De entre todos los eventos astronómicos del año sin duda uno recurrente son las "lágrimas de San Lorenzo" o Perseidas, la lluvia de estrellas más importante del año. Pero es que además se da la circunstancia de que este año el pico de la lluvia de meteoritos, la madrugada del 11 al 12 de agosto (entre el miércoles y el jueves) coincidirá con luna nueva, con lo que el cielo estará más oscuro que de costumbre.

Esto (que no se repetirá hasta el año 2026) permitirá que disfrutemos del fenómeno con mayor intensidad. Así que, ya sea porque eres aficionado a la fotografía astronómica o porque quieres iniciarte, sin duda vamos a tener una gran oportunidad para capturarlo con nuestras cámaras siguiendo los consejos que os vamos a dar.

Foto de Vincentiu Solomon

¿Qué son las Perseidas?

Pero antes, vamos a repasar qué son las "lágrimas de San Lorenzo" o Perseidas. Tal y como han contado los compañeros de Xataka, se trata de un fenómeno que la propia NASA califica como la mejor lluvia de estrellas del año. "Un espectáculo celeste con meteoros 'brillantes y muy rápidos' que iluminan el cielo y son muy fáciles de ver".

El origen de esta lluvia de meteoros está en el cometa 109P/Swift-Tuttle, descubierto en 1862 y que gira alrededor del Sol; las "estrellas fugaces" que provocan no son sino cientos de partículas de polvo espacial que se desprenden de su estela y atraviesan nuestra atmósfera desintegrándose a gran velocidad.

El nombre de "Perseidas" proviene de que el punto radiante desde el que parecen converger se encuentra cercano a la constelación de Perseo. Por su parte, el de "lágrimas de San Lorenzo" viene de que su cenit coincide en el santoral con el día de San Lorenzo, que es el 10 de agosto; un santo que fue martirizado en la hoguera y cuyas lágrimas, según cuenta la leyenda, se aprecian en el cielo el día de su martirio.

En Xataka Foto

Cómo realizar fotografías circumpolares

¿Cuándo verlas?

Aunque el fenómeno se produce desde el 17 de julio hasta el 24 de agosto, como hemos dicho el mejor momento para verlas (y fotografiarlas) es esta semana, en la que se aprecia una mayor cadencia de meteoros con entre 50 y 100 cada hora, según la NASA. Pueden verse desde todas las partes del planeta (aunque en el hemisferio norte se apreciarán mejor) y se producen tanto de día como de noche pero, como es lógico, sólo suelen verse durante la noche y siempre dependiendo de las condiciones metereológicas, la visibilidad y la presencia de nubes.

Por tanto, cualquiera de las próximas noches es buen momento, aunque deberíamos estar al tanto de las previsiones para saber si habrá una noche despejada. Como hemos adelantado, va a coincidir con que la luna estará en la fase en la que ilumina menos, con lo que tendremos un cielo más oscuro que lo habitual. En este sentido, quizá lo más importante será buscar un buen lugar para ver el fenómeno, en un lugar elevado y lo más alejado posible de la contaminación lumínica que provocan las ciudades.

Una vez tenemos el lugar adecuado, es recomendable buscar en el cielo la citada constelación de Perseo, que se encuentra mirando hacia el norte. Para localizarla fácilmente, buscaremos la estrella polar y encontraremos la constelación (que tiene forma de una silueta humana con el brazo extendido) hacia su derecha.

¿Cómo capturarlas?

Hablamos de un tipo de fotografía que se encuadra en la larga exposición, por lo que los consejos que os vamos a dar no difieren mucho de lo que podemos ver para capturar otros fenómenos como los fuegos artificiales. En cualquier caso, vamos a repasarlos viendo los puntos más importantes:

El equipo

En principio no es algo que requiera de un equipo muy especializado, aunque sí hay algunos requisitos importantes. Lo primero es una cámara que tenga modo Bulb para realizar largas exposiciones y un objetivo angular que cubra buena parte del cielo y, a ser posible, sea luminoso. Valdría por tanto con muchos tipos de cámara, aunque desde luego lo más recomendado es una de formato completo con un angular de 12 mm (si fuera posible) y un buen trípode.

Porque sí, aquí éste no es un accesorio recomendable sino imprescindible; bueno junto con algún tipo de disparador remoto (puede ser el mismo móvil). También podemos aprovechar el intervalómetro y decirle a la cámara que cada dos minutos haga una foto, así no tendremos que estar tan pendiente de ella y disfrutaremos de la lluvia de estrellas.

En Xataka Foto

La Regla del 500 en fotografía astronómica: qué es y cómo se aplica

El lugar

Ya lo hemos dicho, es importante elegir bien el sitio para huir de la contaminación lumínica, pero también porque si en el encuadre incluimos algún elemento de interés más allá del cielo podemos conseguir una composición más interesante. Por lo demás, es muy importante asentar bien el trípode y usarlo de forma correcta, y disparar sin tocar la cámara lo más mínimo.

La técnica

Una vez montada la cámara en el trípode y elegido el encuadre, enfocaremos a infinito y nos acordaremos de desactivar el estabilizador de cámara u objetivo si es que lo tiene. En cuanto a las variables del triángulo de exposición, lo más recomendable es poner la sensibilidad al mínimo (normalmente 100 ISO) y el diafragma en su punto dulce (el que ofrece mayor calidad).

¿Y la velocidad? Pues dependerá de muchos factores, pero dado que queremos capturar un fenómeno cuyo ritmo es pausado (ya decimos, pueden caer entre 50 y 100 cada hora) deberíamos partir de unos 20-30 segundos y en adelante. En este tipo de tomas más que nunca entramos en el terreno de la improvisación, así que lo mejor es ir probando y ver qué resultados conseguimos.

Esperamos, como siempre, que estos consejos os sean útiles y os animen a tratar de conseguir una buena foto de las "lágrimas de San Lorenzo" o lluvia de Perseidas, aunque lo más importante casi es que disfrutéis del espectáculo y de una bonita noche de verano.

Foto de portada | Phil Botha

A menudo os recordamos que nuestro buzón está siempre abierto para recibir popuestas y sugerencias, y de vez en cuando recibimos algunas tan curiosas como la de Santiago Olay (alias "Santiago el Marino"), un marino mercante aficionado a la fotografía que se encuentra embarcado (y sin relevo a la vista por culpa de la cuarentena), y se dedica a hacer fotos de la Vía Láctea y la bioluminiscencia desde el barco para llevar mejor sus días.

Santiago trabaja de primer oficial en un buque de transporte de mercancías que se encuentra actualmente en el mar. Normalmente su periplo a bordo dura unos 75 días pero “esta campaña me tocó embarcar justo un par días antes de que el COVID-19 se convirtiera en algo tan grave en España que hubiese que decretar el confinamiento”.

Por ello, no sabe cuándo podrá desembarcar aunque, según nos cuenta, “lo peor no es tener que hacer una campaña más larga de lo normal, que viendo la que está cayendo por el mundo pues tampoco nos vamos a quejar, nos toca arrimar el hombro y cumplir con nuestra parte. Lo realmente malo es saber que si mientras estamos embarcados ahora mismo, le pasara cualquier cosa a nuestras familias en casa, no sabemos cuando podríamos volver para estar con los nuestros”.

En Xataka Foto

“Con paciencia y pasión se logran resultados sorprendentes”, Jorgelina Álvarez, astrofotógrafa (que estuvo un año en la Antártida)

Claro que Santiago cuenta con la fotografía para llevar mejor los días embarcado. Siempre fue aficionado y empezó a hacer fotos en los barcos con una réflex de película y compactas digitales. Pero desde hace un par de años dio el salto a una DSLR (una Nikon D750) “sobre todo porque me interesaba la capacidad de fotografiar en condiciones de muy poca luz”.

