñas pautas para conseguirlo.

Aunque en realidad, las tomas no se refieren solamente a ese puñetazo giratorio del Street Fighter, sino que quieren ir más allá de ese movimiento que veíamos en el videojuego tratando de recrear escenas del mismo. Por otro lado, nuestros amigos de DigitalRev aún deben practicar las artes marciales un poco más.


La técnica es similar a la que nos planteaban en la serie Levitation: realizar un pequeño salto en una postura algo forzada y, en ese momento, disparar. Todo está en sincronizar los movimientos del salto a la hora de disparar la cámara. Para ello, un buen planteamiento es lo que vemos en el vídeo: ensayar varias veces los movimientos y coordinarlos. De esta forma preparamos a nuestro ojo para lo que va a suceder.

La idea planteada está bastante bien y es divertida. Lo cual me sugiere que con un poco más de vestuario, pensar un poquito la iluminación, una buena elección de los lugares, algún profesional de las artes marciales y otros detalles que podemos plantearnos, puede salir una sesión francamente divertida e interesante recreando aquellos maravillosos años del Street Fighter. Así que solo nos queda decir: Ready, steady… FIGHT!

Vídeo | DigitalRev

Muchísimas veces me encuentro a muchas personas que, no paran de decir que gracias a tener tantos flashes o tal equipo es normal que se consigan fotos buenas. En temas de equipo tales como cámara u objetivos es posible que para determinadas fotos puede que si, pero, ¿y para la luz?

Conseguir un efecto profesional y artístico, en cuanto a la iluminación, nunca es difícil a pesar de que dispongamos de un equipo básico, y es que en temas de iluminación, sólo tenemos que observar como funciona en la propia naturaleza para usarla en nuestra fotografía.

Sin ir más lejos, en este vídeo de Gavin Hoey, vais a poder apreciar cómo con la única ayuda de un flash de mano como luz de contra y un reflector se pueden conseguir retratos bonitos y atractivos. A todo ello, si encima le añadimos una pequeña dosis de creatividad y jugamos con más elementos externos pueden darnos fotografías más que decentes. Posteriormente, vais a poder ver la pertinente postproducción que os ayudará a haceros una pequeña idea de como

Poco más que decir, una iluminación muy básica que se suele mostrar siempre en clases de iluminación de iniciación, pero que es muy útil para retratos simples y sencillos. Así que nada, a practicar…

Estoy seguro que la mayoría de vosotros, especialmente aquellos que tenéis la fotografía sólo como afición, habéis caído en algún momento en una temporada de desidia fotográfica. Un periodo en que no tenéis ganas de salir a echar fotos y en el que os sentís aburridos como fotógrafos o simplemente con un bloqueo creativo.

Que no salten las alarmas, es normal pasar por una temporada así cuando llevamos tiempo haciendo fotos. Sólo hacen falta algunas ideas y consejos para salir de nuevo a por todas:

Empieza un proyecto fotográfico

© Desirée Delgado

En estas últimas semanas hemos visto varios ejemplos en Xataka Foto. Como el de Jeff Harris, que estuvo 13 años documentando su vida con autorretratos, o el de One Dress, One Woman, One World un “reportaje de bodas” que dura ya cinco años. Por supuesto también vale cualquiera del tipo 365 días, como el de Desiree Delgado.

Cualquiera vale, como si te da por fotografiar una flor cada día o a 1001 desconocidos por la calle. Al menos tendrás el compromiso de coger la cámara, y sólo eso te hará pensar para sacar toda la creatividad que hay en ti.

Cambia de cámara

© Javier Martinez Avedillo

No, no estoy diciendo que vendáis todo el equipo y os paséis a la competencia (aunque en casos extremos de desidia podría ser una opción), basta con que estéis unos días intentando hacer fotos con una cámara con la que no estéis habituados a disparar.

Desde la cámara de tu novio/a hasta esa compacta que tienes olvidada en el cajón. O por qué no, la cámara del móvil, que te va a permitir usar multitud de filtros y, lo más importante, compartirla al momento en las redes sociales.

Una buena opción puede ser intercambiar cámara y objetivos con un amigo fotógrafo durante toda una jornada o, por ejemplo, usar una Polaroid y probar la fotografía instantánea, te aseguro que te ofrecerá sensaciones completamente diferentes.

