"Acabo de volver de un viaje fotográfico increíble. El lugar que visité es bastante popular, había un montón de fotógrafos haciendo imágenes que van a ser muy similares a las que hice yo. Esto me hizo pensar sobre la importancia de ser original en fotografía, y especialmente, cómo ser original." Así comienza una reflexión muy interesante que podemos ver en el siguiente vídeo (que está en inglés pero cuenta con subtítulos en perfecto castellano):

Como habéis visto, y el protagonista cuenta en su propio blog, la respuesta es muy sencilla y complicada al mismo tiempo: "Para ser original hay que dejar de intentar serlo. No lo pienses demasiado."

"No persigas tendencias, no vayas a lugares populares solo porque son populares —continúa— Pero tampoco te conviertas en lo contrario, alguien que evita estos sitios solo para ser diferente, porque ese tipo de fotógrafos también han caído en la trampa. Todavía se comparan con los demás, atribuyendo un significado a su trabajo en función de lo que hagan o no hagan los demás".

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Las “modas” fotográficas más populares y/o controvertidas del pasado y del presente

El fotógrafo cree que "solo deberíamos preocuparnos de mantenermos fieles a nosotros mismos, fotografiando lo que significa algo para nosotros, creando las imágenes que disfrutamos mirando. Si eso significa ir a Yosemite, que así sea. Pero no limites tu fotografía a esos viajes, haz fotos todos los días sin importar dónde estés y qué estés haciendo, incluso si no parece que haya nada que fotografiar. Lo hay, siempre lo hay".

Por último, aconseja aprovechar "eso que te hace único y crea imágenes todos los días. A largo plazo, eso es lo que hará que tu trabajo sea original, único y fiel a ti mismo". Por si os lo estáis preguntando el autor se llama Adrián, aunque utiliza el nombre de AOWS, es medio español y medio norteamericano (lo cual explica los subtítulos en castellano), y actualmente trabaja a caballo entre EE.UU y Europa sin un hogar permanente y dedicándose a la fotografía en blanco y negro en formato analógico y digital.

El caso es que vimos este vídeo en FStoppers y, cómo no, nos llamó la atención. Y es que, ciertamente, el tema de la originalidad en la fotografía está de actualidad desde hace ya unos cuantos años, especialmente por la popularidad de redes sociales como Instagram en donde podemos encontrar miles de fotografías prácticamente iguales.

Seguro que, al ir a algún sitio muy popular, alguna vez os habéis preguntado cómo hacer fotos originales del sitio. Lo cierto es que, como dice AOWS, creo que es muy difícil lograrlo cuando hablamos de sitios muy, muy populares como pueda ser la ciudad de Nueva York que se ve en la imagen de portada.

Sin embargo, desde mi perspectiva de fotógrafo no profesional, creo que no hay nada malo en hacer las típicas fotos, sobre todo cuando estás aprendiendo. Por ejemplo, recuerdo que al ver el resultado de la toma que tenéis abajo, que hice en el verano de 2004 (por cierto con película negativa y usando un filtro degradado de color tabaco sobre el objetivo) me sentí muy orgulloso por haber conseguido una foto que se parecía bastante a una que me encantaba de un libro de fotografía.

Foto de Oscar Condés

Evidentemente la imagen es muy tópica, eso que solemos llamar "de postal", pero me parece muy interesante pasar por ello para luego buscar una mirada diferente. De hecho, incluso hoy día cuando visito un lugar popular suelo hacer la foto típica y, a partir de ahí, intentar buscar algo más original, aunque sin obsesionarme por el resultado claro.

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Otra cosa es que hablemos de fotógrafía profesional, ámbito en el que la originalidad seguro que se vuelve más importante. Por eso, más que nunca, os invitamos a compartir vuestra opinión al respecto... ¿qué importancia le das a la originalidad en tus fotos? ¿cuál crees que es la manera de lograrla?

Vale, es cierto que llevamos oyendo decir eso de la muerte de las DSLR prácticamente desde que llegó al mercado el sistema Micro Cuatro Tercios y con él la primera sin espejo del mercado (y va para trece años ya), pero últimamente estamos viendo movimientos que nos llevan a pensar definitivamente en el ocaso, ojo que no la desaparición, de este sistema.

Mismamente la semana pasada muchos medios se han hecho eco de la aparente descatalogación de las cámaras Sony A, pero llevamos semanas viendo rumores de que tanto Canon como Nikon están descatalogando y/o dejando de producir cámaras de este tipo y objetivos para ellas. Esto tampoco es nuevo por cierto, pero sí es verdad que desde que en 2018 tanto Canon como Nikon se “lanzaron” al ruedo de las mirrorless de formato completo sus esfuerzos están centrados en este tipo de cámaras.

No hay más que ver que entre el año 2019 y el pasado 2020 apenas hemos visto novedades en este ámbito (apenas tres o cuatro por año), mientras que las sin espejo han seguido acaparando nuestra atención con muchos lanzamientos... Y no digamos ya los móviles que, nos guste o no, cada vez hacen mejores fotos y se han convertido en una alternativa para muchos fotógrafos (aunque desde nuestro punto de vista no son los culpables de jubilar a las réflex).

Pero si hay algún dato que pueda aclarar definitivamente este debate es que en 2020 por primera vez se vendieron mas cámaras sin espejo que réflex. Este sorpasso ha sido algo paulatino, poquito a poco a lo largo de los años, pero ya es una realidad; por eso podemos decir que las DSLR están superadas, que son un sistema en decadencia como los televisores de plasma o los fax; decir que han muerto no sería ni correcto (ni ético posiblemente), y está claro que se van a seguir vendiendo durante mucho tiempo, pero se acabó su reinado.

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Reflex Vs Mirrorless: Los miedos a cambiarse de sistema

No hace falta que lo digan directamente, pero ni Canon ni Nikon creen ya en el futuro de las réflex, aunque está claro que siguen teniendo muchos usuarios de sus sistemas y no les van a abandonar; la única que va a contracorriente es Ricoh, que con sus Pentax no sólo no ha abandonado el mundo réflex sino que se atrevieron a decir que las sin espejo son una moda. Esto ya contamos que tiene toda la pinta de ser o una estrategia o una maniobra de distracción, pero no deja de ser curioso en el contexto que estamos contando.

Así las cosas, puede que sigas convencido de las ventajas de las cámaras réflex frente a las sin espejo, pero no se puede negar que las mirrorless han mejorado mucho sus aspectos negativos. Hemos recuperado (abajo) el cuadro comparativo con las diferencias entre sistemas réflex y CSC que os ofrecimos en este artículo de hace algo más de tres años y es curioso ver como las cosas se han ido igualando. Hoy por hoy diría que sólo el precio y la autonomía son factores diferenciales; el resto está prácticamente superado.

Incluso el tema del visor, uno de los más importantes, se ha igualado muchísimo en las últimas cámaras sin espejo. Es cierto que para usuarios que tengan que pasar mucho tiempo con el ojo en él, como fotógrafos de naturaleza, puede que el visor réflex siga siendo más cómodo, y por eso es perfectamente entendible que muchos no tengan intención de cambiarse de sistema.

Para estos (y otros) sería deseable que, tal y como cuentan los chicos de The Phoblographer, las marcas que sigan lanzado réflex (ya sea por satisfacer a sus ya usuarios, caso de Canon y Nikon, o por acoger a nuevos, caso de Pentax) apostaran por hacerlas evolucionar e incluir novedades como la vista previa de la exposición (es decir, que se pueda ver cómo va a quedar la foto realmente en cuanto a niveles de luz) o añadir de una vez por todas cosas como el estabilizador integrado en el cuerpo (algo que tienen sólo algunas réflex).