“Empecé a compartir una foto todos los días en Twitter y por WhatsApp para animar un poco a la familia y amigos que ahora tenían que estar encerrados en casa. Como la reacción era positiva, me animé a ponerlas también en Instagram”.

“Intento capturar las cosas que a la gente le llamen más la atención, como la Vía Láctea o la bioluminiscencia, que en ciertas ocasiones puede llegar a ser un fenómeno francamente impresionante […] también dar a conocer un poco cómo es la vida de los marinos a bordo que es algo muy desconocido y rodeado de un montón de leyendas y estereotipos centenarios”.

Como os podéis imaginar, hacer fotos en un barco y con poca luz es todo un reto que Santiago ha ido superando a base de ensayo y error. “El método al que he llegado (al menos de momento) es el siguiente: Ajusto el ISO de la cámara al máximo nativo, que en este caso es 12.800, abro del todo el diafragma, en mi caso ƒ1.4 o ƒ 1.8 dependiendo de la lente, y empiezo con una velocidad de obturación de tres segundos”.

“Con enfoque siempre en manual —continúa—, enciendo la pantalla trasera y hago zoom en alguna estrella para intentar enfocar lo mejor posible, y una vez listo el enfoque vuelvo al visor óptico. Intento componer lo mejor posible usando el visor o si la cámara está en una posición extraña hago una foto de prueba, la reviso y muevo la cámara si no me convence el resultado, hasta que me guste”.

Los objetivos que lleva a bordo son un Samyang 24mm f1.4 (el que más usa para las capturas nocturnas), un Tamron SP 35mm f1.8 y un Nikkor AF-D 50mm f1.8. Pero su idea es “añadir próximamente alguno entre 12-15 mm”. Y para mitigar al máximo los movimientos del barco utiliza un trípode de sobremesa Cullmann Magnesit Copter “que es el único pequeño que he encontrado que aguante bien la cámara”.

Sobre el momento del disparo nos cuenta que “al principio solía poner el intervalómetro y dejar la cámara sacando fotos, pero la vibración era un problema, así que ahora lo que hago es dispararlas yo a mano mientras sujeto la cámara y el trípode uno con cada mano para amortiguar las vibraciones todo lo posible”.

“Más complicado —continua— es lidiar con los movimientos de cabeceo, balances y guiñadas del barco. Lo que suelo hacer es básicamente esperar a los días que hay buen tiempo, ajustar la duración de la exposición dependiendo de lo que se mueva el barco y hacer decenas y decenas de fotos”.

“Luego las paso al ordenador para poderlas ver con comodidad al 100% y voy cribando poco a poco hasta que me quedo con la mejor de cada composición. A veces son unas pocas, pero otras veces no me quedo con ninguna, pero aun así disfruto del proceso y es tan fácil como volver a intentarlo otro día”.

Sin duda un proceso complejo en el que también entran en juego otros factores: “tengo que tener en cuenta que los barcos en los que navego transportan mercancías peligrosas, así que me tengo que mantener fuera de las zonas peligrosas, en las que solo se pueden utilizar equipos electrónicos intrínsecamente seguros. De todos modos llevo un detector portátil de gases por si acaso”.

En Xataka Foto

Consejos para fotografiar lo increíble: una aurora boreal, un arcoíris blanco o un espectro de Broken

Gracias a la fotografía, Santiago lleva mucho mejor estar lejos de la familia, sobre todo en una situación como la actual: “Al final de lo que más estoy disfrutando es de la reacción de la gente, lo que me van comentando muchas veces como válvula de escape de todo esto, e igual por mi parte, que de momento estamos literalmente encerrados en los barcos sin posibilidad de relevos en el horizonte próximo, mientras se espera de nosotros que sigamos entregando las mercancías con puntualidad”.

“También me sirve —concluye— como incentivo para intentar sacar adelante una imagen bonita cada día, y así sobre la marcha voy aprendiendo cada día un poco más. Además si sirve para que la gente se anime y saque la cámara de la bolsa y empiece a tomar fotos y experimentar ¡pues tanto mejor!”

Estamos totalmente de acuerdo con Santiago y le agradecemos mucho que nos haya contado su historia y compartido sus fotos. ¡Mucha suerte y ánimo!

Santiago El Marino | Instagram | Twitter

Fotografías de Santiago Olay reproducidas con permiso del autor para este artículo

Las exposiciones largas y la luz son una mezcla muy llamativa que nos permite comprimir el tiempo en una escena. Desde el uso del fuego a retos físicos nos han deslumbrado en el uso de la técnica del light painting. Y un nuevo proyecto se suma a este estilo fotográfico en un corto vídeo tipo stop-motion: ‘She Lights the Night’.

Este corto animado realizado por el fotógrafo Darren Pearson es una muestra maravillosa de la técnica fotográfica y artística. El fotógrafo ha realizado 1012 exposiciones para la elaboración del vídeo. Si se analizan los elementos en toma, se puede inferir que cada una se obturó entre uno y tres minutos de exposición, dando un aproximado de casi 33 horas de trabajo solo en la captura. Aunque no se menciona los elementos utilizados, se puede intuir el uso de flashes de mano, gelatinas de color y, como muestra en un video anterior, un lápiz de luz.

En Xataka Foto

‘Climbing Inspire’, Luke Rasmussen combina la fotografía de larga exposición con la escalada para crear unas llamativas imágenes

Esta mezcla del stop-motion y el light-painting es de por sí muy complicada. No solo hay que tener muy claro el espacio y la posición de las fuentes respecto al ángulo de visión de la cámara, sino que tanto modelo y fotógrafo deben tener mucha paciencia y coordinación para que el movimiento sea fluido; incluso en un corto que corre a aproximadamente diez cuadros por segundo.

Como reporta DIYPhotography, el video incluye algunas escenas repetidas y bucles de movimiento; lo que puede hacer el trabajo un poco más corto. El vídeo de Pearson juega con el ritmo y cuenta con una factura visualmente atractiva (además de un esqueleto bailarín). Sin duda alguna, un corto llamativo para analizar técnicas y entretenerse un rato.

Está claro que la fotografía de larga exposición es una técnica que permite mil y una posibilidades, como por ejemplo el ligh-painting. Pero recrear una escalada en roca ilustrando el camino a través de luces led de colores, como hace Luke Rasmussen en su serie ‘Climbing Inspire’, es algo de lo más curioso y original.

El propio autor denomina sus imágenes como “experimentos de fotografía de larga exposición”, y nos cuenta que la escalada estuvo siempre presente en su vida al haberse criado en Utah (EE.UU), al lado de las montañas del Colorado. Sin embargo, lejos de lo que podríamos pensar, de niño era el típico nerd incapaz de escalar nada. Pero un día, cuando por fin logró subir a su primera pared (artificial), su padre le ayudó a perfeccionar su técnica y se aficionó tanto que lleva 16 años subiéndose a todo tipo de rocas, incluidas algunas de extrema dificultad.

En cuanto a la fotografía, su idea es tratar de capturar el tiempo congelándolo en un instante: “Una foto es una instantánea del momento, pero no una instantánea del tiempo —nos cuenta— El tiempo es esa acumulación de momentos, agregando a cada momento pasado, presente y futuro. La fotografía tradicional no nos permite captar eso. Mi fotografía es un intento de hacerlo. Es un intento, de alguna manera, de capturar el paso del tiempo y congelarlo en un solo momento”.

