Desde que Tony Kuyper empezó a hablar de las máscaras de luminosidad en el lejano 2006, muchos hemos cambiado nuestra forma de revelar gracias a ellas. Estaban ahí, dispuestas a ser descubiertas, en la ventana Canales de Adobe Photoshop. Ahora todos los programas, cambiando el nombre, tienen esta herramienta disponible para trabajar. Y la clave para aprovecharlas al 100% es conseguir la mejor información posible a la hora de crearlas. Vamos a ver cómo hacerlo.

Las máscaras de luminosidad permiten hacer una selección perfecta a partir de los valores de luminosidad de los píxeles y, en algunas ocasiones, también de su información sobre el tono y la saturación. Es una selección mucho más precisa que la que podemos hacer de cualquier otra forma, como la clásica herramienta Lazo.

En Xataka Foto ya hemos hablado muchas veces de las máscaras de luminosidad. Desde cómo hacerlas y trabajar con ellas hasta los mejores paneles gratuitos que podemos encontrar en el mercado para agilizar el trabajo. Pero hoy lo que vamos a ver es la explicación que da el fotógrafo Dave Kelly, en la página del mismo Tony Kuyper, para conseguir la mejor máscara de luminosidad posible.

No podemos olvidar que una de las virtudes de las máscaras de luminosidad es que se convierten en máscaras de capa con todas las gradaciones posibles del negro al blanco. No son blancas y negras, sino que tienen todos los matices de luz para mantener las texturas de la imagen. Por este motivo son tan precisas a la hora de trabajar.

La fotografía original

Y aquí está el secreto y la clave para trabajar correctamente con las máscaras de luminosidad:

Siempre tenemos que respetar las texturas originales de la fotografía y nunca tenemos que buscar el blanco absoluto a la hora de crearlas... Perderíamos todos los matices de la zona de la imagen seleccionada y la máscara perdería su sentido.

Cómo ajustar correctamente las máscaras de luminosidad en cualquier programa que lo permita

Cuando queremos seleccionar un objeto de nuestra fotografía con la ayuda de las máscaras de luminosidad lo primero que tenemos que recordar es que en la futura máscara de capa el negro tapa y el blanco descubre. Es así de sencillo. La buena noticia es que gracias a la luminosidad del píxel podemos contar con los matices de luz del objeto.

Si la selección la dejamos reducida al blanco perderemos muchas de las posibilidades de esta herramienta tan útil y que puede ayudarnos tanto a mejorar nuestros revelados.

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Dar volumen a las nubes con ayuda de las máscaras de luminosidad en Adobe Photoshop

Todo lo que voy a explicar** es válido para todos los programas que cuenten con esta herramienta**, desde Photoshop a Capture One pasando por Darktable 3.6. Incluso lo podemos hacer en Adobe Lightroom. Dependiendo de cada programa la precisión será mayor o menor.

Una máscara de luminosidad fallida porque abundan los blancos puros

En Adobe Photoshop podemos contar con los paneles de pago que existen en el mercado por la cantidad de posibilidades que ofrecen, pero lo haremos con el panel gratuito de Tony Kuyper. El proceso será idéntico pero mucho más largo.

Para conseguir el último panel gratuito de Tony Kuyper para Adobe Photoshop:

• Hay que tener instalada la última versión de Adobe Photoshop.
• Ir al menú Plugins>Buscar plugins y poner en el buscador TK Luminosity Mask.
• Lo instalamos después de hacer clic en Obtener.
• Estará instalado en el menú Plugins.

Así que solo nos queda abrir una fotografía y seguir los siguientes pasos, que recomiendan el propio Tony Kuyper y el autor del vídeo para lograr la máscara de luminosidad perfecta:

Aunque no lo parezca esta máscara de luminosidad es perfecta porque saca detalles de toda la arena... se podría aclarar un poco más

1. Evitar el blanco puro al crear la máscara de luminosidad para conseguir transiciones sutiles. Si la máscara llega al blanco puro perderemos todos los matices y tendremos problemas a la hora de hacer capas de ajuste.
2. Todo aquello que queramos seleccionar debería tener idealmente valores grises muy claros rodeados de zonas con grises oscuros o negros.
3. Si en la zona seleccionada podemos apreciar la textura de la imagen original tendremos aseguradas las transiciones de luz o de sombra a la hora de realizar cualquier ajuste como una Curva o Niveles.
4. Las zonas no seleccionadas pueden ser negras puras, pero para evitar halos tendríamos que asegurarnos una transición para evitar la presencia de halos.

La fotografía final

Por supuesto estos cuatro puntos podemos controlarlos en cualquier programa. Pero si estamos en Photoshop y tenemos el panel de pago será más sencillo. Y si no lo tenemos será cuestión de paciencia. Creo firmemente que solo deberíamos comprarlo si tenemos previsto utilizarlo frecuentemente.

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‘Esa fotografía puedo hacerla yo’

Con estas indicaciones todas las máscaras de luminosidad serán perfectas y nos podremos olvidar de los problemas que alguna que otra vez nos encontramos cuando trabajamos con valores extremos. Al final la experiencia nos irá dictando qué necesita cada imagen y lograremos tener el revelado soñado.

Muchas veces nos complicamos la vida con técnicas revolucionarias que dificultan algo que debería ser mucho más fácil. Hay que darse cuenta de que muchas veces nos quedamos con la boca abierta con tutoriales de Adobe Photoshop de mil pasos cuando, con un poco de experiencia, se podría resolver el problema con uno de dos.

Llevo muchos años escribiendo sobre fotografía. He perdido la cuenta pero probablemente lleve más de diez años por las redes. Como profesor de fotografía he leído y escrito sobre cientos de técnicas con Adobe Photoshop. Para mi trabajo personal utilizo muy pocas pero para mis clientes y alumnos siempre intento aportar novedades.

Fotografía original

Y más sabe el diablo por viejo que por diablo. Hay veces que reconoces técnicas para quitarse el sombrero por su sencillez. Pero otras parecen ideadas por neopictorialistas que quieren destacar sobre la masa para simplemente parecer mejores. Y hay que estar atento para no caer en la tentación de parecer mejores en vez de prácticos.

Las mejores técnicas de Adobe Photoshop y una que no lo es

El que ideó la separación de frecuencias era un genio, la que desarrolló el dodge&burn hasta las últimas consecuencias merece un monumento... Qué decir de aquel que habló por primera vez de las máscaras de luminosidad.

Pero hay veces que encuentras técnicas de dudosa utilidad, que muchos utilizan, porque no han pensado a fondo si son realmente eficaces o superiores a pasos más sencillos.