También hablan de incorporar sistemas AF con mayor número de puntos (y que cubran todo el área de la imagen) y, cómo no, que incluyan detección de rostros y ojos. También que apuesten por los cuerpos sellados y las pantallas táctiles en todos los modelos y, por supuesto, que busquen hacerlas más pequeñas para poder competir con las sin espejo.

Incluso llegan a sugerir que no sería mala idea desechar el típico grip que, si no llevan muchas mirrorless ¿por qué mantenerlo en todas las réflex? Por el camino puede que perdieran algo de su longeva autonomía pero, siempre que una batería dure una semana ¿qué más da?

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Canon vs Nikon: La historia de una rivalidad legendaria en el mundo de la fotografía

Estoy de acuerdo en que si se introdujeran estas (y otras) mejoras las DSLR aguantarían mejor, pero no tengo muy claro que ni Canon ni Nikon tengan mucha intención de gastar recursos en ello (Pentax sí, pero desgraciadamente su cuota de mercado es bastante minoritaria), salvo quizá en sus modelos profesionales. Lo que sí tengo muy claro es que las sin espejo no son una moda pasajera.

En fin, veremos qué nos depara el futuro; como decía al principio no creo que las réflex vayan a desaparecer (como no lo han hecho los discos de vinilo o los carretes de película química) porque no han muerto, sólo han pasado a un segundo (o tercer) plano cuando hablamos de cámaras de fotos. Aún así, exagerando un poco, sólo nos queda decir, como harían los ingleses, que si el Rey (las réflex) ha muerto, sólo queda gritar "¡Viva el Rey!".

Cada año, Shutterstock hace una recopilación de tendencias que pueden aparecer en el mundo de la fotografía, el diseño y el vídeo alrededor del año que viene. Este año, la compañía está presentando estas tendencias en pequeñas tandas y, entre ellas, nos da sus predicciones dentro del mundo de la fotografía de naturaleza muerta.

Estas tendencias visuales suelen ser predicciones basadas en un balance de lo que los fotógrafos están realizando y lo que los diseñadores y agencias buscan para sus diseños y piezas. Para este año, Shutterstock presenta cinco estilos que ellos creen dominarán el mercado en diseño durante 2021.

Ikebana (el arte del arreglo floral)

Una de las principales tendencias se enfoca en el crecimiento de la naturaleza como protagonista de las escenas. Dentro de estos protagonistas las flores han tenido un gran crecimiento como elemento principal en campañas y diseños, lo que ha hecho más popular la fotografía basada en arreglos florales de carácter natural.

El ikebana saca a relucir la belleza de la naturaleza con arreglos, en apariencia, simples. Sin embargo, este arte requiere de mucho refinamiento y de conocer muy bien cómo complementar las ramas, hierbas, flores y hojas para crear un balance y una obra de arte a partir de ellas.

Shutterstock menciona el uso de plantas japonesas y escandinavas para el desarrollo de estas piezas. Además recomienda un buen balance de la imagen y dar espacio para resaltar el arreglo. Alguien con experiencia en el arte será un gran aliado.

El Modernismo

En la mayoría de tendencias, el balance de las figuras y el espacio neutro serán claves. Aquí es donde la inspiración de esta era del arte brota en la fotografía.

Bases neutras, líneas definidas, curvas orgánicas y el uso de la simpleza para evocar sensaciones, mensajes y elementos. Se resalta la figura y sus componentes y se mezclan las propiedades de los elementos para crear más capas de contraste (como usar fondos orgánicos con sujetos industriales).

Para esta tendencia Shutterstock dice que los mejores elementos son el papel de colores y el papel de espuma de manualidades que nos ayudarán a establecer colores y figuras. También se debe aprovechar los elementos de maneras inusuales, aprovechando su geometría y materiales para crear profundidad y potenciar el estilo.

Minimalismo monocromático

Este estilo se enfoca en potenciar los productos y los sujetos dentro de la escena. Al igual que con los estilos anteriores, la clave está en la simpleza. Pero debe ser adquirida con cuidado, ya que se debe jugar con el contraste lumínico y las formas de los sujetos para crear una composición llamativa y agradable.

Los patrones y el análisis del color son elementos importantes para lograr mensajes claros y sensaciones atractivas a la audiencia. A diferencia del Ikebana o el Modernismo, donde la atención está en observar elementos individuales, acá se busca una lectura general de la imagen a través de las variantes de tono que la guía.

En este apartado nuestros aliados son elementos como cajas, escaleras u otros elementos que generen líneas rectas hacia el producto destacado. Buscar que los elementos sean de tonos muy similares (o llevarlos a ello). Jugar con las transparencias en los elementos y con la proyección de sombras y luces para crear caminos de lectura en la imagen.

Antiguedades

Las reliquias de la familia y aquellas baratijas que parecían curiosas durante la visita al mercado de antigüedades van a tener un renacer en el año próximo. La inspiración en lo antiguo define una tendencia en la publicidad de antaño, lo que también nos llevará a complementar estos elementos con la monocromía.

Sin embargo, el juego está más en crear escenas que nos lleven a una estética de los siglos pasados. Tal vez, una buena inspiración será comenzar a visitar piezas cinematográficas que representan épocas como puede ser 'Moulin Rouge' o 'Midnight in Paris'.

Shutterstock dice que las claves para destacar en este campo son tener claros los temas a presentar, de esta manera los elementos a buscar serán para evocar el mensaje del tema. Para no caer en volvernos recolectores de antiguedades, es importante ir depurando elementos que pueden servir como base de estilo o acompañamiento en múltiples temas y solo buscar elementos clave cuando se va a realizar una fotografía. Las frutas, las ramas y flores deshidratadas siempre son bienvenidas.

Integración de ingredientes

Entender las propiedades o características de los productos nos puede ayudar a potenciar la imagen. Algodón sobre una tela de algodón, un tinte de cabello sobre un fondo de cabello tintado o los elementos que componen la cerveza de nuestro cliente acompañando una perfecta fotografía de producto.

Este tipo de asociación permite a los espectadores identificar rápidamente propiedades clave que queremos resaltar en la imagen del producto; lo que lleva a una imagen más efectiva y a un diseño más sencillo donde la atención se centra en la imagen. Así mismo, el color, la simpleza y el balance son claves para no saturar la composición. Si mi producto tiene 50 ingredientes, pero lo clave es su aroma a fresas, un ambiente rojizo y unas fresas acompañando el producto son más que suficientes.

Shutterstock menciona que es importante pensar en la industria que se está presentando para hacer conexiones correctas de los elementos. Muchos elementos de la industria de la ropa, el cuidado personal y el alcohol tienen características basadas en elementos naturales que se pueden conseguir. En industrias más industriales, las texturas, los colores y los resultados serán esos elementos de propiedad que resaltarán el producto.

La evolución tecnológica permite que muchos entusiastas de la fotografía entren a explorar este arte y, quienes aún están entrando en el mundo de la edición, tienen cada vez más facilidades de acceder a software de revelado y edición. Dentro de este proceso de aprender hay herramientas que nos ayudan a buscar un camino, sin embargo, a veces esas herramientas se pueden volver un vicio que limita nuestra creatividad. Los presets de color son uno de esos vicios, pero no necesariamente debe ser así.

El acceso a nuestros referentes

Los presets son herramientas para los software de edición y revelado que permiten emular el proceso de edición de una imagen para obtener un estilo de color. Usualmente los podemos encontrar en el mercado por paquetes creados por fotógrafos y retocadores. En sus versiones pagas, muchos de ellos cuentan con tantas variaciones de color, que, por probabilidad, alguno de esos estilos se va a ver bien en nuestras imágenes. Funcionan por cantidad pero no realmente por utilidad.