En Xataka Foto

La Regla del 500 en fotografía astronómica. Qué es y cómo se aplica

Por tanto, sus fotos son “una oportunidad de reflexionar sobre el paso del tiempo” para lo cual realiza un elaborado proceso. Lo primero, según nos cuenta, es configurar la cámara (una Sony A7 R II) y hacer un par de tomas de prueba para elegir determinar la mejor composición. Luego conecta la cámara al smartphone que utiliza como disparador remoto (salvo que haya alguien en tierra que le ayude).

Normalmente dispara en modo B de manera que abre el obturador cuando empieza a subir y lo cierra cuando llega a la parte superior; Claro que eso sólo es en escaladas cortas, de unos diez minutos o menos. Si es una subida larga, entonces configura la cámara para hacer series de fotos de 30 segundos de exposición que, más tarde, combina en Photoshop.

En cuanto a los LED, Luke nos cuenta que son programables y tienen un control remoto que permite diferentes modos de uso. “Por lo general los configuro para que cambien de color automáticamente cada dos segundos aproximadamente, pero depende de lo alto que sea el ascenso y a qué velocidad pueda escalarlo”. En rutas más largas, escala con el control remoto en su bolsillo para poder cambiar el color manualmente cuando llega a ciertos lugares marcados en la ruta.

“Las luces (que funcionan con una batería que lleva en su mochila de cintura) están pegadas con cinta adhesiva a mi torso y se extienden por el lado izquierdo de mi espalda, arriba y abajo de mi brazo izquierdo, a través de mis hombros, arriba y abajo de mi brazo derecho, por el lado derecho de mi espalda y dando una vuelta a mi cintura”.

Una elaborada técnica con la que consigue imágenes tan espectaculares como las que estáis viendo, en las que, por aquello de las largas exposiciones, se añaden efectos como rastros de estrellas o fotos circumpolares.

Su próximo reto es conseguir una buena fotografía de algunas rutas más largas (más de 100 pies), más interesantes para él como escalador y, en algunos casos, con significado personal para Luke. Pero para ello aún necesita resolver ciertos problemas logísticos, tanto a nivel escalada como fotografía, porque esas rutas necesitan muchas horas, puede que un día entero. Sin duda estamos seguros de que lo conseguirá y, por supuesto, le deseamos mucha suerte.

Luke Rasmussen | Página web | Instagram

Fotografías de Luke Rasmussen reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hemos hablado mil veces de la ansiada nitidez, una característica que solemos asociar con una buena fotografía. Por supuesto, si hablamos de ámbitos como el paisaje, la nitidez es muy importante, pero en muchos otros no lo es tanto. De hecho, una foto trepidada o con un desenfoque producido por el movimiento también puede ser una gran idea, como vamos a ver a continuación.

Conseguirlo es sencillo en teoría, porque simplemente basta con usar una velocidad de obturación lenta. Pero ni todas las situaciones son iguales, ni es lo mismo exponer 1/15 segundos que hacerlo durante minutos, ni consecuentemente obtendremos los mismos resultados. De hecho, desde el momento en que elegimos disparar a estas velocidades entra en juego el factor incertidumbre.

Foto de Ahmad Odeh

Básicamente porque nunca podemos saber qué resultado vamos a obtener y, además, siempre será distinto a lo anterior. Por ello, estas técnicas tienen mucho de experimentación (la práctica y la repetición son fundamentales) y de creatividad. Así que vamos a ver distintos modos de jugar con la trepidación y el motion blur (desenfoque producido por el movimiento).

En Xataka Foto

Consejos prácticos para empezar a hacer fotos de larga exposición diurna

Cuando es la cámara la que se mueve

Como sabemos, la trepidación en fotografía se puede producir por dos motivos: Que lo que aparece en el encuadre se mueva durante la exposición o que la propia cámara sea la que se desplaza (de algún modo) produciendo dicho efecto. Esto último puede ser accidental (en cuyo caso no tiene nada de creativo) o producido ex profeso en busca de un efecto creativo concreto.

Foto de Holger Link

Dependiendo de lo que queramos conseguir podemos hacerlo en diversos grados, desde una leve trepidación (producida por una velocidad ligeramente menor de la que sería necesaria) que produzca un efecto poco perceptible, hasta un efecto muy potente cuyo resultado entre de lleno en el terreno de la foto abstracta.

Esto se consigue con exposiciones largas (desde 1/10 seg en adelante) y moviendo la cámara de forma aleatoria o, mejor, en alguna dirección que pueda potenciar las formas que haya en la escena. Para que sea totalmente abstracta es necesario que la cámara esté en movimiento durante toda la exposición, porque si no seguramente habrá algunas zonas o elementos que conserven cierta nitidez. Por supuesto, los resultados son muy aleatorios, más cuanto mayor sea la exposición y más movamos la cámara.

Barridos de movimiento

El anterior efecto se consigue con un movimiento “arbitrario” (por llamarlo de algún modo) que realizamos con la cámara y de forma independiente a la acción que haya en el encuadre, pero ¿qué sucede si en la escena también hay movimiento? Pues, lógicamente, en ese caso la trepidación final puede multiplicarse al sumarse dos movimientos, pero también hay una forma creativa de contrarrestarlo.

Foto de Timon Studler

Se trata del barrido, una técnica que seguramente conocerás que consiste en seguir con la cámara el movimiento de un sujeto que se desplaza delante de ella en perpendicular El resultado, si está bien logrado, es que podemos llegar a obtener una imagen con el sujeto que se mueve muy definido sobre un fondo totalmente borroso, lo que suele resultar muy espectacular.

La técnica para lograrlo ya la explicamos, pero os resumimos: Se trata de seguir al sujeto con la cámara haciendo una panorámica (es decir, moviéndola sobre su eje) y usando una velocidad de obturación a partir de 1/30 segundos que permita captar una parte del movimiento. Este dato es, como siempre, una referencia, pero en este caso lo es aún más dado que depende mucho de la velocidad a la que se mueva el sujeto a captar.

En Xataka Foto

La Ley de Reciprocidad. Qué es y cómo la aplicamos al hacer fotografías

Otra opción similar al barrido, tanto en resultados como en técnica, es el zooming, que consiste en mover el anillo del zoom durante la exposición de manera que cambie el encuadre y la perspectiva. No se trata, por tanto, de mover la cámara pero sí el objetivo que, como es evidente, tiene que ser de distancia focal variable.

Foto de Teeejayy

Por otro lado, como en el caso anterior, para lograr un efecto completo es necesario que el zoom esté en constante movimiento durante toda la exposición. Esta, de nuevo, podemos fijarla como norma general alrededor de 1/10 segundos, aunque como en todos los casos se trata de ir probando a ver qué sale.

Porque los resultados pueden ser muy aleatorios, aunque si lo hacemos bien obtendremos una imagen muy llamativa que parece difuminarse partiendo de un punto central relativamente nítido, lo que también suele producir sensación de profundidad. Con escenas de gran colorido puede ofrecer resultados muy vistosos, aunque es un efecto del que conviene no abusar porque es muy poco realista.

Movimiento dentro de la foto

Y si en las técnicas anteriores hemos dicho que es la cámara la que se mueve (bueno, en el caso del zooming no en sentido estricto), en las siguientes de las que vamos a hablar la trepidación se produce por un movimiento dentro de la imagen. Es decir, porque algo se mueve en el encuadre y, por tanto, el efecto se puede conseguir incluso aunque la cámara esté montada en un trípode (y no se mueva lo más mínimo).