Prueba nuevo material

Por último, ¿por qué no comprar material que no tengas o alquilar material que quieras probar? Hay varias páginas que ofrecen este servicio online como lensclub, tickfoto o falcofilms, entre otras.

Compra una caja de luz, por ejemplo. Puede ser una buena oportunidad para empezar con la fotografía de producto. ¿Y una sesión de retrato profesional? alquila un equipo de iluminación un fin de semana y hazle fotos a tus sobrinos. Seguro que los padres estarán encantados y a ti te sirve para practicar y salir de la monotonía. No te cierres a nada y prueba.

Recibe o da clases

Tanto una como otra opción te van a hacer disfrutar. Dar clase a gente que esté aprendiendo te servirá para repasar conceptos y técnicas, además de ser una satisfacción personal.

Si necesitas aprender o mejorar en alguna técnica, apúntate a algún workshop de fotografía, recibe un curso de edición con Photoshop o de revelado con Lightroom, por ejemplo, o vete con otros fotógrafos a un Photowalk, seguro que aprendes y puedes utilizar los nuevos conocimientos para salir de tu zona de confort.

Observa a otros fotógrafos

© Maria Benitez Montero

Mirar fotografía siempre ayuda y motiva a salir a echar fotos, así que si ves que nada te saca del atolladero, nada mejor que ver fotografía durante un tiempo. Visita museos de arte, galerías, exposiciones de fotografía, etc…

Cómprate un libro de fotógrafos clásicos o de aquellos que siempre te han inspirado y estudia sus fotos, o si lo prefieres navega por las galerías de fotógrafos del momento, igual encuentras alguna nueva tendencia que te encanta.

Y vosotros. ¿Que hacéis cuando os entra la morriña fotográfica?

Foto de cabecera | Gregg O’Connell

¿Qué ventajas nos proporciona una visera de este tipo? no todo el mundo puede adecuar la luz de la sala donde está editando sus fotografías. Lo ideal es que esta iluminación alcanzara niveles muy bajos, que fuera indirecta y que la fuente de luz fuera lo más próxima posible a 5500K. Aquí en este momento es donde debemos plantearnos utilizar una visera de este tipo.

Las soluciones comerciales, que valen cientos de euros pueden ser sustituidas por esta sencilla solución (u otras similares) cuyo coste no debería ser superior a 20 euros.

Materiales

Tan solo has de comprar una lámina sufiecientemente grande de carton pluma, cartón rígido o piezas de caucho de este que se usa para el suelo (que es lo que usaremos hoy pero sirve cualquiera de los otros materiales). Eso sí siempre de color negro. También necesitamos algo de cinta adhesiva fuerte de color negro también. Tijeras, un cutter y una regla grande es suficiente para acometer el proceso de creación de nuestra visera.

Proceso

Toma las medidas necesarias que correspondan a tu monitor. Mide el ancho y el alto del monitor. Coge un lápiz, bolígrafo o rotulador para marcar sobre el cartón o foam que estés empleando utilizando la regla. Así, por ejemplo, si nuestro monitor mide 55cm de ancho por 40cm de alto (por decir unas medidas) necesitamos tres piezas: dos laterales que serán iguales y la superior, en todo caso de al menos, unos 15 cm de ancho. Habrás de dejar 0,5-1cm de más en cada lado de la superior (56-57cm) para poder encajarla bien con las dos piezas laterales. Habrá una pieza más correspondiente a la parte posterior que deberemos hacer a medida de nuestro monitor también.

Comenzando por nuestras dos piezas laterales de alto como nuestro monitor y de ancho unos 15cm por lo menos, añadimos(opcionalmente) a éstas un par de trozos a modo de pestañas para encajarlo con la pieza de la parte superior.

Vamos con la cuarta pieza correspondiente a la parte posterior. Aquí deberemos adaptar recortando o realizando algún ajuste que nos encaje con el soporte de nuestro monitor como vemos en la imagen. Esta pieza es la que nos sujetará (mediante unos trozos de la cinta de velcro autoadhesiva que también fijaremos en la parte posterior del monitor si queremos) las otras tres para que la visera nos se caiga.