En Xataka Foto

Cómo crear un efecto Orton desde el móvil para potenciar nuestras fotografías de paisaje

En mi búsqueda he encontrado el canal de Lee Varis donde cuestiona la utilidad de la famosa curva horizontal. Esta curva volvió a la palestra de la mano de nuestro admirado Piximperfect. El vídeo en cuestión tiene más de 770.000 visualizaciones...

Y tengo que reconocer que llamó poderosamente mi atención en su momento, allá por el año 2018. No le volví a prestar atención hasta que Photoshopeando sacó tres vídeos sobre el tema. Y gracias a sus razonamientos (qué bueno es) empecé a desconfiar de la técnica.

Por mis clases la he vuelto a retomar hace poco, en la búsqueda de buenos métodos para conseguir excelentes resultados. Así que he vuelto a ver todos los vídeos, he hecho pruebas y he descubierto el canal de Lee Varis del que he hablado antes. Y estamos ante un caso similar al de la famosa y cuestionada hiperfocal.

La famosa curva horizontal

Esta técnica apareció en 2008, cuando la propuso un tal Jakob Rus en un foro de Dan Margulis, uno de los gurus del color digital. Lo más curioso es que se inventó para trabajar en modo Lab (aunque sirve también para RGB) y poco o nada tiene que ver con el planteamiento que hace Unmesh Dinda:

• Convertir la imagen a CIELAB (obviamente)
• Copie el canal L
• Cree una nueva capa y pegue el canal L * en los tres canales (L, a y b).
• Establezca el modo de fusión de esta nueva capa en "Luz lineal", y tenga paciencia conmigo, porque en este punto la imagen se verá como una mancha posterizada en blanco y negro. Por lo general, llamo a esta capa algo así como correcciones basadas en L.
• Agregue una nueva capa de ajuste de curvas y configúrela como una máscara de recorte.
• Haga que las tres curvas - L, a y b - sean completamente planas, es decir, Entrada 0 -> Salida 50, Entrada 100 -> Salida 50 en el canal L, e Entrada -128 -> Salida 0, In 127 -> Out 0 en a y b. En este punto, debería tener una imagen que se vea exactamente como la original, porque el modo de fusión Luz lineal no cambia la capa inferior donde la capa de fusión es gris medio.
• Ahora, aquí está la parte divertida: haga algunos puntos a lo largo de esas curvas y deslícelos hacia arriba y hacia abajo. Por lo tanto, puede ajustar (desplazar linealmente) los valores L, a y b para varios niveles de fondo de L, con un control mucho más preciso que usar los controles deslizantes de mezcla si o cualquier otra herramienta que conozca. > >

La curva horizontal se vende como el mejor método posible para alterar la luminosidad de la fotografía sin afectar en absoluto a los colores, una auténtica maravilla. La propuesta de Unmesh Dinda es la siguiente:

La curva horizontal sin tocar

1. Creamos una capa de Tono/Saturación en modo Luz suave y bajamos el valor de Saturación a 0.
2. Creamos una capa de Curvas y ponemos la curva en horizontal ¿cómo? El punto negro 0-128 y el punto blanco 255-128.
3. Esta capa de ajuste tiene que estar como Máscara de recorte (alt+ctrl+G).
4. A partir de este momento solo tenemos que usar la herramienta Ajuste de destino (la mano con la flecha) de la ventana Propiedades de la curva para cambiar a nuestro antojo la imagen sin perder el color nunca y controlando el contraste.

La curva horizontal ya aplicada

Sobre el papel parece uno de los mejores inventos de la historia de Adobe Photoshop. Como además podemos hacer una acción, es muy rápido.

La realidad de la curva horizontal

La realidad de la curva horizontal es que es demasiado compleja en comparación con el método más sencillo que podemos hacer, que no es otro que una capa de ajuste de Curvas en modo Luminosidad. El resultado es el mismo y sin necesidad de utilizar dos capas, una de ellas como máscara de recorte.

Una curva de Luminosidad

Solo hay que utilizar la misma herramienta Ajuste de destino y listo. Ambos resultados son idénticos. Y no solo en la fotografía que estamos utilizando de ejemplo. En la gran mayoría de las que hemos probado no hay una diferencia tan importante que justifique el cambio de técnica.

Los dos métodos juntos ¿Hay alguna diferencia?

No se nota más saturación o una pérdida de contraste significativa. El final de ambas técnicas es el mismo, incluso parece mucho menos agresivo el método tradicional (aunque los dos son no destructivos, por supuesto).

La conclusión final es que deberíamos probar todas las técnicas que llegan a nuestras manos. Pero no podemos darlas por válidas hasta que notemos que mejoran nuestro flujo de trabajo para conseguir nuestro estilo.

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Los mejores métodos para digitalizar nuestros negativos y diapositivas y uno que supera a todos (I)

No hay que adoptar técnicas de Photoshop sin pensar. La mayoría de las veces lo más sencillo siempre basta y sobra para conseguir el mejor resultado. Hay que saber elegir la técnica adecuada para cada trabajo. Y os aseguramos que si lo hacemos todo bien en el momento del disparo la vida fotográfica será más fácil.

La firma japonesa sigue ampliando poco a poco, pero con paso firme, su catálogo de lentes para las cámaras full frame de montura E y lo hace esta vez con el Sony 50 mm F1.2 GM, un nuevo objetivo fijo de focal estándar que destaca por su luminosidad y "rompe el molde" al ofrecer una gran calidad de imagen y un enfoque rápido y preciso en un cuerpo compacto y ligero.

Lo cierto es que las dimensiones del nuevo objetivo son casi calcadas a las del Sony Zeiss Planar T* FE 50mm F1.4 ZA, que sería lo más parecido que había hasta ahora el catálogo de lentes para la montura E pero que tiene una luminosidad un 17% menor. En concreto hablamos de un peso de 778 gramos, una longuitud de 108 mm y un diámetro de 87 mm, medida en la que difiere del citado Zeiss Planar (que mide 83,5 mm).

La nueva óptica lleva la inicial GM en su nombre, que identifica su pertenencia a la serie ‘G Master’, su gama de objetivos de mayor calidad (lo que solemos denominar como “pata negra”), en la que se coloca arriba del todo al tratarse de su objetivo de mayor luminosidad. Una característica que también se ha acompañado con la promesa de ofrecer imágenes con una resolución superior de esquina a esquina y un enfoque automático rápido y preciso.

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Su construcción óptica está basada en 14 elementos distribuidos en 10 grupos con tres lentes XA (Xtreme Aspherical) (que son de lo mejor de la casa y están pensadas para reducir al máximo las aberraciones ópticas de todo tipo) y recubrimiento Nano AR Coating II, para minimizar los reflejos internos y evitar las imágenes fantasma. Su diafragma es de nuevo diseño con apertura circular y once palas, una cifra bastante alta que sin duda augura un buen bokeh como hemos podido comprobar.