Foto de Hybrid

Una vez más la clave está en usar una velocidad de obturación relativamente baja, pero por supuesto no vamos a hablar del caso en que esto se produzca de forma casual (porque estemos usando una velocidad inadecuada para detener el movimiento que se produce en la escena), sino de realizarlo intencionadamente con unos fines.

Como en el caso de las fotos en las que lo que se mueve es la cámara, dependiendo de cuan larga sea la exposición conseguiremos unos efectos más o menos acusados, desde una leve trepidación en los sujetos que se mueven combinado con una escena perfectamente nítida, hasta unos efectos muy pronunciados que entran dentro de lo que es fotografía de larga exposición.

Foto de Kieren Andrews

En el primer supuesto, incluyendo algo de movimiento, podemos obtener una imagen con un claro efecto de dinamismo (ideal por ejemplo en foto deportiva). De nuevo, los resultados son difíciles de predecir y dependen de la situación, pero a partir de 1/60 o 1/30 segundos podemos conseguir el efecto. La práctica de nuevo es la mejor receta, y aunque seguro obtendremos muchas imágenes fallidas, cuando funcione los resultados pueden ser impresionantes.

En Xataka Foto

Seis pasos a dar para conseguir una buena toma en fotografía de larga exposición

Usando velocidades de obturación un poco más largas, tenemos un amplio abanico de posibilidades. Por ejemplo captar escenas donde haya muchos sujetos en movimiento y que aparezcan borrosos sobre un fondo interesante que sea reconocible o destaque. También de hacer esto mismo pero con un sujeto principal estático; Es decir, hacer que alguien permanezca estático dentro de una escena en la que haya mucho movimiento. Como veis, las posibilidades son de nuevo muchísimas y el límite sólo está en nuestra propia creatividad.

Foto de Mario Calvo

Efecto seda y otros

En el caso más extremo, hablamos de conseguir cosas como el efecto seda, que seguro habrás visto mil veces en fotos de ríos y cascadas, y que consiste en difuminar el movimiento del agua (aunque también se hace con las nubes) gracias al uso de una larga exposición.

Foto de Adrien Ledoux

La velocidad a usar, una vez más, depende mucho de la situación, porque no es lo mismo retratar un cascada en la que el agua caiga rápido (en cuyo caso podría bastar una velocidad sobre 1/15 seg) que la orilla del mar un día de calma, donde conseguir el efecto podría necesitar un par de segundos o más. Sea como fuere, los resultados (si se hace correctamente) suelen ser muy llamativos.

Además del efecto seda, seguramente ya sabrás que hay muchas otras opciones que, relacionadas con la larga exposición, producen borrosidad en la imagen. Hablamos de cosas como las estelas de luz, los fuegos artificiales o, incluso, el lightpainting y las fotografías circumpolares, todas ellas prácticas muy recomendables.

Foto de Martin Adams

Todas son un campo abierto para probar y experimentar. Justo lo que mejor define este tipo de imágenes en las que la trepidación o el desenfoque de movimiento no sólo no son un defecto (por falta de nitidez), sino que pueden ser muy atractivas y hasta convertirse en la clave de una buena imagen.

Foto de portada | 'Por la puerta de Alcalá' de Óscar Condés

Seguro que ya sabes que en fotografía hay todo tipo de reglas y normas (la más conocida, la Regla de los Tercios) pero quizá nunca hayas oído hablar de la Regla del 500, una norma pensada para hacer un poco más sencilla la tarea de fotografiar estrellas y conseguir que no aparezcan los temidos rastros (conocidos como startrails) que se producen debido al movimiento de la Tierra.

Foto de Chris Leggat

Como bien sabemos, la Tierra está en continuo movimiento rotatorio alrededor del Sol y, por tanto, si queremos que las estrellas aparezcan en la foto como puntos (la forma más “natural”), debemos hacerlas en un determinado espacio de tiempo para que no salgan movidas. Sin embargo, como también debes saber, este tipo de imágenes se consiguen utilizando largas exposiciones.

Luego, ¿cómo saber cuánto tiempo de exposición podemos utilizar sin que empiecen a aparecer los rastros de estrellas? En principio, podemos decir que no deberíamos superar los 30 segundos de exposición. Sin embargo, la Regla del 500 nos ayuda a establecer de manera más definida el tiempo que podemos tener abierto el obturador.

En Xataka Foto

“Con paciencia y pasión se logran resultados sorprendentes”, Jorgelina Álvarez, astrofotógrafa (que estuvo un año en la Antártida)

¿Cómo? Es sencillo. La Regla del 500 dice que, simplemente, tenemos que dividir esa cifra (500) entre la focal que estemos utilizando para obtener la cifra de segundos que podemos exponer evitando los rastros de estrellas. Es decir, si por ejemplo estamos disparando a 28mm, dividimos 500 entre 28 y el resultado es 17,86, que serán los segundos que podemos tener abierto el obturador.

Foto de Thomas Ciszewski

Si en vez de un angular hemos elegido un tele de, por ejemplo, 80mm, la cuenta será 500/80=6,25 segundos y así con todos las distancias focales que podamos usar. Eso sí, importante, hay que utilizar la focal equivalente a 35 mm, con lo que si nuestro sensor no es de tamaño full frame tendremos que multiplicar la focal por el factor de recorte correspondiente. A continuación, una relación orientativa de cifras en las que podemos movernos:

Como podéis comprobar, cuando más larga sea la focal que usemos, menos margen de maniobra tendremos para la foto. Por otro lado, si decimos que es orientativa es, precisamente, porque como toda regla ni es perfecta ni debemos aplicarla de forma estricta (ya sabéis, las reglas hay que conocerlas para saber romperlas). De hecho, esta norma que fue muy útil en los tiempos de la fotografía química, ahora ha quedado bastante olvidada gracias a aplicaciones móviles que nos ayudan a calcularlo fácilmente.

Foto de Eric Fleming

Hablamos, como ya habréis podido imaginar, de aplicaciones como la conocida Photopills, que (entre otras funciones) también nos ayuda a determinar el tiempo de exposición máximo que podemos realizar para evitar (o conseguir) las startrails. Sin embargo, nos parecía interesante que conocieseis la Regla de los 500 por si preferís hacerlo “al estilo antiguo” u os encontráis en una situación en la que (por lo que sea) no podéis echar mano del móvil.

Cómo hacer fotos de estrellas

De la Regla del 500 ya habíamos hablado en algunas ocasiones, siempre en casos relacionados con la fotografía de estrellas, así que nos parece buena idea ofreceros unos consejos para iniciaros en este tipo de tomas.

Foto de Ramón Portellano

Por cierto que ya no estamos hablando de evitar los rastros de estrellas, porque al captarlas también podemos optar por potenciar el movimiento tratando de crear por ejemplo una de esas espectaculares fotografías circumpolares como la de arriba. En ese artículo ya explicamos la técnica básica para fotografiar estrellas (adaptado al caso concreto), pero la vamos a refrescar para que lo tengáis presente.

Lo primero hablar del equipo necesario, que comenzaría, evidentemente con la cámara. En principio no hace falta ninguna especial, sólo una que permita hacer largas exposiciones. Eso sí, cuanto más grande sea su sensor menos expuesto estaremos a sufrir ruido en la imagen. En cuanto al objetivo, por lo que hemos contado sobre la Regla del 500 está claro que lo ideal es usar un gran angular (aunque dependerá del encuadre concreto que queramos conseguir), y también es interesante que sea luminoso y ofrezca buena calidad óptica.