Antes de pegarlo todo realizamos una prueba de ajuste, de forma obligada, sobre nuestro monitor y vemos como queda. Si necesitamos recortar un poco o realizar algún ajuste es el momento. Una vez hecha la comprobación ya estamos preparados para finalizar el proceso. Pegamos las tres piezas y utilizamos algo de cinta adhesiva (en este caso usamos cinta autoadhesiva con velcro, pero vale cualquier otro tipo de cinta que pegue fuerte) en las uniones para terminar de fijarlo todo.

Finalmente, redondear los bordes o realizar algún pequeño recorte para algún cable pueden ser los últimos ajustes finales que queramos realizar.

El resultado

Una vez que hemos finalizado el proceso tenemos a nuestra disposición una cómoda visera de quita y pon (y muy barata) que podemos utilizar para poder editar nuestras fotografías en un ambiente algo más controlado de luz y que realiza la misma función que las viseras comerciales. Tal vez, estéticamente, no sea tan bonita como las comerciales pero que nos sirve exactamente igual.

Fotografías | Julio Ramírez Sancho

En Xataka Foto | Bricolaje Fotográfico

La previsualización consiste en ese talento que tienen los algunos fotógrafos de anticiparse mentalmente a la fotografía a partir de la escena que tienen delante. De ello habló en su momento Ansel Adams, definiendo esta habilidad como una de las principales fortalezas que distinguían a los grandes fotógrafos. De ahí, el título de este artículo.

Soy de la opinión de que la previsualización, al igual que la creatividad, no son habilidades que se adquieren a través de los genes, sino que se educan con esfuerzo y constancia. Por ello, os propongo algunos consejos para desarrollar el llamado “ojo fotográfico”. No lo consideremos la panacea: no hay demasiado tiempo para previsualizar cuando tomamos fotografías espontáneas y a veces éstas aparecen por sorpresa o fruto de la buena suerte. Sin embargo, en otros tipos de fotografía como el paisaje, la previsualización adquiere una importancia vital.

Estudiar composición

Sergio Perea

Esto es tan cierto, que probablemente a algunas personas les parezca una obviedad. Pero la composición es en realidad el lenguaje con el que vamos a comunicar nuestra obra. Para imaginarnos una foto, debemos entender este lenguaje. ¿Cuantas veces has estado frente a un lugar increible, y al fotografiar has visto que la imagen no funcionaba?

Sin una buena composición que permita dar soporte a la previsualización, la fotografía será conceptualmente poco clara. Y seguramente parezca más fruto de la aletoriedad que de la premeditación.

Para los que no están muy acostumbrados a componer, puede ser un buen ejercicio llevarse un lápiz y un papel para dibujar la escena. No hay que hacerlo con grandes pretensiones artísticas. Sólo unas pocas líneas que nos ayuden a identificar y aislar determinados elementos. Es a lo mejor algo aparatoso dibujar antes de hacer cada foto, pero hacer este ejercicio de vez en cuando nos ayudará a mejorar. Poco a poco, iremos aprendiendo a ver de una sentada todas esas líneas y formas que permanecen ocultas al ojo del neófito.

Conocer tu equipo al detalle

Mike Baird

No basta con que lo que ves en la pantalla te convenza. En primer lugar, lo que te muestra la pantalla no es más que una previsualización del RAW creada a partir de una interpretación de éste por parte de la cámara. Su función es la de ayudarnos a comprobar que la fotografía está bien expuesta y revisar la composición. Pero eso que ves en la pantalla, no es la fotografía. Recordemos que los fotógrafos de película previsualizaban antiguamente la fotografía sin necesidad de pantallas ni histogramas.

Además, debes tener en cuenta que la fotografía final podría tener bien poco que ver con lo que se ve en la pantalla. Por ejemplo, si la fotografía final va a procesarse en blanco y negro, ésta hay que “pensarla” de manera diferente: visualizar las diferentes zonas, identificar aquellas zonas que serán blancas y negras, tener claro si la fotografía va a ser más oscura…en definitiva: es recomendable tener claro incluso qué tipo de procesado va a tener la fotografía.

Identificar qué es lo que nos permite anticiparnos

Sergio Perea

Cada tipo de fotografía requiere métodos distintos de anticipación. Por ejemplo: para fotografiar un paisaje, la anticipación vendrá dada a partir de nuestro conocimiento de la luz. Ese momento mágico sucederá cuando la luz sea adecuada.