La distancia mínima de enfoque es de 40 cm y ofrece una relación de aumento de 0,17x. Por otro lado, su distancia focal lo hace apto para todo tipo de públicos y un gran número de disciplinas, aunque quizá donde más pueda destacar sea en el retrato y en situaciones de poca luz en general, por su elevada luminosidad (ƒ1.2).

Por lo que toca al enfoque, cuenta con cuatro motores XD Linear en un mecanismo de enfoque flotante y la tecnología IF de enfoque interno, que permite que no varie su tamaño al enfocar. Por supuesto todo ello promete una operación rápida y precisa que, siempre según Sony, posibilita sacar mejor provecho de las características de enfoque avanzadas (como el Eye AF) de sus cámaras.

Por supuesto el cuerpo ofrece la calidad de las mejores ópticas de la casa, con sellado para resistir las inclemencias metereológicas y diversos botones y controles pensados para un uso profesional. De hecho, incluye anillo de diafragmas con un conmutador on/off para anular el clic que se produce normalmente al variar la apertura y así evitar problemas al grabar vídeo.

Precio y disponibilidad

El nuevo Sony 50 mm F1.2 GM estará disponible el próximo mes de abril con un precio recomendado de 2.300 euros.

Más información | Sony

Cuando queremos hacer una buena selección en Adobe Photoshop acudimos a diversas herramientas o hacemos uso de las máscaras de luminosidad. Pero a muchos se les olvida utilizar Gama de colores, una de las funciones más útiles del programa para seleccionar exactamente lo que queremos.

No es la herramienta más precisa del programa, pero nos permite revelar rápida y fácilmente cualquier fotografía gracias a su forma de trabajar, basada en la información que aporta el píxel.

Gracias a Gama de colores, que encontramos en el menú Selección>Gama de colores..., es posible revelar cualquier archivo por zonas sin hacer uso de ninguna otra herramienta -y siempre que la fotografía no sea compleja- con unos resultados admirables.

Foto inicial

No alcanza la precisión de las máscaras de luminosidad, pero para los que empiezan a trabajar con este programa, es poco menos que perfecto. Y muy útil cuando andamos con prisas.

La selección con Gama de colores

Como siempre lo primero tiene que ser revelar la fotografía a fondo en Adobe Camera RAW o similar. No tiene sentido partir de un archivo sin ajustar. Una vez revelada, podemos abrirla en Adobe Photoshop, incluso como un objeto inteligente.

Ya en el programa tenemos que ir a la ruta Selección>Gama de colores después de analizar la fotografía que queremos revelar.

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La fotografía de ejemplo tiene tres zonas claras: el muro, la vegetación y el camino. Así que tendré que hacer tres selecciones distintas para mejorarla. Voy a oscurecer el suelo de tierra, contrastar la vegetación y aclarar el muro del túnel de la Engaña en la Vega de Pas.

Gama de colores tiene cinco opciones y debemos elegir la que más nos convenga:

Muestreados

Al elegir esta opción, tenemos que marcar la herramienta Cuentagotas de la ventana Gama de colores y pinchar en la zona de la imagen que queremos seleccionar. También podemos elegir Añadir o Restar. Tenemos que vigilar el Tamaño de la muestra en la barra de configuración (en la parte superior de la interfaz) para que sea lo suficientemente grande. Por ejemplo, 31x31 es un buen punto de partida.

Muestreados

En la fotografía de ejemplo, como es difícil elegir el color del muro, me decanto por esta opción y con ayuda de Tolerancia y Rango delimito con precisión el muro:

• Tolerancia ajusta la difusión del borde la selección.
• Rango amplia o reduce la selección inicial.
• También tenemos la opción de elegir Grupos de color localizados, por si queremos seleccionar solo el color en una zona y Detectar caras por si las hubiera.

Colores

En esta ocasión tenemos 6 colores para seleccionar. Del rojo al magenta. Lo malo es que no es fácil acertar. No tenemos una herramienta como Ajuste de destino, así que tenemos que probar hasta encontrar el color exacto. Además no tenemos la oportunidad de configurar nada más.

La selección de la vegetación

En la fotografía de ejemplo, si marco Verde para seleccionar la vegetación, no conseguiré nada. Todo cambia si marco Amarillos. Y como este ejemplo podemos encontrar muchos más.

Luminosidad

Es la función más práctica de Gama de colores. Como ya hemos dicho en otra ocasión, es el 'antepasado' de las máscaras de luminosidad. Solo tenemos que elegir Iluminaciones, Medios tonos o Sombras para tener seleccionados dichos píxeles.

Iluminaciones

De nuevo tenemos Tolerancia para hacer una gradación más suave y Rango, que en esta ocasión sirve para indicarnos en qué punto de la escala de 0 a 255 marca cuál es el rango de las Sombras (0-65), Medios tonos (105-150) e Iluminaciones (190-255).

Para seleccionar el camino me sirvo de esta función, por supuesto. Es la mejor opción de todas las que tenemos. Y la más rápida.

Tonos piel

Es un apéndice de esta útil herramienta. Simplemente selecciona tonos piel... pero el problema es que no especifica cuáles... así que solo funciona con muy pocas personas...

Fuera de Gama

Una pequeña maravilla escondida dentro de Gama de colores. Muy útil si quieres imprimir la fotografía o necesitas ver cómo quedarán los colores si publicas la fotografía en la red.

Esos verdes no salen

Solo tienes que seleccionar esta última opción y veréis marcados los colores que no se pueden reproducir con el espacio de trabajo o perfil ICC que tenga el archivo en cuestión.

Así podemos convertir esta selección es una máscara de capa de una capa de ajuste de Tono/Saturación y bajar su saturación o variar su tono.

Una vez hecha la selección, como bien sabéis, solo tenemos que convertirla en la máscara de capa de una capa de ajuste

Como habéis visto esta herramienta es muy eficaz para trabajar rápido y conseguir un buen revelado de nuestro archivo en función de la selección de sus colores o su luminosidad.

Hoy vamos a ver una de las técnicas más sencillas y eficaces de Adobe Photoshop para trabajar con selecciones. Es tan fácil que no hay utilizar herramienta alguna. Solo hay que saber cómo funcionan los modos de fusión y nada más. Con todos ustedes la magia de la capa de ajuste de Blanco y negro para controlar el color.

A la hora de revelar una fotografía lo más difícil es hacer una buena selección. Todo aquel que se haya metido un poco en el mundo de Photoshop lo podrá confirmar. Todo depende de tener una buena base y muchas horas de práctica para conseguir un buen trabajo. Pero de vez en cuando encontramos métodos que no requieren selección alguna que pueden servir para muchas de nuestras fotografías.