Sin embargo, los presets gratuitos cuentan con pocas variaciones y usualmente es lo que terminan usando las personas que entran a este mundo. Los presets de color son herramientas que tienen un gran valor de aprendizaje, pero que mal utilizados dañan el proceso de aprendizaje del fotógrafo.

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Experimentar con el color a diario, una practica fotográfica para tomar en 2019

El principal problema que tienen es que limitan nuestra visión del potencial de nuestras imágenes, nos adoctrinan a un estilo de captura específico y nos vuelve perezosos en la edición.

Esto ocurre porque los presets son una forma llamativa de acercarnos a los estilos de nuestros referentes. Si seguimos a alguien que admiramos y esta persona lanza un grupos de presets, sentimos que comprando ese grupo de presets nuestras fotos se verán como las de ellos. A veces encontramos fotógrafos que tienen looks interesantes y nos lleva a pensar que con un preset simularemos lo que hacen.

El problema es que para que un preset sea efectivo debe tener características similares a las de la toma sobre la cual fue construido. Cuando alguien construye un pack de estilos, usualmente lo prueban sobre varias de sus imágenes, para ver si funciona en la gran mayoría o qué ajustes se pueden hacer para lograrlo.

Abajo podemos ver un ejemplo. El preset de Jan Erik Waider está pensado para capturas dentro de bosques, con contrastes en color donde predominan los marrones. Dentro de mi catálogo encontré una imagen a la que sus estilos les va muy bien.

Sin embargo, en otras imágenes con tonos similares pero una variación en el contraste y la exposición de la toma, los estilos de color quedan muy contrastados o simplemente con una imagen muy plana.

Pero pueden ser un buen inicio para llevar otras imágenes.

¿Son malos?

Los presets no son malos cuando se utilizan bien, como una herramienta que guía un camino hacia la edición final. Pero hay que entender que no se deben usar para ahorrarse el revelado y la edición.

Cuando se utilizan mal, terminamos imitando las fotos de nuestro referente y no crecemos como fotógrafos. Nos vuelve uno de esos más que aparecen imitando tendencias, sin destacar en el mercado.

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Aprendiendo a emular presets para mejorar nuestros procesos de revelado y edición fotográfica

Como hemos mencionado antes, se pueden utilizar para aprender qué herramientas utilizan y con qué fin. Entendiendo cómo funcionan los ajustes, podemos aplicar conceptos parecidos en nuestras tomas, pensando en cómo potenciar nuestro arte.

Podemos buscar dónde se encuentran los elementos que potencian el preset.

Si hay un estilo que nos llama la atención, es mejor experimentar, pues hay muchos caminos en el revelado y edición para llegar a los mismos resultados. Con los presets podemos entender algunos de esos caminos, pero es más satisfactorio cuando encontramos la solución nosotros mismos.

Yo soy de los que opinan que pagar por un preset es perder dinero. Emular lo que se logra con un preset requiere que nos sentemos a analizar varias imágenes del creador o varias imágenes con el resultado. Sin embargo, los presets gratuitos que se encuentran por la red pueden ser una buena base para empezar a entender estilos y los ajustes que los llevan a la realidad.

Vosotros ¿Cómo os enfrentais ante los presets?

Tener en nuestras manos “el poder” para editar las fotografías con programas muy potentes (y sencillos) que nos permiten hacer auténticas virguerías puede tener su “lado oscuro”. Así, cuando empezamos a procesar fotografías es fácil caer en una serie de errores, o dejarse llevar por modas, que probablemente nos perjudiquen si no somos capaces de resistir la tentación de abusar de ellas.

Se trata de cosas que todo principiante debería evitar o, cuando menos, ser consciente de que el exceso no es nada bueno (como en casi todo). Sé de lo que hablo, porque yo mismo (hace unos cuantos años ya) cometí muchas “barbaridades” que os voy a mostrar en este artículo.

Foto de Oscar Condés

Por eso, la mayoría de las fotos que vais a ver son propias y fueron procesadas de forma excesiva cayendo en varios errores que hoy procuraría evitar. Bueno, ciertamente tampoco me arrepiento, porque se trataba de “jugar” con las grandes posibilidades que cierto programa de edición (entonces nuevo para mí) me había descubierto que podía realizar en apenas unos clics para conseguir unas fotos muy llamativas.

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Esas "cosas raras" que sólo hacemos los fotógrafos...

Desaturación selectiva

Es una técnica muy efectista que todos hemos visto muchas veces, sobre todo en folletos publicitarios. Se trata de virar a monocromo una imagen excepto algún elemento, generalmente muy saturado y de un color llamativo. Este recurso puede estar bien en determinadas ocasiones, pero abusar de ello es claramente pernicioso.

Foto de Óscar Condés

Así que, como principiantes, debemos plantearnos si realmente merece la pena aplicar este efecto a una foto en concreto, si la imagen de verdad mejora o si sólo buscamos un golpe de efecto visual. En la imagen de arriba, por ejemplo, tenía su gracia aplicar el efecto para resaltar el bus amarillo (ya sabéis, igualito que en las películas), pero ciertamente la foto más real me parece mejor.

No quiero decir que debamos huir de esta técnica (como del resto), pero sí que deberíamos dejarla sólo para ocasiones contadas y es mejor subir un poco con la saturación para resaltar el elemento concreto sobre el que queremos llamar la atención, pero sin llegar a virar el resto a blanco y negro. O si no, siempre tenemos otros recursos para dirigir la mirada del espectador hacia un elemento, entre ellos algunos muy creativos.

Sobresaturado de la foto

En los últimos años, sobre todo con el auge de redes sociales como Instagram, es más frecuente ver muchas imágenes de colores vibrantes y muy atractivos, a veces irreales. Parece que si nuestro feed no es colorido y un poco chillón es que no somos lo suficientemente buenos. Y esto puede llevarnos a procesar en exceso nuestras fotos, sobresaturándolas o virando el color para obtener resultados más llamativos.

Foto de Oscar Condés

Esto me sucedió en la foto de arriba, cuyo cielo (como se puede apreciar fácilmente) tiene un tono totalmente irreal. Sí, llama la atención, pero una vez pasada la sorpresa uno se pregunta ¿mejora la foto? ¿aporta algo realmente esa saturación excesiva? Así que, cuando empezamos a retocar las fotos, debemos procurar no pasarnos con el color. Una imagen atractiva está bien, pero sobresaturarla no siempre es la mejor receta.

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Estas son las razones básicas que pueden explicar que tus fotos no sean lo nítidas que esperabas

Abusar del blanco y negro

Justo al contrario que lo anterior, a veces nos ocurre que casi cualquier foto gana interés si la viramos a monocromo. Sin embargo, eliminar la información de color no siempre es adecuado porque si no hay contraste o los colores se empastan, es muy posible que no sea recomendable convertirla.

Foto de Óscar Condés

Incluso si una escena tiene buen contraste es posible que dejarla en color sea la mejor estrategia, porque resultará más atractiva y natural. Es el caso del ejemplo que os pongo, aunque reconozco que la foto monocroma también me gusta pero, en su momento, la convertí casi de forma automática… Y eso es justo lo que se debería evitar.

Uso excesivo del viñeteado

Usar viñetas creadas en el postprocesado de la fotografía es algo bastante personal, pero resulta un efecto bastante artificial que puede ser útil en determinados casos pero se debería evitar abusar. Por ejemplo, en retratos puede ser una forma más de resaltar al protagonista, pero en paisajes quizá no sea lo más adecuado.