Foto de eberhard grossgasteiger

En cuanto a los accesorios, lo primero es contar con un trípode que sea lo suficientemente estable. De esta manera, y usado con cabeza, conseguiremos que la cámara no se mueva en absoluto. Para ello, hay que asegurarse también de disparar sin producir vibraciones con nuestra mano, para lo cual podemos recurrir a varias posibilidades: Usando un disparador remoto (ya sea de cable o inalámbrico), el disparo retardado de la cámara o una app conectada a ella. Por cierto, si tenemos estabilizador en el cuerpo o los objetivos, hay que desconectarlo.

Aparte de esto, debemos saber que en este tipo de tomas se suele consumir mucha energía, por lo que son importantes las baterías de repuesto, idealmente un grip que pueda contener más baterías para no tener que tocar la cámara una vez esté instalada en el trípode.

En Xataka Foto

Mi primera vez con la Vía Láctea

Sobre el terreno

Ya tenemos el equipo necesario y llega el momento de hablar del siguiente paso: Elegir el lugar más adecuado y componer la foto. Por supuesto, no vale cualquier lugar, sobre todo porque hay que buscar que el cielo esté lo más libre posible de contaminación lumínica. Para ello, hay que elegir sitios alejados de cualquier foco de luz, generalmente lejos de las ciudades. En cuanto a la orientación, dependerá del hemisferio en que nos encontremos y de lo que queramos captar en concreto (lo mejor, de nuevo, recurrir a las aplicaciones móviles).

Foto de Jeremy Thomas

También debemos huir de la luz que aporta la luna (de nuevo vía app o, simplemente mirando el calendario lunar) y por supuesto no haría falta decir que debemos elegir una noche despejada y, preferentemente, que no sea invierno, dado que el frío y la humedad pueden ser un problema (para nosotros y nuestra cámara).

A la hora de componer la foto, nos ayudará un trabajo previo de planificación sobre el terreno que hayamos elegido y la idea que queremos plasmar. Por ejemplo, conviene usar lugares que tengan algún interés añadido (como montañas, árboles, casas, castillos...), ya que incluyendo algo interesante en el encuadre podemos enriquecer nuestras fotos más allá de lo que haya en el cielo.

Foto de Yesiamsebi

Decidido todo esto, llega el momento más técnico que comenzará con el enfoque, proceso para el cual recomendamos usar el modo manual por las dificultades de hacerlo en entornos muy poco iluminados. A continuación, habrá que decidir la exposición que, como ya adelantamos, se basará en una larga exposición.

Si queremos captar las estrellas como puntos podremos recurrir a lo dicho sobre las Regla del 500, ajustar la velocidad de obturación a la cifra que nos haya dado según la distancia focal que vayamos a usar. En cuanto a las otras dos variables del triángulo de exposición, lo ideal es ajustar el ISO al mínimo para evitar el ruido y poner el diafragma en su punto dulce, es decir el valor en el que nos ofrecerá el mejor rendimiento.

Foto de Kyle Goetsch

Por supuesto esto será si con la velocidad elegida el fotómetro nos dice que la exposición es correcta. Si no es así, jugaremos con las distintas aperturas e incluso subiremos la sensibilidad (de acuerdo a la Ley de Reciprocidad), siempre procurando no subirlo a un nivel que haga multiplicarse el ruido de la imagen y siempre utilizando el formato RAW para posibles correcciones posteriores.

De todos modos, esta disciplina es una de esas en las que es bastante importante la experimentación y el método de ensayo y error. De hecho, al realizar una exposición tan prolongada como podrían ser 30 segundos estamos expuestos a que el calentamiento del sensor produzca mucho ruido adicional en la foto, por lo que es interesante saber con antelación hasta qué punto nuestra cámara soporta este problema.

Foto de photo-nic.co.uk nic

Y básicamente esta es la técnica para fotografiar estrellas, una disciplina muy interesante en la que entra en juego la pericia y los conocimientos del fotógrafo. Eso sí, gracias a nuestros consejos, y cosas como La Regla del 500, la tarea es un poco más sencilla ¿no os parece?

Foto de portada | Greg Rakozy

Se trata de un tema del que hemos comentado en varias ocasiones pero no deja de tener interés, sobre todo para los que quieran iniciarse. Para ellos, y para todos los que busquen mejorar sus tomas, vamos a explicar los seis puntos esenciales a considerar para lograr buenas fotografías de larga exposición.

Foto de Tom Rogers

Porque no cabe duda que una exposición prolongada puede convertir una toma anodina y sin movimiento en algo mucho más dinámico y atractivo. Y aunque eso se logra con algo tan simple (en principio) como dejar abierto el obturador durante bastante tiempo, los resultados pueden no ser lo esperado si no se sabe realizar. Por ello, nos proponemos mostraros cuáles son los aspectos específicos que hay que cuidar para que una toma de larga exposición funcione. Así que vamos a ello.

En Xataka Foto

Estas son las espectaculares fotografías ganadoras del certamen de naturaleza Wildlife Photographer of the Year 2019

1. Elegir una ubicación adecuada

Lo primero, antes de pensar siquiera en disparar, es planificar la fotografía que queremos hacer. Desde el tipo de toma que vamos a hacer (paisaje, urbana...), hasta el lugar concreto que pensamos sea mejor para ello. Y por supuesto es importante pensar de qué manera queremos que el movimiento influya en la imagen final.

Foto de Thanos Pal

Porque este tipo de fotos se basan en capturar y traducir el movimiento dentro de la imagen, y por eso tenemos que pararnos un momento a imaginar cómo se verá la escena, qué partes quedarán estáticas y cuáles aportarán la fluidez de la que hablábamos. Así que, antes de nada piensa en qué movimiento quieres acentuar ¿una corriente de agua? ¿las nubes pasando? ¿estelas de luz en una escena callejera?

2. Buscar el mejor momento

Las exposiciones largas, como seguramente ya sabes, condicionan mucho los ajustes del triángulo de exposición hasta el punto de que requieren o bien que haya una luz tenue en la escena o bien utilizar algún tipo de filtro, normalmente un filtro de densidad neutra (aunque también se puede usar otros como un polarizador) que atenúe la luz que llega al sensor de la cámara. Esta segunda posibilidad es bastante socorrida, pero desde luego lo más recomendable es optar por la primera.

Foto de frank mckenna

Por eso, la mejor solución es planificar vuestras sesiones de fotos muy temprano por la mañana o tarde por la noche, aprovechando los atardeceres/ amaneceres y la hora dorada. Cuanto menos luz ambiente haya más fácil será dejar abierto el obturador el tiempo suficiente y, por tanto, mayor cantidad de movimiento podrás captar en la imagen.

3. Seleccionar el equipo adecuado

Si al principio hemos hablado de planificar, aquí debemos meter un punto clave: ¿Cuál es el equipo necesario para lo que nos proponemos? Podemos empezar por la cámara y el objetivo, los elementos imprescindibles para cualquier foto. En este caso, será el momento de echar mano de la cámara con la mayor resolución que tengamos (si es que tenemos más de una) y de un objetivo de calidad, preferiblemente con una distancia focal corta (osea un angular) para captar una escena amplia en la que tenga cabida la mayor cantidad de movimiento.

Foto de Nick Fewings

Otro elemento casi imprescindible será un trípode, una pieza importante para muchos fotógrafos que aquí se convierte en esencial. Como sabréis, al estar hablando de exposiciones de varios segundos necesitamos que la cámara se mantenga estable para evitar trepidaciones, es decir movimientos producidos en la cámara. También será necesario algún tipo de disparador remoto, ya sea de cable o inalámbrico, aunque hay muchas alternativas incluso gratuitas (como usar el disparo retardado para este fin).