Vamos a utilizar una capa de ajuste de blanco y negro con la ayuda inestimable de un modo de fusión. Si empiezas en el mundo del revelado puede que te parezca complicado solo con oírlo. Pero te aseguro que no hay nada más sencillo para jugar con la luz de la fotografía.

Fotografía original

Este método, en su variante más sencilla, no sirve para todas las fotografías de tu catálogo, pero cuando cojas un poco de práctica verás que se pueden hacer mil cosas y sobre todo sin tener que crear máscaras complejas. Así que vamos a ponernos con las manos en la masa.

Revelar una fotografía en color con la ayuda de la capa de ajuste de blanco y negro

Parece que no tiene sentido pero te aseguro que es una de las técnicas más rápidas que podemos encontrar para revelar una fotografía sin el problema de hacer una selección. Todo se basa en el modo de fusión Luminosidad, donde la mezcla entre la capa de ajuste y la capa inferior dará como resultado el Tono y la Saturación de la capa inferior y la Luminosidad de la superior.

La selección parte del propio píxel. No es necesario dibujarla ni buscarla porque está dentro de la fotografía. Nosotros solo señalamos el color que queremos cambiar y la luminosidad del mismo se modifica. O más brillante o más oscuro. Ya está.

Es decir, con este pequeño truco no afectaremos al color de nuestra fotografía pero sí a su luminosidad... Parece complicado pero es tan sencillo que no podrás olvidarte nunca de esta técnica.

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También contamos con la capa de ajuste Blanco y negro que permite controlar los colores RGB y los CMYK para una mayor precisión en nuestro revelado...

Por supuesto no sirve para una imagen con muchos objetos de diferentes colores pero para una fotografía de paisaje creo que no hay un método más rápido para encontrar el resultado que estamos buscando. Y se podría hacer directamente en Adobe Lightroom dentro de la pestaña HSL/Color y tocar solo los ajustes de Luminosidad...

Estos son los pasos para conseguirlo:

• Abrimos en Adobe Photoshop una fotografía que hayamos revelado en profundidad. Si trabajamos con un archivo de la máxima calidad todo será mejor.

En pleno proceso

• Creamos una capa de ajuste de blanco y negro en Capa>Nueva capa de ajuste>Blanco y negro.
• En la ventana Capas cambiamos el modo de fusión de Normal a Luminosidad.
• Empezamos a cambiar la luminosidad de cada color que aparezca en la fotografía hasta encontrar el resultado que buscamos. Si llevamos los deslizadores a la izquierda oscurecemos ese color y si lo llevamos a la derecha lo llenaremos de luz.

Resultado final

• Con la herramienta Ajuste de destino activa (el icono de la mano con flechas en ambos sentidos) solo tendremos que pinchar en el color elegido y cambiar su luz.

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Cómo quitar las zonas quemadas del cielo con Adobe Photoshop

Como veis no puede ser más sencillo y rápido. Es el método perfecto para muchas fotografías, de pocos colores, con las que no queremos complicarnos la vida en exceso. Ya nos diréis cómo os resulta.

El nuevo panel Gradación de color es, sin lugar a dudas, una de las grandes novedades de Adobe Camera RAW y Lightroom. Con este nuevo panel el control del color en estos dos programas ha dado un paso de gigantes y recuerda a lo que podemos hacer en otros programas de la competencia como Capture One Pro. Es una herramienta perfecta para la armonía del color.

El color cada vez tiene un papel más importante en la fotografía. La armonía del color ocupa más y más páginas en las redes y cada vez publican más libros centrados en el tema. Hasta ahora solo podíamos aplicar bien la teoría del color en Photoshop y Capture One pero resultaba imposible hacerlo en Lightroom o ACR con cierta soltura.

Pero en la última versión 2021 todo ha cambiado con la incorporación del panel Gradación del color. Este nuevo panel, un paso adelante del anterior panel Dividir tonos, permite modificar el color de nuestras fotografías en función de la luminosidad de los píxeles.

Es posible cambiar los tres valores del color (tono, saturación y luminosidad) en tres posiciones distintas dentro del rango dinámico: Iluminaciones, Medios tonos y Sombras. Y de una manera sencilla y perfecta, sin recortes ni efectos extraños aunque forcemos la situación. En cierta manera permite cambiar el equilibrio de blancos en función de la luminosidad de la escena.

La fotografía original

No sirve para cambiar el tono de un objeto, sino de ajustar la dominante de color de una luminosidad concreta. Así que vamos a ver cómo funciona para sacarle todo el provecho. Adelantamos que puede funcionar directamente en Lightroom o ACR pero cuando alcanza toda la precisión es en comunión con Adobe Photoshop.

Cómo trabajar con el panel Gradación de color

Está presente en los dos programas que hemos mencionado. Y funcionan exactamente igual salvo una cosa que señalaré en el momento adecuado y que no termino de entender. Igual se hace de otra manera pero no tendría sentido. Para este artículo trabajaré con Lightroom.

El panel Gradación del color

El panel Gradación de color permite ajustar el color, la dominante, de tres rangos de luminosidad: Sombras, Medios tonos e Iluminaciones. Podemos hacerlo a través de parámetros pero la novedad es que por primera vez lo podemos hacer en círculos cromáticos de 360º.

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Es posible ver los tres rangos a la vez (Tres vías) o uno por uno (más grandes). Y tenemos acceso a un cuarto círculo, que han denominado Global, que trabaja en color en todas las luminosidades a la vez. A la hora de trabajar dependerá del tamaño de nuestras pantallas para elegir los tres círculos juntos o por separado:

• Cada círculo comprende el Tono en un radio de 360º y los podemos controlar con el punto exterior que los rodea.
• El punto central sirve para ajustar la Saturación. Cuanto más cerca esté del extremo más saturado estará ese tono.
• Y el parámetro externo que lo utilizaremos para ajustar la Luminosidad, el brillo de ese tono.

Para ajustar cada uno de ellos hacemos clic en el punto central y lo desplazamos al tono que queramos y lo acercamos al extremo para lograr más o menos saturación de ese tono dentro del rango que hemos elegido. Si no nos gusta el ajuste con hacer doble clic sobre el nombre del círculo los ajustes pasarán a cero.

Si queremos más precisión a la hora de trabajar, sobre todo si lo hacemos en pantallas pequeñas (es imposible ser preciso con una pantalla de 14" de un portátil) tenemos dos trucos si colocamos el ratón encima de uno de los círculos:

• Si mantenemos pulsada la tecla Mayús aparecerá un radio para cambiar la Saturación del tono en el que estemos.
• Si damos a la tecla Ctrl aparecerá un círculo como guía por el que podremos cambiar el Tono sin afectar a la saturación.