Si por el contrario, estamos fotografiando un evento deportivo, la previsualización vendrá muy condicionada por nuestra capacidad para anticiparnos a la acción. Y por ello, conocer bien el deporte que estamos fotografiando, será lo más importante.

Y así, cada tipo de fotografía exigirá por nuestra parte un esfuerzo diferente. Y por ello, deberemos crearnos nuestros propios pasos, que en general irán dirigidos a cubrir el siguiente hito: ¿qué historia quiero contar? Este hito, es el fin común de cualquier fotografía, del tipo que sea. Nosotros sólo tenemos que construir esos pasos y llevar a buen puerto nuestra historia.

Foto de portada | Jane Ng

La primavera acostumbra a traernos además de un tiempo (en lo meteorológico) más apacible, el inicio de un sinfín de carreras y pruebas de motor que suponen para los aficionados a la fotografía y la velocidad una auténtica bendición.

Este fin de semana pasada estuve en la XVIII Subida Ubrique – Benaocaz, una importante cita del calendario español e internacional para los campeonatos de montaña y, como no, me crucé con multitud de aficionados a la fotografía, muchos noveles. Por eso hoy vamos a ver unas pequeñas directrices con las que poder sacar el máximo partido a nuestra cámara en la carretera.

Respeta las normas de seguridad

El primer de los puntos viene patrocinado por el Capitán Obvio. Sí, he visto mucha gente que con el afán de conseguir un buen sitio para sus fotografías se adentran en zonas prohibidas por la organización. Craso error.

Este es el primer paso para que esa fotografía tan impactante con el coche cruzado en la curva sea la última que hagas. En una carrera fuera de circuito ningún sitio es totalmente seguro, siempre hay cierto riesgo, pero si sufres un accidente en una zona prohibida y debidamente señalizada tú serás el único responsable. Perder el equipo puede ser el menor de tus problemas.

Si, además, eres aficionado a las carreras has de saber que instituciones como la FIA o la RFDEA son muy estrictas con las medidas de seguridad y un incumplimiento reiterado de las mismas por parte del público puede provocar la cancelación de la prueba en los siguientes años.

Asegurando el enfoque

Punto capital. El enfoque en una prueba de velocidad puede darnos algún que otro quebradero de cabeza. En esta última carrera he optado por subir el ISO a 500 (aunque las condiciones de luz me permitían disparar con un ISO menor) y jugar con valores altos en velocidad de obturación (en torno a 1/1000s) y medios en apertura. Así puedes congelar el movimiento de los coches sin necesidad de seguirlos.

Usar una configuración así prácticamente nos asegura el foco en toda la escena, útil si por ejemplo haces uso de la ráfaga. Tu cámara puede disparar 8 fotografías en un segundo, sí, pero un coche a 120 kms/h recorre 33 metros en un segundo. Otra opción es preenfocar a un punto y disparar al paso del coche.

Aunque podemos abrirnos a opciones creativas yo suelo fijar el foco en la parte media del vehículo, a la altura de la puerta, porque ahí se concentra mucha información: dorsal, nombre de la prueba, el propio piloto…

No suele hacerse necesario el uso de soportes como trípodes aunque si vamos a cargar con un teleobjetivo pesado la ayuda de un monopié puede venirnos muy bien; es más ligero y nos ofrece más movilidad que un trípode.

Barrido fotográfico

La mejor forma de conseguir plasmar la velocidad de los coches es el uso de esta técnica. El barrido fotográfico es considerablemente sencillo de realizar y los resultados son muy poderosos visualmente. Es recomendable no abusar de ella, puede llegar a cansar.

No existe un valor de velocidad de obturación único para conseguir el efecto, depende de muchos factores así que va a tocar empezar por, por ejemplo, 1/100s como muy alto para ir bajando y mirando los resultados. Cuando veas al coche aparecer síguelo con tu cámara y no dejes de seguirlo hasta pulsar el obturador, es así de sencillo.

La cosa se puede complicar si usamos focales largas o estamos muy encima del coche. Piensa en un avión que vuela a 700 kms/h. Desde tierra es francamente fácil seguirlo con la cámara pero si estuviésemos a un par de metros de él… os hacéis una idea, ¿verdad?

Usa filtros

Voy a dar por hecho que habéis seguido mi consejo de usar siempre el parasol en el objetivo así que no volveré a mencionarlo. Además del parasol hay un par de filtros que nos pueden venir muy bien en una prueba de velocidad: el filtro polarizador y el de protección.