Foto de Oscar Condés

El ejemplo que he escogido creo que es bastante significativo, porque muestra como un ligero viñeteado puede ayudar a dar interés en la foto, pero un efecto demasiado marcado casi la estropea.

Abuso del HDR

He dejado para el final el que posiblemente sea el efecto más recurrente de los últimos años (aunque parece que se ha pasado un poco de moda). Hablo efectivamente del HDR o High Dynamic Range, esa técnica para conseguir fotos con alto rango dinámico que clarísimamente (creo) es el ejemplo de que el abuso es altamente pernicioso.

Foto de Eneas De Troya

Esta vez la foto que ilustra este punto no es mía (por eso no hay "antes y después") ya que, por una vez, apenas he incurrido en este error y sólo lo he usado unas pocas veces buscando siempre un resultado realista. Y es que las fotos en las que se abusa de esta técnica son totalmente irreales… y encima feas (es una opinión, claro), pero si se usa con tino es una solución totalmente recomendable para situaciones de alto contraste.

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El mundo de la fotografía HDR: ¿Cómo, cuándo y por qué?

Claro que me gustaría conocer vuestra opinión al respecto ¿Os parece que estos cinco errores que hemos mencionado son correctos o estamos exagerando? ¿Los habéis cometido? ¿Echáis en falta algo en la lista?

Hace poco os informamos que Pantone había lanzado su color para 2020, el ‘Azul clásico’. Por la mísma onda, Shutterstock acaba de anunciar, en una publicación interactiva, los que ellos creen serán los colores tendencia de 2020: Lava Lujosa, aqua menta y azul fantasmal.

Como cabe resaltar, el anuncio de estos colores suelen mostrar la tendencia hacia la que la publicad se mueve y los colores que veremos en la mayoría de piezas gráficas. A diferencia de la elección de Pantone, lo más llamativo de las elecciones de Shutterstock es que dan un rango que muestra claramente el contraste y rango de tonos sobre los que se mueve esta tendencia.

Este año, podemos ver lo bien que se complementan el color lava lujosa con el azul fantasmal y con el aqua menta. Son tonos que directamente resaltan a la vista. Por lo que no se debe hacer raro que el próximo año veamos el famoso ‘Teal & Orange’ hacer un regreso a las fotografías y vídeos alrededor de la web.

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Así puedes conseguir un estilo 'Teal and Orange' en un revelador RAW y Photoshop

Como reporta Fstoppers, en el reporte de Shutterstock también podemos ver las tendencias de color de algunos países. En España esta tendencia ha ido hacia el azul fantasmal, específicamente hacia el código de color #0000FF. Será interesante ver qué tan certero resulta ser esta predicción de tendencias.

La era actual nos exige que tengamos muy presentes las demandas del mercado. Como hemos mencionado antes, no es necesario ser multi-profesión. Sin embargo, cada habilidad que tengamos es un punto a favor al conseguir ciertos trabajos. Por eso es importante adquirir e integrar la habilidad del vídeo en nuestra vida.

Clientes y clientes

Con el progreso tecnológico de los sistemas fotográficos queda claro que uno de los enfoques clave en las compañías es el mundo vídeo. Hace poco vimos los lanzamientos de tres de las grandes marcas. En cada una de ellas vimos un enfoque distinto sobre su posición en el vídeo, pero es un elemento que ya no se puede omitir en las cámaras. Bien puede ser una ventaja más que es ideal para grabar vídeo blogs como la Sony A6600, una cámara enfocada de manera pareja para fotografía y vídeo como la Canon EOS 90D o una cámara pensada principalmente para la producción de vídeo como la Panasonic Lumix S1H.

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Panasonic Lumix S1H: toda la información sobre la cámara sin espejo de formato completo y montura L con grabación 6K/24p

Esta participación de la función del vídeo es una que las nuevas generaciones están aprovechando al máximo. No solo es una buena forma de promover su trabajo mediante publicaciones de detrás de cámara u opiniones y análisis en vídeos de YouTube. Esta generación está guiando el mercado al ofrecer paquetes enteros de foto y vídeo.

Muchos en el mercado siguen facturando en el mercado sin necesidad de agregar servicios de vídeo, ya tienen clientes fijos o tienen un sistema de trabajo inigualable. Muchos otros hemos visto cómo debemos agregar esta habilidad a nuestra oferta mediante una alianza con una persona experimentada en este campo o aprendiendo nosotros mismos, si bien podemos ofrecer imágenes únicas y tenemos clientes fieles, conseguir más mercado requiere que demos más en nuestro trabajo.

Sin embargo, existen varios fotógrafos que siguen la idea de que el mercado debe quedarse quieto para ellos. Y omitir este cambio tan notorio del mercado puede perjudicar mucho su vida profesional.

Si bien podemos ser principalmente fotógrafos, es ideal tener nuestros clientes felices y ofrecerles el mejor servicio. Así esto integre habilidades fuera de nuestro campo de acción principal.

También se aprende

Sin embargo el mundo del vídeo no solo es una habilidad para tener clientes felices. Es una de la cual podemos aprender mucho para mejorar nuestro estilo fotográfico, flujo de trabajo y procesos de planeación.

Este mundo exige que nuestra rigurosidad de planeación y calidad sea muy alta. Aunque siempre deberíamos tener esta rigurosidad, en fotografía un error o una molestia puede ser arreglada en postproducción de manera mucho más fácil que en vídeo (donde incluso cosas simples pueden volverse un dolor de cabeza). Esto hace que nuestra atención al detalle se amplifique en gran medida.

A nivel estético trabajar con acción, fuentes de luz contínuas y una puesta en escena hacen que el pensamiento sobre cómo utilizamos nuestras herramientas cambie drásticamente. Algo tan simple como poner un rebote sin que entre en el cuadro se vuelve un problema que modifica nuestra forma de pensar la ilumianción.

Estos factores hacen que nuestra forma de planear cada toma y de observar los momentos esporádicos sean aún más ágiles y efectivos. Esto hace que nuestra forma de hacemos algo mal en producción se convertirá en tiempos de postproducción. Todo el flujo de trabajo es más optimizado desde el inicio.

Si bien no es obligatorio que seamos expertos en vídeo, el mercado está evolucionando a que sea un elemento integral a nuestros servicios. Si queremos seguir creciendo en nuestra profesión, es una habilidad que es de gran importancia adoptar.

En fotografía, como en todas las artes, siempre ha habido modas. Y éstas, como nos dice la RAE, no son sino un uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país”. Y es que, como se suele decir, “lo malo de las modas es que se pasan de moda”. Pero, ¿y en el mundo de la fotografía? ¿Cuáles son las tendencias actuales y cuáles las más populares o polémicas del pasado reciente?

A lo largo de la historia de la fotografía ha habido muchas, algunas más exitosas que otras, y hoy día, con la popularización de la fotografía móvil y de redes como Instagram podríamos decir que las modas “están más de moda” que nunca. De algunas de ellas hablamos hace años: El Tilt-Shift, el Efecto Dragan, el Timelapse o la Lomografía.

Foto de Allef Vinicius

Algunas ya están bastante superadas y otras aún de plena actualidad. Sea como fuere, vamos a hacer un repaso a algunas de las tendencias que han sido populares en el pasado reciente (y pueden seguir siéndolo) y otras que están de plena actualidad.

Por supuesto, por muy polémicas que sean, nuestra intención es que las conozcáis, por si os sirven para desarrollar más vuestra creatividad como fotógrafos y sin entrar a juzgar su valía, que sobre gustos no hay nada escrito y todas las opiniones merecen respeto. Vamos a ello.