La herramienta Color a medida

Si pasamos a los ajustes individuales tenemos, en primer lugar, más precisión; y en segundo lugar una herramienta que permite hacer ajustes concretos a partir de un color seleccionado. Esta herramienta es Color a medida y permite buscar dentro de cada círculo el color preciso que queremos cambiar y controlar su Tono, Saturación y Luminosidad. Y esta es la herramienta que no hemos encontrado en ACR.

El funcionamiento es un tanto extraño:

• Hay que hacer clic en el recuadro que aparece en la zona inferior izquierda para abrir una pequeña pestaña donde encontramos la herramienta.
• De nuevo hacemos clic sobre el icono de la pipeta y sin soltar el botón izquierdo del ratón lo llevamos al color que queremos controlar.

El antes y el después

• Cuando estemos sobre él lo soltamos y podemos hacer los cambios.

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Consejos para comprar una cámara de segunda mano

Y ya está... Todo depende de lo queramos conseguir en nuestra fotografía, del dominio que tengamos de las armonías del color. El cambio es profundo. Por este motivo soy más partidario de trabajar con objetos inteligentes duplicados y controlar en Adobe Photoshop el punto que queremos darle a la fotografía. No os podéis ni imaginar todo lo que se puede hacer con la Opacidad, los modos de fusión de color... Se ha abierto una puerta y las posibilidades han aumentado mucho en Photoshop.

Estamos en la semana del lanzamiento de la nueva versión de Adobe Photoshop. Todos hablamos de los ya famosos filtros de inteligencia artificial o filtros neuronales, de la sustitución de cielos pero también hay que destacar Adobe’s Unified Extensibility Platform (UXP), una nueva arquitectura que permite a los desarrolladores externos crear aplicaciones para Photoshop. Y ya tenemos el nuevo panel de máscaras de luminosidad de Tony Kuyper y además totalmente gratis.

En Xataka Foto hemos hablado muchas veces de las máscaras de luminosidad, qué son, qué podemos hacer con ellas o incluso cómo lograr un blanco y negro lleno de matices solo con las máscaras de luminosidad. Para poder trabajar con ellas hemos dicho cómo hacerlas y hemos presentado diferentes acciones y paneles gratuitos para hacer estas selecciones basadas en la luz.

Pero en esta ocasión Tony Kuyper ha anunciado una colaboración directa con Adobe que, con motivo de la nueva versión 2021, ha decidido apostar por una nueva arquitectura UXP (Adobe’s Unified Extensibility Platform) que sustituirá gradualmente a la que venía utilizando hasta ahora, la CEP.

El nuevo complemento

La intención es ir pasando todos los plugins a esta nueva arquitectura para permitir que se integren de una forma más directa con Adobe Photoshop. No sabemos si la intención es que parezca todo creado por Adobe o simplemente para facilitar la vida del usuario.

El nuevo panel de máscaras de luminosidad

Una de los primeros complementos que podemos encontrar es precisamente el antes conocido como panel Básico de máscaras de luminosidad de Tony Kuyper. Lo podíamos encontrar en la página original del autor pero desaparecía en la versión española.

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Nuevo método para hacer fotografías en blanco y negro con ayuda de las máscaras de luminosidad (I)

Ahora está disponible en el nuevo menú Plugins>Buscar plugins. Solo tenemos que poner en la ventana que se abre, el nombre del nuevo complemento TK Luminosity Mask y descargarlo. Solo hay que seguir las instrucciones que nos van dando y listo.

Tenemos muchas posibilidades y encima con 16 bits

Ahora solo nos quedaría ir de nuevo al menú Plugins y allí aparecerá el nuevo complemento. Es exactamente igual que la versión básica que hemos dicho y puede que no tenga mucho sentido bajarlo si tenemos la versión de pago. Como dice Tony Kuyper:

El complemento TK Lum-Mask es similar al panel TK Basic V6 , que es posible que ya tenga. Genera rápidamente máscaras de luminosidad preestablecidas de luces, sombras y tonos medios que se pueden ver en tiempo real en la pantalla en Photoshop. El complemento también proporciona varias opciones de salida para implementar las máscaras que se crean. La profundidad de bits de las máscaras generadas por el complemento siempre coincide con la de la imagen, por lo que con imágenes de 16 bits obtiene máscaras de 16 bits durante todo el proceso. Las imágenes a continuación describen cómo funciona este complemento.

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Cómo quitar el ruido de nuestras fotografías con ayuda de las máscaras de luminosidad en Adobe Photoshop

Si nunca habéis trabajado con las máscaras de luminosidad es la oportunidad perfecta para empezar a experimentar y llevar nuestros revelados a otro nivel. Parece que no todo va a ser inteligencia artificial en esta nueva versión de Photoshop...

Con el anuncio de la inminente salida del Nikkor Z 58mm f/0.95 S Noct, que es el más luminoso nunca fabricado por Nikon, nos hemos preguntado cuáles son los objetivos más rápidos que se pueden conseguir hoy día para usarlos en nuestras cámaras de fotos. Y es que últimamente hemos visto como muchas marcas se han lanzado a desarrollar ópticas de alta luminosidad para tener una lente con la que presumir situada en lo más alto de su catálogo.

Pero ¿a qué nos referimos con un objetivo luminoso? Pues evidentemente a aquel que ofrece una apertura de diafragma máxima notable, que permite hacer fotos en situaciones de poca luz sin tener que recurrir a velocidades bajas ni ISOs altos para evitar trepidaciones. Para concretar, y teniendo en cuenta que es algo que depende del tipo de objetivo (sobre todo si es de distancia focal variable o fija) podemos decir que un zoom es luminoso si ofrece un diafragma máximo de ƒ2.8, mientras que uno fijo lo sería si baja del ƒ2.

Pero nosotros en esta ocasión vamos a ser aún más exigentes para hablar de los objetivos más rápidos del mercado, los más luminosos que bajan (o suben mas bien) de la “barrera psicológica” del ƒ1.4, que sí es un valor que se encuentra con más frecuencia en muchas ópticas fijas como los recurrentes 50 mm. De hecho, como ya sabréis, los objetivos más luminosos son casi exclusivamente ópticas fijas y de enfoque manual como vamos a comprobar en el siguiente listado.

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ASPH, APO, OIS, WR, USM, GM, ED, VC, DG… Guía para entender qué significan las siglas que lleva tu objetivo

En él hemos incluido conjuntos de lentes que se pueden comprar actualmente para cámaras réflex o sin espejo. Entre ellas hay además algunas de lanzamiento próximo (pero confirmado) como el Nikkor mencionado, pero siempre hablamos de productos que se fabrican actualmente.