4. Usar la configuración correcta

Al utilizar tiempos de exposición largos es necesario que el resto de ajustes de exposición (apertura de diafragma y sensibilidad ISO) vayan en consonancia. En líneas generales, esto significa que se debe utilizar una apertura pequeña, algo que permite aumentar la profundidad de campo, aunque lo ideal es elegir el punto dulce para lograr la mayor calidad de imagen final.

Foto de Lopez Robin

También implica ajustar el ISO a niveles bajos, lo que ayuda a evitar el ruido de la imagen que se produce con altas sensibilidades (y que suele intensificarse en zonas oscuras). Por supuesto, no habría que decir que hay que elegir el formato RAW para la toma, de manera que tengamos un archivo con la mayor información posible con el que realizar ediciones más adelante y corregir, si es necesario, el balance de blancos que en este caso dejaremos en automático.

En Xataka Foto

Estos son los objetivos fotográficos más luminosos que podemos encontrar para nuestras cámaras

5. Cuidar mucho la composición

Una vez que estés en el lugar adecuado, a la hora correcta, con la cámara ajustada para disparar piensa en la importancia de la composición. Recuerda lo que habías pensado en el primer paso sobre qué es lo que quieres destacar en la imagen y ajusta tu encuadre a ello, potenciando lo que sea más adecuado.

Foto de Sead Dedić

Por ejemplo, si quieres destacar la corriente de agua que trascurre por una escena lo suyo es que la parte del suelo ocupe un tamaño mayor en el imagen que en el caso de que lo que quieras poner de relieve sea el movimiento de las nubes sobre un profundo cielo azul. Además, si importante es tratar de visualizar cómo va a quedar el movimiento en la imagen final, también lo es tratar de anticipar por dónde va a transcurrir. Porque disparar una escena en movimiento para capturar éste implica una cierta previsión de hacia dónde se dirige y donde se cortará el movimiento dentro del cuadro.

6. Mejorarlo con el procesado

Finalmente, y aunque esto es algo que dependerá bastante del gusto de cada uno, es interesante ser capaz de afinar la imagen el proceso de postproducción. Porque normalmente una fotografía de este tipo ya llamará la atención por sí sola pero con un buen trabajo de edición puede que logremos resaltar aún más la belleza capturada por la cámara.

Foto de Emre Karataş

Por supuesto, recomendamos que los cambios no sean dramáticos, pero ajustar los niveles para mejorar la imagen e incluso hacer retoques por zonas, para subir la luz en partes que hayan quedado muy subexpuestas, o incluso en puntos concretos, siempre es aceptable si no se exagera y lo que se busca es la belleza de la imagen final.

Foto de Diego PH

Y eso es todo. Como habéis visto no parece que sea un proceso muy complicado pero, como ya sabréis muchos, no estamos hablando de una disciplina fácil. Sin embargo, con estos seis pasos que os hemos contado para conseguir buenas fotografías de larga exposición esperamos haberlo facilitado un poco. Por supuesto, aceptamos (y esperamos) vuestras aportaciones y comentarios al respecto.

En Xataka Foto

Cómo ajustar nuestra cámara si decidimos disparar en formato JPEG

Foto de portada | Jason Chen

Ya vimos otro piloto que aprovechaba los vuelos para hacer impactantes fotografías pero no podíamos resistirnos a comentar sobre Christiaan van Heijst, fotógrafo y piloto de aviación civil que cuenta en su blog cómo empezó a hacer este tipo de fotos de larga exposición desde los aviones, y hasta da consejos para quien quiera emularle.

Así empezó todo

En Xataka Foto

Canon EOS 90D, análisis: una réflex de gama media con buenos argumentos para convencer a los escépticos

Aunque siempre le interesó la fotografía, este holandés cuenta que todo empezó en 2006, cuando comenzó a volar en un Boeing 737 por toda Europa y le fascinó lo que veía desde la perspectiva de un piloto, sobre todo el mundo nocturno: “Una perspectiva y tranquilidad sin parangón con respecto a lo que había visto antes y que, simplemente, pedía ser retratado”.

Así que se compró una cámara réflex (una Nikon D80) que le dio resultados relativamente satisfactorios por el día pero se le quedaba corta para las tomas nocturnas. Por eso (con buen criterio) decidió invertir en un objetivo más angular que el que tenía y, sobre todo, más luminoso, y se hizo con un Nikkor 10,5 mm ƒ2,8. Todo un riesgo, cuenta Christiaan, tanto por el alto coste como por la perspectiva tan especial que brinda un objetivo tipo ojo de pez.

“Para mí, sin embargo, esta pequeña lente ha demostrado ser un elemento muy valioso para mi posición única sobre las nubes, e incluso hoy, casi doce años después, llevo ese mismo objetivo conmigo. Algunos rasguños, muchas historias y aventuras más tarde, lo tengo siempre a mano”.

Sin embargo, aunque la compra del objetivo resulto ser un acierto, la cámara seguía siendo un factor limitante así que pronto subió de nivel comprando una Nikon D200, un pequeño paso adelante que hizo lo propio con su fotografía. Sin embargo, continúa el fotógrafo, “no fue hasta que empecé a volar en un Boeing 747, en 2011, cuando mi fotografía nocturna comenzó a ponerse seria.”

Esto le supuso volar por todo el mundo y en todas las zonas horarias, lo que le hizo interesarse cada vez más por capturar lo que veía: "La luz de la luna reflejándose en las nubes, la luz de un sol desapareciendo lentamente por el horizonte o las maravillas de las auroras boreales o caídas de meteoritos". Así que, finalmente, decidió invertir en una réflex de formato completo, una Nikon D800 (que más tarde completó con un Nikkor 14-24mm ƒ2.8 y un Nikkor 24-70mm ƒ2.8) con la que, según cuenta, “comenzó la verdadera experimentación”.

Conseguir imágenes nítidas

Christiaan dice que mucha gente le ha preguntado cómo consigue obtener imágenes nítidas a pesar del hecho de que el avión vuela a gran velocidad a través de la atmósfera. Pues bien, según el fotógrafo aquí entran en juego varios factores que va explicando detalladamente. Comenzando por el movimiento del avión (casi 950 Km/h) que él afirma no es un problema en absoluto ni produce que las estrellas salgan como estelas porque “están literalmente a años luz de distancia y el movimiento del avión respecto a ellas es prácticamente nulo”, dice.

En cuanto a las tan temidas turbulencias de los aviones, el autor cuenta que son un problema que ha arruinado muchas de sus fotos y ante lo único que puede hacer es resignarse. Aunque, "afortunadamente, el Boeing 747 es uno de los aviones más grandes del mundo y, debido a su tamaño y peso, es muy estable y no es fácil de mover".

En cuanto a la sujeción de la cámara, es curioso pero no utiliza trípode alguno: “Simplemente, en una cabina de avión no hay espacio para esas cosas, ni es un elemento práctico para llevar en viaje de tres o cuatro semanas”. Por eso, él coloca la cámara encima del panel de instrumentos, sobre el protector contra el deslumbramiento que llevan las cabinas. “Simplemente coloco la cámara y presiono el diaparador, esperando que el aire sea lo suficientemente estable.”

El uso de objetivos angulares, como el citado fisheye, que cubren un amplio campo de visión es otra ayuda para evitar trepidaciones en la imagen y, para evitar los reflejos de las ventanas (“mi peor enemigo junto con las turbulencias”, cuenta Christiaan), recurre a atenuar las luces de la cabina tanto como sea posible y a colocar la lente tan cerca de la ventana como puede (y si hace falta recortar la foto a posteriori).