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Tendencias “clásicas”

HDR o alto rango dinámico

Además de los ya citados, en aquel artículo también incluimos el HDR (High Dinamic Range), ya que seguramente es una de las modas más populares, y también de las más controvertidas, de los últimos tiempos. Venerada por algunos y vilipendiada por otros, esta técnica de procesado consiste, como sabréis, en tratar de registrar el máximo rango dinámico en las fotos mostrando el mayor nivel de detalle posible tanto en las zonas de luces como en las sombras.

Foto de shontz photography

Su popularidad fue muy grande hasta hace pocos años y ahora parece haber decaído, más que nada porque su abuso es claramente pernicioso. Enamorados del efecto que produce, muchos fotógrafos lo han aplicado a todo tipo de situaciones, haciendo que todas las imágenes parecieran iguales y, sobre todo, muy poco realistas. Sin embargo, cuando se usa para resolver el problema de las situaciones de alto contraste sin caer en la irrealidad (es decir, sin que se note), es una técnica perfectamente válida y nada censurable.

Desaturación selectiva

Quizá por el nombre no os quede muy claro a qué nos referimos pero seguro que al ver la foto rápidamente habéis caído. Conocida en el lenguaje de Shakespeare como Spot Color, consiste tal y como ya contamos en pasar una imagen a blanco y negro salvo una parte que se deja en color, lo que inevitablemente llama la atención del espectador.

Foto de Oscar Condés

Un recurso muy efectivo para destacar un elemento, pero que, hay que reconocer, es demasiado fácil (no de hacer, que también) y, desde luego, muy evidente e irreal. Habitual en fotografía publicitaria, igual que en el caso anterior, la mejor receta es usarlo con moderación, aunque en este caso sí que es casi imposible utilizarlo sin que se note que lo estamos haciendo.

Soft focus

Otro efecto clásico, también conocido como ‘flou’, consiste en difuminar la imagen mediante alguna técnica (lo más común es usar un filtro específico o untar un UV con vaselina) con la idea de alejarse de la realidad, distorsionarla para crear un mundo bucólico y romántico.

Foto de Wikimedia Commons

Muy popular en los años 80, se ha utilizado hasta el infinito en retratos, especialmente en el ámbito de la fotografía de boda, aunque también en otros campos. Actualmente parece que está de capa caída, aunque seguro que se sigue usando. De nuevo, nada que objetar al respecto salvo lo que ya hemos apuntado en los anteriores puntos: La moderación es la mejor receta porque, claramente, no es algo que sea conveniente para todo tipo de fotos.

Pictorialismo fotográfico

Lo anterior, el soft focus, se inscribiría dentro de la corriente pictorialista de la fotografía que, como contábamos hace unos meses, es una tendencia muy antigua. De hecho surgió a finales del Siglo XIX como una forma de que la fotografía rompiera las cadenas que la unían a la pintura y dejara de ser simplemente un medio de la reproducción de la realidad.

‘El desahucio’ de la serie 'Murillo fotógrafo' de Laura León y Jose Antonio de Lamadrid

Se caracteriza, por tanto, por tratar de interpretar la realidad (cual pintor) y hacer que la fotografía se convierta en un arte por sí mismo (algo que hoy día no creemos que nadie dude). Fue la primera gran corriente del arte fotográfico y quizá por eso siempre ha estado ahí. Nunca desapareció del todo, en realidad, y parece que en estos momentos se encuentra de actualidad de nuevo e inunda las redes sociales en múltiples formas y manifestaciones.

Fotografía química e instantánea

¿Es una blasfemia decir que la fotografía química es una moda? Algunos pensarán que sí, otros que no, pero está claro que después del advenimiento de lo digital, y que la película química quedara claramente aparcada, nunca ha habido tanta gente haciendo fotos con una cámara “analógica”.

Foto de Caleb Woods

Por eso creíamos que tenía que estar aquí, lo consideremos tendencia o no. Porque ya no es sólo que la lomografía (de la que ya hemos hablado) siga en vigor, sino que las cámaras instantáneas han supuesto una revolución entre la gente joven y muchos también están descubriendo esa “magia” de la foto química que, en parte, se había perdido en el baúl de los recuerdos.

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Las modas más actuales

Alto contraste

Empezando con las tendencias más actuales, últimamente estamos viendo mucho el uso de un elevado contraste como medio de expresión. Sobre todo en fotografía callejera, donde encontramos un montón de ejemplos como este que os mostramos hace poco y una de cuyas fotos hemos usado de ejemplo.

Foto de la serie ‘Psilocybe’ de Antonio E. Ojeda

Como veis, se trata de buscar escenas con un elevado contraste que tiendan al blanco y negro puros, incluso en fotografías que no son monocromas. Imágenes donde los volúmenes y las formas, las líneas y las geometrías y, por supuesto, la luz se convierten en protagonistas casi absolutos.

Proceso cruzado y otros filtros

La popularidad de Instagram puso de moda los filtros y sus posibilidades para hacer que una foto “corriente” se convierta en algo mucho más aparente con sencillez. Sin embargo, esto no es nada nuevo y ya se realizaba en los tiempos de la foto química (por ejemplo usando líquidos como contábamos aquí) para conseguir cosas como el efecto de proceso cruzado que, en distintas variantes, sigue de plena actualidad.

Foto de Oscar Condés

Y es que, algo similar es lo que utilizan los instagramers de moda para conseguir que todas sus fotos tengan un look parecido. Muy respetable, aunque nosotros pensemos que hacer que todas nuestras fotos se parezcan es abusar del efecto (lo cual nunca es recomendable) y limitar nuestra creatividad.

El selfie

De nuevo nos surge la duda: ¿Podemos decir que los selfies son una moda fotográfica? Si nos ponemos puristas seguramente no, pero no podemos dudar de que en la actualidad se realizan miles de selfies todos los días, tantos que han llegado a convertirse en una causa de muerte.

Foto de Daniel Lincoln

Si somos fotógrafos hasta es posible que miremos con cierto desdén a quien, en un bello lugar, se limita a hacerse un autorretrato con el móvil en vez de tratar de captar la belleza del sitio. Sin embargo ¿quién no ha querido hacerse una autofoto cuando ha visitado algún lugar muy famoso? Claro que la pregunta clave aquí sería ¿dejarán de estar de moda los selfies?

En Xataka Foto

‘Stefdies’, cuando una artista decide crear los “anti-selfies” para dejar huella sobre la fugacidad de la vida

El “postureo instagramero”

Terminamos con esta tendencia directamente relacionada con la anterior y que llevamos “sufriendo” desde hace ya bastantes años. Tanto que incluso hay una cuenta en Instagram (@insta_repeat) que denuncia la falta de originalidad de muchas de las fotos de esta red social.

Foto de IB Wira Dyatmika

Hablamos, claro está, de esa moda tan extendida de publicar fotos que hacen que tu perfil de Instagram sea la envidia de cualquiera (no por las fotos, sino por lo que muestran), normalmente posando con determinadas posturas y en lugares exóticos, todo para sugerir lo cool o atrevido que es su autor (y con la intención de captar seguidores).

Foto de Lance Anderson

Y así hemos terminado pero, como siempre, no podemos hacerlo sin apelar a vuestra participación para completar el artículo. En este caso con más razón que nunca porque nos gustaría que nos contarais si os sobra alguna de las modas fotográficas que hemos incluido o si echáis en falta alguna otra. Gracias por anticipado.