Así, dejamos fuera los objetivos antiguos que ya no se fabrican (aunque se puedan comprar de segunda mano), otros que aún no son más que un proyecto y los de algunas marcas cuya exclusividad los deja fuera del alcance de los mortales. Y eso que, como vamos a ver, muchos de los objetivos listados tienen precios que pueden parecer estratosféricos, aunque ya os avanzamos que hacia el final hay algunos mucho más asequibles. Empezamos:

Objetivos de primeras marcas

Comenzamos con las ópticas creadas por los principales fabricantes del mercado actual de fotografía (por orden alfabético):

Canon

Esta compañía ha sido una de las que se han unido a la tendencia de desarrollar una óptica luminosa que se convierta en referencia de la línea de nuevos objetivos RF para su sistema R de mirrorless full frame. Hablamos del Canon RF 85 mm f/1,2L USM, un telecorto que promete convertirse en el objetivo definitivo para retratos a cambio de 3.199 euros.

Esta lente está inspirada en el Canon EF 85mm f/1.2L II USM, que con un precio de 2.449,99 sería su hermano mellizo para cámaras réflex. Para estas cámaras tenemos también el Canon EF 50mm f/1.2L USM, un típico objetivo de 50 mm muy luminoso y algo más económico: 1.699 euros.

Fujifilm

Esta marca está desarrollando un completo conjunto de lentes para su familia X de cámaras sin espejo APS-C y entre ellas, cómo no, hay un par de referencias especialmente luminosas. La que ya se puede comprar (por 935 euros ahora mismo en Amazon) es la óptica Fujinon XF56mm F1.2 R, un tele corto que ya tiene sus años y tiene una versión gemela (Fujinon XF56mm F1.2 R APD) con un filtro especial para un bokeh más suave.

Además, también han anunciado hace muy poco una nueva referencia que debería llegar en breve para convertirse en su objetivo más luminoso hasta ahora: el Fujinon XF 50mm F1.

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Objetivos fijos vs zoom: ¿cuáles son mejor, cuándo y por qué?

Nikon

Ya hemos citado el Nikkor Z 58mm f/0.95 S Noct, la óptica más luminosa de la firma hasta la fecha que quiere convertirse en el emblema de su roamap de lentes para las cámaras sin espejo full frame de su sistema Z. Una lente que estará en las tiendas (salvo catástrofe) a finales de mes por un precio (no confirmado oficialmente) bastante alto: 9.000 euros.

Pero aunque esta sea la lente más luminosa de Nikon, para un tipo de cámaras que ha inaugurado una nueva etapa en la firma, también podemos encontrar alguna referencia para sus réflex de montura F como el 50mm f/1.2 Nikkor, un objetivo con bastantes años pero que se puede conseguir por (relativamente) poco dinero: 682 euros actualmente en Amazon.

Olympus

Por supuesto esta marca (que está celebrando sus 100 años) también tiene lentes que encuadramos en el apartado de luminosas. Es el caso de su triada de objetivos Pro compuesta por el M.Zuiko Digital ED 17 mm F1.2 Pro, el M.Zuiko Diital ED 25mm F1.2 PRO y el M.Zuiko Diital ED 45mm F1.2 PRO, lógicamente del sistema Micro Cuatro Tercios y cuyos precios están entre los 1.399 euros del primero y los 1.299 euros de los otros dos.

Panasonic

Terminamos nuestra ronda por las primeras marcas con esta cuyo catálogo no es muy pródigo en ópticas que suban del ƒ1.4 pero sí tiene una referencia. Hablamos del Panasonic Leica DC Nocticron 42,5 mm F/1.2 ASPH Power OIS, que como los anteriores es para el sistema Micro 4/3 y tiene un precio actual de 1.516,31 euros.

Objetivos de terceras marcas

Una vez hemos repasado la oferta de objetivos ultraluminosos de los fabricantes de cámaras, vamos a ver qué otras posibilidades tenemos si recurrimos a las third parties, ya sabéis esas empresas que desarrollan ópticas y otro tipo de accesorios para cámaras fotográficas.

Y aquí tenemos desde marcas que llevan mucho en el negocio y están especializadas, como algunos de esos fabricantes asiáticos que se han sumado al mercado en los últimos años, normalmente con precios rompedores. Por eso, quizá algunos de los modelos de los que vamos a hablar no sean fáciles de conseguir y haya que recurrir a la compra online.

En Xataka Foto

Las cinco distancias focales básicas: Cuáles son sus beneficios y cuándo es mejor usarlas

Sigma

Entre las que tienen una larguísima trayectoria haciendo objetivos para cámaras tenemos a Sigma, una marca que presentó hace poco el Sigma 35mm F1.2 DG DN Art, su primera lente que baja del ƒ1.4. Se trata de un objetivo para cámaras sin espejo con monturas E (Sony) y L (de Leica/ Panasonic/ Sigma) diseñada como un multiusos y que tiene un precio aproximado de 1.600 euros.

Samyang

Otra marca con bastante trayectoria fabricando objetivos es la coreana Samyang, aunque siempre se había destacado por ofrecer productos de bajo precio pero muy decentes, y desde hace unos tres años se destapó con su gama Premium de lentes manuales de alta resolución con la que quiere competir con objetivos de alta calidad de otras marcas.

Dentro de esta familia hay tres referencias que constituyen una triada ultraluminosa: el Samyang XP 35mm F1.2, el Samyang XP 50mm F1.2 EF y el Samyang XP 85mm F1.2, todos ellos en montura EF (réflex Canon). Su precio es variable, porque no son fáciles de conseguir, pero están alrededor de los 800 euros e incluso alguno, como el de 50 mm, se puede conseguir por menos de 500 euros.

Cosina-Voigtländer

Otra marca que tiene también bastante tradición como fabricante de objetivos es la japonesa Cosina, quien hace ya mucho que se adhirió al estándar Micro Cuatro Tercios y tiene unas cuantas lentes luminosas para esta montura bajo su marca Voigtländer (que aunque suene a alemana es japonesa). Entre su catálogo encontramos hasta cuatro referencias para Micro 4/3, los Nokton 10.5mm F0.95, Nokton 17,5mm F0.95, Nokton 25mm F0,95 y Nokton F0.95 42.5mm, objetivos que están entre los 800 y los 1.200 euros (aprox).

Voigtländer Nokon 50mm F1.2 Aspherical

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Las siete claves para elegir bien un segundo objetivo para tu cámara

Mitakon

Otra que tiene varios objetivos de alta luminosidad es Mitakon, un fabricante chino con unas montón de referencias, y en este caso para varias monturas: el Mitakon Speedmaster 25mm f/0.95, el Mitakon Speedmaster 35mm f/0.95, el Mitakon Speedmaster 42.5mm f/1.2, el Mitakon Speedmaster 50mm f/0.95 III (el más reciente de todos ellos), el Mitakon Speedmaster 85mm f/1.2.