El filtro polarizador sirve para mucho más que potenciar los cielos. En un día soleado a media mañana la única manera de evitar los potentes y molestos reflejos de nuestra estrella sobre los cristales del coche que estamos fotografiando es usar un filtro polarizador. No hay más.

El filtro de protección (puedes usar un UV si no tienes otro) tampoco debería faltar en un día de carreras. Es plausible, no voy a decir que muy fácil pero sí plausible, que el paso a toda velocidad de un vehículo proyecte una pequeña piedra del asfalto hacia cualquier parte. No desestimemos el poder de la mala suerte. Esa cualquier parte puede ser tu pobre objetivo, así que mejor que sea un filtro el que se rompa.

Composición

Salvo que estemos haciendo planos muy cerrados sobre el coche o el piloto el tema de la composición lo vamos a poder solventar con relativa facilidad. El buen uso de la carretera con sus curvas y rectas, líneas pintadas o las señales de tráfico se antojará crucial y suficiente para que podamos dirigir la mirada en nuestra escena.

No deberíamos olvidarnos de dar aire y espacio al coche. Aunque alguna vez cerremos el plano sobre un detalle (alguna frenada en la que se bloquean las ruedas y sale humo, por ejemplo), en todos los planos algo más generales deberíamos dejar algo de sitio por detrás y un poco más por delante, señalando el camino que seguirá el vehículo. Aquí, no obstante, volvemos a abrirnos a posibilidades creativas.

¿Disparamos en horizontal o vertical? No vamos a cerrarnos en banda, podemos probar ambas. Todo depende de la situación y de cómo podemos aprovechar el trazado en beneficio de nuestra composición. En la fotografía superior el disparo vertical era la única opción porque tenía delante a varias personas y era el único espacio disponible. El coche accidentando en primer plano añade profundidad a la escena y todo el espacio superior la pone en contexto dejando ver el entorno en el que se celebra la prueba de montaña.

Antes y después de la carrera

Vamos a acabar con una recomendación que algunos pasan por alto. Hay vida más allá de la propia prueba y en la que las posibilidades fotográficas no solo no merman sino que pueden incluso aumentar. Antes de la carrera, durante las verificaciones técnicas, o después, en la ceremonia de entrega de premios suelen dejar a los aficionados acercarse a coches y pilotos.

En esta nueva situación, más relajada para todos, es posible obtener otro tipo de imágenes complementarias de las que tomaremos en mitad de la prueba pero igualmente interesantes. Primerísimos planos del interior de los coches, mecánicos haciendo los últimos reglajes, coches en sus camiones… las posibilidades son mucho mayores que cuando estás en el trazado sin poder moverte de sitio.

¿Qué otros consejos consideráis fundamentales para este tipo de eventos? Estos son solo unos pocos de tantos que existen.

Cómo muchos sabeis, y veis, siempre solemos traeros algunos timelapses que nos gustan por su genialidad tecnica como creativa. Los timelapses no son una disciplina muy diferente a la de realizar cualquier otra dentro de la fotografía, la única diferencia es que requieren una preparación muy exhaustiva en su producción al igual que es su post-producción.

De la mano de Canon y de uno de sus mejores embajadores en el segmento del video y foto en movimiento, Vincent Laforet, os mostramos estos vídeos que enseñan muchos de los aspectos básicos que uno debe saber para poder hacer un timelapse, tanto desde lo que significa y cómo prepararnos ante él, como hasta el proceso de postproducción. Nos dará unas pequeñas pautas apra saber cuantos fotogramas al segundo necesitaremos en función de la duración, como preparar la cámara para las tomas, el equipo básico, algunos trucos para facilitarnos el trabajo…

No hay ni que decir que, todo está explicado de una forma sencilla para aquellas personas que quieran empezar a introducirse en este mundillo que tantos adeptos gana cada día dentro de la fotografía.

Os voy a poner únicamente dos de los vídeos, pero que sepáis que en el link del final del artículo podréis ir a la página web en donde se encuentran los otros dos restantes (son 4, en efecto). Aunque son vídeos en inglés, los subtítulos pueden ayudaros un poquito (no es que sean los mejores, lo reconozco…) al igual que la forma pausada y sencilla con la que Vincent lo explica.

Sitio Web | Canon USA