Foto de portada | Anita Huber

El otro día descubrí este artículo de The Phoblographer donde dicen estar convencidos de que Canon por fin ha escuchado a sus usuarios y va a sacar una EOS R profesional de verdad. Un modelo que colme las expectativas puestas en el nuevo sistema y sea un buen golpe sobre la mesa ante el acoso de Sony en este sector. Así es cómo me surgió preguntarme ¿realmente escuchan las firmas del sector fotográfico las peticiones de sus usuarios? ¿Y de verdad les hacen caso?

La cosa también tiene que ver con el hecho de que, durante los años en los que he trabajado en el sector (especialmente los tres que llevo en Xataka Foto), cuando he acudido a una presentación de un nuevo modelo de cámara (o similar) ha sido bastante frecuente escuchar algo así como: “Hemos hecho tal o cual cosa como nos decían los usuarios” o “no hemos incorporado esta opción porque no es algo que demande el usuario”.

Vamos que son muchas las marcas que presumen de que hacen sus cámaras pensando en sus usuarios y escuchando sus sugerencias. Y, sin embargo, cada vez que se lanza un nuevo modelo no es difícil escuchar muchos comentarios de estos (osea, los usuarios) que se quejan de que la cámara no ha colmado las expectativas que tenían, o que le falta tal o cual cosa para que merezca la pena su compra.

En Xataka Foto

¿Son las cámaras cada vez más caras? Así han evolucionado sus precios en los dos últimos años

Está claro que la relación entre las marcas y el usuario ha cambiado mucho gracias a Internet y las Redes Sociales. Ahora “el otro lado” tiene una posibilidad mucho más directa de ofrecer su opinión, y las marcas no tienen otra que escucharles. Evidentemente es algo complicado, porque los usuarios pueden ser millones de voces de opiniones muy diversas (eso sin hablar de los posibles trolls), mientras que las marcas son una sola.

Sin embargo, muchas veces las críticas son bastante unánimes en ciertos puntos concretos. Por ejemplo, se critica a bastante que muchos modelos compartan características con otros modelos del catálogo pero estén “capadas” en otras. Tiene su lógica, desde luego, pero cuando se utiliza esta estrategia simplemente para diferenciar un modelo de gama alta de uno inferior entiendo (y comparto) las quejas perfectamente.

Evidentemente las marcas tienen que diferenciar sus modelos, y estos suelen responder a un tipo de usuario con unas necesidades concretas. Sin embargo, aunque a un usuario no profesional no le haga falta tener, por ejemplo, un cuerpo sellado contra los elementos, quizá se sienta decepcionado si piensa que por el precio que está pagando bien podría tenerlo.

Es decir, una cosa es que se ahorren dinero en la fabricación para ofrecer un modelo de precio más contenido, y otra muy distinta que no la incluyan para justificar la diferencia con un modelo superior. Y si estamos hablando de una cámara que sobrepasa la barrera psicológica de los mil euros, como es el caso de muchos modelos intermedios, creo (y lo he dicho en más de una ocasión) que por ese precio se justifica de sobra que tenga un cuerpo sellado.

En Xataka Foto

La fotografía es cada vez más automatizada, pero el fotógrafo no

“Es que entonces la gente no se va a comprar el modelo superior”, he oído decir alguna vez a algún responsable de una marca. Puede ser, creo yo, pero no creo que eso sea mayoritario, y pienso que a la hora de comprar una cámara el usuario tiene bastante claro lo que quiere (vamos, si quiere una cámara grande o pequeña) y no se va a dejar llevar por estas cosas.

Por eso yo les diría a los fabricantes que si quieren ofrecernos cámaras que comparten elementos (y ojo que el hecho de que muchas cámaras de gamas distintas tengan un mismo sensor y procesador responde sobre todo al ahorro de costes que supone la fabricación en masa) es cosa suya, pero que los usuarios ya somos mayorcitos para decidir qué es lo que necesitamos y que es lo que no.

No sé vosotros pero a mí me gusta que me den lo máximo por mi dinero. Y si hablamos de cámaras fotográficas normalmente estamos hablando de mucho dinero. Así que, señores fabricantes, por favor, procuren lanzar los mejores productos posibles y no sean tacaños con sus características. Piensen que una vez nos convenzan para “casarnos con su marca”, muy probablemente nos tengan enganchados por muchos años.

Foto de Marija Zaric

De cualquier manera, el objetivo último de la pregunta que he puesto como titular no era ofreceros respuestas (que no tengo). Aunque por mi posición como editor en Xataka Foto (que es una cosa intermedia entre el usuario y las marcas) por supuesto tenga mi propia opinión (que más o menos he intentado trasladar en este artículo), lo que de verdad me gustaría es conocer la vuestra. Cosa que os invito a hacer (como siempre) vía comentarios.

Foto de portada | Óscar Condés

Hace 24 meses (aproximadamente) nos propusimos responder a la pregunta de si las cámaras son cada vez más costosas con un ejercicio bastante simple: Comparar los precios que tienen de salida los últimos modelos que se han anunciado, con lo que tenían sus antecesoras al presentarse. Y lo hicimos con un artículo que, por supuesto, os recomendamos releer pero que ya tocaba actualizar con los lanzamientos de estos dos últimos años.

Porque la polémica sobre si las cámaras digitales son cada vez más caras sigue estando presente, aunque nuestra impresión es que no es un tema muy candente en los últimos tiempos. Al menos no ha habido grandes polémicas al respecto (o nosotros no las recordamos), con modelos que se hayan presentado con un precio tan elevado que los usuarios hayan "puesto el grito en el cielo", como ocurrió con la Canon EOS 5D Mark IV y la Olympus OM-D E-M1 Mark II que dieron pie al anterior artículo.

De todos modos nos parece que siempre es interesante ver cómo han evolucionado los precios de los modelos de los principales actores del mercado para tratar de responder a la pregunta inicial. Incluso, como ya hicimos entonces, considerar también en algunos casos cámaras anteriores que aún están en el mercado y, como ya sabréis, generalmente se pueden conseguir a precios interesantes. Lo que sí hemos descartado es volver a apuntar precios de segunda mano porque nos parece (corregidnos si no estáis de acuerdo) que no aporta mucho a la intención de este artículo.

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¿Son las cámaras cada vez más caras? Así han evolucionado sus precios

Cuestiones a considerar

Antes de pasar a hablar de modelos concretos hay que recordar que, como entonces, nos vamos a fijar en los segmentos de cámaras avanzadas y profesionales, considerando desde las compactas premium hasta las réflex, pasando por las sin espejo, que ahora mismo son las que parecen “tirar” del mercado (y dejando aparte las cámaras de formato medio). Esto es importante porque, como ya dijimos, la mayor popularidad de estos modelos puede hacer que las marcas “engorden” sus precios para compensar otros segmentos menos vendedores.

De hecho, este factor es el que parece influir más directamente en los precios de los distintos modelos. En este sentido, si hace dos años ya hablamos de que las cámaras que están arrastrando al mercado eran las sin espejo, las compactas avanzadas y, en menor medida, las réflex, podemos decir que esto se ha mantenido sin variaciones significativas.

Foto de Florian Klauer

Por supuesto tampoco podemos dejar de mencionar algunos otros factores que pueden influir en el precio de partida de una cámara. Hace dos años apuntábamos incluso cosas como las consecuencias del Brexit (tema aún candente), los terremotos que sufrió Japón durante los últimos años (algo que afortunadamente parece superado) o los tipos de cambio.

En cualquier caso, volvemos a recordar que no pretendemos con este artículo desentrañar el porqué de los precios de las cámaras, sino sólo intentar hacernos una idea de si es verdad o no que las cámaras son cada vez más caras de una forma lo más objetiva que se nos ha ocurrido.