Mitakon Speedmaster 50mm ƒ0.95 III

Están desarrollados para cámaras sin espejo y hay versiones con montura para cámaras Canon M, Fujifilm X, Micro 4/3 y Sony E. Todos ellos a la venta en su tienda Amazon USA (que hace envíos a España) con precios que van desde los 399 dólares del de 25mm en versión Micro 4/3, hasta unos 800 dólares que cuestan los más caros.

Oras marcas

Otras referencias que podemos citar son dos objetivos de distancia focal estándar a bajo precio: Por un lado el SLR Magic 50 mm f/1.1, para cámaras Sony E por menos de 500 euros, y por otro el Kamlan 50mm F1.1 II, una óptica para mirrorless con montura Canon M, Fuji X, Sony E y micro 4/3 a un precio casi irrisorio: unos 150 euros.

Kamlan 50mm F1.1 II

Y no nos resistimos a mencionar a una marca alemana como es Meyer-Optik-Görlitz (no todo van a ser asiáticos), quien presentó las ópticas Meyer Optik Nocturnus 50mm F0.95 DSLR (para réflex Canon EF, Nikon F, Pentax K y M42) y Meyer Optik Nocturnus 75mm F0.95 (para sin espejo Fuji X, Sony E y telemétricas Leica M). Sin embargo, las dificultades que ha tenido la empresa hacen que estos objetivos (de alto precio eso sí) no estén disponibles por el momento, aunque esperamos que lo hagan pronto.

Foto de Alexander Andrews

Y con esto hemos terminado nuestro repaso por las ópticas más luminosas que se pueden comprar actualmente. Por supuesto os invitamos a participar con vuestra sabiduría para completar la lista (por si se nos ha pasado alguno) y/o contarnos vuestra experiencia si utilizáis alguno de los nombrados o estáis pensando en adquirir alguno.

Foto de portada | Agence Olloweb

La fotografía es maravillosa. Ir con una cámara a un lugar espectacular y poder fotografiarlo es inolvidable. Pero muchas veces surgen problemas. Uno de los más graves es el excesivo contraste entre las luces y las sombras. Y muchas veces revelar semejante archivo puede ser una pesadilla. Hoy vamos a ver cómo podemos mejorar una imagen contrastada con las máscaras de luminosidad.

Os pongo en situación. En medio de un parque nacional nos encontramos en la carretera. Al fondo la niebla cubre las montañas y el sol. Como bien sabemos medimos en las luces de ese fondo, pero a cambio todo el primer plano se nos queda oscuro. La fotografía ya no sirve para nada. Podríamos hacer un bracketing pero íbamos con prisa y no teníamos trípode. Así que solo tenemos un disparo. Es una de las pesadillas recurrentes para los fotógrafos.

Pero con las nuevas versiones de Adobe Photoshop y sus motores de revelado las cosas han cambiado mucho. La fotografía del artículo la hice en 2008, hace ya diez años. Entonces me costó mucho conseguir algo pero hoy en día, con la técnica que vamos a ver, todo es mucho más sencillo y sobre todo va a quedar mucho mejor.

Imagen cruda

Todo parte de las máscaras de luminosidad. Con ellas podremos separar las luces de la sombras y a la vez que iluminamos las sombras y oscurecemos las luces no vamos a perder el contraste en cada una de las zonas. Este es el gran problema que teníamos antes y que ahora podemos solucionar sin demasiados quebraderos de cabeza.

Revelar fotografías con mucho contraste con las máscaras de luminosidad

Esta técnica la puedes encontrar en muchos de los tutoriales que circulan por internet a raíz de los paneles de máscaras de luminosidad de los que ya hemos hablado en otras ocasiones. Vamos a ver los pasos a seguir:

Todas las capas del proceso

1. Como siempre revelamos a fondo nuestra fotografía. Cuanto más moderno sea el motor de revelado de nuestro programa mejores resultados conseguiremos.
2. Abrimos la fotografía como objeto inteligente en Adobe Photoshop.
3. Desarrollamos la acción que tengamos de máscaras de luminosidad para empezar a trabajar con ellas. La idea es separar en dos capas de ajuste las luces de las sombras. Es verdad que lo podríamos hacer con Selección>Gama de colores pero es más sutil de esta forma. Pero no podemos trabajar como hacemos habitualmente. El secreto está en acudir a los modos de fusión.
4. Buscamos una máscara de luminosidad que abarque todas las luces de la fotografía. En el ejemplo he elegido Luces I. Así tengo todo el cielo y una pequeña parte de la tierra. En concreto la carretera. Esta máscara de luminosidad la convierto en una máscara de capa de una capa de ajuste de Curvas. ¿Y qué quiero hacer con ella? Oscurecer las luces. Por lo tanto elijo el modo de fusión Multiplicar.
5. Para no perder el contraste hago una curva en s pero en la zona de las luces.
6. Ahora tengo que elegir otra máscara de luminosidad para la zona de la tierra. Tengo varias opciones. Para evitar que seleccione algo del cielo me quedo, en la fotografía de ejemplo, con la que más tonos oscuros tenga sin casi ninguna luz. En este caso Sombras III.
7. Y hago lo mismo que en el paso anterior. La convierto en una máscara de capa de una capa de ajuste de Curvas en modo Trama, puesto que quiero aclarar la zona.
8. Por supuesto genero una curva en s (de contraste) pero esta vez en la zona de las sombras.

Y ya tengo la imagen solucionada. Solo le quedaría aumentar un poco la acutancia en ambas zonas, sobre todo en la tierra. En este caso, como estoy trabajando con objetos inteligentes puedo acudir al valor de Claridad de forma muy sencilla.

La famosa curva en s para sombras

1. Hago dos copias del objeto inteligente original mediante el comando Capa>Objetos inteligentes>Nuevo objeto inteligente mediante copia. Y los dejo donde están.
2. A uno de ellos le añado la misma máscara de luminosidad que he utilizado para trabajar las luces y al otro la de las sombras.
3. A ambos objetos inteligentes les subo Claridad en función de sus necesidades. En este caso he subido mucho más la de la tierra que la del cielo.

Como veis es una forma muy sencilla para conseguir un buen resultado y equilibrar el contraste de nuestras fotografías más extremas. Como siempre lo mejor es experimentar con nuestros disparos hasta encontrar el punto exacto sin caer en el pictorialismo.

En Xataka Foto| El mundo de la fotografía HDR: ¿Cómo, cuándo y por qué?