¿Y desde la cabina del pasajero?

El fotógrafo es consciente de que los pasajeros de los aviones no tienen las mismas facilidades que los pilotos para hacer fotos desde sus diminutas ventanas y se anima a darles consejos también. “A menudo también he hecho mis fotos a través de las pequeñas ventanas de las cabinas de pasajeros y conozco sus limitaciones”.

Así, recomienda seguir las mismos principios que daba para evitar los reflejos de las ventanas: Situar la la cámara lo más cerca posible de la ventana, mantenerla lo más quieta posible y tratar de evitar los reflejos como sea, bien con nuestro propio cuerpo o con la típica manta que te dan en algunos trayectos de avión. “Es posible que recibas algunos comentarios de parte del resto de pasajeros, pero después de algunos intentos puede que consigas una foto espectacular de las estrellas, una aurora boreal o la luz de la luna”.

Nosotros lo único que podemos hacer es disfrutar con sus fotos, felicitarle por su trabajo y agradecerle que nos haya permitido enseñaros sus fotos y contar su historia que, cómo no, esperamos os haya resultado interesante.

En Xataka Foto

Cómo eliminar objetos complicados en nuestras fotografías con Adobe Photoshop

Christiaan van Heijst | Página web | Instagram

Fotografías de Christiaan van Heijst reproducidas con permiso del autor para este artículo

Ya sea para capturar un paisaje al atardecer o amanecer o un bonito efecto seda, probar con el lightpainting o con una foto circumpolar, capturar las estrellas o la Vía Láctea, fotografiar unos fuegos artificiales o estelas luminosas... En muchas situaciones la fotografía de larga exposición es, sin duda, una técnica útil y atractiva para todo fotógrafo... Y también todo un reto.

Sobre todo porque, aunque la teoría sea relativamente sencilla (buscar un buen apoyo para la cámara y disparar con una velocidad de obturación larga), conseguir buenos resultados no suele ser fácil. De hecho, simplemente por realizar un disparo lento estamos tentando la posibilidad de que la foto salga trepidada y que las fotografías no resulten válidas por culpa de la ausencia de la anhelada nitidez.

Foto de Sasha • Stories

En Xataka Foto

Estas son las razones básicas que pueden explicar que tus fotos no sean lo nítidas que esperabas

Para lograrla, os proponemos una serie de consejos y recomendaciones que os ayudarán a lograr mejores resultados. Eso sí, no esperéis recetas milagro porque en fotografía eso prácticamente ya no existe. Sólo algunos trucos más o menos básicos pero imprescindibles para conseguir la máxima nitidez cuando realicemos largas exposiciones.

Cámara y objetivo

Lo hemos contado en innumerables ocasiones pero es obligado hacer un repaso del equipo que debemos utilizar para este tipo de tomas. Empezando cómo no por una cámara que nos permita realizar largas exposiciones (que tenga modo Bulb) y, a ser posible, que cuente con un sensor de buen tamaño por aquello del ruido. Lo ideal, claro está, son los de formato completo, aunque con cualquier tipo de captor nos podemos lanzar a la aventura.

Foto de James Young

En cuanto al objetivo a elegir, esto ya es más optativo, ya que dependerá del campo de visión que queramos captar a la hora de hacer la foto, aunque lo más habitual es optar por una óptica gran angular. Lo que sí es recomendable, de todas todas, es que utilicemos un objetivo con la mayor calidad posible, motivo por el cual será preferible elegir uno de longitud focal fija (lo de escoger uno luminoso ya no es tan importante, aunque sí recomendable). Y si no tenemos o, por lo que sea, escogemos uno de tipo zoom, es recomendable usarlo en distancias focales intermedias para evitar las aberraciones que suelen tener este tipo de ópticas en los extremos.

El trípode, imprescindible

Ya os decíamos que no hay recetas mágicas, por eso el primer y fundamental accesorio que necesitaríamos es el siempre recurrente trípode que permita asegurarnos de que no haya ningún tipo de movimiento en la cámara durante la exposición (ojo, otra cosa es que haya movimiento en la escena y salga de un modo u otro).

Foto de Andrew Preble

Ciertamente siempre se pueden buscar otros puntos de apoyo (poyetes, bancos, mochilas…), incluso en casos de necesidad recurrir a trucos para hacer fotos si olvidamos el trípode, pero dado que estamos hablando de lograr la máxima nitidez en ningún caso deberíamos prescindir de este útil accesorio.

Claro que además de utilizar trípode también hay que hacerlo bien, incluyendo acordarse de desactivar el estabilizador de cámara y/u objetivo para evitar movimientos artificiales que pueden ser provocados por el propio sistema.

En Xataka Foto

Sony FE 135 mm F1.8 GM, análisis: una nitidez superior y un bokeh adictivo para este teleobjetivo ideal para retratos

Autodisparador, espejo y otros

Nuestra siguiente recomendación ya la podrás imaginar si tienes cierta experiencia: Utilizar algún tipo de disparador remoto. Tal y como hemos dicho sobre el trípode, se trata de que no se produzca el más mínimo movimiento en el equipo, y esto incluye la posible vibración que nuestro propio dedo crea al disparar y que puede magnificarse en fotografías de este tipo.

Foto de Pok Rie

En este sentido las posibilidades son amplias, porque podemos utilizar desde un disparador por cable o inalámbrico (lo más recomendable), hasta una aplicación del móvil con la que nos conectemos a la cámara. Además también tenemos una muy asequible (porque no necesita de ningún extra adicional) es simplemente usar el autodisparador que incluye la cámara, de forma que ésta realice una cuenta atrás (lo ideal es usar la de dos segundos) y haga la foto en un momento en el que nada toque la cámara. Eso sí, esto no sirve cuando vamos a hacer exposiciones más allá de los 30 segundos utilizando el modo B (que normalmente requiere tener pulsado el botón).

Por cierto que antes de esto es recomendable tomar otra medida en el caso de que estemos utilizando una cámara réflex digital. Se trata de levantar el espejo que hace que la imagen se pueda ver a través del visor y que, cuando se hace una foto, se levanta de forma mecánica (lo cual puede provocar también alguna que otra vibración). Así que busca en el menú de la cámara cómo levantar el espejo antes del disparo, para evitar ese movimiento, y ponlo en práctica.

Foto de Cory Schadt

Por último, hay que citar algunos otros accesorios que pueden ser útiles para este tipo de tomas como los filtros de densidad neutra, por ejemplo si estamos haciendo una larga exposición diurna. También hay que recordar que este tipo de fotografías suelen agotar las baterías con facilidad, así que más que nunca conviene llevar energía de repuesto.

Enfoca en modo manual

Si vas a realizar una fotografía de larga exposición es (muy probablemente) porque las condiciones de luz son bajas, justo el escenario en el que peor responden los sistemas autofoco de las cámaras fotográficas, ya sea por lentitud o falta de precisión. Incluso si tu cámara es muy moderna y lo hace relativamente bien es posible que al apretar el disparador a fondo el foco se reajuste chafando el resultado.

Foto de Bess-Hamiti

Por eso, este tipo de tomas son uno de los escenarios en los que se recomienda encarecidamente usar el enfoque manual. Para ello, simplemente puedes ajustarlo a una distancia concreta, tal vez usando alguna ayuda al enfoque (como el focus peaking o una linterna que permita ver mejor), o bien decantarte por enfocar en automático y, cuando tengas el punto elegido, desactivar el automatismo.