En Xataka Foto

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Canon prolífica

El caso de Canon es seguramente el más productivo, porque en estos últimos 24 meses la firma nipona ha puesto en el mercado unos cuantos modelos, pero en la mayoría de los casos se trata de nuevas referencias que no sustituyen estrictamente a ninguna anterior. Es el caso de las sin espejo EOS M5 y M6, o de la novísima EOS R, pasando por la EOS M50. No así de la EOS M100, que se lanzó con un precio de 629 euros (con la óptica 15-45 mm), 80 euros superior a su antecesora EOS M10 cuando apenas había pasado un año.

En este segmento, eso sí, es interesante comprobar que las cámaras CSC APS mas avanzadas de la casa (las que tienen más tiempo) han sufrido una bajada importante de precio. Por ejemplo la EOS M5 cuesta ahora mismo (sólo cuerpo) 729 euros cuando su precio de salida eran 1200 (hace dos años, bien es cierto), e incluso se puede conseguir aún más barata en Amazon.

Por lo que toca a las cámaras réflex, tendríamos varios modelos “inéditos” como la Canon EOS 77, la EOS 2000D y 4000D de los que es difícil comparar precios. Sin embargo, sí que podemos hacerlo con la EOS 800D, que costaba de partida 869 euros (sólo cuerpo) frente a los 849/799 euros de las EOS 750D/ 760D (respectivamente), presentadas con dos años de diferencia.

Otra que también sustituía a modelo previo era la Canon EOS 6D Mark II, que salió por 2.169 euros frente a los 2.000 del modelo primigenio con una diferencia de cuatro años. Por contra, la EOS 200D salió al mercado con un precio 120 euros menor al de su antecesora (también con unos cuatro años de distancia) EOS 100D: de 850 a 729 euros (en el clásico kit con el objetivo 18-55 mm).

Por último, hay que hablar del apartado de compactas avanzadas en el que tenemos un caso como la Canon PowerShot G1 X Mark III que fue presentada en octubre de 2017 con un precio más de 400 euros superior al modelo sustituido, aunque bien es cierto que las diferencias entre ambos modelos eran muy importantes.

Conclusión: Canon, en general, ha seguido la política de subir precios pero no en todos los casos ni de forma exagerada.

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Fujifilm a lo suyo

Esta compañía es otra de las que ha tenido bastante movimiento en estos dos últimos años, con lanzamientos además que en la mayoría de los casos sí que venían a sustituir modelos ya conocidos con lo que es más fácil comparar precios. Es el caso por ejemplo de la Fujifilm XT20, que se anunció a comienzos de 2017 con un precio de 899 euros (sólo cuerpo) frente a los 699 de la X-T10, aunque la diferencia se reducía a la mitad (de 1.199 a 1.099 euros) si se optaba por el kit con un objetivo XF 18-55 mm.

Otra sin espejo de objetivos intercambiables, similar a la anterior, fue la Fujifilm X-E3 que vio la luz con una tarifa de 899 euros (sólo cuerpo) por los 699 de la X-E2S, que pasaban a ser 1299 o 999 (respectivamente) con el objetivo XF 18-55 mm.

También sin espejo, en los últimos 24 meses se presentó la Fujifilm X-A5, un modelo para usuarios principiantes (o menos exigentes) que costaba 599 euros con el nuevo objetivo (presentado conjuntamente a la cámara) Fujinon XC15-45 mm F3.5-5.6 OIS PZ. Por comparar, el precio del que sería su antecesora, la X-A3, era de 649 euros, pero bien es cierto que sólo se llevaban año y medio de diferencia y que la segunda se lanzó con una óptica de mayor coste (la XC16-50mm F3.5-5.6 OIS II).

Otro de los lanzamientos importantes de Fujifilm en este periodo ha sido la X-H1, primer modelo con estabilizador incorporado que llegó para situarse en lo más alto del catálogo de la casa. Por tanto, en principio no tiene con quién compararse, pero es interesante apuntar que su precio de salida, 1.899 euros, era ligeramente superior a los 1.800 y 1.700 que costaban la X-Pro2 y la X-T2 (respectivamente) en el momento de su lanzamiento.

También inédita fue la Fujifilm X-T100 que se lanzó por 699 euros con el Fujinon XC15-45 mm F3.5-5.6 OIS con la idea de ofrecer un modelo atractivo y asequible para el gran público.

En el campo de sus apreciadas cámaras compactas de gama alta, tenemos el caso de la Fujifilm X100F que salía por 1.399 euros frente a 1.199 de la X100T que databa de unos tres años antes.

Por último, hay que hablar de la Fujifilm X-T3, que se presentó en septiembre de 2018 con una tarifa a la baja: 1.500 euros solo el cuerpo y 1.899 euros con el objetivo Fujinon XF18-55mm, 199 y 100 euros menos (respectivamente) de lo que costaba en el inicio la X-T2. Una rebaja que en principio responde a la intención de plantar cara a la fuerte competencia en un sector, el de las sin espejo de gama alta, que en estos momentos vive la llegada de las nuevas Nikon y Canon con sensor full frame.

De cualquier manera, parece claro que Fujifilm sí que ha subido sus precios en este periodo. Que esta subida haya sido justificada o no es algo que no entramos a valorar, y que en todo caso dejamos a vuestro criterio, aunque es cierto que la bajada de precio de la X-T3 marca un precedente que nos gustaría se convirtiera en norma.

Nikon de transición

Esta legendaria marca no ha pasado su mejor momento en estos últimos dos años, pero ciertamente hace poco que ha iniciado una nueva época con la nueva familia Z que veremos los resultados que da. El caso es que ha presentado pocas novedades, aunque sí ha habido un par de modelos réflex avanzados y uno de iniciación.

La primera la Nikon D7500 , una réflex para aficionados entusiastas y exigentes que costaba de partida 1.500 euros frente a los 1.350 de su antecesora la Nikon D7200 (ambas cifras aproximadas porque esta firma no suele ofrecer el precio oficial de las cámaras cuando las presenta).

La novedad más llamativa de este casa en el periodo del que estamos hablando fue la Nikon D850, un modelo que ha dado mucho que hablar y que costaba 3.800 euros (sólo cuerpo) frente a los 3.300 del modelo anterior que, eso sí, databa de tres años antes.

En el campo de las réflex más sencillas, tenemos la Nikon D3500 que se presentó recientemente con una tarifa de 499 euros (aprox.) con un objetivo 18-55 mm, lo que sería prácticamente la misma cifra que la D3400 que sustituía (sin apenas cambios por cierto).

Concluyendo, con tan pocos lanzamientos es muy difícil sacar conclusiones aunque con loo visto podríamos decir que Nikon también ha hecho crecer los precios de sus cámaras.

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Moderación en Olympus

Otra que se ha prodigado poco en este periodo es Olympus, aunque es cierto que es una marca que tiene “su propio ritmo” y también que precisamente este 2019 cumple 100 años. Por ello, parece haber tenido “congelados” sus proyectos para celebrar su aniversario como se merece (como demuestra que haya sido la primera marca del año en anunciar novedades).

El caso es que, entre sus escasas novedades, tenemos la Olympus OM-D E-M10 Mark III, que se presentó en el verano de 2017 costando 649 euros el cuerpo, sólo 50 euros más que la Olympus E-M10 Mark II (que salió dos años antes) y con el mismo precio en el kit con el objetivo M.Zuiko Digital 14-42 mm 1:3.5-5.6 EZ Pancake.

La otra novedad de la casa fue la Olympus PEN E-PL9 presentada a primeros de 2018 con un precio de 549 euros solo cuerpo o 699 con la óptica M.Zuiko Digital 14-42mm F3.5-5.6 II R. Precios algo superiores a los 449 euros (cuerpo) o 599 en el kit con objetivo pancake 14-42mm de la E-PL8 que se anunció como un año y medio antes.