A estas alturas del partido todos deberíamos saber que el histograma es el mejor amigo que podemos tener para evaluar la exposición de una fotografía. Seguro que sabemos interpretar la mayoría de las formas que puede tomar dicho gráfico, pero hoy vamos a descubrir algunos aspectos que probablemente desconocemos del histograma.

La fotografía digital tiene un aliado perfecto: el histograma. Si sabemos dominarlo e interpretarlo, pocas veces tendremos problemas de exposición a la hora de disparar. Y lo que es más importante, también nos ayudará a controlar de principio a fin el desarrollo de nuestro revelado. Lo único que tenemos que hacer nosotros es conocer las señales para saber cómo actuar cuando lo vemos. Va a marcar la diferencia entre fotos perfectas desde el punto de vista técnico.

En Xataka Foto

Capture One Vs Adobe Camera RAW: enfrentamos a dos gigantes del tratamiento de fotografías en RAW. El revelado (IV)

Algunas de las curiosidades seguro que las domináis todos los lectores de este Xataka Foto, después de tantos años escribiendo sobre sus bondades, pero algunas solo serán reconocidas por los más expertos en la materia. Y espero que todos os llevéis al menos una idea nueva sobre el histograma.

Como siempre vamos a buscar una buena definición para saber exactamente de lo que estamos hablando. El histograma no es más que la representación gráfica de la frecuencia de aparición de unos valores determinados. Tiene múltiples aplicaciones. Si nos centramos en la fotografía, que es lo que ahora más nos interesa:

Un histograma fotográfico tiene un eje horizontal en el que se representan las luminosidades que van del negro al blanco y un eje vertical que muestra el número de píxeles en porcentaje con respecto al más repetido de todos.

Y ahora vamos a ver algunas de las cosas que podemos descubrir con solo mirar un histograma. Cuenta muchas más cosas de las que pensamos.

El histograma es un resumen

Como hemos señalado más arriba, el histograma representa en el eje horizontal las luminosidades que van del negro absoluto al blanco absoluto, pasando por toda una serie de grises. Pues si tuviéramos paciencia, contaríamos hasta 256 niveles de la zona más oscura a la más luminosa. Y solo sería fiel a la realidad si estuviéramos trabajando con un jpeg, que efectivamente tiene esos niveles.

Ahí está todo

¿Y si trabajamos con un RAW? Sabemos que no tiene tan pocos niveles. Son 16 bits de profundidad, y si los cálculos no nos fallan, suponen 65.536 niveles en total. No existe una pantalla en el mundo que sea capaz de representar tal cantidad de información, así que se optó por resumirlo a apenas 256 niveles del formato comprimido. Si quieres ver un histograma real de un archivo RAW, puedes hacerlo aquí.

En Xataka Foto

Siete fotos que todo aficionado debería hacer cuando empieza en fotografía

Siempre hay un histograma de entrada y otro de salida

Cuando hacemos una fotografía, el histograma tiene un aspecto. Como hemos visto, no es más que un resumen de toda la información que puede captar un RAW. Y no podemos olvidar que es una interpretación del archivo. Lo que vemos en la pantalla de la cámara es el histograma del archivo jpeg. Nunca de un archivo bruto. No nos podemos fiar ni de nuestra cámara.

Pero lo que no podemos olvidar es que cuando revelamos la imagen en cualquier editor de imágenes estamos creando uno nuevo con una distribución distinta de los valores de luminosidad. En algunos casos extremos hasta será totalmente distinto porque hemos querido evitar el contraste excesivo o ampliar el rango dinámico de la imagen. Es el histograma de salida.

Histograma de entrada

En mi caso, soy un firme defensor de exponer a la derecha. Mis fotos siempre parecen más luminosas de lo que son en realidad. Luego no tienen nada que ver después de analizar el histograma de entrada y convertirlo en el histograma de salida por las malas artes del revelado. Uno no justifica al otro. En el primero solo es importante la zona de las luces; y en el segundo hay que valorar desde las sombras más oscuras a los blancos más luminosos. Y nunca penséis que hay un único histograma ideal...

El histograma delata la dominante de color de la fotografía

Siempre digo en mis clases que, en una apuesta de bar, siempre puedes ganar si alguien te reta a descubrir cuál es la dominante de color de una fotografía. Y lo puedes descubrir con solo mirar la zona de las luces, el lado derecho.

Cuando veas el histograma de entrada en Adobe Camera RAW, fíjate siempre en el color que sobresale en el extremos derecho. Esa, y solo esa, será la dominante de color de la fotografía en cuestión. Y no hay duda alguna. Es así de sencillo. Aunque solo sea un punto de color en el eje X del histograma.

Veo tonos cálidos

Luego ya nos tocará corregir o ajustar dicha dominante con cualquiera de las herramientas que tenemos a nuestra disposición. La próxima vez haz la prueba y verás que es verdad. Así puede ser incluso más fácil, aunque estés trabajando con la pantalla de un portátil, solucionar dicho problema de forma manual, solo con los parámetros de Temperatura y Matiz.

En Xataka Foto

¿Qué espacio de color elegir en la cámara: Adobe RGB o sRGB?

La subexposición que vemos en el histograma puede ser realmente un problema de saturación

Este caso seguro que lo habéis vivido en muchas ocasiones. El histograma sube de forma vertiginosa en el eje Y en el valor 0. Ni cortos ni perezosos empezamos a manipular los parámetros Negro y Sombras... Y todo sigue igual. Esa barra no baja y si trabajamos con el Nivel de umbral siempre vemos esa zona marcada.

Esa es una de las señales para descubrir que realmente no estamos ante un problema de subexposición, sino de saturación. La última prueba que hay que hacer es cambiar el Espacio de color (si estamos trabajando en Adobe Camera RAW) en Opciones de flujo de trabajo. Si pasamos de Adobe RGB a Prophoto y dicho problema desaparece es que el histograma nos está diciendo otra cosa.

En Lightroom también se puede hacer

El espacio de color influye y mucho en la exposición, por la distinta capacidad de representar los colores. Y si el nivel 0 del histograma sube mucho, es porque hay un color que no puede representar. Y la solución es muy sencilla. No hay que cambiar dicho espacio, sino bajar la Saturación de dicho color con la ayuda de la herramienta Ajuste de destino en la pestaña HSL. Con desaturar ese color que tantos quebraderos de cabeza nos da, lograremos que se ajuste dentro del espacio que tenemos por defecto. Y de paso no dejaremos a la imagen plana sin sombras.

Espero que estas curiosidades os sean útiles y podáis sacarle provecho en vuestros futuros trabajos. ¿Conocéis alguna curiosidad más que queráis compartir con todos los lectores? El histograma, como veis, es algo fundamental para la fotografía digital.