En el caso de que vayas a usar filtros de densidad neutra degradados, seguramente tengas que situarlos en una posición concreta, así que para evitar que causen problemas con el enfoque lo mejor es montar el filtro una vez que se haya fijado el foco y tener cuidado de no tocarlo para evitar posibles desenfoques posteriores.

Dispara en modo M

Una vez tenemos la cámara montada y la imagen enfocada, llega el momento de decidir la exposición, lo que posiblemente sea el tema más peliagudo en este tipo de imágenes de larga exposición. Para hacerlo conviene no fiarse del modo automático y decantarse por el manual, o al menos por la prioridad al diafragma o al obturador utilizando, si es necesario, la compensación de exposición.

Foto de Peter Court

Por supuesto es más que conveniente fijarse bien en la luz de la escena, en el contraste y en el rango dinámico que exista y, a consecuencia de ello, elegir el modo de medición que usar y dónde medir la luz. Una vez decidido ya sí podemos elegir la exposición teniendo en cuenta que, al buscar la máxima nitidez, deberías decantarte por el ISO más bajo que tenga tu cámara y elegir bien el diafragma. Lo habitual es utilizar un valor grande (osea cerrar el diafragma) pero es mejor emplearlo en su punto dulce para evitar problemas de refracción.

En cuanto a la velocidad, si la foto que queremos captar se sale del margen normal que suele ser 30 segundos (lo cual es habitual) el fotómetro de la cámara no servirá así que debemos hacer varias exposiciones de prueba. Claro que esto no siempre es lo más factible ni lo más recomendable, entre otras cosas porque puede ser causa de calentamiento de la cámara que produzca un mal funcionamiento o de “píxeles calientes”.

Foto de Zoltan Tasi

Por ello, conviene utilizar un sencillo truco basado en la ley de reciprocidad. Consiste en hacer las fotos con un ISO alto hasta que la exposición sea de nuestro gusto (el histograma siempre es una gran ayuda) y calcular luego la velocidad necesaria teniendo en cuenta que por cada paso de ISO que bajemos, habrá que multiplicar la velocidad por dos.

Es decir, imaginemos que la foto está correcta usando una exposición de un minuto a ISO 1600. Para calcular el tiempo correcto iríamos bajando a ISO 800, 400, 200 y 100 (suponiendo que ese sea el ISO mínimo de nuestra cámara) y subiendo el tiempo a dos, cuatro, ocho y dieciséis minutos, que será el valor final a utilizar.

Foto de Johannes Plenio

En Xataka Foto

Fujifilm GFX 100, toma de contacto y muestras de la sin espejo de 100 Megapíxeles en un sensor de “gran formato”

Como veis en las imágenes que hemos puesto de ejemplo, los resultados con esta técnica son tan variados como espectaculares. Por ello, como siempre, esperamos haberos animado a probar con este tipo de tomas que mezclan ciencia y arte. Si no lo habéis probado aún, os aseguramos que realizar fotografías de larga exposición es una experiencia muy gratificante que os hará sentiros auténticos fotógrafos. Y como siempre recordaros que tenéis a vuestra disposición los comentarios si consideráis que tenéis algo interesante que aportar al artículo.

Foto inicio | Jimmy Musto

Parece imposible pero no lo es. Y de hecho lo consiguió el fotógrafo norteamericano Mike Mezeul II hace un par de años en una visita a Hawái. Es decir, que no está hecha en las recientes erupciones del volcán Kilauea que tienen en vilo a la población de esta zona de los EE.UU. Aún así, tiene mucho mérito conseguir que en una misma fotografía, realizada en una sola toma, aparezcan el volcán con su lava incandescente más un cielo impresionante en el que se puede apreciar la Vía Láctea, la Luna, los planetas Marte y Saturno y hasta un iridium flare (que no es otra cosa que el rastro que produce un tipo de satélite).

La historia completa la ha contado el fotógrafo en su blog, entre otras cosas porque no son los pocos que han pensado que la foto era un fake o, al menos, un montaje de varias tomas. “Mientes, la lava estaría sobreexpuesta”, “no hay forma de sacar la Vía Láctea y la Luna en la misma toma” o “Has tenido que mezclar dos tomas para crear esta fotos” son algunas de las cosas que le han dicho sobre ella. Pero Mike explica que no, que tuvo suerte y la ayuda de “los Dioses de la fotografía”, pero que la foto fue realizada en una sola toma.

La fotografía completa en formato vertical (que es como fue tomada).

En concreto fue hecha con una cámara Nikon D810 con un objetivo Nikkor 14-24 mm, ajustando la exposición a 2500 ISO, ƒ2.8 de diagrama y una larga exposición de 25 segundos. Además, para demostrar que todo es cierto, el fotógrafo muestra la foto original en formato RAW volcada en Lightroom. Gracias a ello se puede comprobar que, efectivamente, del original al resultado final hay una diferencia, pero que la foto original ya contenía todos los elementos.

Según Mike Mezeul II (fotógrafo profesional radicado en Texas con una amplia trayectoria y “adicto a la fotografía y la aventura”), los elementos que le ayudaron a conseguir la foto fueron varios. Primero, por lo que toca al cielo, el hecho de que la Vía Láctea y la Luna estaban relativamente cerca la una de la otra esa noche, y que el astro lunar estuviera en fase media. De esta manera no desprendía mucha luz, lo que permitió una larga exposición que absorbió la suficiente luz estelar de la Vía Láctea sin sobreexponer la imagen ni hacer que la luna apareciera quemada (lo que hubiera ocurrido con una luna más grande). En cuanto al hecho de capturar Marte, Saturno y el iridium flare en la misma fotografía fue también “pura suerte”.

Aquí el fotógrafo indica los distintos elementos celestes que aparecen en la imagen.

Por lo que toca al equilibrio de luz entre la lava y el cielo nocturno, Mike cuenta que la lava que aparece era reciente, pero ya estaba en proceso de enfriamiento con lo que ya tenía una costra formada sobre ella. Esta corteza redujo en gran medida la cantidad de brillo de la lava, haciendo posible (de nuevo) la larga exposición y el uso de un ISO alto sin que se sobreexpusiera y, al tiempo, permitiendo que la lava roja brillante se viera a través de las grietas.

Eso no impidió que durante la exposición algunas zonas corrieran peligro de sobreexposición. Es el caso de la parte inferior izquierda de la imagen, en un área donde había bastante lava en la superficie que provocó algún resplandor brillante. Un problema que el fotógrafo intentó evitar (sin demasiado éxito) usando su mano como parasol y que, finalmente, corrigió poniéndose él mismo como barrera. Aún así, en el RAW se puede observar que todavía se coló alguna ráfaga de luz que tuvo que eliminar en la postproducción.

La foto original volcada en Lightroom.

Porque, evidentemente, la imagen tuvo un proceso de postproducción para llegar al resultado final que el propio Mike también explica. Según el fotógrafo, el proceso consistió únicamente en hacer algunas correcciones del balance de blancos, algo de ajuste del contraste mediante la técnica del Dodge&burn, un ligero recorte del marco, algo de reducción de ruido y la eliminación de algunos píxeles calientes (los que se producen en largas exposiciones). “Eso fue todo” cuenta el fotógrafo, que ha compartido la historia no sólo para que se crean que no es un fake sino también para dar un pequeña lección sobre cómo equilibrar la luz en una fotografía. Sin duda un gran trabajo.

Mike Mezeul II | Página web | Instagram | Facebook

En Xataka Foto | Trucos prácticos para llevar tus fotos de paisaje a un nivel superior

Fotografías de Mike Mezuel II reproducidas con permiso del autor para este artículo