Como en el caso de Nikon, con tan pocas novedades es difícil decir si Olympus ha sucumbido a la tendencia alcista, pero lo que está claro es que sí, que las dos cámaras presentadas tenían un precio de partida algo superior a sus predecesoras. Otra cosa es que, no siendo una cantidad elevada, la subida esté bastante justificada.

Panasonic y sus “apilamientos”

En el anterior artículo ya pusimos de manifiesto la costumbre de esta firma de no hacer renovaciones “estrictas” de sus cámaras sino que prefiere sacar modelos intermedios o complementarios, lo que hace más complicado comparar precios tal y como estamos intentando.

No es el caso de la primera de las novedades de estos últimos dos años que encontramos, la Panasonic Lumix GH5, cuyo precio era de 2.000 euros frente los 1.500 de la Lumix GH4, una subida considerable a pesar de los tres años de diferencia entre ambos modelos.

El siguiente modelo que encontramos ya sí es un modelo que no sustituía a ningún otro. Hablamos de la Panasonic Lumix GX800, modelo cuyo precio de partida, 550 euros (con objetivo 12-32 mm), sólo lo podemos comparar con los 699,90 que costaba el modelo superior, la Lumix GX80.

Otro caso peculiar es el de la Panasonic Lumix G9, cuya antecesora estrictamente sería la Lumix G7. Sin embargo, al ver que la diferencia de precio es de más del doble (1.699,99 euros, sólo cuerpo, frente a 800 euros, óptica incluida), nos queda claro que los tiros van por otro lado, y en realidad la Lumix G9 no tendría una clara antecesora y la G7 habría sido sustituida por la Lumix G80.

Más sencillo (a pesar de tener nombre similar) es el caso de la Panasonic Lumix GX9, modelo que sí parecía ser un claro relevo de la Lumix GX8. Así, es fácil comparar el precio del modelo más reciente, 999 euros con un zoom 12-60 mm, con los 1.200, solo el cuerpo, del anterior.

Por último, en agosto de 2018 se anunciaba la Panasonic Lumix LX100 II, modelo de compacta premium que sin duda sustituye a la Lumix LX100 y cuyo precio pasó de 899 euros de la primera versión a los 950 de la más moderna, sólo 50 euros de diferencia a pesar de los cuatro años transcurridos entre uno y otro modelo.

Así, las cosas, en el caso de Panasonic parece más difícil aún sacar conclusiones, así que lo dejamos a vuestro criterio.

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La particular política de Sony

Y por fin llegamos a Sony, otro de los actores más activos del mercado en estos dos años y con una peculiar política de lanzamientos. Ya os la contamos en el artículo primigenio, y también solemos hacerlo cuando hablamos de sus modelos, pero conviene recordarla: Sony actualiza sus cámaras con bastante frecuencia con nuevos modelos que, en teoría, sustituyen a los anteriores y, sin embargo, no los retira del mercado.

La consecuencia es que se pueden encontrar múltiples referencias que a veces es difícil distinguir, pero con la ventaja de que haya muchos modelos donde escoger entre una amplia gama de precios (ya que las cámaras anteriores se rebajan). No es el caso de la Sony A9, el modelo tope de gama de su catálogo para profesionales que precisan de gran rapidez y que salió a la venta por 5.300 euros (pero que, menos de dos años después, cuesta 4.200).

Sí lo es sin embargo de la Sony RX10 IV, cuyo precio era solo 100 euros superior (de 1.900 a 2.000 euros) a su antecesora la RX10 III, que actualmente tiene un precio oficial de 1.600 euros.

También podemos comparar el precio de la Sony A7R III con su inmediata antecesora, la A7 R II y en este caso es a la baja: de 3.300 euros de la más reciente a 3.500 de la antecesora (que eso sí está ahora por 2.300 en la web oficial).

No sucedió lo mismo (que el precio fuera inferior) con la Sony A7 III, cuyo precio de salida fueron 2.300 euros frente a los 1.800 de la A7 II (que por cierto se mantienen hoy día como precio oficial).

Por último, hay que hablar de la “Saga RX100”, caso paradigmático de la convivencia de modelos en los escaparates de las tiendas. Si hace dos años ya hablamos de las Sony RX100 V, RX100 IV y RX100 III y RX100 II, a la familia se ha unido la Sony RX100 VI con un coste de salida de 1300 euros (100 euros superior a su antecesora). Esto ha supuesto que los modelos anteriores bajaran de precio, quedando los “escalones” en 1300, 1050, 950, 850 y 750 euros (respectivamente), aunque es evidente que el nuevo modelo sí que ha salido a la venta con un precio superior.

Así las cosas, aunque es difícil sacar conclusiones debido a esta especial política que Sony sigue con sus lanzamientos, sí que parece claro que la firma nipona ha seguido subiendo, moderadamente eso sí, el precio de sus productos.

El caso de las sin espejo full frame

Aparte de lo comentado sobre cada marca en concreto, no queríamos dejar pasar la oportunidad de hablar de otro tema interesante referido a los precios de las cámaras sin espejo con sensor de formato completo, los modelos que más están dando que hablar en los últimos meses.

Y es que si hace dos años apenas hablamos de ellas, ya que Sony era el único en este segmento, ahora nos parece interesante dejar por escrito los precios de las nuevas cámaras ya presentadas, para que quede constancia y podamos recurrir a ellos posteriormente.

Así, la nueva Nikon Z7 salió al mercado con un precio de 3.799 euros, la Nikon Z6 por 2.399 euros, y la Canon EOS R por 2.599 euros (en todos los casos sólo cuerpo).

Por supuesto aún no sabemos nada de lo que podrían costar las Panasonic S1 y SR1, pero sin duda será interesante conocerlo. Y, sobre todo, ver cómo se desarrolla la competencia en este nuevo sector y cómo afecta al resto de cámaras del mercado, especialmente a sus precios. Estaremos atentos.

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Conclusiones

Ya lo dijimos en el artículo original: Nosotros somos los primeros a los que las cámaras nos parecen caras de partida, y así lo solemos repetir cada vez que toca hablar del precio en un análisis. Pero seguramente la razón no es que las cámaras no valgan lo que cuestan, si no más bien que nos gustaría que costaran menos.

Foto de Ryu1chi Miwa

En este sentido sigue siendo muy recomendable no precipitarse a comprar justo cuando aparece una cámara y esperar un poco a ver si baja algo su precio. Y por supuesto también comprar justo cuando aparece un nuevo modelo, ya que eso supone una considerable rebaja en una cámara que con seguridad seguirá siendo muy válida.

Pero entonces ¿son las cámaras cada vez más caras o no? Pues repasando lo que hemos dicho a propósito de cada una de las marcas analizadas, parece que se puede concluir que sí, que cada vez son más caras, aunque el alza de los precios parece haberse moderado. Así, las subidas resultan bastante aceptables y justificables por el (supuesto) aumento de prestaciones que supone el lanzamiento de un modelo nuevo.

Foto de Jim Kalligas

Lo que no parece vislumbrarse desde luego es una bajada de los precios. Pero eso es algo que los fans de la electrónica en general (y la fotografía hace tiempo que entró en esa categoría) normalmente ya tenemos asumido. Difícilmente veremos una bajada de precio porque siempre se justificará uno igual, o superior, con una mejora o actualización de características. Aún sí, una vez más sirva este artículo para rogar a los fabricantes que piensen más en nuestros (normalmente) maltrechos bolsillos.

Foto de portada | Montaje realizado con las fotos de Sharon McCutcheon y Barrett Ward